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SUMMARY:No me le afloje la Cola a la Vaca. Víctor Quiroga
DESCRIPTION:El próximo viernes 6 de Diciembre a las 20:30 hs se inaugurará en la sala principal del Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro (9 de julio 44) “No me afloje la cola a la vaca”\, una exposición retrospectiva del artista tucumano Víctor “Tito” Quiroga. La misma permanecerá en exhibición hasta Marzo del 2020; y podrá ser visitada de martes a viernes\, de 9 a 12:30 y de 16:30 a 20:30 hs; sábados y domingos de 16:30 a 20:30 hs. y feriados de 17:30 a 20:30hs. Entrada libre y gratuita. \nQuiroga es uno de los máximos exponentes de la pintura tucumana de las últimas décadas. Sus obras narran sobre los mitos y leyendas populares de Argentina y de la propia identidad tucumana. De tenor costumbristas\, están enmarcadas en un “realismo mágico” entre lo rural y lo universal\, donde se ven sucesos cotidianos o paisajes a veces conocidos\, a veces oníricos\, de esencia romántica\, irónica\, intimista\, social y ancestral; donde la vida diaria es atravesada por mitos y leyendas de las culturas originarias locales. \nEl artista cuenta algo de lo que sucede en sus obras\, piezas de color efusivo\, sin miedo a exagerar la forma ni la cromática. Aparecen diferentes escenas de la vida\, como un personaje que jugaba a la pelota o unos amigos tomando vino. Pero quizá lo más llamativo de su pintura son los prodigiosos cielos que cubren esas escenas que destilan cultura popular por donde se las mire. \nSegún Esteban Blanco\, en la obra del artista a veces nos encontramos con un arte que nos parece extrañamente familiar\, casi una memoria archivada\, pero para el cuál no tenemos apoyo en la experiencia: “la pintura de Víctor Quiroga nos provee precisamente este sentido de deja-vu sensual. Estas escenas de sueños\, pobladas de personajes escapados a Thomas Hart Benton\, se revelan a una luz fantasmagórica en la que flotan animales mágicos – algunos amenazantes y sugestivos –\, en otras\, una claridad cegadora baña personajes y objetos con la misma tonalidad espectral pero del otro lado del registro cromático. \n“Un rumor de cielo surca caminos de aire. En la noche. En el alba. Gestos de machetes deambulan en el pupo del cañaveral. Fauces perrunas. Ciegos. Sordos. Mudos. Rostros de la indiferencia arropan las garras de la droga. Rojos. Negros. Desvisten el sufrimiento en la inercia del cuerpo. De la mente. Siglo del árbol caído. Cerro de nubes. Ráfagas de baile en el patio de tierra del año nuevo. Vaca suspendida de tiempo… \n…Sueño de niño en la calle del techo del mundo. Manos de la vergüenza. Del llanto. Cubren la indignación de la Libertad. Un horizonte se bifurca en ese murmullo de cielo que desarropa la vida. Algo de esto vive en las sombras y en el alma de los pinceles de Víctor Quiroga.” Huellas del Horizonte\,                                        por Roberto Espinosa. \n  \nHasta marzo 2020 en el Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»\, 9 de Julio Nº 36\, San Miguel de Tucumán\, Tucumán\, Argentina
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SUMMARY:Juan Vallejo\, ultraconceptos
DESCRIPTION:«La filosofía es una búsqueda de Ultraconceptos’ dice Vallejo\, artista tucumano que en su madurez convirtió su obra en un gran proyecto de investigación espiritual que cautiva y establece una conexión íntima con el espectador.\nEn esta exposición el artista a través de un espíritu inquisitivo y creativo explora conceptos metafísicos como la relación espacio-tiempo y la percepción subjetiva del color. \nCada una de sus piezas es una fusión de materiales autóctonos con un magistral uso de la simbología. Vallejo nos invita a una conexión profunda con la naturaleza\, con el universo\, con nuestra propia existencia. Conceptos como el tiempo-espacio y la refracción de la luz operan su magia sobre la percepción reposicionando al espectador frente al mundo. \nEs un desafío que este artista tucumano plantea a los visitantes\, junto a la curadora Carolina Pampliega. Ultraconceptos es un juego lúdico entre el creador y su público que nos lleva a una conexión con nuestras raíces y a una profunda reflexión existencial. \nArtista conceptual\, creador solitario\, sutil\, original y de una búsqueda personal que lo hace universal. \nEn los años 70 Juan Vallejo inicia en su Tucumán natal una indagación filosófica y espiritual adentrándose en los cerros de Colalao y dotando de un sello único a su obra. La técnica del pixelado propia del período Cumbres da lugar a la serie Geometría Simbólica donde su trabajo se vuelve más abstracto y expresivo. Vallejo se anima a jugar con texturas\, matices y materiales\, conjugando su lado artesanal con la esencia de un pensamiento trascendental. \nA través de un espíritu inquisitivo y creativo\, Juan Vallejo explora conceptos metafísicos como la relación espacio-tiempo y la percepción subjetiva del color. La geometría cobra su máxima expresión en los Ultraconceptos\, término utilizado por Juan para referirse a “aquella idea que elude ser expresada en palabras”. A lo largo de su obra se ve reflejada no sólo la lógica numérica que inspiró a Pitágoras\, sino también los pares contradictorios de Aristóteles y la Teoría del Color de Goethe\, reforzando la naturaleza dialéctica de su pensamiento. Mediante un majestuoso uso del color y la incorporación de signos y símbolos meticulosamente colocados en los espacios más recónditos de su obra\, el artista nos invita a deconstruir la realidad y cambiar nuestro posicionamiento frente al mundo. \nLa exposición permanecerá abierta hasta el lunes 11 de mayo de 2020. \nInformación general\nHorario:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes de 13 a 19 h\nSábados\, domingos y feriados de 10 a 20 h.\nMartes cerrado. \nDirección:\nAv. del Libertador 2373\, C.A.B.A. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Popular José Hernández\, Av. del Libertador 2373.\, CABA\, Ciudad de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Daniel Ontiveros
