A 18 Minutos del Sol
2023-06-03 - 2023-12-31 | MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES, Av. San Juan 350. San Telmo., CABA, Argentina
La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia, las cosmologías indígenas y la espiritualidad. En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia, y toda la historia del arte de nuestro país, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos, para entender cómo es el mapa que creamos, desde el sur, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos.
La exhibición subraya los lazos populares, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos.
Curaduría: Javier Villa y Marcos Krämer
Artistas participantes: Erik Arazi, Nicolás Bacal, Gonzalo Beccar Varela, Antonio Berni, Diego Bianchi, Erica Bohm, Martha Boto, Manuel Brandazza, Adriana Bustos, Colectivo Cabezudxs, Feliciano Centurión, Mauricio Cerbellera, Elda Cerrato, Germaine Derbecq, Sebastián Diaz Morales, Diana Dowek, Faivovich & Goldberg, Beatriz Ferreyra, Pauline Fondevila, Lucio Fontana, Raquel Forner, Gertrudis Frischenschlager, Daniel García, Carlos Luis García Bes, Maia Gattás Vargas, Noemí Gerstein, Sebastián Gordín, Víctor Grippo, Diego Gravinese, Alberto Greco, Silvia Gurfein, Miguel Harte, Alberto Heredia, Alicia Herrero, Alfredo Hlito, Agustín Inchausti, Enio Iommi, Gyula Kosice, Fernanda Laguna, José Luis Landet, Benito Laren, Daniel Leber, Lux Lindner, Raúl Lozza, Lea Lublin, Víctor Magariños D., Liliana Maresca, Juan Melé, Sebastián Mercado, Estanislao Mijalichen, Mauro Millán, Emiliano Miliyo, Ad Minoliti, Eduardo Molinari, Eduardo Navarro, Héctor G. Oesterheld, Ogwa, Martha Peluffo, Alicia Penalba, Andrés Pereira Paz, Emilio Pettoruti, Duilio Pierri, Alberto Pilone, Micaela Piñero, Rogelio Polesello, Marcelo Pombo, Emilio Renart, Francisca de los Reyes, Ingrid Roddick, Federico Roldán Vukonich, Christian Román, Hernán Salvo, Damián Santa Cruz, Rubén Santantonín, Mario Scorzelli, Francisco Solano López, Xul Solar, Cecilia Sosa, Grete Stern, Axel Strachnoy, Diana Teira, Julián Terán, Colectivo Thañí/Viene del monte, Andrés Toro, Joaquín Torres García, Rodrigo Túnica, Adrián Unger, Georges Vantongerloo, Gregorio Vardánega, Mariano dal Verme, José Villalonga, Adrián Villar Rojas, Wüsüwül Wirka A Pana, Osías Yanov, Yente.
A 18 Minutos del Sol
100 Artistas Argentinos en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350. Buenos Aires

03/06/2023 – 31/12/2023

EscenaLab 4.0 Arte, tecnología y futuro Relanzamiento en el Rojas
2023-06-15 - 2023-10-19 | Centro Cultural Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
El Centro Cultural Rojas dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA, relanza el programa EscenaLab en clave 4.0. y transforma su programación desde una óptica de nuevas tecnologías y sus vínculos con el arte visual, arte sonoro, instalaciones interactivas y experiencias inmersivas. El primer encuentro, tiene el foco puesto en el arte digital y la inteligencia artificial. Consta del conversatorio «IA flecha al corazón del Arte Digital«, donde en un panel, expertos/as reflexionan e intercambian ideas sobre el impacto de esta tecnología en el proceso de creación artística. Participan de la charla Celina Pla – productora y gestora cultural de arte digital electrónico -, Rodrigo Alonso – curador, crítico y escritor de arte y nuevos medios -, Fabiana Barreda -performer, instalacionista y artista multimedia- y Diego Alberti – artista que desarrolla su obra mediante computadoras-. Asimismo, se inaugura e/pxl, el espacio de arte digital permanente en el entre piso del Rojas, con una muestra, curada por Guillermo wili Peloche, que presenta la obra de Lolo Armendáriz. Además, en búsqueda del cruce interdisciplinario de las artes, y con la intención de fomentar la participación de las mujeres en la escena del arte y las nuevas tecnologías, se presenta en cooperación con el programa Amplify D.A.I. , Artlab, Fundación Williams y el British Council un DJ SET a cargo de Jennitza, música, clarinetista, live performer, investigadora y docente.
Las actividades de la nueva programación de EscenaLab 4.0. tienen previsto su desarrollo durante todo el segundo semestre, ofreciendo cursos, masterclass, laboratorios de experimentación, y eventos presenciales con artistas, curadores/as, investigadores/as, y referentes del arte y la tecnología.

Miguel Diomede. Desmaterializar la pintura
2023-07-22 - 2023-10-22 | Museo Benito Quinquela Martín, Av. Don Pedro de Mendoza 1835, CABA, Argentina
El Museo Benito Quinquela Martín presenta la exposición antológica de Miguel Diomede, “Desmaterializar la pintura”.
Emblema del siglo de oro de La Boca, Diomede dedicó su vida a la búsqueda de la quintaesencia del arte. La exposición contará con préstamos provenientes de 15 colecciones privadas y públicas, en un esfuerzo por reunir un corpus de obra de lo más variado y nutrido. Paisajes, bodegones y retratos atraviesan la totalidad de su carrera y dan cuenta de su comprometida actitud frente al oficio pictórico.
La muestra podrá visitarse hasta el 22 de octubre en las salas del museo.

