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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:TOMÁS SARACENO: CÓMO ATRAPAR EL UNIVERSO EN UNA TELARAÑA
DESCRIPTION:Esta exposición consiste en dos grandes instalaciones que combinan el interés de Tomás Saraceno (n. San Miguel de Tucumán\, 1973) por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales y nos invitan a un “concierto cósmico”. \nEn la instalación The Cosmic Dust Spider Web Orchestra [Orquesta aracnocósmica]\, ubicada en el segundo subsuelo\, una araña suspendida en medio de la sala teje sus telas. Las vibraciones que producen sus movimientos en la tela son amplificadas generando ondas de sonido que invaden el espacio\, mientras partículas de polvo cósmico flotan a su alrededor. En sintonía con la cadencia de las ondas sonoras producidas por la araña\, un algoritmo traduce los movimientos del polvo cósmico a sonidos\, que se reproducen en decenas de parlantes y vuelven audible los vaivenes del polvo en el espacio. Al mismo tiempo\, las partículas son captadas por un sistema de video que las proyecta amplificadas en una gran pantalla\, creando la ilusión de inmensas partículas que\, en realidad\, son casi imperceptibles. \nEn la sala del segundo piso se presenta la instalación Instrumento Musical Cuasi-Social IC 342 construido por 7000 arañas Parawixia bistriata\, que fue construida entre octubre de 2016 y enero de 2017 por 18 colonias de arañas de la especie Parawixia bistriata que tejieron de noche la telaraña de mayor tamaño con la que hayamos convivido en nuestros hogares. Esta estructura comunitaria\, que se remonta a 140 millones de años de presencia arácnida en la tierra\, es una fracción microscópica y\, a la vez\, un fiel reflejo de la red infinitamente compleja de individuos\, especies y elementos que compone el universo. \nBio\nTras recibirse como arquitecto en la UBA\, Saraceno realizó posgrados en Arte y Arquitectura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y en la Städelschule\, Frankfurt am Main\, Alemania. En 2009 asistió al International Space Studies Program de la NASA. Realizó numerosas exposiciones individuales en importantes instituciones internacionales\, entre ellas: Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce\, Génova (2014); K21\, Düsseldorf (2013-2015); Metropolitan Museum of Art\, Nueva York (2012); Maison Hermès\, Tokio (2012); Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart\, Berlin (2011MACRO\, Museo d’Arte Contemporanea\, Roma (2011); Walker Art Center\, Minneapolis\, EE.UU. (2009). En 2013 participó de la exposición central de la 53⁰ Bienal de Venecia\, curada por Daniel Birnbaum.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno\, Av. San Juan 350\, CABA\, San Telmo\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen en el Duhau 100 años de libertad
DESCRIPTION:Este 10 de julio de 2017 festejó sus 100 años de vida\, absolutamente libre y comprometida con el arte. Lo festeja con varias muestras a lo largo del año. En el Paseo de las Artes del Palacio Duhau presenta obras recientes. \nSon característicos en sus pinturas los fondos luminosos y orgánicos que inducen al movimiento a los otros elementos que habitan la obra: líneas\, telas y papeles que bailan\, se derraman y salen sin pedir permiso. Ides pinta\, desde muy temprano\, cada día. Nada la limita\, su mente inquieta investiga y crea. \n\n\n\n\nPaseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt  \nAv Alvear 1661\, CABA
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LOCATION:Paseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt\, Av Alvear 1661\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea en el MACBA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea\, una exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. \nTras la primera muestra de Arte Generativo –realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960– Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos\, próximos al arte concreto\, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético. \nInternacionalmente reconocido por su imagen generativa\, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión\, mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que\, dentro de sus últimos trabajos\, interpretaron un grupo de piezas de arte africano. \nEl guión curatorial reúne pinturas\, cajas cinéticas\, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana\, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia\, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma. \nHorario de visita:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes: 11 a 19hs.\nSábados y domingos: 11 a 19:30 hs.\nMartes: cerrado. \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires: Av. San Juan 328\, San Telmo \n 
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LOCATION:MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:RODIN\, CENTENARIO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje al escultor francés a un siglo de su muerte con la exhibición de un conjunto de esculturas y dibujos de la colección del Museo. Dos obras clave\, La Tierra y la Luna y El beso\, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin\, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó nuestro museo nacional. \nSalas 10 y 20\, Planta baja \nCurador/a: Mariana Marchesi