DESCRIPTION:La exposición\, curada por María Teresa Constantin\, toma el título de una obra de 2017: NOSOTROSLOSOTROS. En palabras de la curadora: «Una obra que aparece como un posicionamiento en el mundo del arte. Nosotros los otros\, nosotros (y) los otros\, nosotros (somos esos) otros. Un texto fragmentado\, frontal\, que en el uso del pluralnos incluye.» \nCon más de 50 obras\, entre pinturas e instalaciones\, esta exposición\, reúne obras realizadas entre 1978 y la actualidad. Dentro de este período de tiempo\, la elección de temas en palabras del artista\, es tan amplia «como la vida misma». Sus intereses son múltiples y pueden resultar en apariencia contradictorios\, sin embargo su producción siempre gira en torno a la identidad\, la historia (nacional o del arte) y la memoria. \nEl despliegue de las obras en la sala de Arroyo 807\, permite un acercamiento a las problemáticas abordadas por el artista. Entre ellas\, el recurso de las citas\, a veces críticas u homenajes a importantes referentes de la historia del arte universal\, y nacional\, convierten un muro de la sala en un museo carancho. En otro sector\, la presencia de un gran número de obras de la década de los 90 pone en cuestión la noción de «Arte Light«. Por otro lado\, una instalación sobre Malvinas\, con el uniforme del propio artista ex combatiente «inicia un amplio proceso de identificaciones» en palabras de Gustavo Buntix\, que se extiende de su propia experiencia a la historia argentina. \nEl montaje de esta exposición se extiende al taller donde se realizan actividades prácticas con las escuelas públicas que asisten a las visitas guiadas en el Espacio de Arte de la Fundación OSDE\, con la obra El merendero. \nEn efecto\, la pintura producida durante la crisis de diciembre de 2001\, con un teléfono y un texto\, pedía donaciones para el merendero dónde los chicos de Constitución podían ir a comer algo y tomar la leche. Así\, Ontiveros contradecía los dichos de algunos colegas sobre la idea de que nunca el arte había servido para darle de comer a un chico. \nLa exposición podrá visitarse hasta el 16 de mayo y en el marco de la muestra se llevarán a cabo\, además de los ya habituales recorridos con el artista y la curadora\, una serie de encuentros con especialistas para reflexionar en torno al concepto de memoria y a la memoria sobre Malvinas en particular. \n+ INFO
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LOCATION:FUNDACIÓN OSDE | Espacio de Arte\, Arroyo 807. Esquina Esmeralda\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Mildred Burton - Fauna del País
DESCRIPTION:El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se enorgullece en presentar esta exposición de gabinete de la obra de Mildred Burton (Paraná\, 1942-Buenos Aires\, 2008). Mediante sus pinturas y dibujos\, la artista construyó un mundo doméstico alocado y opresivo\, para develar la animalidad agazapada en los cuerpos humanos. Así\, creó un imaginario fantástico que narra de un modo silencioso los ecos del último tercio del siglo XX en la Argentina. \nDurante cuarenta años de producción\, Burton combinó las referencias más variadas: la tradición inglesa de las artes decorativas del siglo XIX\, como el movimiento Arts & Crafts\, el surrealismo de Max Ernst y René Magritte\, y el realismo político de la pintura argentina de los años setenta y ochenta. Pero sus referencias más perdurables fueron la literatura fantástica y los cuentos populares infantiles\, a partir de las cuales creó una gran novela visual sobre el ámbito familiar y sus conflictos. \nCon estas herramientas\, Burton ejerció una crítica directa a lo cultural al invadirlo con lo salvaje\, y entendió que el mejor modo de encontrar sus tensiones era haciéndolos convivir en el centro mismo del hogar. Fusionó en su obra dos mundos aparentemente contrapuestos como la naturaleza y la civilización\, poniendo en contacto las formas humanas con las animales al punto de su transformación bestial. Al mismo tiempo\, inyectó vida fantástica en los objetos más cotidianos\, como un banco o una taza\, para producir un extrañamiento dentro de la realidad más corriente. \nAl hacer foco en la tradición de la familia occidental y el clima que la resguarda\, pero abriéndole grietas con estas mixturas entre humanos\, animales y objetos vivientes\, Burton hizo de sus personajes vehículos simbólicos que cargan en su cuerpo la identidad nacional\, llena de exuberancia natural y crueldades sociales. Así\, su obra ofrece un espiral delirante que se despliega desde la quietud del hogar hasta la totalidad de la sociedad argentina que le dio origen. Esto la ha convertido en una pieza excéntrica de su generación y en una referencia ineludible de los sentires contemporáneos. \nMildred Burton (Entre Ríos\, 1942 – Buenos Aires\, 2008) estudió en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Entre Ríos y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”. Tras ser premiada en varios salones nacionales y provinciales\, en 1973 inició una larga serie de exposiciones en Buenos Aires. En 1974 ganó el prestigioso premio Marcelo de Ridder y su obra pasó a formar parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.Conformó el grupo Posfiguración y realizó una innumerable cantidad de exposiciones en distintas galerías y museos argentinos. En la década del ochenta\, mientras realizaba performances junto a Federico Klemm y colaboraba con las Madres de Plaza de Mayo\, Mildred Burton comenzó a recibir un merecido y creciente reconocimiento. \n+ INFO
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LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Santiago Iturralde: La pintura desnuda