Yamila Valeiras. Curadora MBQM

Bárcena, Cascón, Castañeda, Larrecochea, Mantegani, Perrotta Historias circulares
2023-08-24 - 2023-10-20 | Galería Francisco Vidal • Casa de Córdoba, Callao 332, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
Esta propuesta es resultado del encuentro de 6 miradas profundamente vitales, apasionadas y de alto vuelo plástico y creativo en torno al concepto de lo no lineal.
En dicho encuentro con las diferentes historias de vida, cruzadas por la fuerza transformadora del arte de cada uno, se abrieron, dejando a la vista una compleja red de vasos comunicantes con su nutritiva carga. De esa intimidad atravesada partieron las obras.
Desde diferentes disciplinas (pintura, escultura, cerámica, dibujo y objeto) ésta muestra colectiva se presenta como un escenario que pone en cuestión nuestra propia naturaleza.
Resulta muy adecuado interpretar el arte como lugar de encuentro o cruce de caminos que permite establecer múltiples niveles de lectura.
No se trata de acumular elementos sin más, ni de generar categorías huecas, sino de ofrecer un destilado o un mínimo común denominador que ayude a entender mejor la entraña misma del ser humano en diálogo con nuestras historias circulares.
Artistas
Gabriela Bárcena / Gonzalo Cascón / Mariano Castañeda Javier Larrecochea / Roger Mantegani / Claudia Perrotta
Del 24 de agosto al 20 de octubre de 2023
Lun. a vie. de 10 a 17 hs.
Galería Francisco Vidal • Casa de Córdoba
CABA • Argentina.

"Conjeturas. Explorando el arte hoy"
2023-08-26 - 2023-11-26 | FUNDACIÓN PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito, Buenos Aires, Argentina
Desde el 26 de agosto y hasta noviembre próximo se presenta en Fundación Proa un conjunto de obras de destacados artistas contemporáneos argentinos. Con la curaduría del crítico e historiador Rodrigo Alonso, reúne piezas de Andrés Aizicovich, Sergio Avello, Elena Dahn, Iara Freiberg, Mauro Giaconi, Silvia Gurfein, Alicia Herrero, La Chola Poblete, Analía Sabán, Mariela Scafati, Alan Martín Segal, Juan Sorrentino, Amparo Viau y Dolores Zinny & Juan Maidagan.
“Conjeturas. Explorando el arte hoy” es una invitación a adentrarse en la especulación artística y el descubrimiento visual. Mediante una variedad de medios y estilos, los trabajos que conforman la exhibición ofrecen una interpretación del presente, explorando temas que van desde la identidad y la política hasta el medio ambiente, la cultura y la tradición. “La exposición plantea interacciones entre los trabajos de diferentes artistas argentinos contemporáneos, trazando un posible panorama. Se presentan obras de artistas argentinos radicados en el exterior – que crean en otros entornos culturales- junto a artistas que producen en el contexto local. La apuesta ‘conjetural’ propone verificar hasta qué punto nos reconocemos en esta variedad de realizaciones”, explica Alonso.
Dispuestas en el espacio expositivo, las obras seleccionadas mantienen un diálogo fluido y transversal al tiempo que, sin proponérselo (o sí), sintonizan con las complejidades de un mundo en permanente estado de conjetura. A lo largo del recorrido por las salas, artistas y espectadores se encuentran invariablemente con cuestionamientos e incertidumbres, sin certezas acerca del futuro.
Con el auspicio de Tenaris – Ternium la exhibición “Conjeturas. Explorando el arte hoy” se completa con herramientas didácticas como videos de sala, textos y un extenso programa público con actividades pedagógicas organizadas por el Departamento de Educación de Fundación Proa con el objetivo de profundizar en las temáticas propuestas en la exhibición, y en la producción artística contemporánea.

Créditos
Curador
Rodrigo Alonso
Coordinación general
Cecilia Jaime – Mayra Zolezzi
Organiza
Fundación Proa
Auspician
Tenaris – Ternium
Diseño de imagen
Mila Fiuza – Guillermo Goldschmidt
Diseño expositivo
Pablo Zaefferer
Conservación
Teresa Gowland
Iluminación
Jorge Pastorino
Videos
Ananda Rigoni Aller
Prensa
Marina Gambier – Ana Clara Giannini – Alba Rodríguez Arranz
Programas Públicos
Rosario García Martínez
Educación
Noemí Aira
Educadoras
Sonia Gugolj – Melina Herrero – Pilar Victorio
Equipo de montaje
Florencia Cassini – Javier Ferrante – Santiago Migliavacca – David Pinzón Müller – Leonardo Toresín – Nicolás Valverde – Paula Varetti

Artistas
Andrés Aizicovich
Sergio Avello
Elena Dahn
Iara Freiberg
Mauro Giaconi
Silvia Gurfein
Alicia Herrero
La Chola Poblete
Analía Sabán
Mariela Scafati
Alan Martín Segal
Juan Sorrentino
Amparo Viau
Dolores Zinny & Juan Maidagán
Prestadores
Los artistas y Familia Avello
Sprüth Magers, Berlín
Agradecimientos
Victoria Bassetti
Macarena Boiani
Magui Castaño
Carla Colombo
Galería Arróniz Arte Contemporáneo, México
Galería Nora Fisch, Buenos Aires
Galería Grasa, Buenos Aires
Galería Tanya Bonakdar, Nueva York
Camilo Guinot
Lola González
Diana Grieco
Herlitzka & Co., Buenos Aires
Benjamín Lallier
Elías Leiro
Matías Miranda
Emiliano Miliyo
Sol Mollo
Leopoldo Mones Cazón
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Pasto Galería, Buenos Aires
Revolver Galería, Buenos Aires
Santiago Rey
SMOL. Cámara de proyectos
Eric Sauerhering
Jordan Strafer
Francisco Tripodi
Taller Yerua
Mateo van Thienen Lalys

