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SUMMARY:JUAN JOSÉ CAMBRE. CROMÁTICA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) presentó su primera exposición temporaria del calendario 2013 Juan José Cambre. Cromática\, con una selección de 30 obras del reconocido artista argentino. La muestra estuvo abierta al público desde el 16 marzo al 12 de mayo de 2013. \nLa exposición dió cuenta del camino que la producción de Cambre ha transitado desde el año 2000 al 2013\, caracterizado por una continúa exploración de la riqueza del color junto a una renuncia a la figuración en piezas en las que el artista oculta su impronta\, producto de un proceso que emprendió en 1986\, cuando abandonó el óleo por el acrílico.
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SUMMARY:El Universo de Aurelio Salas
DESCRIPTION:Retorno mágicamente a la década del setenta y por alguna razón\, que muchos relacionarán con aquellos cruentos momentos históricos\, no puedo recordar ningún día con sol. No tengo intención de enmarcar mis palabras con metáforas armadas para la situación que encajen bien en estos tiempos\, pero en mi memoria selectiva aparecen solo confusas y erráticas imágenes de mi barrio y mi niñez. No sucede lo mismo con Kimba\, Hijitus\, Astroboy\, El Hombre de acero o Batffin\, que eran los dibujitos animados que tanto disfrutaba mirando Canal 10 de Tucumán. Lo notable\, es que los recuerdo en colores cuando en realidad solamente existía tv en blanco y negro. \nLo que sí tengo claro es que cuando llegaba el día domingo\, corría a ver el periódico que estaba sobre la única mesa que teníamos en casa y lo más preciado reposaba allí: “el dibujito” de Aurelio Salas en la página literaria del diario La Gaceta. Todos los domingos aparecía una de sus obras en tinta china ilustrando poemas o cuentos de escritores y poetas argentinos. Yo\, que era un niño inquieto\, observaba con gran espíritu opinante cada línea\, cada trazo\, tratando en mi cabeza de dilucidar los secretos de «ese tipo que dibujaba tan raro». Más aún\, recortaba los «dibujitos» y los guardaba en el cuaderno Rivadavia de matemáticas para seguir haciendo mis propios análisis en horas de clase en la escuela Normal. \nCada domingo era un nuevo descubrimiento\, un nuevo escalón en el asombro. Tanto insistí en el tema\, que un lunes mi padre me dijo: “el viernes van a hacer un «no sé qué» en el museo Timoteo Navarro… y va a estar el tipo que dibuja en el diario. Vamos a ir”. Fue una semana angustiosa\, lo confieso. Me preparé como nunca. No rezongué cuando me peinaron con Glostora ni aun cuando me pusieron esos zapatos con trenzas que tanto aborrecía. Llegamos en el Gordini y aferrado (aterrado también) a mi padre entré al museo. Sentí que ingresaba al Coliseo donde luchaban los gladiadores. Recuerdo cada una de las luces y el piso de muchos colores. Solté la mano de papá y me dispuse a descubrir por mi propio instinto quién era Aurelio Salas. \nLa cantidad de gente me jugó en contra. Los nervios\, la muchedumbre que hablaba y los mozos con sus bandejas me noquearon contra una de las paredes. Se me iba… Salas se me iba… con una bocanada de oxígeno tomé valor y le pregunté a una señora que devoraba un sanguchito\, y ella señalándome un grupo de gente me dijo: allí está. \nEl corazón me apaleaba el pecho y logre pararme entre medio de las piernas de unos señores y lo descubrí… Al fin estábamos frente a frente\, sin máscaras\, sin disfraces. La multitud ya no importaba. Solo él y yo. Me pareció titánico\, tenía unos lentes enormes y una voz que daba recelo. Un vaso de vino tinto en la mano iba de aquí para allá y hablaba de pintura. Mientras\, yo pensaba en todo lo que tenía para decirle. Pero\, los nervios me terminaron de ganar la batalla y como si hubiese sonado el toque de retirada\, huí empujando piernas que querían impedir mi escapada. \nLuego\, tuve que inventar mil excusas para explicar a mi padre de por qué no había podido hablar con el «señor del diario» Fue una experiencia demoledora. Con el tiempo\, recuperado a medias de aquel encuentro\, comencé furtivamente a usar las lapiceras de tinta china que usaba mi padre para dibujar planos en Vialidad Provincial\, tratando de copiar al maestro. Así\, sin