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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:VIK MUNIZ BUENOS AIRES
DESCRIPTION:La Universidad Nacional de Tres de Febrero presenta la muestra VIK MUNIZ EN BUENOS AIRES\, la primera gran exposición retrospectiva del reconocido artista brasilero en Argentina; en la cual también se podrá apreciar la obra Buenos Aires\, de su serie Postales de ningún lugar. \n“Vik Muniz es un gran creador que a través de la fotografía cuestiona la realidad al tiempo que admiramos la belleza de las imágenes que produce\,” expresó Aníbal Jozami\, rector de la Universidad y director del MUNTREF. Esta postal de Buenos Aires “es una imagen que tiene un profundo significado y que nos llena de satisfacción ya que refleja un paisaje típico de nuestra ciudad; sin embargo\, está construida con infinidad de fragmentos fotográficos de otros lugares. Por eso Vik la identifica como una postal de ningún lugar”. \nA su vez\, Diana B. Wechsler\, directora del Departamento de Arte y Cultura de la UNTREF\, señala: “Vik es un fotógrafo que se pregunta por la fotografía\, sus condiciones de producción y de lectura. Su propuesta estética trabaja en la tensión entre proceso y obra. Expone ante el espectador fotografías que sean el punto de partida de una narrativa que le permita recuperar diferentes dimensiones presentes en esa imagen. En este sentido\, la imagen de Buenos Aires condensa tantas experiencias de lectura como el observador sea capaz de desarrollar según su capital cultural\, pensando en términos de cultura visual\, él como artista se ofrece como intermediario”. \nLa muestra se complementa con visitas guiadas\, talleres y la exhibición de una película. Los sábados y domingos a las 17 habrá visitas guiadas. Además se ofrecerán una serie de talleres: collage y fotografía para chicos\, los sábados y domingos a las 15.00 horas; collage con artistas con la participación de Eduardo Stupía\, Rosanna Schoijett y Gabriel Di Giuseppe. También se exhibirá la película Waste Land\, enfocada en el trabajo de Vik Muniz en Jardim Gramacho\, sábados a las 15.00 horas. \nLa inauguración está prevista para el jueves 21 de mayo a las 13 horas\, en el MUNTREF\, Centro de Arte Contemporáneo sede Hotel de Inmigrantes. Avenida Antártida Argentina 1355. (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebús)\, Retiro. Entrada por Apostadero Naval\, Dársena Norte. \nCon entrada gratuita\, la muestra podrá visitarse de martes a domingos de 11 a 19\, y los fines de semana contará con visitas guiadas previstas para las 17\, tras lo talleres de fotografí­a y collage para niños que desde las 15 ofrecerán artistas como Eduardo Stupí­a\, Rosanna Schoijett y Gabriel Di Giuseppe; en paralelo\, los sábados\, a la proyección del filme «Waste Land»\, enfocada en el trabajo de Muniz en la favela de Jardim Gramacho. \n+ INFO
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LOCATION:MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo\, Av. Antártida Argentina 1355\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ignacio Iturria: Pintar es soñar
DESCRIPTION:El título de la muestra: Pintar es soñar\, actúa como un concepto-metáfora para indicar que el núcleo de la pintura de Iturria se sitúa en ese plano del soñar despierto\, del ensueño\, que conlleva una ampliación de los límites de la vida humana en los planos del deseo y la imaginación. \nJosé Jiménez\, curador \nDesde el jueves 9 de julio al domingo 6 de setiembre de 2015\nSalas 2\, 4 y 5 \nMuseo Nacional de Artes Visuales\nTomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig\nParque Rodó – Montevideo – Uruguay\nTel.: +598 27116054 – 27116124 – 27116127 \nHorarios al público: martes a domingos de 13:00 a 20:00 horas.
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LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig Encontrar en el mapa Parque Rodó -\, Montevideo\, Uruguay
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SUMMARY:Débora Arango. La vida con toda su fuerza admirable.