Luces y sombras de lo humano de Arturo Aguiar
2023-08-29 - 2023-10-17 | Centro Cultural Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
Luces y sombras de lo humano
«A través de una estética única Arturo Aguiar nos invita a sumergirnos en un universo visualmente cautivador y profundamente reflexivo. En cada una de sus obras, Aguiar aborda problemáticas como la inequidad social, la desaparición de ecosistemas donde naturaleza y humanidad convivan en equilibrio, la soledad, la vanidad, el tránsito hacia lo desconocido, el destino, la adicción a lo tóxico y la creación en el arte. Sus imágenes -sublimadas en seda- desafían los límites tradicionales de la fotografía, capturando sus escenas con una técnica innovadora que fusiona la fotografía y la pintura, donde la luz se convierte en metáfora y el espectador es llevado a reflexionar sobre cuestiones fundamentales al contemplar la belleza y complejidad de estas imágenes como un reflejo de la existencia».
Curaduría: I.A.Gala Pandora Torrent

Leonel Luna Palimpsestos, la memoria de las imágenes
2023-08-29 - 2023-10-17 | Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes 2038, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
Las imágenes que utilizamos para reflejar nuestro mundo, desde la invención de la fotografía digital hasta nuestros días, adquieren hoy mediante las redes sociales, una superposición infinita de visualizaciones que se multiplican, conformando así, información inconclusa. Son fragmentos de un todo y efímeros aspectos de nuestro presente, llegando incluso a reinterpretar imágenes del pasado.Estas obras que expongo exploran esta superposición y el poder de las imágenes en constituirse y cobrar sentido para nuestra percepción, más allá de su fragmentación. Lo visible adquiere forma según el contexto en el que vivimos y se convierte en representación de las cosas que reconocemos.El poder iconográfico de las imágenes va más allá de la noción de verdad y se convierte en una ilusión compartida, en un subtexto que visibiliza lo que deseamos. La tecnología viene en nuestra ayuda para completar el círculo de creación y reproducción.El autor-creador asistido, inmerso en la vida cotidiana, se encuentra en la encrucijada entre el acto ético y estético. La diferencia radica en el diálogo de lenguajes que permita explorar nuevas posibilidades y significados.

La exposición participó de la Semana del Arte 2023 que se desarrolla del 27 de agosto al 3 de septiembre y nuclea diversas instituciones de la ciudad de Buenos. Aires.

Leonel Luna es artista y profesor en la UNA y la UNDAV estudió Bellas Artes. Fue investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM México. Cofundador del Programa TRAMA de cooperación entre artistas (2000). Obtuvo la Beca Antorchas para participar del Taller de Barracas con Luis Benedit y Pablo Suarez (1994-95). Y fue seleccionado para la Beca Kuitka (1994). Su producción artística se centró en la recreación de imágenes fotográficas con tratamientos digitales con un enfoque irónico y reflexivo para mostrar eventos particulares tanto del pasado como del presente histórico, apropiándose de destacadas obras de artistas rioplatenses. Entre sus proyectos se destacan los que exploraron el terreno de la ficción, dando vida a personajes como Natalio Artigas Pujol en «Itinerarios de un desconocido», Koczy LLojevo en «Cuadros de Situación», August Guinard en «Tres años en cautiverio» y la reconstrucción de «Naufragio» en el Patio de Maniobras de la Vieja Aduana de Buenos Aires. Fue seleccionado para el envío argentino a la Décima Edición de la Bienal de la Habana (2009). Obtuvo el 3er Premio Categoría Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales (2022), 2do Premio ArtexArte (2017), Mención Honorífica en Fotografía, Premio Banco Nación de Artes Visuales (2016), 1er Premio Homenaje al Pueblo Ranquel (2009), 2do Premio Roggio Museo Emilio Caraffa (2008), 3er Premio Salón Nacional de Rosario (2008/2001), Premio Leonardo en Arte Digital MNBA (2003), Premio Konex Diploma al Mérito en Arte Digital (2002), Premio Artista Joven del Año Asociación Argentina de Críticos (2002). Su obra integra las colecciones de los museos MAMBA, MEC, Castagnino+MACRO, MUMA, Ñandé Mac, Banco Central de la Nación Argentina, Fundación Arte x Arte y de las principales colecciones privadas del país y el extranjero
Rodrigo Alonso es profesor y curador independiente. Licenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Argentina, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). Profesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Universidad del Salvador (USal) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), Buenos Aires, Argentina. Es también profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD), Barcelona, España.  Profesor invitado en importantes universidades, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. Escritor, crítico y colaborador en libros, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires, 2002), Ansia y Devoción (Buenos Aires, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York, 2004). Se desempeña asimismo como curador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina, y en prestigiosas instituciones europeas. Vive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona.