DESCRIPTION:Están frente a una Obra Sinfónica que prescinde del intelectualismo de moda y de aquel acomodaticio. Cierto es\, que no necesitan estos esfuerzos y trabajos tributarios de la Pasión de toda una Vida\, un “análisis técnico”\, simplemente porque Resisten\, se niegan a ser aprehendidos. Si la Libertad es la posibilidad de poder elegir atarse a lo que uno Ama\, aquí tienen un cabal ejemplo. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/santiago-iturralde-la-pintura-desnuda/
LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Remedios Varo - Constelaciones
DESCRIPTION:El próximo jueves 5 de marzo Malba inaugura CONSTELACIONES una exposición antológica de REMEDIOS VARO (Anglès\, Girona\, 1908 – Ciudad de México\, 1963)\, figura central del surrealismo y del arte fantástico latinoamericano y referente ineludible de la escena mexicana de mediados del siglo XX\, que nucleó a un extraordinario grupo de artistas e intelectuales exiliados. \nLa exposición da cuenta de su producción más relevante y es la primera dedicada a la artista que se realiza en Argentina. Plantea un recorte temporal que va de 1938 a 1963 y se centrará especialmente en las obras realizadas durante el exilio de la artista en México\, a partir de 1942. Se exhibirán aproximadamente 35 pinturas\, 11 dibujos y 60 bocetos. \nInauguración con entrada libre y gratuita. \nA las 18:00 se realizará una conversación pública con los curadores de la exposición\, Victoria Giraudo\, Jefa de Curaduría de Malba\, y Carlos A. Molina\, Curador en Jefe de MAM. Las entradas se entregarán una hora antes en la recepción del museo. Cupo limitado. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/remedios-varo-constelaciones/
LOCATION:MUSEO MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Catalina Chervin -  Atmósferas y Entropía
DESCRIPTION:La artista plástica Catalina Chervin inaugura el viernes 6 de marzo de 2020 su muestra “Atmósferas y Entropía” en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, MACBA (Av. San Juan 328\, CABA). \nLa exposición\, curada por Ángel Navarro\, reúne obras de gran formato pertenecientes a series como “De los paisajes Escritos” o “De las pequeñas marcas”\, e incluye una selección de dípticos de 2 x 3 metros\, de su serie “Street Art”. En ellas\, Chervin utiliza pluma\, lápiz\, tintas y carbón para plasmar sobre el papel formas\, líneas\, manchas que se yuxtaponen y tejen texturas\, luces y sombras. \n“Las obras de Catalina parten de un signo mínimo\, una partícula elemental\, marca que deja su pluma\, plumín\, o rotring para que\, como un demiurgo\, comience a armar un mundo extraordinario\, etéreo y sutil”\, sostiene Navarro en su texto curatorial. “Creaciones signadas por formas que se acercan a lo biológico\, con sombras que acentúan ciertas áreas dotando de dramatismo a esos seres que palpitaban en su fondo blanco”\, agrega. \nAcerca de su obra\, Chervin escribe: “Hay un vacío en mi obra\, la expresión de un vacío que se llena de formas. Formas que parecen ser órganos\, pájaros\, fragmentos de un cuerpo humano cortado en mil pedazos\, monstruos de una mitología propia\, paisajes\, torres donde la multitud se cae y se desparrama armando un mundo e inundando el espacio. Formas que conforman un tejido sinuoso que se ensambla  amordazándose\, donde cada figura se engendra y engendra a otra simultáneamente hasta el infinito”. \n“Atmósferas y Entropía” podrá visitarse hasta el 3 de mayo de 2020\, de lunes a viernes de 11 a 19\, y sábados y domingos de 11 a 19:30. El ingreso al MACBA tiene un costo de $150 (miércoles: $100)\, mientras que estudiantes\, docentes y jubilados acreditados\, abonan $100 y los miércoles ingresan gratis. \nEn paralelo a la muestra habrá una agenda de actividades especiales todos los fines de semana de marzo\, que combinará performance\, poesía\, dibujo y música. \nAdemás\, se presentará un libro con una cuidada edición que reúne una selección de obras realizadas entre 1998 y 2020\, junto con textos críticos de especialistas como Ángel Navarro\, curador de dibujo antiguo del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina; Norman Kleeblatt\, curador en jefe por más de cuatro décadas del Jewish Museum de Nueva York y actual copresidente de AICA-USA (Asociación Internacional de Críticos de Arte)\, y la escritora británica Susan Owens\, quien fue curadora de pintura del Victoria and Albert Museum. También analizan la obra de Chervin en esta publicación la historiadora del arte austríaca Marietta Mautner Markhof\, curadora del Museo de la Albertina hasta el 2018\, y el curador\, escritor y profesor del Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York (NYU) Edward J. Sullivan\, especialista en arte hispano-portugués\, entre otras importantes figuras del mundo del arte. \n+ INFO
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LOCATION:MACBA | Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, San Juan 328\, San Telmo\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Ángel Giovanetti: Fragmentos de pentágonos
DESCRIPTION:Desde hace una década\, la obra del artista Miguel Ángel Giovanetti sitúa en el centro de su abstracción geométrica al pentágono. En un principio\, esta figura apareció como parte integrante del dodecaedro y\, luego\, como unidad en sí misma vinculada a reflexiones provenientes de la filosofía en diálogo con las artes visuales\, en ambos casos. Siempre dotándolo de libertad de movimiento y distintas apuestas compositivas de la mano de la pintura\, el dibujo y elcollage. Hasta llegar a los más recientes trabajos\, donde este polígono regular parece estallar con la fuerza delBig Bangarrojando al espacio múltiples fragmentos que\, a diferencia de otros momentos en su producción\, adquieren la importancia de unidades autónomas constituidas por grupos de líneas rectas paralelas de variado cromatismo y armoniosos ritmos. \nEstos fragmentos de pentágonos privilegian el dibujo\, realizado con bolígrafo con gel sobre papel\, en la construcción