darme cuenta\, pasaron los años\, siempre mirando sus dibujos y pensando constantemente que «algún día hablaré con él». Eso nunca ocurrió. \nEn diversas oportunidades he tenido el honor de ser parte del rescate de su labor\, de curar sus exposiciones\, de elegir las imágenes de sus catálogos y tengo el privilegio divino de conocer de memoria casi la totalidad de la evolución de su obra magnífica e incomparable. Sobre la rotundidad en el manejo de la línea\, la densidad del claroscuro y la bohemia impenitente de este artista legendario\, se han referido grandes críticos\, especialistas y allegados al gran maestro del dibujo Sixto Aurelio Salas. \nSería una tautología de mi parte seguir vertiendo tinta sobre lo mismo. Como así también sería una falta de respeto y una cobardía no reconocer la influencia que su imagen ha dejado en mí como en tantos otros artistas que han bebido de su tintero. Solamente al sumergirse en su obra es posible dimensionar el impacto que causó en las generaciones que lo sucedieron y en sus contemporáneos. Él no se parece a nadie y todos tienen algo de él. Todos. Y hablo de los más grandes y famosos. Hablo de sus recursos y modismos. De los que no pudieron escapar aún de su universo y de los que se pavonean de «contemporáneos». \nConstantemente he escuchado decir que si hubiese viajado seguido a Buenos Aires\, Salas sería un artista muy famoso\, pero en su cabeza eso no tenía cabida. Él estaba totalmente abstraído en su obra y en el compromiso de desarrollarse como artista. Nadaba en otra dimensión\, en esa a la que no se puede acceder haciendo cursos\, ni clínicas\, ni se puede adquirir en fascículos\, como tampoco te la pueden enseñar en ninguna facultad de artes. La fantástica dimensión donde fluye la eternidad. La dimensión de los artistas. \nPablo Iván Ríos\nArtista Plástico\nTucumán – Argentina
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LOCATION:Consejo Federal de Inversiones (CFI)\, San Martín 857\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Aguas abajo
DESCRIPTION:El miércoles 8 de Mayo\, Ricardo Wiesse inaugura en la Galería Forum una nueva exposición individual que como es su costumbre no dejará de sorprendernos. \nWiesse es uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria sin duda de las mas sólidas y coherentes de nuestras artes plásticas\, cada muestra suya sirve para acercarnos a la esencia de sus preocupación plástica\, como puede ser el desierto y su espacio\, el mar o el río. \nEl desierto de Ica\, las líneas\, que recuerdan el efecto del viento sobre la arena o las  ruinas de Pachacamac han sido para Ricardo un mero  pretexto para crear y hacer pintura\,  para él\, el  tema de asumir un paisaje  y hacerlo propio es esencial\, “ sabes que es tuyo y que te moviliza profundamente\, que te vincula con todas sus facetas y con todo lo que ello pueda significar.” \nPara esta muestra Wiesse ha preparado oleos de gran y mediano formato\, que son los que expondrá en esta ocasión\, excava descubriendo y encontrando nuevas metáforas donde las imágenes abstractas recogen acciones como el lecho del mar\, del  río\, con colores que expanden los registros conocidos del artista\, gran cambio en su trayectoria. \nSu actual exposición viene a mostrar una nueva meta que paulatinamente se venía apreciando en exposiciones anteriores\, donde introduce nuevos elementes a la propuesta que hiciera conocida y que hoy llega a una nueva vertiente. \nMuestra importante de un artista maduro\, que lejos de repetirse a si mismo reta el pasado para reiniciar de nuevo un camino basado en lo anteriormente aprehendido. \nUna Exposición de Ricardo Wiesse siempre concita expectativa y curiosidad\, sabiendo de seguro que al visitarla será mucho lo que al espectador le reporte. \nLa exposición\, de visita obligada\,  estará hasta el 26 de Mayo\, en el horario habitual de la Galería\, de lunes a viernes de 10 am a 8 pm Y sábados de 11 am a 2 pm y de 5 a 9 pm. \n+ INFO
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Mónica Rojas: Circunvalación del Olvido