Palimpsestos | Leonel Luna
Del 29 de agosto al 17 de octubre
Lunes a sábados de 10 a 20 h
Espacio de Arte
Entrada Gratuita

Premio Adquisición 8M Ediciones 2021-2022-2023 en Casa Nacional del Bicentenario 23/09/2023 - 31/03/2024
2023-09-23 - 2024-03-31 | Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, CABA, Argentina
La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la exposición PREMIO ADQUISICIÓN 8M. Ediciones 2021-2022-2023, con los trabajos premiados en las tres ediciones de este certamen: 48 nuevas obras de arte contemporáneo que han sido incorporadas al patrimonio nacional.Se exhiben pinturas, esculturas, fotografías, videos, cerámicas, textiles e instalaciones que dan cuenta del trabajo de artistas argentinas provenientes de Mendoza, Santa Fe, Tucumán, Misiones, Corrientes, Córdoba, San Juan, Salta, Neuquén, la Provincia de Buenos Aires y CABA, en un recorrido sensible y material por temáticas y preocupaciones que las atraviesan de manera transversal: la sexualidad, la identidad, la maternidad, las tareas de cuidado, la educación, la religión, el cuerpo, la violencia, la poesía, los miedos, las ilusiones, los vínculos, las tradiciones.
El Premio Adquisición 8M, destinado a artistas mujeres, lesbianas, travestis, trans y no binarias/os, es la primera convocatoria impulsada desde el Estado nacional, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación, con el apoyo del Ministerio de las Mujeres, Géneros y Diversidad. Se enmarca en las múltiples acciones para conmemorar el Día Internacional de la Mujer Trabajadora y desarrollar políticas tendientes a revertir la desigualdad de género en todos los campos del arte y de la cultura. Se lleva adelante desde 2021, con el objetivo principal de revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas.
Se podrá visitar hasta el 31 de marzo de 2024 en el primer piso de la Casa de miércoles a domingo de 15 a 20hs en Riobamba 985.
Por Valeria Roberta González
Secretaria de Patrimonio Cultural
Ministerio de Cultura de la Nación

Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo
2023-09-27 - 2023-10-29 | CCK, Sarmiento 151, CABA, Argentina
El Centro Cultural Kirchner continúa rindiendo homenaje a los artistas más relevantes del país y presenta la exhibición Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo. Con curaduría de Federico Ruvituso –director del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti– y Viviana Mallol –directora del Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo–, la exposición recupera parte fundamental de la obra de Florencio Molina Campos, uno de los pintores más populares del país. Reúne trabajos que recorren la vida del artista, desde su infancia y obra gráfica, hasta sus reconocidas ilustraciones en almanaques de Alpargatas y de Estados Unidos, a sus últimas creaciones.

Se trata de un hecho histórico que reimagina el porvenir de este fundamental creador, reconocido por todas y todos como un artista del pueblo. Las representaciones más celebradas de nuestro campo, el humor y la ternura de sus paisanos y chinas, ombúes, caballos, llanos, pulperías, fiestas y payadas se rescatan en su pintura humorística y poética, que cuenta sobre una visión única del territorio nacional y del pueblo argentino.

Esta colección que hoy se expone estuvo a punto de extraviarse para siempre, debido al manejo poco claro de quienes eran responsables de resguardarla. Pudo recuperarse y exhibirse de forma itinerante en la Provincia de Buenos Aires a partir de la intervención de la Fundación Florencio Molina Campos y del trabajo interinstitucional del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, el Municipio de Moreno, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti de La Plata, el Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo de Luján, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y los aportes de la familia del artista.

Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo forma parte de una política cuyo fin es recuperar, reparar y revalorizar nuestra historia, para poder garantizar el acceso y el disfrute del patrimonio de los artistas, para que los habitantes de nuestro territorio puedan visualizar, compartir y hacer cultura.

Curaduría: Viviana Mallol y Federico Ruvituso
Producción: Centro Cultural Kirchner

Agradecimientos
Florencia Saintout, Mariel Fernández, Denis Turnes, Paloma Sánchez, Gonzalo Giménez Molina, Fernanda Brigues, Ernesto Bauer, Federico Aliaga, Cintia Muñoz, Hernan Tulisi, Juan Carlos Malpeli, Juan Carlos Alba Posse, Tomás Viviani, Victoria Onetto, Pedro Delheye, Mariana Ortiz Losada, Vicente Linares, Sofía Ampugnani, Eduardo Aller, Lisandro Novak, Giuliana Pates, Alberto Orsetti, Celina Yusso, Maite Pelaez, Paula San Cristobal, Analía Santangelo, Ayelen Nievas, Angélica Rodríguez, Paula Illarregui, Gustavo Pérez, Elizabeth Fernández y Lucrecia Giménez

La exhibición puede visitarse hasta el 29 de octubre, de miércoles a domingos, de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas..

https://www.cck.gob.ar/…/florencio-molina-campos…/

Pan y Trabajo de Alejandro Kuropatwa
2023-09-28 - 2023-10-28 | Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, CABA, Argentina
“Pan y Trabajo”es el título de la serie de fotografías inéditas que tomó Alejandro Kuropatwa cerca de 1984 a unas amigas, una de ellas con sus hijos, una propuesta que juguetea con la solemnidad de estos motivos, a la vez que plantea un escenario de “familia, propiedad, trabajo, sociedad” diverso. Subvertido. Este material de archivo se completa con la pieza de video“Aurora e Himno Nacional Argentino”, producido por Kuropatwa Producciones en 1988, en el que aparecen Divina Gloria y Peter Pirello, del grupo Caviar, en una parodia de la escuela, los símbolos patrios y las instituciones, cantando el Himno Nacional sobre un fondo de asados a la cruz. La pieza fue exhibida en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) hasta que un vendedor de pulóveres de la calle Florida lo denunciara por considerarlo “pornográfico” y tuvieran que retirarlo de la exposición. La censura sobre las libertades artísticas y el modo en que el humor o la ironía en el arte es abordado y cancelado es un tema que al día de hoy sigue siendo tema de debate y reflexión.
Alejandro Kuropatwa
Pan y Trabajo, c. 1984. Aurora e Himno Nacional Argentino, 1988 en Casa Nacional del Bicentenario