pormenorizada de las líneas. La trama de intención perfeccionista cede su rigidez ante una diversidad de colores vibrantes y delicados con predominio de verdes\, anaranjados\, amarillos\, rojos y azules. Las tonalidades se combinan también en función de los cambios de grosor de las rectas en las diferentes series. La potencia del fragmento –de raíz moderna y vanguardista– se asocia en la obra de Giovanetti\, asimismo\, con el diseño gráfico y textil. En su dinámica propuesta plástica\, los dibujos pueden evocar imágenes fantásticas como las de pentagramas que no temen multiplicar su magnitud y romper con la horizontalidad o las depatternsen constante búsqueda y modulación de un destino. \nLa figura recortada se eleva con sutileza sobre el fondo del papel en algunos conjuntos mientras que\, en otros\, se sumerge levemente al estar rodeada por unpassepartoutsiguiendo su perímetro. En tanto\, el movimiento prevalece en cada obra al proponer una dirección distinta en el espacio del papel (y del mundo). Dimensión de constante interés del artista\, quien dentro de su extensa carrera ha mirado con especial atención al cubismo analítico y al futurismo\, el movimiento se incrementa en los videos a través de fragmentos hacedores de rotaciones virtuales\, las cuales juegan con la posibilidad de una completitud desplegada o condensada. Los dibujos de los videos son fotografías de los realizados a mano en las obras en papel\, en una traslación que propone continuidad entre el mundo real y el virtual. Estas decisiones ligan a cada imagen con momentos pretéritos y futuros a partir de un acontecer de líneas y colores expansivo. \n+ INFO
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LOCATION:MACBA | Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, San Telmo\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Vivian Maier. Color Work
DESCRIPTION:Es la primera monografía definitiva de fotografías en color de la fotógrafa estadounidense Vivian Maier. \nAunque han pasado varios años desde el descubrimiento del notable trabajo de Vivian Maier\, la mayoría de los detalles de su vida siguen siendo un misterio y su atractivo sigue vivo. \nSu historia la ubica como una enigmática fotógrafa y niñera que se convirtió en una sensación popular y se unió a las filas de los mejores fotógrafos callejeros de mediados de siglo XX como: Garry Winogrand\, Lee Friedlander o Diane Arbus\, poco después de su muerte y hasta la fecha\, se va reconstruyendo una parte de su vida\, solo a partir de imágenes vistas o conocidas previamente que hizo y el puñado de hechos que han surgido sobre su vida. Realizó más de 150\,000 imágenes\, que por decisión propia no las ha mostrado mientras vivía \nVivian Maier: The Color Work es una colección curada del trabajo en color\, la mayoría de la cual se encontró en las diapositivas Kodak Ektachrome. Gran parte de su trabajo en color va desde la década de 1970 hasta su muerte. Fue más abstracta que con las imágenes en blanco y negro que normalmente capturaba y que mostraban a los niños que cuidaba o las personas en la calle. Su trabajo de color se centró más en objetos\, como periódicos o imágenes de acontecimientos cotidianos en las calles\, primeros planos y detalles puntuales que su mirada captaba\, pero sin dejar de lado el oportunismo de una toma\, ya sea por la situación o los personajes que ella veía y captaba. \nColin Westerbeck\, ex curador de fotografía del Instituto de Arte de Chicago\, y la Galería Howard Greenberg\, que representa a Vivian Maier\, han seleccionado aproximadamente 150 imágenes de sus archivos y las han reproducido en alta resolución\, especialmente para su libro “Color Work”. Un prólogo de Joel Meyerowitz\, un maestro de fotografía en color de renombre mundial\, y un texto de Westerbeck arrojan luz sobre la naturaleza de las imágenes en color de Maier\, comparándola con sus imágenes en blanco y negro\, así como con el trabajo de sus compañeros. Ambos proporcionan una comprensión más profunda de esta intrigante fotógrafa y enfatizan cuán entusiasta era para grabar y presentar su interpretación del mundo a su alrededor a través de sus imágenes. \nEn «The Color Work» también vemos la transición de su famosa Rolleiflex a una cámara de 35 mm\, algo que choca con la línea habitual de trabajo de Maier\, pues su tendencia era pasar lo más desapercibida posible\, cosa que era mucho más fácil con la primera cámara. También sorprende su cambio al color\, cuando su preferencia por el blanco y negro era obvia. De todo esto se deduce que es probable que en esta época\, la fotógrafa estuviera en una fase de experimentación y descubrimiento de nuevas técnicas y enfoques. \nEstas imágenes provienen de la colección de John Maloof\, quien descubrió las imágenes de Maier\, posee la mayoría de ellas (unos 100\,000 negativos que compró en una subasta) y trabaja en conjunto con el patrimonio de Maier\, la Galería Howard Greenberg\, que muestra las imágenes de la colección de Maloof\, participa en la creación y comercialización de publicaciones y coordina constantemente exposiciones en todo el mundo que mantienen vivo el legado de esta gran artista. \n  \nVivian Maier\nColor Work\nDesde el 6 de marzo al 28 de junio de 2020 \nFoLa | Fototeca Latinoamericana\nGodoy Cruz 2626\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Liliana Iturriaga. Concéntricos