DESCRIPTION:En esta exposición\, que retrata la vida con toda su fuerza admirable\, como Arango la describiría\, las obras se agrupan en temas que atraviesan su trayectoria de manera transversal y que dan cuenta de las preocupaciones fundamentales en su vida y obra. Desnudos\, el placer\, la religión\, la mujer y la sociedad\, contexto político\, y el retrato fueron algunos de los temas que informaron su producción artística y su visión de la vida y el entorno. \nDébora Arango nació en Medellín a comienzos del siglo pasado. La pintora antioqueña trabajó y experimentó durante su polémica carrera con la acuarela\, el óleo y la cerámica. Fue alumna del maestro Eladio Vélez\, reconocido acuarelista de la ciudad\, y del muralista antioqueño Pedro Nel Gómez\, de quien heredó su pasión final por la pintura en gran formato y por la pintura al fresco\, técnicas que sin embargo nunca aplicó debido a las limitaciones a las que estaban sujetas las mujeres de su época. Es a Gómez a quien la pintora reconocerá como su gran maestro. \n\n\nCuraduría: Emiliano Valdés \nDel 02 de septiembre 2015 al 30 de septiembre del 2017
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LOCATION:Museo de Arte Moderno de Medellin\, Ciudad Del Río · Carrera 44 N° 19A-100\, Medellín\, Colombia
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SUMMARY:MARTHA ZUIK “EL ALMA DEL MUNDO”
DESCRIPTION:El martes 8 de septiembre tuvo lugar en la Embajada Argentina la apertura de la muestra “El alma del mundo” de la artista argentina Martha Zuik. La pintora viajó especialmente desde la Argentina para estar presente en esta ocasión. En la inauguración de la muestra\, que estuvo a cargo del Embajador Daniel Polski y de la Sra. Zuik\, participó un público de alrededor de 70 invitados\, además de funcionarios y colaboradores de la Embajada. \nCon esta muestra se continúa con el ciclo de exhibiciones de arte en el salón de exposiciones de esta Representación para el año 2015\, que comenzó en marzo pasado. \nMartha Zuik ha realizado más de 60 muestras individuales en varios países\, entre los que se cuentan Estados Unidos\, China y Alemania. Fue por más de 20 años miembro del grupo “Fantasmagie”\, iniciativa del artista belga Aubin Pasque\, exponiendo juntamente con artistas de la talla de Picasso y Magritte en Francia\, Alemania\, Holanda y Bélgica. Su obra abarca pinturas\, dibujos y esculturas\, y se destaca por ser un emblema del arte argentino. \n+ INFO
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LOCATION:Embajada Argentina en Alemania\, Kleiststr. 23-26\, Berlin\, Berlin
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SUMMARY:ANTOLOGIA
DESCRIPTION:Silvina Baz \nPertenece a la categoría de artistas que nunca dejan de indagar. En vez de acomodarse en lo que conoce\, busca incesantemente renovarse\, investigar\, explorar en la imagen\, en las formas\, en las técnicas. Eso hace que pasee con la misma tranquilidad por la pintura\, la fotografía o el grabado\, porque las diferentes técnicas se transforman en maneras distintas de expresar aquello que le interesa. \nTrabaja por series\, porque al igual que en las técnicas\, en las temáticas también investiga hasta el agotamiento de cada contenido\, hasta haber exprimido y sacado todo lo que tenía para decir. El arte para Silvina Baz es una manera de presentar sus obsesiones\, sus convicciones\, su manera de ver. \nEn esta muestra en particular\, muestra su sólida faceta de grabadora. Y no es una elección menor: Lucien Freud decía grabar es como dibujar\, pero con un misterio y peligro añadidos que estimulan. \nSilvina se enfrenta al estímulo de este desafío con la misma energía con que emprende todo en su vida. Desde el corazòn\, desde la autenticidad. \nFlorencia Salas. \n+ INFO
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LOCATION:UNlaM\, Florencio Varela 1903\, San Justo\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Homenaje Miguel Bengochea