DESCRIPTION:Fenómeno fundamental entre fines del Siglo XX e inicios del XXI\, la fotografía no es una simple corriente del arte contemporáneo. \nLa misma llega en realidad a abrazar la categoría general de la imagen\, las investigaciones experimentales posibles del universo virtual\, las formas alternativas de la comunicación en la era de los nuevos medios\, la historia del fin de los modernismos en el momento en el cual entra en crisis el estatuto de la obra de arte\, la problemática característica del documento\, en un contexto en el cual el arte no es más el único horizonte de la creación y además\, el montaje de las imagenes en la época en la cual se duda de la experiencia que nos ofrecen las representaciones. \nLa acción fotográfica consiste en un proceso más complejo del técnico elemental. La fotografía artística es el resultado de una proyectualidad visual y psíquica que se precisa aún antes del obturador con el cual el fotógrafo toma la decisión definitiva de ejecutar la imagen. \nHenos aquí en el acto de remodelar los confines entre la fotograña en sí misma y la pintura. Henos aquí en la propuesta de imagen de Mónica Rojas. \nCon la particularidad de poner en ejecución la captura de momentos de tiempos disyuntivos\, entre falsas pistas y lo onírico como brutal gentileza\, transpone y vela al unísono el disimulo y la desaparición de espacios y personajes que revitalizan lugares y voces sin narración alguna\, que como característica de las estéticas posmodernistas\, finaliza colocando en la falacia entre la representación y la recreación . Vestir ruinas pareciera ser su cometido\, otorgarles hábito y por lo tanto volver a habitarlas pareciera ser su objeto. \nLos trayectos de la relación entre olvido y memoria son múltiples e insondables del mismo modo que lo son las vias que las creencias atribuyen a los dioses. Carece de sentido preguntarse acerca del despojo espacial\, los escombros y el abandono de los espacios y construcciones ante los cuales nos pone\, más bien nos propone la insidiosa estaca acerca de su sobrevivencia\, de su permanencia en el tiempo y de aquello que aún habita sus cimientos. \nAtesoramiento de restos\, arequeología de lo vivido\, perdurabilidad de huellas y rastros y una notable voluntad de rechazar el olvido\, pareciera ser su meta\, sin pretensión de documentar sino de elevar a protogonistas aquellas marcas y grietas en los viejos muros desgarrados donde fue albergada alguna vivencia. \nMarcas y escisiones de supuestos mundos paralelos que conviven\, edificios abandonados y paisajes desgarrados pero con grietas florecidas. Construcciones- testimonios\, que parecieran especializarse en el hallazgo de brotes donde la mirada de Mónica Rojas sabe leer las imagenes de los cementos\, ladrillos\, pisos\, tierras\, despojos y deshechos\, y los cuerpos que insisten en seguir presentes en un espacio que simularía ya no querer de ellos\, entre la clandestinidad\, la historia y la perseverancia de sus propias emociones. \nEntre luces y sombras\, el hábito de penetrar el mundo material e imponerle la vida se dirige hacia el testimonio y su diálogo para con un paisaje constituido por el abandono y su recuperación\, donde la huella y trazo de lo vivenciado hacen a la excedencia del mero registro. \nInterpelación doble\, ya que nos da la posibilidad de una otra mirada sobre lugares y sitios localizables geográfica e históricamente abriendo al recuerdo y su presencia\, pero al mismo tiempo imaginar y trasladarnos en la experiencia\, paso y tránsito de otros\, que todavía hoy\, de alguna manera conviven entre nosotros. \nLa artista nos pone de lleno en el seno de la problemática de una estética contemporánea que diferencia el espacio del sitio y a éste del lugar. \nSi es cierto que lo humano no le habla a las cosas sino que nosotros somos hablados por ellas\, entonces podríamos comprender y comprendernos a través de estas imagenes en algo del lamento de ciertas ruinas vestidas\, sus emplazamientos y vestigios\, a los que muy paulatinamente podríamos extirparles una nueva vida que sigue queriendo de sí. \nUna manera implícita de estar dispuestos a la nueva tarea del por-venir. \nPor Claudio Ongaro Haelterman
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LOCATION:Museo Municipal Bellas Artes Timoteo Navarro\, 9 de Julio 44\, S. M. de Tucumán\, Tucumán\, Argentina
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SUMMARY:Arpegio de Colores