DESCRIPTION:El ​Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino y la ​Asociación Amigos del MACBA ​tienen el agrado de presentar ‘​CONCÉNTRICOS​’\, una exhibición individual de la artista chilena ​Liliana Iturriaga\, curada por Patricio M. Zárate. ​. \n«Los concéntricos indagan en la condición natural de las cosas\, específicamente en su carácter azaroso y errático: a veces predecible y\, en otros arbitrarios e imprecisos. Pero sea cual sea su condición\, siempre señalan un centro\, expandiéndose o contrayéndose decididamente a partir de ahí en secuencias y frecuencias\, regulares e irregulares. Ondulaciones simétricas y asimétricas que se ordenan\, estableciendo órbitas simples y complejas a su alrededor\, llegando incluso a su plena autonomía\, describiendo en ese transcurso rutas imprevistas y a veces impensadas» sostiene Zárate. \nLa forma visual\, reproduce el ordenamiento de la naturaleza\, proponiendo una organización genérica autónoma\, pero al mismo tiempo relativa; considerando un eje propio y una pulsión constante. Se antepone a este ir y venir\, la centralidad de las formas\, la superposición lineal y el ordenamiento preestablecido; un intento por impedir la salida\, generando un campo gravitacional y una pulsión magnética a través de intervalos regulares y sucesivos en torno al eje de rotación. De esta manera\, las cosas persisten y perduran hasta su colapso gravitacional\, actual etapa de la obra de la artista. La tensión lineal provocada por la sinuosidad\, posibilita la expansión\, pero al mismo tiempo la contiene a través de la trama\, acentuando en su interior la tensión de fuerzas que se oponen\, entre lo que intenta salir y lo que tiende a quedarse en torno al centro. Las formas circulares procuran mantener su propiedad predominante\, mientras las líneas se sobreponen y liberan\, generando un movimiento que ya no se basta a sí mismo\, sino que\, de una u otra forma\, siempre intenta el subterfugio de la salida. \nLiliana Iturriaga\nNacida en Chile en 1965\, Liliana Iturriaga vivió en Venezuela por más de treinta años\, país donde comienza su cercanía visual con el cinetismo. Realiza sus estudios de diseño en la ciudad de Caracas\, complementado con talleres de Arte\, Escultura y Joyería. Regresa a Chile en el 2008\, continuando su formación artística en el Taller de Serigrafía de la Escuela de Arte de la Universidad de Chile con el profesor Cristóbal Bouey en el año 2013. Luego en 2014 cursa el Taller de Color del Diplomado de Arte de la Universidad Católica con el profesor Eduardo Vílchez\, bajo las enseñanzas de la corriente del Bauhaus. Actualmente participa en el Diplomado de Historia de las Artes en la Pontificia Universidad Católica de Chile. La propuesta de Liliana Iturriaga indaga en la revaloración del geometrismo en Latinoamérica\, poniendo énfasis en las formas libres\, por medio del gesto y el movimiento corporal\, para esto utiliza una matriz que desplaza sobre la pintura\, logrando composiciones lineales de considerable impacto visual y de evidentes rasgos cinéticos. \n  \nLiliana Iturriaga\nConcéntricos\nDesde el 6 de marzo al 3 de mayo de 2020\nInaugura: 19hs \nMACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\nAvenida San Juan 328\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Un parpado pleno de savia. Martha Zuik. Dibujos 1954-1979
DESCRIPTION:El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires anuncia la inauguración de la exhibición Un párpado pleno de savia. Martha Zuik. Dibujos 1954–1979\, el miércoles 11 de marzo a las 18 en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555 (frente al Rosedal)\, Parque 3 de Febrero\, CABA. Podrá visitarse hasta el lunes 4 de mayo de 2020. \nCon curaduría de Sebastián Vidal Mackinson\, la muestra reúne más de 90 obras en dibujo de pequeño y mediano formato realizadas por Martha Zuik durante los primeros años de su producción que\, junto a materiales documentales diversos\, reconstruyen sus iniciales derroteros artísticos. \nDe este modo\, “se exhiben nodos conceptuales de la dibujística de Zuik desde sus inicios\, aún previos a su primera exposición individual en Galería Pizarro en 1958\, con apenas 17 años. El recorrido de esta exposición se asemeja a una línea que\, en su unicidad\, se torna orgánica\, curva y expansiva para configurar diversas imágenes apelativas de una mirada certera y perspicaz”\, destaca Sebastián Vidal Mackinson. \nUN PÁRPADO PLENO DE SAVIA. MARTHA ZUIK. DIBUJOS 1954–1979\npor Sebastián Vidal Mackinson\nCurador \nUn párpado pleno de savia. Martha Zuik. Dibujos 1954–1979 reúne un conjunto de más de 90 obras en dibujo de pequeño y mediano formato de los primeros años de su producción artística que\, junto a materiales documentales diversos\, reconstruye sus iniciales derroteros artísticos. \nUna poética desbordante\, voraz\, excesiva y suntuosa configura el imaginario visual de Martha Zuik\, que exhibe aquello sobre lo que el dibujo se vanagloria: su unicidad como obra. En estos dibujos sobre papel\, en donde los trazos no son disimulables y las líneas\, frotados\, borroneados y contornos se dan a ver en su total fortaleza\, se evidencia su condición de obra única. Esta característica se une a una poética que pareciera plantear una carrera codo a codo con la cultura visual que se desenvolvió a lo largo de los años 50\, 60 y 70\, con todo su encanto y seducción. \nDesde los años 50\, una cultura visual desarrollada en un contexto de guerra fría supo encontrar matices en la Argentina\, con sus particularidades locales. El frenesí por la conquista del espacio alentó fantasías extraordinarias. El desarrollo cientificista proveniente de telescopios\, rayos X\, radiografías\, expandió visualidades; la masividad de la radio y el alcance televisivo en la vida cotidiana\, junto a distintas innovaciones electrónicas\, ampliaron el universo de imágenes y sonidos; el rol de la mujer y su representación atravesó por una serie de cambios decisivos\, como una mayor presencia en el mercado laboral\, aumento de profesionales universitarias\, aparición de nuevos métodos conceptivos\, y la expansión incipiente de la imagen electrónica y vectorizada se unió a contextos sociopolíticos de fuertes convulsiones. \nLos dibujos de Martha Zuik sintonizaron estos cambios profundos a lo largo de estas décadas\, sabiendo combinar modulaciones de la línea con figuraciones fantásticas. En un primer momento\, focalizó en siluetas con evocaciones