28/09/2023 – 28/10/2023

La muestra se podrá visitar hasta el 29 de octubre en la sala 302, en el tercer piso de la Casa Nacional del Bicentenario en Riobamba 985.
De miércoles a domingos de 15 a 20hs.
Entrada libre y gratuita

Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires
2023-09-28 - 2024-02-04 | Museo Nacional de Bellas Artes, Av. Del Libertador 1473, CABA, Argentina
Hasta el 4 de febrero puede visitarse la primera muestra antológica que el Bellas Artes dedica a uno de los pioneros del arte argentino, con curaduría de Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco.
El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 28 de septiembre a las 19, en el Pabellón de exposiciones temporarias, “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires”, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco.
“Esta exposición es producto de la exhaustiva investigación de un equipo interdisciplinario coordinado por las curadoras del proyecto ‒afirma el director del Museo, Andrés Duprat‒. La labor de Malosetti Costa y Vanegas Carrasco, comprometida con echar luz sobre los relatos y los sucesos que fundamentaron un incipiente arte moderno nacional, ha hecho posible que el Bellas Artes presente al público esta retrospectiva de Sívori, la primera que tiene lugar en nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a su figura en 1919”.
“En esta muestra ‒explican las curadoras‒ nos hemos propuesto reunir la obra pictórica y gráfica de Eduardo Sívori (1847-1918), toda la que hemos hallado hasta ahora, con el propósito de dar inicio a una catalogación razonada de la vasta producción de esta destacada figura, a quien se conoce apenas por algunos grandes cuadros como ‘Le lever de la bonne’ (El despertar de la criada), con el cual suscitó el primer escándalo artístico en Buenos Aires, en 1887”.
Según las especialistas, Sívori fue quien desplegó una producción artística más amplia y sostenida entre los primeros modernos argentinos. Era el único que había viajado a Europa a comienzos de la década de 1870 y que, al regresar, compartió con sus jóvenes amigos las ideas acerca de la modernidad artística francesa y la pintura al aire libre. Constante y profesional, envió obras a todos los salones parisinos durante su estadía en la capital de Francia y expuso en cada salón argentino, desde su regreso a Buenos Aires hasta su muerte.
Dedicó su vida no solo a la creación de un arte nacional, sino también a la enseñanza, la conformación y el sostén de instituciones artísticas. Además de fundar la Sociedad Estímulo, participó en la organización de las exposiciones del Ateneo, y fue un actor clave en la creación del Museo Nacional de Bellas Artes, la nacionalización de la Academia de Bellas Artes y la organización de los Salones Nacionales de Artistas desde 1911. Fue también pionero en la introducción del grabado al universo de las bellas artes y de su inclusión en los programas de enseñanza artística en el país.
“Hemos dividido esta amplia exposición en cinco secciones con un orden que, si bien no es estrictamente cronológico, permite seguir el hilo de los intereses, las líneas de reflexión, los ideales estéticos, las redes de afectos y la trascendencia de este pintor singular de la historia del arte en la Argentina”, agregan Malosetti Costa y Vanegas.
Integran la muestra cerca de 200 obras, fotografías, documentos y objetos personales provenientes de colecciones públicas y privadas, entre los que se cuentan pinturas, dibujos, acuarelas, gouaches, grabados y afiches creados por Sívori y algunos de sus discípulos.
“Entre las piezas reunidas, pueden verse los paisajes que realizó tempranamente, las pinturas naturalistas y de crítica social del período parisino, las numerosas representaciones de la pampa argentina y los retratos que dedicó a sus afectos”, detalla Duprat.
“Otra sección de esta muestra se propone destacar el modo en que Sívori ejerció de maestro de la generación siguiente, así como su rol de pionero en la revitalización del arte nacional a través de la introducción de técnicas en ese momento ausentes en nuestro medio”, completa el director del Museo.
“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” podrá visitarse hasta el 4 de febrero de 2024 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo, de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

Al rojo vivo
2023-09-28 - 2023-12-28 | Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA, Argentina
Al rojo vivo no es una retrospectiva: es la apertura de “los archivos” que contienen el imaginario de una mujer pionera y multifacética, que en esta exposición montada en tres salas vinculadas entre sí, abre el cuerpo de su obra para presentarlo desde una mirada contemporánea, invitando a un viaje con ideas convocantes, sentido del humor, sugestión y poesía.
Un cosmos construído por el cruce de artes plásticas, escénicas y visuales, la música y el rock. Nuevas y viejas tecnologías al servicio de estas prácticas, funcionan como herramientas junto a la iluminación y la banda sonora, creando situaciones teatrales que Renata Schussheim utiliza para construir esta obra nueva.
Algunos hitos de su producción vinculada al rock y al arte colaborativo que realizó junto a Charly García, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura, con fotos de Jorge Fisbein, Eduardo Martí, Gianni Mestichelli, Martin Gurfein, José Luis Perotta y Gabriel Rocca, estarán exhibidos en distintos formatos y soportes.
Habrá además vídeos, dibujos, animaciones, gigantografías, collages, esculturas, elementos corpóreos y dispositivos escenográficos, vestuarios y figurines de toda su trayectoria.