DESCRIPTION:Arpegio de Colores. Colectiva en el Art Hall Howard Johnson \nEl miércoles 15 de mayo el Art Hall del Hotel Howard Johnson La Cañada dió inicio a su primera exposición colectiva. El arte nos ofrece distintas rutas. En este caso esas rutas tienen cruces y un punto de encuentro llamado “Arpegio de Colores”. Fabiana Rossi\, Mariquita Quiroga\, María Jimena Cambas Vaca y Luciana Bonavía\, cada una con su impronta\, exponen sus producciones artísticas en el ya legitimado muro de arte del hotel. \nEl hall del hotel como un paisaje calmo\, placentero\, de disfrute…. y estos cuatro caminos con sus ritmos\, acentos\, climas… con su propia fuerza y carácter. \nLa obra de Fabiana Rossi invita a buscar “las palabras escondidas en la tierra y el misterio absoluto e infinito del cielo”.\n[Hombre que busca distraído las palabras escondidas en la tierra y el misterio absoluto e infinito del cielo\, Hombre que busca en un complejo archivo de mil palabras \, en oscuras profundidades y tal vez su respuesta se encuentre simple y pura en la Piedra\, la Tormenta\, la Nube y la mirada eterna hacia el Mañana.]\n// Fabiana Rossi \nMariquita Quiroga nos sitúa simultáneamente en un mundo de sueños y realidades\, de habitantes del futuro y del pasado… “más allá de la naturaleza”.\n[“Alicia: ¿Cuánto tiempo es para siempre?\nConejo Blanco: A veces\, solo un segundo”\nLewis Carol\nEncuentro a estos seres\, en un papel en blanco\, en manchas de humedad\, en las caras de amigos\, en las manchas de las plantas\, en las nubes\, en los sueños\, en las realidades… salen naturalmente\, se presentan y quedan intactas por un segundo.\nTengo la sensación cuando las miro que desean contarme un presagio\, del futuro o del pasado.\nAmaso la pasta de pigmentos creando un mundo de sintonías apropiadas al espacio del habitante que reclama su color.\nAhí mismo\, congelado en el tiempo\, te llama\, te busca\, te indica que mirar.]\n// Mariquita Quiroga \nMaría Jimena Cambas Vaca a través de su obra expresa: “…vengo de un espacio donde cotidianamente me reinvento a través del color. El último bastión donde uno se refugia. El último bastión de resistencia.”\n[“A veces\, no siempre\, sin querer queriendo el sol quema mas de lo expuesto.\nVengo de una tierra árida\,\nVengo de una tierra donde la lluvia se desea\,\nDonde las espinas en un tiempo fueron hojas\,\nVengo de un espacio donde cotidianamente me reinvento a través del color.\nEl último bastión donde uno se refugia.\nEl último bastión de resistencia.”]\n// Jimena Cambas Vaca \nCon “Ecos del Vacío” Luciana Bonavía mostrará un mundo informal y abstracto. Oscuridad\, silencio\, tensiones… el todo y la nada.\n“… (Nada\, dónde estás tú en medio de esta nada?)\ny de la nada se sugirió su impulso\nque incumbía a todo lo inexistente. \nY desde ese mismo estado inatómico\nescapó como gimiendo por el desahogo\ncomo estirándose\ntodo lo infinitamente misterioso\nde nuestra respiración.”\n(“Guitarra Negra”\, V; Luis Alberto Spinetta)\nCon “Ecos del Vacío” renace el espacio de un mundo informal abstracto. Se muestra su interioridad y permite ver la oscuridad\, no como algo sublime que nos supera si no que nos invita a reconocernos en ella. La ausencia es liberada por el pensamiento de la espontaneidad y a partir del silencio se estructura lo entrañable de la obra.\nPrecipicios que alertan fuerzas y direcciones; cromas de materias que instalan sitios. El todo\, la nada y una incógnita… ¿dónde estás vos?\n// Luciana Bonavía \nAdemás el día de la inauguración Mariquita Quiroga y Luciana Bonavía realizarán un dibujo digital conjunto en vivo.\nSon cuatro rutas\, entre tantas otras\, en un mismo espacio. Rutas sensibles e intensas para transitar\, atravesar\, indagar y descubrir..\nTexto: Andrea Rugnone \nPerformance: “Cronología del Silencio”\nMariquita Quiroga & Luciana Bonavía\n[ dj: Cristian Efe] \nArt Hall Howard Johnson\nLa moderna arquitectura del Hotel Howard Johnson ubicado sobre la mística Cañada\, auténtico punto de referencia del centro histórico\, cultural\, económico y financiero de nuestra Ciudad\, dispone sus espacios comunes para que BIEDERMEIER exponga pinturas y esculturas de artistas cordobeses con características contemporáneas. \nArpegio de Colores\nFabiana Rossi\, Mariquita Quiroga\, Jimena Cambas Vaca y Luciana Bonavia\nDel 15 de mayo al 30 de junio de 2013 \nProducción Artística:\nBiedermeier Galería de Arte \nArt Hall Howard Johnson La Cañada\nFigueroa Alcorta 20 – Córdoba \nPrensa Carlos M Díaz \n\n\n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Art Hall del Hotel Howard Johnson La Cañada\, Figueroa Alcorta 20\, La Cañada\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:ExtremoSUR