DESCRIPTION:El 17 de septiembre Miguel Ángel Bengochea hubiera cumplido 70 años\, su primer esposa la pintora Inés Oviedo recoge su legado para mostrarlo al público\, junto con la galería Jacques Martínez. \nSe organiza entonces\, este merecido homenaje al artista\, como parte de la generación que floreció en los años 70\, que se debatió entre la promesa de un futuro poblado de utopías\, una violencia real\, los vaticinios de la muerte de la pintura y la certeza de que al menos empuñando un pincel irían en busca de una identidad propia. \nEn esos años Bengochea brillaba en sus carbones de fábricas humeantes y una especie de cubismo expresionista que recalcaba la intención de representar usinas y chimeneas\, donde el hombre estaba ausente. A veces sus trabajos sufrían una especie de animismo y se vislumbraba algún monstruo  amenazante\, aunque después fueran apenas hierros viejos abandonados. \nHacia 1977 Basilio Uribe escribía “Bengochea  pinta paisajes\, pero aún en ellos prosigue el tema de la destrucción. Su coherencia como artista consiste en señalar la incoherencia del mundo donde le toca vivir. No es ya la bicicleta del Progreso derretida\, ni el establecimiento burgués del juego de muebles estallado\, sino el paisaje\, que es y no es el de Mataderos\, donde vive”. \nMientras que Raúl Santana -para una exhibición en la Galería Sandiego\, Colombia en 1978- lo asocia desde lo formal a las vanguardias artísticas de principios del siglo XX\, cuando el Futurismo\, incorpora a la máquina como imagen visual digna de ser el sujeto de sus obras.\nLo industrial forma parte de los nuevos paisajes humanos\, urbanos y fabriles\, como una segunda naturaleza que después sería evocada por otras corrientes que incluirán los materiales inorgánicos: cemento\, hierro\, vidrios\, plásticos\, como los cimientos básicos de este mundo\, para bien o para mal. \n“La pintura de Bengochea narra el momento de la fractura\, nos da una visión de ese mundo industrioso\, como si fuera una acechanza por momentos demoníaca” insistía el crítico. \nEsa cisura y quizás la ausencia del hombre en aquellos trabajos provocan ahogo\, como un  cuestionamiento mudo\, una inquietud velada\, eran los años 70 y ya no se celebraba la victoria de la máquina. \nAunque en aquellos tiempos grandes dibujantes se abrían camino en nuestro país\, como herederos de un expresionismo de posguerra\, con el hombre como eje central\, Bengochea se vuelca a la figura recién hacia los años 80\, con el nacimiento de su primer hijo. \nEs entonces cuando se pregunta por sus raíces de padres inmigrantes y comienza indagar en la actitud humana\, a partir del cuerpo\, representando escenas muchas veces extraídas de fotografías. \n“Sus personajes abundan en una ciudad cuyos ángulos son difíciles\, escorzos de una realidad que no sólo esconde misterios bajo una arquitectura muy peculiar”\, escribía Osvaldo Mastromauro. \nAunque la ciudad no esté representada\, aunque sus personajes estén tirados al sol\, hay algo nítidamente urbano en sus protagonistas. El pintor compone sus escenas casi cinematográficamente\, con un dibujo bien calibrado a partir de líneas que construyen la anatomía en clave dibujística. \nMuchos de estos grandes dibujos funcionan como bocetos de posteriores pinturas\, un ejemplo de esto es la obra “Camarín” de 2x2m\, distinguida con el premio adquisición del Salón Nacional en 2007. \nAunque sus figuras estén posando\, como mirando a la cámara\, “siempre hay algo a punto de suceder en sus cuadros\, los personajes se arremolinan\, la matriz del tiempo se congela en una escena cuyo planteamiento no es sólo riguroso\, sino también inquietante”\, advertía Mastromauro. \nUna ambigüedad entre lo familiar y lo grotesco\, la sátira y una carnalidad exacerbada por la mirada de un lente angular\, que deforma la perspectiva\, para desnudar la sordidez de rasgos sombríos\, visiones ácidas que rondan lo onírico\, veladas por una pátina de anonimato genérico. \nDe la nostalgia del hombre en sus paisajes fabriles de los primeros tiempos\, al primer plano de las bambalinas\, la lupa puesta para exponer gestos y actitudes de gente común\, arquetipos cotidianos\, vecinos que quizá en el diario trajín miramos superficialmente . \nHacia 1987  Álvaro Castagnino que también nos dejó hace poco\, escribió: “El pintor\, al exponer sus personajes nos hace cómplices\, nos participa\, nos ‘mete’\, no nos deja pasar por alto ésta\, su visión descarnada y dura pero profundamente humana\, tal como Velázquez muestra sus enanos o el Goya de la serie negra. Con el ojo detenido cual si fuera fotográfico\, Bengochea desnuda a sus personajes y nos pone frente a una realidad que\, dramática y grotescamente\, transmite ternura y profundo amor por esos seres que él señala con su pincel”.