Sala Cronopios
Contiene obra plástica donde se exhiben imágenes proyectadas que conviven con dos mitos teatrales: la Reina Roja, personaje de “Alicia”, un espectáculo de Oscar Araiz inspirado en el cuento de Lewis Carroll; y la Reina de la Noche de la ópera de Mozart “La Flauta Mágica”, con puesta de Sergio Renán.
Sala C
Dedicada al teatro, la ópera, el musical y el ballet, exhibe vestuarios y figurines que dieron vida a cientos de personajes de varios de los espectáculos en los que Renata participó. Una docena de trajes de distintos estilos, realizados a lo largo de su trabajo, forman un impactante ejército rojo. En el pasillo lateral veremos diseños de diferentes producciones.
Sala J
Dedicada a la música, particularmente el rock, al trabajo que Renata realizó con Charly García, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura. Alberga una gigantografía del dibujo creado para la tapa del álbum “Música del alma”, de García, y una deconstrucción de esa obra que presenta extractos de la misma. También se verá un cortometraje documental inédito, hecho con fragmentos de recitales, entrevistas y videoclips.

SOBRE LA ARTISTA Y LA CURADORA

Sobre la artista, Renata Schussheim
Es una artista plástica que desarrolla su obra como dibujante, pintora, escultora, directora de arte y diseñadora de vestuario, considerada un ícono de la cultura en nuestro país y con reconocimiento internacional.
Desde 1969 expone en forma individual en las galerías de arte más importantes de Argentina y muchos de sus trabajos han sido exhibidos en Ciudad de México, Rio de Janeiro, Sao Paulo, París, Lille, Nápoles, Torino y Ginebra.
Ilustra libros y realiza publicaciones en revistas de Buenos Aires y Nueva York. Ha sido invitada al Festival de Nantes donde presentó su instalación “Homenaje a Carlos Gardel” y al Festival de Teatro de Caracas con su exposición “Confidencial”. Otros trabajos de similar envergadura fueron “Travesía”, “Nave” y “Epifanía”, expuestos en el Centro Cultural Recoleta y en el Museo Nacional de Bellas Artes.
También trabajó en muchas de las óperas dirigidas por el español Emilio Sagi en España, Francia, Portugal y Rusia. En 2023 fue declarada ¨Personalidad destacada en la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires¨.
Sobre la curadora, Romina Del Prete
Es escenógrafa y licenciada en Artes del Teatro. Estudió pintura, fotografía y guión. Cuenta con un Posgrado Internacional sobre Gestión y Política en Cultura y Comunicación.
Como Diseñadora de producción y Directora de arte, realiza proyectos de cine, publicidad, teatro, tv, contenido y espectáculos.
Ha trabajado en España, Italia, Perú, Brasil, Uruguay, Chile, Paraguay y Venezuela, además de recorrer Argentina, diseñando espacios y filmando. Como gestora produce y cura muestras e instalaciones en museos y centros culturales. Es docente titular de la carrera Dirección de arte, en ENERC. Se dedica al dibujo como práctica artística.
La exposición «Al rojo vivo» de Renata Schussheim es organizada con el apoyo de Fundación Medifé.

Pinta BAphoto
2023-09-28 - 2023-10-01 | La Rural – Pabellon 8, Av. Sarmiento 2704, CABA, Argentina
Pinta BAphoto, la feria de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica, anuncia su 19ª edición, que se llevará a cabo del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2023. Este año, el encuentro artístico dedicado a la promoción, difusión y comercialización de fotografías vuelve a La Rural, un espacio emblemático para la cultura en la ciudad de Buenos Aires, ubicado en Av. Sarmiento 2704, CABA.
Diego Costa Peuser, director de Pinta BAphoto, compartió su entusiasmo por esta edición: “Será un encuentro imperdible que reunirá a más de 100 fotógrafos, proporcionando un viaje inmersivo a través del fascinante mundo del arte. En esta edición, decidimos homenajear a Boleslaw Senderowicz por su destacada trayectoria y su gran trabajo de registro y documentación a través de icónicas fotografías que han capturado momentos cruciales tanto en la cultura argentina como en el mundo. Esta distinción es nuestro tributo a su influencia y dedicación, que han dejado una huella imborrable en el mundo de la fotografía”.
Desde su creación en 2005 con la inauguración de BAphoto, pasando por Pinta en 2007 y PArC en 2013, las ferias de Pinta Group han sido testigos de la evolución de los paradigmas artísticos en América. Estas ferias han crecido en experiencia y se han convertido en un faro para artistas, curadores, coleccionistas, galeristas, instituciones públicas y privadas, así como amantes del arte en general. Este universo conecta, convoca y atrae a todos aquellos que valoran el talento y la gestión en el mundo del arte.
https://baphoto.pinta.art/

Premio Nacional de Pintura del Banco Central. 15 años En Centro Cultural Kirchner
2023-10-04 - 2023-11-19 | Centro Cultural Kirchner, Sarmiento 151, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
El Centro Cultural Kirchner y el Banco Central de la República Argentina (BCRA) presentan el Premio Nacional de Pintura Banco Central. 15 años. La exposición reúne 41 obras pertenecientes al acervo del Banco Central de la República Argentina (BCRA) obtenidas a través del Premio Nacional de Pintura. El certamen comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino e incentivar la participación de artistas locales y aumentar la colección pictórica a través de una política de adquisición de obras.
Con curaduría de Rodrigo Alonso, las obras seleccionadas configuran un corpus representativo de la historia reciente de la pintura local, así como de la actualidad de la pintura en el panorama contemporáneo. En la colección dialogan obras de artistas históricxs como Josefina Robirosa y Liliana Porter con piezas de nuevas generaciones de artistas que investigan lo pictórico desde el presente y que exploran las amplias posibilidades que se despliegan entre la figuración y la abstracción, dando cuenta así de la diversidad de la escena artística argentina.
La exhibición está integrada por obras adquiridas durante los quince años de existencia del concurso, bajo las categorías de Gran Premio Homenaje, Primer Premio, Primera Mención Jóvenes Artistas, Premio Jóvenes Artistas y Primer Premio Jóvenes Artistas. De este modo, el Premio Nacional de Pintura Banco Central de la República Argentina, se configura como un certamen imprescindible para el incentivo del arte contemporáneo argentino y la promoción del acceso a la producción visual de nuestro país.