de faunas y floras ficticias diferenciadas del fondo vacío\, para modelar imágenes protoplasmáticas\, celulares\, de universos cósmicos y de anatomía sexual femenina que ocupan la superficie del soporte con presencias\, a su vez\, de tradiciones ornamentales de una monstruosidad sensual. Al mismo tiempo\, y en paralelo\, la línea ondulante se fue rectificando y segmentando hasta aparecer con preeminencia en los años 70 como evocativa de gráficos vectoriales del lenguaje cibernético\, configurando paisajes y figuras con un dejo de distancia que ocultan sus rasgos particulares. \nUn párpado pleno de savia exhibe nodos conceptuales de la dibujística de Zuik desde sus inicios\, aun previos a su primera exposición individual en Galería Pizarro en 1958\, con apenas 17 años. El recorrido de esta exposición se asemeja a una línea que\, en su unicidad\, se torna orgánica\, curva y expansiva para configurar diversas imágenes apelativas de una mirada certera y perspicaz. \nSobre Martha Zuik\nNació en 1941\, en Buenos Aires\, donde vive y trabaja actualmente. \nDesde su primera exposición individual en Galería Pizarro (Buenos Aires\, 1958)\, Martha Zuik realizó más de 60 exhibiciones personales en galerías y museos. \nComenzó su carrera internacional en 1959. Luego de su exhibición personal en la galería Le soleil dans la tête\, en París\, se unió al grupo de artistas internacionales Fantasmagie\, fundado por el artista belga Aubin Pasque. Ese mismo año se presentó con el grupo en Bruselas junto a los artistas Picasso y Magritte\, entre otros\, espacio en el que continuará durante más de 20 años\, presentando sus trabajos en Francia\, Holanda\, Alemania\, Bélgica y otros países europeos. \nDurante décadas\, su producción ha sido objeto de especial atención como un emblema del arte argentino y fue exhibida en Argentina\, los EEUU\, Alemania y Hong Kong. Zuik participó en numerosas bienales internacionales de pintura y obra gráfica. \n  \nDetalles de la Exposición\n\nMuseo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, \nAv. Infanta Isabel 555 (frente al Rosedal)\, Parque 3 de Febrero\, CABA.\nInauguración: miércoles 11 de marzo a las 18 en Sala A\nCierre: lunes 4 de mayo de 2020\nHorarios del Museo:\n\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes\, de 12 a 20\nSábados\, domingos y feriados de 10 a 20\nMartes: cerrado al público\n\n\nEntrada General: $50. Miércoles\, gratis.\nJubilados\, estudiantes universitarios\, personas con discapacidad y sus acompañantes\, menores de 12 años\ny grupos de estudiantes de colegios públicos\, gratis todos los días.\n\n+ INFO
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LOCATION:Museo Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Dávila. Pinturas
DESCRIPTION:Miguel Dávila (1926-2009)\, argentino. Las pinturas de Dávila\, en su etapa inicial\, se caracterizaron por la simpleza compositiva y la proximidad con el expresionismo. Pasó a la abstracción pero conservando ciertos elementos figurativos. Finalmente\, se volcó a un arte de imágenes más hondas donde el hombre y su medio social dominan la escena. \n  \nMiguel Dávila\nPinturas\nDesde el 12 de Marzo al 25 de Mayo de 2020 \nPaseo de las Artes Duhau\nAvenida Alvear 1661\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Esculturas en el jardín 2020
DESCRIPTION:Dirigida al público general que visita el museo y a las personas relacionadas con la escultura como disciplina artística así como también paisajistas y diseñadores de espacios verdes \nEl tradicional ciclo de esculturas ideado por Nelly Perazzo en los 90\, inicia el recorrido de su vigésima segunda edición con la coordinación del museo y la curaduría de Delfina Helguera. \nEn esta oportunidad exhibirán sus obras veinte escultores contemporáneos en el jardín andaluz del museo\, un espacio privilegiado para exponer piezas de tres dimensiones. Los cambios climáticos serán un gran desafío para adaptarlas\, pero también les permitirá rescatar los matices y contrastes que este tipo escenario brinda. \nEl propósito será mostrar distintas maneras de abordar la escultura desde una mirada contemporánea\, jugar con materiales diversos en diálogo con la naturaleza. \nEscultores: Marie ORENSANZ\, Oscar de BUENO\, Juan Pablo MARTURANO\, María GUALLAR\, Marcela GÁSPERI\, Claudia ARANOVICH\, Valeria BUDASOFF\, Gabriela HERAS\, María Silvia CORCUERA\, Norma SIGUELBOIM\, Mónica CANZIO\, Julia FARJAT\, Natalia ABOT GLENZ\, Luciano GARBATI\, Desirée DE RIDDER\, Juan Pablo ORTÍZ\, Eugenia STREB\, Paulina WEBB\, Nushi MUNTAABSKI\, Carola ZECH – Federico ROLDÁN VUKONICH. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Larreta\, Juramento 2291\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Vivianne Duchini. Esculturas en el jardín
DESCRIPTION:La sede Palacio Noel del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco\, que forma parte de la red de museos del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires\, da comienzo a un ciclo de exhibiciones escultóricas en sus jardines recientemente restaurados con esta exhibición de obras de Vivianne Duchini. \nLa presencia insistente de su arte equino\, parece ser entre otros de sus temas de trabajo\, el complemento ideal para este inicio de ciclo en los jardines del Palacio Noel. Las impactantes esculturas en bronce que modela\, funde y patina personalmente – fruto de la simbiosis entre las técnicas clásicas y su singular propuesta estética contemporánea- suman hoy al rumor de las fuentes y el aroma de las plantas en flor\, otro imaginario caro al sentimiento americano influenciado también por la estética de la España Mora. \n  \nVivianne Duchini\nEscultora animalista internacional\nCon más de 400 obras realizadas y cerca de 40 exposiciones\, entre ellas 10 fueron muestras individuales. Mantiene como legado de las grandes tradiciones que van desde Grecia al Renacimiento\, la ejecución de la técnica de la fundición en bronce y el cincelado\, que otorga a sus piezas diversas patinas a veces más oscuras\, a veces más claras\, como resultado del oficio modelando a la cera perdida.\nDesde 1994 la energía de sus esculturas la conducen a manifestarse a través de obras monumentales que hoy se pueden apreciar en distintos espacios públicos y otras obras que forman parte de colecciones privadas y públicas. \n  \nVivianne Duchini\nEsculturas en el jardín\nDesde el 19 de Marzo al 29 de Junio de 2020\nInaugura: 19 de Marzo a las 19hs \nMuseo Fernández Blanco\nSede Palacio Noel\nSuipacha 1422\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Museo Fernández Blanco Sede Palacio Noel\, Suipacha 1422\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Identidad