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LOCATION:Jacques Martínez Galería\, Avenida de Mayo 1130 4º G\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Grupo de París”
DESCRIPTION:Esta muestra apunta a dar a conocer de modo integral la obra de aquellos importantes referentes del arte argentino y su actividad en París durante los años ´20. No solo atiende a la trayectoria artística\, sino también\, de manera particular\, a los modos en que esos artistas se vincularon entre ellos y con el ambiente cultural europeo para poner en relieve los aportes que sumaron en su retorno a Buenos Aires. En ese sentido\, se pretende abordar el fenómeno del “viaje estético” como uno de los aspectos más observados en las nuevas perspectivas de los actuales estudios culturales\, ofreciendo un conocimiento actualizado del Grupo de París. Se parte de una investigación llevada a cabo hace unos años para el Centro Virtual de Arte Argentino\, conjugada ahora con avances más recientes derivados del acceso a fondos documentales y obras existentes en la localidad de Worpswede\, Alemania. \n“Horacio Butler\, Héctor Basaldúa\, Aquiles Badi\, Raquel Forner\, Alfredo Bigatti\, Pedro Domínguez Neira\, Antonio Berni\, Lino E. Spilimbergo\, Víctor Pissarro\, Juan Del Prete y Alberto Morera fueron los jóvenes protagonistas de una aventura donde el espíritu de lo nuevo convivió con la tradición para articular la conciliación entre el pasado y el presente” \nCabe destacar que para la concreción de esta exposición\, declarada “De Interés Cultural” por el Consejo de Promoción Cultural\, resultó fundamental la acción del Programa de Mecenazgo Cultural de Buenos Aires Ciudad y la gestión de la Asociación Amigos del Museo Sívori\, así como el apoyo y la invaluable colaboración de la Dirección General de Museos y del Ministerio de Cultura de la Ciudad. \nPrimera exposición sobre los artistas que integraron el colectivo conocido como “Grupo de París”. Con curaduría de María Elena Babino y producción general de Graciela Limardo.\nDel 19 de septiembre al 1º de noviembre de 2015. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Sívori\, Paseo de la Infanta Isabel – Palermo\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Carlos Gómez Centurión - El oro de América
DESCRIPTION:Daniel Rueda Galería de Arte presenta una muestra individual de Carlos Gómez Centurión \nEl reconocido arquitecto y artista Carlos Gómez Centurión\, integrante del staff de Galería Rubbers Internacional  compartirá -con presencia del autor- obras de sus series “El oro de América” y “del Silencio”.\nEs el mismo Gómez Centurión quien expresa que considera a la pintura como un modo de pensar el mundo\, un modo de pensarse a uno mismo.  Que si en la ejecución de la obra de arte\, puedes concentrarte en tu hacer\, seguramente digas algo del orden de lo universal. En este caso\, es concretamente donde interpreta estar perdido en la inmensidad\, en el sentido de finitud y el sentido de tu escala mínima en el universo.\n\nCon técnicas mixtas sobre tela en la serie “El oro de América” y con un uso exquisito en acrílico y tinta sobre telas y cartulinas en la serie “del Silencio”\, ratifican al artista en su compromiso con la región cuyana a través en su obra pictórica.\nNacido en San Juan\, Argentina\, Gómez Centurión residió en Buenos Aires entre 1970 y 1982. En 1988 residió en la Citè  Internationale des Arts en París donde realizó su primer exposición individual. Actualmente vive y trabaja en San Juan\, Argentina.\nDurante la década del 90 y hasta inicios de la actual\, su trabajo se concentró fuertemente en el universo de la mitología americana. Fue miembro fundador del grupo El Mito Real.\n\n\nActualmente trabaja en el proyecto llamado “Digo la Cordillera”. Es un registro   multidisciplinario sobre los Andes desde Jujuy hasta Santa Cruz y cuenta  con la participación de un cineasta\, un sonidista\, un semiólogo\, un poeta\, un ingeniero en minas y un crítico de arte\,  además del pintor.\nLa primera etapa fue presentada en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires en 2004. La segunda y tercera etapa -«Digo la Cordillera\, el viaje como obra»- fue presentada en el Palais de Glace de Buenos Aires en el año 2012 con curaduría de Fernando Farina\, quien participó en los últimos viajes a la alta cordillera.\nLuego fue expuesta en el Museo de Arte Moderno de Mendoza\, en el Museo de Bellas Artes de Salta\, en el Museo Castagnino de Rosario\, en el Museo Caraffa de Córdoba\, en el Palacio Duhau de Buenos Aires y en el Museo de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan.\n\nCarlos Gómez Centurión tiene una significativa trayectoria: Ha realizado  diversas exposiciones en Argentina y en el exterior: Buenos Aires\, Rosario\, Córdoba\, Tandil\, Tucumán\, Salta\, Ushuaia\, Mendoza\, San Juan\,  San Luis y\,  en París\, Santiago de Chile\, Guayaquil y Quito\, entre otras.\nHa sido jurado de premios de pintura en varias ocasiones en Argentina\, Chile y Ecuador. Recientemente fue designado jurado del Festival Internacional de Cine Unasur.\n\nLa exposición se puede visitar desde el 24 de setiembre al 16 de octubre en Daniel Rueda Galería de Arte ubicada en The Plaza Business\, Montevideo 230\, piso 8\, oficina 4\, Ciudad de Mendoza. Visitas con cita previa a: info@danielrueda.com.ar | Celular +54 (9) 261 (15) 4 166590.