DESCRIPTION:ExtremoSUR propone un viaje de iniciación por los campos blancos del extremo sur del planeta\, lugares etéreos de silencio y soledad pero diversos y llenos de vida. En la muestra se exhibe a la Antártida como un espacio donde las sutilezas y los matices del blanco interpelan la propia construcción de la forma y el color. La belleza salvaje del continente\, antiguamente habitado por pioneros\, cazadores de focas y ballenas\, tierra de narraciones fantásticas\, mitológicas y científicas\, hoy se presenta como un espacio de paz y reflexión profunda. \nMarcela García\, ha sabido retratar los paisajes y las texturas de los páramos y de las nieves eternas del volcán Chimborazo de su Ecuador natal. Con esa experiencia ha recorrido un largo viaje hasta el llamado fin del mundo impulsada por la aventura\, por la búsqueda del misterio que constituye ese punto extremo. \nSegún Milagros Aguirre la muestra “se acerca a la introspección\, al silencio profundo\, desde donde Marcela García contempla el paisaje intocado. Lo hace a través del lente de su cámara y se deja seducir por las sensuales curvas de los hielos\, por los blancos y grises\, por el vértigo\, por el asombro que producen los matices y el reflejo del paisaje montañoso en las profundidades de las aguas trocado en un cuadro abstracto. Aquí el paisaje se convierte en obra de arte\, las líneas y la luz juegan en la composición de la forma para que de estos espacios gélidos cobren la vida anímica que contienen en sí. La muestra es un viaje de aprendizaje\, un viaje interior que es también\, una aventura\, porque de eso también se trata Extremo Sur”. \nMarcela García\nExtremoSUR\nInauguración: jueves 16 de mayo a las 18 hs\nCierre: domingo 9 de junio\nSala 12 \nCentro Cultural Recoleta\nJunín 1930\nBuenos Aires – Argentina \n 
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SUMMARY:Lo exotérico del símbolo
DESCRIPTION:Para la artista plástica Elisa Legorreta Hernández un símbolo es la forma de expresar diversas realidades de la vida humana: ideas\, amores y desamores\, fracasos y triunfos\, historias reales e imaginarias\, bromas\, sueños\, lo natural y sobrenatural\, los recuerdos\, lo cotidiano y lo extraordinario\, es decir\, todo. \n¿Qué es un símbolo? La representación de una idea; un signo sin semejanza; pictografías con significado\, o posiblemente\, un medio de expresión al que se le atribuye un significado convencional. \nElisa Legorreta Hernández ha construido cada una de las 20 piezas que integran la muestra Lo exotérico del símbolo\, una reflexión en torno al símbolo “como un medio que permite la unión y comunicación entre las personas de diferentes épocas y razas\, un elemento que tiene una belleza tal que nos cautiva seamos de la cultura que seamos”\, detalló en entrevista con Conaculta la artista plástica. \nLa artista plástica cuenta con más de 30 años de trayectoria durante los cuales ha realizado más de 700 cuadros\, muebles y objetos pintados\, diseño de vitrales\, esculturas\, instalaciones\, objetos de arte\, murales e intervenciones fotográficas creadas para varios espacios públicos y privados de la ciudad de Monterrey\, Guadalajara\, Montreal\, Chicago\, Dallas\, Houston\, Miami\, Nueva York\, San Francisco\, Vail\, Santiago\, Sao Paulo y Zürich. \nAhora\, por quinta ocasión\, el trabajo de la también escultora –realizado entre 2011 y 2013– llega a la Ciudad de México para mostrar obras que destacan por dos elementos: un fuerte manejo del color y una técnica impecable en donde es notable el toque personal de la artista en encáustica con cera de abeja y pigmentos\, madera y encáustica\, grabado y repujado con relieve\, pintura sobre arena\, pigmentos con volumen y textiles. \nAsí el público encontrará