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LOCATION:Museo Nacional Bellas Artes\, Av. del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Roberto Cortés  "Viva la Vida"
DESCRIPTION:Viva la Vida es un recorrido por las obras más recientes de Roberto Cortés. La muestra trata de las pinturas que nacieron o que acompañaron al artista en un camino a través de la enfermedad\, su anticipación mística y su resolución redentora. La presencia de la muerte\, los recuerdos de la infancia\, las preguntas filosóficas y otras que no lo son tanto\, aparecen contadas con el humor y color que caracterizan la obra de Cortés\, con un estilo muy sólido y definido. Un viaje desde y hacia la vida. \nArtista: Roberto Cortés \nCurador: Tobías Cortés \nMás sobre el artista y el curador \nRoberto Cortés es egresado de las escuelas Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano\, Prilidiano Pueyrredón (Especialidad Pintura y Grabado)\, y de la superior Ernesto de la Cárcova (Especialidad Pintura). Participa de los cursos Introducción a la Creatividad por E. Renart\, y Jung y los Símbolos del Arte por H. Haber. Asistió a numerosos salones y recibió varios premios\, entre los que se destacan el  1er .Premio Salón de Rafaela\, 2do Premio Salón Boca Juniors y Mención de Honor en Salón Banco Provincia 2017. \nTobías Cortés es egresado de la Universidad del Cine en Dirección\, trabajó en Cine y TV con directores como Hugo Santiago\, Miguel Kohan e Inés de Oliveira Cezar\, como Asistente de Dirección y Producción\, Montajista y Camarógrafo. Desde el 2006 trabaja en diversos teatros independientes de Lomas de Zamora como actor\, director\, tallerista\, gestor y productor. Gestionó el 1er. Festival de Varieté y Café Concert del Conurbano Sur 2015. Como dramaturgo y director\, se destacan sus trabajos “Amputar”\, “Espiritismo” y “Livor Mortis”. \n  \nCentro Cultural Recoleta: Junín 1930 – CABA \nEntrada: Gratuita \nHorarios: Martes a viernes de 13.30 a 22:00 hs. Sábados\, domingos y feriados de 11.30 a 22:00 hs. \nSalas 3\, 4\, y 5 \n#VivalaVidaenelRecoleta\n#CortésenelRecoleta
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Vallejo y otras tintas
DESCRIPTION:La Galería Modus Operandi presenta “Vallejo y otras tintas” una muestra individual del artista peruano Ricardo Wiesse uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria muy sólida. Un pintor formado por sus lenguas\, mitos y tradiciones artísticas e influido por sus raíces indígenas sudamericanas. Ricardo Wiesse (Lima\, 1954) estudió Letras y Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, y Grabado en el Atelier 17 en París y en la Slade School of Fine Arts en Londres. Ha sido profesor en diversas escuelas de Arte y es autor de varios murales cerámicos a escala urbana. Desde 1999\, produce paralelamente óleos abstractos y realistas\, paisajes del santuario prehispánico de Pachacámac\, el desierto de Ica y la costa de Lima. Sus imágenes no figurativas fusionan influjos visuales del arte contemporáneo occidental y la estética del mundo andino prehispánico. \n«Vallejo y otras tintas» se asienta sobre cuatro series realizadas en los últimos años. La principal y de la que toma el título la muestra es “Azules de Vallejo”\, 34 páginas sueltas que pueden colgarse en un muro\, juntarse en una caja u ocupar el estante de una biblioteca. Cada una lleva el título del poema donde he encontrado la palabra “azul”\, o voces afines. Estructuras lineares entrecruzan Imágenes y textos en planteos lúdicos. Cada verso o segmento presentados han sido los puntos de partida\, pretextos para componer este tributo visual a una obra escrita imperecedera. \nDe un intenso periodo de duelo nació la serie “Noche cerrada”\, un trabajo sobre papeles negros y grises\, el conjunto explora territorios definidos por curvas intersectadas\, figuras geométricas\, o retículas que conviven con destellos mínimos en el espacio sombrío. \n“Hojas de álbum” son tramas formadas por círculos y conexiones ondulantes de tonos desvaídos rojo sepia que aluden a los textiles bordados o pintados por los artistas originarios de los desiertos y montañas andinas. \n“Álbum” es una sola hoja doblada y extendida que se inició al lado derecho y concluyó al izquierdo\, al revés de la convención lectora de los textos occidentales. Abiertos como un acordeón desmontado\, sus temas y variaciones engarzan presentes simultáneos\, y la sucesión\, un story board de siluetas que parecen hundir sus señas en la arena. Este diario gráfico de marzo de 2016 transcurre entre rectas\, curvas abiertas y cerradas\, paralelas\, contornos de ancho diverso\, puntos que se esfuman en el vacío intacto. \n+ INFO
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LOCATION:Galeria Modus Operandi\, Calle Lope de Vega\, 31\, Madrid\, Madrid
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SUMMARY:Josefina Robirosa\, Antológica 1956-1997