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SUMMARY:Julio Le Parc “Esfera Azul”
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner celebra la trayectoria del artista mendocino Julio Le Parc con un homenaje que tendrá lugar mañana a las 17\, en el Hall Central del antiguo correo central\, donde se emplazará la obra «Esfera azul”\, emblemática y representativa de su trayectoria artística. \nPionero del arte cinético\, su trabajo posee un magnetismo que provoca que uno no pueda quitar la vista de encima: la esfera se forma con cientos de pequeños cuadrados de acrílico de color azul\, que penden de un hilo\, que giran en el lugar y crean efectos ópticos\, el gran motor que alentó sus búsquedas estéticas. \nSegún la descripción del propio artista\, «los cuadrados se suspenden en el aire mediante un finísimo hilo de nylon\, de manera que pueden tomar cualquier posición\, dando vueltas cada uno independientemente. Sus posiciones posibles son indeterminables\, volviéndose su movimiento más cauto o más rápido según la fuerza del aire\, y la iluminación asimismo se modifica según el ángulo de incidencia de la luz\, variable con dicho movimiento». \nLa presentación al público de esta emblemática esfera se enmarca en el ciclo «Homenajes» del CCK a artistas argentinos consagrados y en paralelo en el Auditorio 513 del edificio de Sarmiento 151 se realizará una proyección de cortos sobre exposiciones sobresalientes de Le Parc: “Le Parc Lumière”\, “Biennale de París” y “Di Tella”. \n“Las primeras experiencias que hice con elementos móviles partían de las cajas luminosas\, y se realizaron a comienzos del año 1960. Estaban destinadas a servir como una suerte de diafragmas que modificaban sus formas según su posición\, dejando pasar más o menos cantidad de luz. Me di cuenta\, casi de inmediato\, que con ellas podía experimentar\, de forma independiente\, los mismos problemas que me preocupaban en aquel momento. Es decir\, la múltiple variedad de situaciones en una misma experiencia»\, cuenta el artista. \nLa producción exhibida en el CCK prolonga y reformula las búsquedas de entonces\, con sus continuels-mobils trabajos cuya propuesta estaba centrada en “combatir la pasividad\, la dependencia\, el condicionamiento ideológico\, desarrollando en la medida de lo posible la capacidad latente de reflexión\, de comparación\, de análisis\, de creación\, de acción” en los espectadores. \nRadicado desde 1958 en la ciudad francesa de París\, Le Parc mantiene una activa participación en el circuito artístico argentino y latinoamericano y llegó a la Argentina para participar del homenaje en el antiguo palacio de Correos\, para asistir luego\, en calidad de invitado de honor\, a la Bienal Internacional de Curitiba 2015\, cuya edición actual\, del 3 al 6 de octubre\, estará dedicada a la relación entre la luz y el arte. \nDesde fines de la década del 50 Julio Le Parc (Mendoza\, 1928) ha llevado adelante obras basadas en las relaciones entre espacio\, materia\, luz y movimiento. Su trabajo apunta a provocar los modos convencionales de la percepción\, formulando un planteo dinámico de las formas en su relación con el entorno y la mirada. \nLe Parc fue co-fundador en 1960 del GRAV – Grupo de investigación de Arte Visual; y ha ensayado desde entonces distintas exploraciones geométricas y cinéticas operando con la luz\, los nuevos materiales y la inclusión de nuevas tecnologías para la producción visual\, buscando generar experiencias que modifiquen el sitio del espectador. \nComo representante de nuestro país\, fue ganador del premio mayor otorgado en la XXXIIIº Bienal de Venecia. \nTambién ha sido protagonista de algunas de las más impactantes y exitosas exposiciones en Buenos Aires: por ejemplo\, su muestra individual en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella en 1966 fue la que más público convocó en toda la historia de esa renombrada institución.
URL:https://fadla.org/calendario/julio-le-parc-esfera-azul/
LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Argentina
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