en esta muestra diversas piezas que destacan por esos elementos y por expresar “la universalidad de los signos que permite unir a los seres humanos y mostrar cómo el arte también es una forma de asociación entre las personas mediante los signos que emplea”\, relató la artista quien complementa su labor artística como profesora. \nEntre las obras que se pueden ver en esta muestra se encuentran: Mano que expresa\, una pintura en color rojo que retrata el símbolo de paz hecho con la mano\, cuyo fondo es una serie de palabras negras que muestran el significado de paz en diferentes idiomas. \nContraste unido\, obra que plasma figuras de animales\, flores\, caras y figuras geométricas\, “arte figurativo como una forma de expresión antiquísima que toca la raíz sensible de cada persona y además muestra cómo se siguen usando las figuras para expresar la necesidad de comunicarse”\, refirió Elisa Legorreta Hernández. \nBúsqueda del valor\, pieza monocromática que aparenta ser un laberinto verde\, pero que en realidad es un laberinto de pigmento amarillo resultado de la mezcla de seis colores diferentes\, exclusivos de la artista. \nLa perfección de la vida es una obra tejida en lana que da forma a un círculo -detalló la artista- es el símbolo de perfección y de la vida “que remite a sus momentos fuertes\, sean buenos o no\, pero que nos llevan a un progreso ya que a pesar de todo la vida es siempre perfecta”. \nLas obras que se exhiben en Lo exotérico del símbolo se basan en una investigación teórica y están inspiradas en la historia de los símbolos\, principalmente de la cultura celta. Además de la iconografía de las letras griegas y latinas\, a las que se suma un poema de Pablo Neruda y una traducción en latín de la primera parte del Evangelio de San Juan. \n“Me interesé por el griego y latín porque creo que las palabras de ese idioma son gráficamente preciosas. También recurrí al diseño del calendario maya para reflejar en la pieza Tiempo plasmado la tendencia del hombre de siempre medir el tiempo\, de cuantificar su acontecer”\, destacó la también escritora. \nPara Elisa Legorreta Lo exotérico del símbolo es la oportunidad ideal para mostrar que el arte es belleza\, un producto agradable para el espectador\, quien al admirarlo será feliz y sentirá como las emociones lo invaden e invitan a conocer\, acercarse y comunicarse con otras personas. \n“Con esta muestra voy a reflejar cómo el arte contemporáneo es la esencia de la belleza\, elemento que para mí da vida a una obra. Con ella voy a ir más allá de lo convencional y trataré de que mis obras toquen los sentidos\, inteligencia y principalmente el espíritu de cada una de las personas que vengan a verla”\, añadió la artista. \nLa creadora expresó que con esta exposición espera despertar en el público su interés por el arte mexicano que no es exclusivo para un crítico de arte o un coleccionista\, sino que puede ser apreciado por cualquier persona\, “ya que el arte es accesible a todos porque es parte de nuestra naturaleza y esencia”. \nLo exotérico del símbolo podrá visitarse a partir de este viernes 17 de mayo y hasta el 14 de junio de 9:00 a 18:00 horas en el mezzanine de la Bolsa Mexicana de Valores\, Paseo de la Reforma 255\, colonia Cuauhtémoc. \nLo exotérico del símbolo\nDel 17 de mayo al 14 de junio de 2013 \nBolsa Mexicana de Valores\nPaseo de la Reforma 255\, Colonia Cuauhtémoc\nMéxico \nLCL\nMéxico / Distrito Federal\nPrensa Conaculta \n+ INFO
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LOCATION:Bolsa Mexicana de Valores\, Paseo de la Reforma 255\, Colonia Cuauhtémoc\, Ciudad de México\, Mexico
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SUMMARY:Anthony Arrobo - Tú y Yo