DESCRIPTION:Una exposición del Parque de la Memoria y Abuelas de Plaza de Mayo \nEl pasado abierto hacia el futuro\nHacia fines de 1998\, cuando se encontraban vigentes las leyes de impunidad que impedían el juzgamiento de los autores de crímenes de lesa humanidad durante la última dictadura cívico-militar\, las autoridades del Centro Cultural Recoleta tomaron una significativa decisión en el marco de su política institucional: otorgar visibilidad pública a la problemática de la apropiación ilegal de niñxs durante la dictadura. La propuesta fue elevada a Abuelas de Plaza de Mayo\, que aceptó y colaboró con información fundamental que el organismo venía recabando desde 1977. Así\, una vez acordada la colaboración entre ambas instituciones\, el equipo de trabajo se completó con un grupo de artistas visuales\, quienes aportaron su mirada poética y su compromiso con la causa. \nLa exposición se tituló Identidad y se llevó a cabo en las salas principales del Centro Cultural Recoleta entre noviembre 1998 y enero de 1999. Su objetivo fue poner el foco sobre la búsqueda de lxs nietxs que Abuelas de Plaza de Mayo venía realizando desde octubre de 1977. La estrategia visual de colocar un espejo entre las fotografías de hombres y mujeres –padres y madres– detenidos-desaparecidos y/o asesinados buscaba rescatar algún parecido físico entre ellxs y sus hijxs apropiadxs ilegalmente\, jóvenes que por entonces tenían entre diecinueve y veinticinco años\, la misma edad que sus padres y madres al desaparecer. De este modo\, la semejanza física podría\, quizás\, traducirse en parentesco y esxs jóvenes recuperarían su historia familiar. En una primera instancia\, los espejos invocaban el llamado de la sangre. Pero los espejos\, también\, funcionaban en sentido metafórico: cualquiera que se reflejara en ellos se involucraba en la trama de horror de la desaparición y la apropiación\, reforzando así la idea de trauma colectivo que la apropiación ilegal ocasionó en toda la sociedad. \nA veintidós años de realizada esta exposición\, el Parque de la Memoria decide reeditar Identidad\, actualizando la información con la que cuenta Abuelas de Plaza de Mayo en relación a lxs nietxs que fueron apropiadxs. A la fecha son ciento treinta los casos resueltos\, de los quinientos que las Abuelas estiman en total; ciento treinta personas recuperaron su verdadera identidad gracias a la fuerza del amor y la lucha inexorable de estas mujeres que son un emblema en todo el mundo\, a la reapertura de los juicios por crímenes de lesa humanidad y a la implementación de políticas de Estado vinculadas a los derechos humanos. \nHoy el objetivo sigue siendo el mismo: localizar a lxs que faltan\, recomponer las historias que aún se encuentran truncas\, restituir la identidad de cada unx de ellxs para otorgarles el derecho a conocer quiénes fueron sus padres y sus madres\, y por ende\, de dónde provienen\, no sólo ellxs mismos\, sino también sus hijxs. Porque si en 1998\, cuando esta exposición se llevó a cabo por primera vez\, lxs nietxs buscados tenían entre diecinueve y veinticinco años\, hoy tienen entre cuarenta y uno y cuarenta y siete\, y sus hijxs también tienen derecho a conocer la verdad. Aún hay cientos de hombres y mujeres que no saben que son hijxs de desaparecidos. Sus hijxs –bisnietxs de las Abuelas– tampoco conocen su verdadera identidad. \nQue la reedición de Identidad se lleve a cabo en la Sala PAyS del Parque de la Memoria torna insoslayable el diálogo que la muestra entabla con el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado. Y si bien el Monumento resignifica en mayor o menor medida todas las exposiciones que se alojan en la Sala PAyS\, el hecho de que muchas de sus placas señalicen la desaparición de mujeres embarazadas reviste este diálogo de un especial espesor simbólico. \nAsí\, esta versión actualizada de Identidad se completa con un audiovisual que recoge diversos testimonios y material de archivo sobre la labor de Abuelas de Plaza de Mayo y con el lanzamiento de la campaña El Parque por la Identidad que\, a través de las redes sociales\, convocará al público a ejercer su derecho a la identidad: el derecho de cada unx a ser unx mismx. \nReconocerse\nLas Abuelas de Plaza de Mayo celebramos la reedición de la muestra Identidad\, cuyo objetivo fue y es que nuestros nietos y nietas logren reconocerse en los rostros de sus padres y madres desaparecidos. Las Abuelas llevamos más de cuarenta y dos años buscando a los hijos de nuestros hijos\, apropiados durante la última dictadura cívico-militar. En estos años de lucha\, hemos resuelto ciento treinta casos\, pero aún quedan casi trescientos hombres y mujeres\, de alrededor de cuarenta años\, viviendo con su identidad falseada. \nEn este largo camino desarrollamos las más diversas estrategias de búsqueda. La educación\, el deporte\, la música\, la fotografía\, la literatura\, el teatro\, las artes plásticas han sido algunos de los vehículos de comunicación para difundir nuestra lucha\, cuyo objetivo es encontrar a esos bebés\, hoy hombres y mujeres\, que fueron primero arrancados de los brazos de sus madres\, luego separados de sus