Artistas en exhibición
Carlos Alonso, Julia Andreasevich, Valentina Ansaldi, Delfina Bourse, Celina Eceiza, Diana Dowek, Alfredo Dufour, Sara Facio, Guadalupe Fernández Santamaría, León Ferrari, Alfredo Frías, Jorge González Perrin, Agustín González Goytía, Silvia Gurfein, María Gimena Herrera, Magdalena Jitrik, Gyula Kosice, Silvana Lacarra, Alfredo Londaibere, Valeria Maggi, Gustavo Marrone, Ad Minolitti, Luis Felipe Noé, Paula Otegui, Margarita Paksa, Diego Perrotta, Liliana Porter, Alfredo Prior, Alejandro Puente, Agustina Quiles, Josefina Robirosa, Tulio de Sagastizábal, Hernán Salamanco, Jorge Sarsale, Marcia Schvartz, Agustín Sirai, Elsa Soibelman, Clorindo Testa, Diego Vergara, Luis Wells, Ana Won.

La exhibición se puede visitar a partir de su inauguración, el 4 de octubre a las 18 h, y hasta el 19 de noviembre, de miércoles a domingos de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas.
Sobre el Premio de Pintura del Banco Central
El Premio Nacional de Pintura del Banco Central comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino, incentivar la participación de artistas locales y aumentar el acervo pictórico del Banco Central a través de la adquisición de obras.
A través de una muestra itinerante de la colección premiada, las obras del acervo pictórico del Banco Central han recorrido la mayoría de las provincias estimulando el contacto con la comunidad y democratizando el acceso a la cultura visual.
En 2018 la iniciativa recibió la distinción “Mecenazgo en el siglo XXI” de pptArt por la promoción sostenida del arte visual argentino desde 2007, galardón que reconoce a las instituciones que participan activamente en el desarrollo de las artes y la sociedad en más de 28 países. También, en 2017, fue declarada de interés por el Ministerio de Cultura de la Nación y en 2010 obtuvo el Premio Eikon en la categoría Campaña Patrocinio o Sponsoring Cultural.
El centenar de obras que conforman el acervo pictórico del Banco Central son patrimonio de todas y todos los argentinos y representan el entramado de cultura e identidad del país.
Rodrigo Alonso es licenciado en Artes, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 publicó una recopilación de sus principales textos titulada Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina.
Como curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes ciudades del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum, Fundación Proa, Buenos Aires, 2018); Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2017); Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; GAMEC, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, 2012-2013, con Paulo Herkenhoff); Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda, México, 2013, con Sarah Cook); Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral, Chile, 2013); Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein, Fráncfort, 2010). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado y asesor de fundaciones artísticas internacionales.

Memoria Una exposición retrospectiva de Boris Lurie
2023-10-11 - 2023-11-26 | Centro Cultural Borges, Viamonte 525, esquina San Martin, CABA, Argentina
La muestra se exhibirá en dos sedes: el Museo Judío de Buenos Aires ubicado en Libertad 769 y en el Centro Cultural Borges. La Boris Lurie Art Foundation (BLAF) imprimió un catálogo bilingüe que se presentará en el marco de las exposiciones. En ambas sedes la entrada es gratuita.
El título de la exposición, Memoria, abre la mirada hacia nuestra propia historia. Este artista nos deja el legado de su lucha por la verdad y la justicia. Su arma fue mostrar y no ocultar, con la esperanza que estos actos de horror y violencia no se vuelvan a repetir jamás.
Inauguración: miércoles 11 de octubre, 18 h
Cierre: 26 de noviembre
Sobre Boris Lurie (1924 – 2008)
Nació en Leningrado, en el seno de una familia judía. Con el crecimiento del Estalinismo, su familia se mudó a Riga, capital de Letonia. Tras la ocupación nazi en 1941, la familia fue dividida por género y reubicada en dos guetos diferentes. Su abuela, su madre, su hermana y su novia fueron víctimas de la masacre de los bosques de Rumbula junto a 36.000 mujeres y niños. Boris y su padre fueron trasladados a los campos de Lenta, Salapils y Stutthof en Alemania donde, obligados a realizar trabajos forzados, lograron sobrevivir. En 1945, las tropas americanas concretaron su liberación. Su conocimiento del alemán y el inglés le permitió traducir documentos para las tropas aliadas, lo que le valió el visado para emigrar a Estados Unidos en 1946. Junto a su padre se instalaron en Nueva York, ciudad donde su otra hermana vivía desde antes del Holocausto. Ese mismo año comenzó su carrera como artista. El arte para él fue su vida, su terapia y un modo de protestar contra el racismo, el antisemitismo y la hipocresía social que encontró en los Estados Unidos durante la guerra fría. El trauma del Holocausto lo llevó a canalizar su duelo a través del arte.
Junto a los artistas Sam Goodman y Stanley Fischer fundaron el “NO! Art Movement”, un movimiento artístico de vanguardia cuyo período más activo fue entre 1959 y 1964. Esta corriente fue creada con el objetivo de abordar temas como el imperialismo, la sociedad de consumo, el sexismo, el mercado del arte, la vulgaridad y la depravación. El Movimiento NO! Art buscaba la autoexpresión de las personas que condujera a la acción social, así como visibilizar los mecanismos de poder y criticar la creciente cultura del consumismo y el entretenimiento. Algunas de las obras de este período se caracterizan por la fusión del erotismo comercial con el holocausto dejando al desnudo la frivolidad del ambiente de la época y la ignorancia histórica. Esta es una de las razones por las cuales sus trabajos se encontraron con la indignación y el rechazo de los críticos, coleccionistas y los actores del mercado del arte establecido.
Se sumaron a este movimiento artistas como Rocco Armento, Isser Aranovici, Yayoi Kusama, Enrico Baj, Herb Brown, Allan D´Arcangelo, Erró, Dorothy Guillespie, Esther Morgestern Gilman, Allan Krapow, Jean-Jacques Lebel, Suzanne Long, Michelle Stuart, Aldo Tambellini y su gran amigo Wolf Vostell, entre otros. Si bien el NO! Art muestra similitudes con el Pop Art, el grupo disentía y condenaba al «Arte Pop» porque lo percibían como banal, como un arte de moda que buscaba aturdir en vez de hablar de temas importantes. El Movimiento se reflejó originalmente en la Galería de Gertrude Stein de Nueva York, y se manifestó en otras numerosas salas y museos de Estados Unidos, Europa e Israel.