DESCRIPTION:Tú y Yo da cabida a las dos líneas de investigación desarrolladas paralelamente por Anthony Arrobo en los últimos tres años y la contradicción aparente que suponen entre sí. \nArrobo se ha posicionado en la escena local e internacional con obras de una sobriedad impactante\, en donde la sencillez del gesto converge con la pureza formal. \nEn Do not touch (2010)\, su primera muestra individual\, reflexiona mediante  juegos estéticos sobre el sentido que la Historia del Arte ha concedido a ciertos  materiales “tradicionales”. En obras como Red Curtain\, telón de teatro hecho íntegramente de láminas de pintura roja\, aborda la relación –tradicionalmente pasiva– del espectador con el género pictórico. De igual manera ocurre en Nudes\, en la que telas hechas de pintura blanca visten parcialmente un conjunto de bastidores\, dejando desnudas ciertas partes de la madera\, en clara alusión al desnudo como género protagónico en la Historia del Arte que fijó los ideales de belleza. \nNudes replantea el lugar de la pintura como medio y\, de la misma forma que Red Curtain\,White Fabrics o Ghosts\, cuestiona el comportamiento convencional del material\, desplazándolo de su rol de medio para convertirlo en el objeto en sí. Estas estrategias remiten al impulso modernista de explorar los medios que definen la práctica artística desde un acercamiento a cierta estética formalista de los cincuentas y sesentas\, a su vez que generan una aproximación actual del recurso del trompe d’oeil\, caractéristico de la pintura tradicional. \nEste recurso se encuentra también en Twins donde persiste la intención de jugar con los materiales y componentes de aquello que la tradición definió como “obra de arte”. La pieza\, consistente de dos esferas gemelas de grafito\, remite a la búsqueda de la mímesis como compromiso y justificación del arte\, a través del rol fundamental que tuvo el dibujo\, antes de la aparición de las nuevas tecnologías. \nEn estas obras el espectador es seducido no solo por el trastoque de la función tradicional del material\, sino por la apelación del rol convencional de la obra frente a la Historia del Arte e\, inclusive\, del papel que ha desempeñado el espectador en esa Historia. \nComo en Twins\, en la serie Papers el medio es redefinido\, ahora con minas de grafito que se convierten en soporte y protagonista de la obra. \nA partir de coquetos guiños al formalismo y a determinadas manifestaciones artísticas como el posminimalismo\, Arrobo usa convenciones visuales preexistentes de la conciencia estética culta. En su segunda muestra individual\, titulada Liliput (2011)\, estas referencias empiezan a desvanecerse. Las obras que la componen apuntan a la capacidad metafórica de los gestos. Layersland es un mundo de pequeñas torres de colores\, en el que Arrobo traslada el lugar natural del acto pictórico al margen del papel\, en un acto “menor” a través del cual\, según Lupe Álvarez\, curadora de la muestra\, el autor proponía con sutileza “el repliegue hacia lo primordial\, la necesidad de desandar el espacio sobrecodificado para ir hacia ese campo sin ‘ley’”. \nHeartbeats es una fotografía donde aparecen en el firmamento 112\,320 estrellas correspondientes al número de latidos del corazón del artista durante un día; ésta es\, quizá\, la obra que mejor muestra el quiebre entre su primera producción y una obra en la que el artista se coloca a sí mismo como sujeto de experimentación. \nSe revela\, entonces\, una carga poética mucho más íntima pues\, alejándose de la preocupación por lo objetual de sus búsquedas primigenias\, Arrobo se posiciona como centro. Tal es el caso de la reciente pieza Radio\, un dibujo sobre pared\, en la que el artista traza la medida de su radio. Una alusión minimal al hombre de Vitrubio de Da Vinci\, que se aparta del propósito de universalidad que intentaba aquél para privilegiar el gesto íntimo desde lo biográfico. \nEn obras como Horizonte Invisible\, recrea un horizonte utilizando la sombra de un hilo nylon pintado de blanco\, del cual\, a cierta distancia\, solo es perceptible su sombra. Aquí\, el artista vuelve a hablar del dibujo y la pintura como medio\, de la línea como aquello que fija\, marca\, divide\, y que es\, además\, esqueleto de la pintura y del lugar del espectador\, pero esta vez desde un sutil gesto que ha renunciado a aquella  grandiosidad de sus primeros trabajos. Por su parte\, Confeti\, forma parte de la bienvenida de la exposición Tú y Yo\, donde Anthony Arrobo recibe a los espectadores con un estallido de diminutos papeles de colores\, en los que\, como ofrenda efímera\, dedica poemas de amor impresos en ellos. \nDe estas últimas obras es posible intuir el anuncio entusiasta del lugar de las nuevas exploraciones del artista.