familias y criados en otras\, que les mintieron sobre su origen e historia. \nLa muestra Identidad fue realizada en 1998 cuando nuestros nietos y nietas eran jóvenes\, muchos de ellos estaban alcanzando la edad de sus padres retratados en la exhibición. Un espejo los invitaba a reconocerse y reconocer otra historia posible. Hoy los nietos y las nietas han superado la edad de sus propios padres desaparecidos\, pero muchos de ellos ya han sido padres y sus hijos\, nuestros bisnietos y bisnietas\, también tienen derecho a saber la verdad. En esta reedición de Identidad\, una instalación que a través de espejos y retratos de nuestros hijos e hijas desaparecidos interpela al visitante con las ausencias\, se invita a quienes tienen dudas sobre su identidad a indagar sobre ese vacío. Un vacío que es de toda la sociedad\, que a cuarenta y tres años del golpe aún tiene desaparecidos con vida. \nEl Parque de la Memoria es un espacio de reflexión y homenaje a los 30.000 detenidos desaparecidos por el Terrorismo de Estado. Muchas mujeres fueron detenidas embarazadas\, muchas otras y otros hombres fueron secuestrados junto a sus hijos e hijas bebés\, niñas y niños pequeños. En la mayoría de los casos\, las mujeres embarazadas eran mantenidas con vida hasta dar a luz en cautiverio y luego asesinadas. Esos bebés\, al igual que los niños que debieron presenciar el secuestro de sus padres\, fueron entregados a familias cercanas al círculo de las fuerzas represivas o ingresados como NN al circuito de adopción. De esa manera se consumaba la sustracción\, apropiación y ocultamiento de los hijos de desaparecidos para que no volvieran a tener contacto con sus familias. Pero sus familias nunca bajamos los brazos y salimos a buscarlos y a pedir ayuda para identificarlos. \nLas Abuelas de Plaza de Mayo siempre supimos que nuestros nietos están vivos\, por eso los seguimos buscando. Hoy junto a los nietos y nietas que hemos encontrado y sus hermanos continuamos la búsqueda\, cada vez más urgente. La sociedad que comprendió la gravedad del delito de apropiación nos acompaña y es fundamental para poder hallar a los que faltan. Reconocernos en el rostro\, en las costumbres\, en los gustos\, en las tradiciones\, es algo que constituye nuestra identidad individual y también colectiva. Por eso exposiciones como esta\, que apelan a la búsqueda desde la sensibilidad\, se vuelven herramientas de comunicación potentes para encontrarlos. \nAbuelas de Plaza de Mayo \n  \nIdentidad\nDesde el 20 de marzo al 21 de junio de 2020\nInaugura: 19 hs.\nSala PAyS – Presentes\, ahora y siempre \nParque de la Memoria\nMonumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado\nParque de la Memoria\nMonumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:MUESTRA DE DIBUGRAFÍAS EN EL ARTEMIO ALISIO
DESCRIPTION:La Secretaría de Turismo y Cultura a través del Museo Artemio Alisio\, invitan a la inauguración de la muestra de dibugrafías; esgrafiados sobre tinta; del artista radicado en Ramos Mejía\, Buenos Aires\, FRANCISCO HERNANDEZ. \nLa inauguración tendrá lugar el sábado 7 de abril\, a las 20\,00 hs\, en Sarmiento 612 de Concepción del Uruguay\, Entre Ríos. \nLa muestra se podrá visitar durante abril de martes a sábados de 8\,30 a 12\,00 hs. y de 17\,30 a 21\,00 hs. \nFrancisco Hernández \nNació en Navarra\, España 1947. Se radica en Buenos Aires en 1949.  Desde 1973 a la fecha realizó más de 200 exposiciones por selección de Jurado\, y obtuvo numerosos premios provinciales\, nacionales e internacionales.\n \nEstudió Dibujo en el Colegio Salesiano Wilfrid Barón-Pintura en la Sociedad de Bellas Artes de Ramos Mejía\, y en el Departamento de Artes del Colegio Ward. Realiza Cursos de Postgrado en la Universidad Torcuato Di Tella. Compartió Talleres con destacados artistas como: Abel B. Versacci\, Vivian Guggenheim\, y el maestro escultor Luís López y Bernardo Di Vruno.
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SUMMARY:Prilidiano Pueyrredón. Recorrido virtual en la colección del Bellas Artes
DESCRIPTION:Arte argentino del siglo XIX\nTe invitamos a conocer más de 40 obras de uno de los artistas precursores de la pintura en el país. La selección abarca retratos de la élite porteña\, paisajes\, desnudos y escenas costumbristas de la vida popular. \nPrilidiano Pueyrredón\nNació en Buenos Aires el 24 de enero de 1823. Fue un pintor\, arquitecto e ingeniero argentino y fue uno de los precursores de la pintura en el país\, abocándose tanto a los temas de salón como a la representación costumbrista de la vida popular. Estudió ingeniería en el Instituto Politécnico de París Fue el primer pintor de desnudos femeninos en Buenos Aires\, de los cuales\, “La siesta” y “El baño”\, se conservan hoy en el Museo Nacional de Bellas Artes. Retrató a Manuelita\, la hija de Rosas y a muchas otras figuras de la sociedad. A lo largo de 1854\, llevó a cabo una importante tarea como arquitecto. Trabajó en las obras de restauración y ampliación de varios monumentos\, entre ellos la capilla de la Recoleta\, la Pirámide de la Plaza de Mayo y la Casa Rosada; como urbanista\, diseñó la Plaza de la Victoria y el puente del barrio de Barracas. Fue autor de los planos para la mansión que Miguel de Azcuénaga levantó en Olivos\, más tarde obsequiada al gobierno federal como residencia para el Presidente de la Nación\, hoy denominada Quinta de Olivos. Abordó también la temática arrabalera y gauchesca\, plasmándola de acuerdo a la doctrina romántica que había adquirido en Europa. Falleció el 3 de noviembre de 1870\, a los 47 años\, en la quinta familiar de San Isidro. \n  \nPrilidiano Pueyrredón\nRecorrido virtual\nDesde May 2020 \nMuseo Nacional de Bellas Artes\nRecorrido virtual en la colección del Bellas Artes\nhttps://www.bellasartes.gob.ar/paginas/recorrido-virtual-prilidiano-pueyrredon-en-la-coleccion-del-bellas-artes/ \n 
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