"Sinfonía de signos" de Josefina Di Candia"
2023-10-13 - 2023-11-26 | LA CASA DEL ARTISTA PLASTICO, Ava. Belgrano y Sto. Cabral, Rosario, Santa Fe, Argentina
En Rosario

«Sinfonía de signos» de Josefina Di Candia»

El próximo viernes 13 de octubre, a las 19, en la Casa del Artista Plástico de Rosario, Sto. Cabral y Av. Belgrano, se inaugura la muestra “Sinfonía de Signos” de Josefina Di Candia, en la Sala Raúl Gómez;
La curaduría es de Daniela Zattara.

En la sala “Raúl Gómez” de la Casa del Artista Plástico de Rosario, se inaugura la muestra “Sinfonía de signos” de la artista plástica porteña Josefina Di Candia, en la Sala “Raúl Gómez”. En el Texto de Sala se puede leer: “En el lienzo las geometrías se entrelazan en una danza abstracta de color. Josefina Di Candia, fiel a sus indagaciones sobre la abstracción lírica, convierte sus obras en un viaje estelar donde la textura se funde con la emoción, creando un abrazo inusual entre la ruda arpillera y el dócil pañolensi. La tela se le ofrece y se adapta sin imponerse; mientras el color óptico, concéntrico, le da una dinámica personal. La dicotomía entre entrada y salida de los colores y sus áreas se convierte en un juego caleidoscópico. Las curvas orgánicas y el cuadriculado en constante movimiento representan su vitalidad, el instante de energía, el gesto perpetuo en un espacio sin límites. Sus obras cobran vida, palpitan, y siguen su propia canción.

En esta sinfonía de signos, ella convierte la geometría en música y el color en libertad, creando una experiencia visual y haciéndonos partícipe del inicio de esta nueva serie”.

Por su parte, la artista plástica Josefina Di Candia escribió sobre su muestra: “El azar no peca de frivolidad, ni superficialidad, no desea hacerse ver. Tiene la virtud de un hilo delgado y sutil, pero eterno, que se une con el misterio de lo oculto y lo intimo. No quiere aparentar, ni ser, porque ya es en su manifestación irracional; es la magia de lo impredecible, de lo que no podemos controlar, ni demostrar autoría, ni lucirnos con su hallazgo, ya que no depende de nosotros, se aparece irrumpiendo en la vida con la sutileza de un mazazo y ahí está sin más.

El despojo de vanidades es su campo de acción, ahí viene… olvidándose del ego burgués de una sociedad. El invento humano devora al mismo que lo invento. El azar es una desconocida fuerza, renovadora de inconsciencia del no saber, misterioso y de fuerza fatal, porque es el que decide todo el juego de la existencia.

El azar no tiene dudas, nos sorprende con su presencia y se conecta con el centro de nuestra existencia, negocia con Dios en un no/sentido”

Bio Josefina Di Candia

Licenciada Nacional en Artes Visuales. Artista multidisciplinaria. Como artista plástica participó en diversas muestras colectivas e individuales, tanto en Argentina como en el exterior, obteniendo reconocidas distinciones por su obra. Expuso en el Museo de Salta, M. Sivori. Galería Shchukin, París y NY, Banco Nación, Salón de los pasos perdidos, Congreso de la Nación, Salón M. Belgrano, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones. En su actividad docente se destaca la creación de los talleres de artes plásticas del Museo Nacional de Arte Decorativo desde 1992, continuando su actividad docente a la fecha como también, docente de la Universidad Nacional de las Artes desde el 2006. Fue partícipe y docente en la fundación del taller de Guillermo Roux. UMSA, dirección de arte. Se desempeña como curadora. Escribe críticas/ textos sobre distintos artistas (España y en Argentina)

Contacto www.josefinadicandia.com / @josefina_di_candia_arte