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LOCATION:Fundación Teatro Odeón\, Carrera 5 # 12C - 85\, Bogotá\, Bogotá\, Colombia
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SUMMARY:Fotografía experimental
DESCRIPTION:Quiero invitarlos al taller de fotografía experimental que se realizara del 20 al 25 de Mayo en la instalaciones del Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de la ciudad de Santa Marta. Esta vez contaremos con la presencia del maestro Matt O´Brien quien viene de San Francisco a mostrarnos los últimos avances de la fotografía digital. \nSera un proceso de inmersion de 5 dias que incluira sesiones teoricas y practicas; entre ellas dos salidas de campo una a la ciudad y otra a un entorno rural para realizar sesiones de experimentacion. \nMatt O´Brien es un fotografo norteamericano especializado en el arte del retrato y el paisajismo. Su trabajo ha sido expuesto y esta en colecciones de varias instituciones como la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos\, el Museo de Fotografía de California\, el Museo de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte Moderno de Cartagena\, Colombia. Entre los premios que ha recibido están el Mother Jones International Fund for Documentary Photography Award\, El Community Heritage Grant from the California Council for the Humanities y la beca Fulbright. \nEsperamos contar con su asistencia; \nMaría Cristina Agudelo \n+ INFO
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LOCATION:Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo\, Avenida Libertador sin número Mamatoco Quinta de San Pedro Alejandrino\, Santa Marta\, Santa Marta\, Colombia
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SUMMARY:Veladas surrealistas
DESCRIPTION:Entre el 29 de mayo y el 7 de junio se realizarán cuatro jornadas en que personalidades relacionadas al movimiento surrealista chileno\, participarán en instancias de diálogo e intercambio a través de sus propias miradas\, tal como lo hicieran en su momento\, artistas como André Breton\, Jean Arp o René Magritte. \nLa idea de realizar estas veladas surge de una alianza de trabajo entre la DIBAM\, la Biblioteca Nacional de Chile y el Museo Nacional de Bellas Artes a partir de la exposición Papeles Surrealistas. Dibujos y pinturas del surrealismo en las Colecciones del MNBA y la mesa redonda que acompañaría la muestra. Soledad Novoa\, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes\, explica que debido a que la exposición tiene un enfoque histórico es significativo poder contar con la presencia de testigos privilegiados y protagonistas de algunas de las acciones asociadas al surrealismo y a una serie de «espacios de libertad creativa» que se generaron en Santiago a fines de los años 60. De ahí la invitación a Ludwig Zeller y Susana Wald\, actualmente residentes en México\, quienes viajarán para participar en las actividades. \nPara Daniela Correa\, Jefa del Departamento de Cultura y Comunicaciones de la Biblioteca Nacional\, el movimiento surrealista chileno ha sido incorporado a las celebraciones de los 200 años de la Biblioteca por sus características tanto artísticas como literarias y ha permitido el trabajo en conjunto con el MNBA. Ludwig Zeller y Susana Wald conversarán con Alfredo Lewin en el ciclo Libro Abierto y revivirán el espíritu surrealista con una tarde de lectura poética junto al artista Samuel Ibarra\, en actividades que se realizarán en sus dependencias. \n«Veladas Surrealistas no sólo nos permite hacer un guiño al movimiento y al surrealismo chileno encarnado por el grupo La Mandrágora\, sino también transmitir al público que esta serie de actividades están vinculadas entre sí\, dando cuenta de un estado de ánimo\, un pulso\, una disposición que no da cosas por sentadas sino que busca la participación y la discusión» explica Soledad Novoa. \nPROGRAMA:\nMIÉRCOLES 29 de mayo: Presentación del catálogo de la exposición y Mesa Redonda Papeles Surrealistas \nParticipantes: Ludwig Zeller\, Susana Wald\, Luis de Mussy\, Grupo Derrame (Enrique de Santiago y Rodrigo Hernández Piceros) y Soledad Novoa. \n18:30 – 21:30 | Salón José Miguel Blanco | MNBA \nMIÉRCOLES 5 de junio: Libro abierto; entrevista pública con Alfredo Lewin \nParticipantes: Ludwig Zeller y Susana Wald. \n19.30 | Sala América | Biblioteca Nacional \nJUEVES 6 de junio: Lectura poética Ludwig Zeller \nParticipantes: Ludwig Zeller y Samuel Ibarra. \n19.30 | Sala América | Biblioteca Nacional \nVIERNES 7 de junio: Lanzamiento del libro «El espectro de René Magritte»\, poemas de Enrique Gómez-Correa y dibujos de René Magritte. Publicado por Mandrágora Ediciones. \nParticipantes: Ludwig Zeller\, Cristián Warnken\, Oscar Ríos\, Xavier Gómez y Marcelo Mendoza. \nOriginalmente programado en el Salón José Miguel Blanco se cambió a la Sala América de la Biblioteca Nacional\, a las 18:00 horas \nTodas las actividades son gratuitas y abiertas al público. \n+ INFO
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SUMMARY:Epifanías en claves diversas
DESCRIPTION:EPIFANÍAS EN CLAVES DIVERSAS\ndibujos\, tintas\, gouaches y acuarelas \nInaugura Miércoles 29 a las 19hs. \nSusana Raffo nos presenta una serie de Dibujos en pequeño formato: tintas\, gouaches\, acuarelas  y técnicas combinadas\, realizados en los últimos años. El fluido tratamiento de las texturas y materiales\, junto a una sólida composición formal generan imágenes de tónica surreal y una atmósfera que nos hace pensar a través de las sensaciones. \n\n..los personales dibujos de Susana Raffo\, de impecable realización\, nos muestra una imagen muy singular de hermética  poesía y fervorosa imaginación.                                                                      \n\nEntrada libre y gratuita.
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