DESCRIPTION:“El cuadro se pinta solo. Al pintar hay un mapa interior que uno pone afuera. Claro que el cuadro es mejor cuanto mejor es ese mapa”. \nJosefina Robirosa -de ella es la cita- ciertamente tenía un atlas maravilloso en su interior\, un mapamundi que traspasó las fronteras de los estilos\, una cartografía que utilizó para pintar una trayectoria plena de riqueza y sentido\, un plano que la guió en sus numerosas búsquedas y que derivó en múltiples hallazgos. Muchos de ellos forman parte de “Antológica 1956-1997”\, la muestra que se exhibe en Casa Victoria Ocampo\, en Barrio Parque. Con esta contribución a la revisión y revalorización de la obra de Robirosa\, el Fondo Nacional de las Artes(FNA) abre el calendario de exposiciones artísticas temporarias 2018\, año de su 60º aniversario. \nDesde sus inicios en la pintura\, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo\, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora\, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90\, y durante ocho años\, formó parte del directorio de la entidad. En 2016\, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales. \nMercedes Casanegra\, curadora de la muestra\, comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que\, a mediados de los años 50\, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega. \nEn 1957\, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de ´Siete Pintores Abstractos´\, entre quienes se contaban Martha Peluffo\, Kazuya Sakai\, Rómulo Macció y Clorindo Testa. \nEn esa época\, Robirosa “practicaba una abstracción cálida\, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea\, inmediata\, en un tono contenido y sutil”\, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas\, que disponía\, a menudo\, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes\, que plasmó en témperas\, dibujos y monocopias”\, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas\, a otros seres animados\, al universo\, a las máquinas imaginarias. \nHacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. “En esa vertiente\, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego\, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo”\, explica Casanegra. \nHacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”\, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”\, dijo en el momento del cambio. \nEste encuentro con la naturaleza\, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra\, pueden verse del 15 de marzo al 15 de mayo en la muestra de CVO.
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SUMMARY:“Dinámicas Geométricas” de ROGELIO POLESELLO
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) abrió este viernes sus puertas a “Dinámicas Geométricas” de Rogelio Polesello\, uno de los artistas más importantes de la historia pictórica argentina. \nA través de sus obras el espectador transita “un largo recorrido que va desde los agitados años sesenta hasta nuestros días”\, detalló Ivana Quiroga\, coordinadora de Museos\, y explicó que este pintor y también escultor “utilizó diferentes técnicas\, disciplinas y lenguajes\, explorando los límites de la abstracción geométrica\, óptica y cinética”. \nRodrigo Alonso\, curador de la exposición\, ahondó en la profundidades del creador del arte óptico\, “logrando ser considerado uno de sus mayores exponentes en Latinoamérica”. “Trabajó desde un lugar lúdico\, colorido y con mucha participación del espectador” y “a lo largo de su carrera transitó por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico”. \nRespecto a las obras\, el curador describió que son pinturas y acrílicos y que el reconocimiento del artista fue en década del 60 “por la producción de unos acrílicos con lentes que hace que todo lo que se vea a través de ellos se distorsione en sus lienzos”. \n“Aquí es donde entra la participación del espectador porque se ve muy diferente a través de estos acrílicos”\, concluyó Alonso. \nLa muestra que inaugura este viernes y que se podrá ver hasta el 3 de junio\, reúne piezas de acrílico y pinturas que pertenecen a las últimas producciones de Polesello\, además de algunas piezas consideradas representativas de los años sesenta. \nComo es habitual\, el ingreso al MNBA Neuquén es abierto y gratuito\, en tanto que las visitas guiadas se realizan de martes a domingo\, puntualmente a las 19. \nINAUGURACIÓN Dinámicas Geométricas de Rogelio POLESELLO  \nViernes 23/3 – 20 hs en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Neuquén \n Entrada libre y gratuita
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LOCATION:MNBA Neuquén\, Calle Mitre y Santa Cruz\, Patagonia\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:Clara Carrié. Los designios del grabado.
DESCRIPTION:En Sala 2\, el museo invita a una gran muestra homenaje de la artista Clara Estela Carrié Domínguez (Ushuaia 1901 – Buenos Aires 1985)\, quien tuvo vínculos familiares muy próximos con nuestra provincia. La exhibición de sus trabajos significa también la exhibición de su vida y pasiones\, su destreza técnica\, su mirada sobre los cuerpos y su representación. Se trata además de la puesta en valor de un riquísimo fondo de obras que salen a la luz\, producto de las tareas de rescate y estudio realizadas en nuestro museo.\nLa exposición dará cuenta de la labor de la artista en la disciplina del grabado y el dibujo\, rescatando gran parte de su producción conservada en el patrimonio del museo.\nLa artista Clara Carrié era hija de Félix Augusto Carrié y Romana Elisa Domínguez\, sanjuaninos que cumplieron importantes funciones públicas en la provincia y el exterior\, supieron sentar los lazos que la artista mantendría con San Juan y los artistas de la época.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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