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SUMMARY:JOSÉ TOLA - EL TIEMPO Y YO
DESCRIPTION:«EL TIEMPO Y YO – José Tola\, un recorrido por su pintura» reúne una veintena de obras pictóricas de este artista señalado por la crítica como uno de los creadores visuales más importantes del siglo XX en el Perú. Pertenecientes a su producción a partir de 1994\, cuando Tola retornó a la práctica de la pintura luego de un periodo de nueve años de experimentación con materiales nada ortodoxos\, a los que transformó e infundió de inédita plasticidad\, las obras escogidas trazan un extraordinario recorrido artístico a lo largo de un cuarto de siglo\, hasta 2018. Su pintura pasó por más de diez fases o periodos distintos en este tiempo: por un singular proceso se desplazó de lo que él llamó ‘una abstracción con rastro de figura» a una figuración estilizada\, marcada por un sofisticado cromatismo de rango ‘frío’\, una nueva sensualidad de formas angulares y la aparición de un sorprendente sentido del espacio. Tola decantó su abstracción en una construcción de personajes nunca antes vista en su pintura\, fascinante aporte final de este gran artista fallecido en 2019. \nJorge Villacorta\, curador de la muestra \n  \nJosé Tola De Habich (1943 – 2019)\nTola fue un artista versátil. Egresa con el título de profesor de dibujo y pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando\, Madrid. Ganador de la Bienal de la Habana su obra es vasta y expresiva\, fuera de toda clasificación y conformidad\, como su misma personalidad.\nHa realizado numerosas exposiciones individuales en diferentes galerías y museos de Latinoamérica. No se puede dejar de mencionar su participación como representante del Perú ante la 21ª bienal de Sao Paulo\, Brasil (1989)\, su presencia como invitado de honor en las bienales de La Habana\, Cuba (1989) y Cuenca\, Ecuador (1997). En 1995 se realizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de la Nación en Lima. Además\, Tola fue merecedor en 1998 del Premio de Pintura Bienal Tecnoquímica.\nActualmente su obra está representada en museos\, colecciones públicas\, corporativas y privadas de prestigio nacional e internacional. Londres.
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SUMMARY:MIRADA TAURINA
DESCRIPTION:Mochuelo Art te invita este Sábado 02 de Abril a la Inauguración de «Mirada Taurina» \nMirada Taurina es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art donde se presenta el trabajo de 5 talentosos Maestros de la Plástica de nuestro país: Régulo Perez\, Eduardo Agelvis\, Jorge Dager\, Pedro Centeno Vallenilla y Pedro León Zapata. La exposición que reúne 17 Obras entre pinturas y esculturas de variados formatos y en diversidad de estilos y técnicas\, enaltece la denominada fiesta brava\, mostrada con respeto y virtuosismo en toda su majestuosidad y colorido. \nArturo Michelena\, Tito Salas\, Reverón\, Pedro Centeno Vallenilla\, Mario Abreu\, Pedro Angel Gonzales\, incluso Jesús Soto por hablar de nuestro legado cultural\, han representado en algún momento el tema taurino. Con esta exposición\, tenemos el registro maravilloso\, de 5 Maestros de la plástica\, cuyas Obras constituyen un importante testimonio que deben venir a conocer. Cita Soraya Gabaldón Dir. de Mochuelo Art \n\n\n\nMirada taurina estará abierta al público hasta el 28 de Mayo y contará con una serie de actividades entre conversatorios y talleres\, siendo el más cercano el del sábado 23 de abril\, titulado La tauromaquia en el arte\, dictado por el Lic. Hendrik Hidalgo Dir. General del Museo Arturo Michelena. \nNosotros continuaremos con nuestro trabajo de promover el trabajo de nuestros artistas venezolanos dentro y fuera de nuestras fronteras\, y con nuestro lema SEMBRAR ARTE\, buscamos acercar al público a ese mundo maravilloso que rodea a las artes en todas sus manifestaciones \nSoraya Gabaldón Directora Mochuelo Art \nMIRADA TAURINA estará en sala hasta el 28 de Mayo de 2022 Mochuelo Art C.C.Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla. @mochueloart Contacto: Soraya Gabaldón +58 (414)-124.91.39\nFotografías Patricia Villa @patriciavilla300372 \n\n\n\nSEMBRANDO ARTE
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SUMMARY:Faces. La inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos
DESCRIPTION:El mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica estará presente en el Centro Cultural San Martín con una exclusiva selección de portadas de rostros humanos. \nEl recorrido de Faces finaliza con un tributo a Gustavo Cerati\, el gran músico y artista argentino\, con una selección de las portadas con su rostro. \nFaces forma parte de la colección “Arte de Tapa” compuesta por más de 400.000 ejemplares de revistas de actualidad\, humorísticas\, infantiles\, deportivas\, comics y espectáculos\, entre otras de más de 50 géneros periodísticos. En la muestra se podrán ver portadas de revistas nacionales e internacionales a partir del año 1920 y hasta 2020. El tema principal es el rostro humano y lo que transmiten cada una de las diferentes formas de mostrarlo a lo largo del tiempo\, en cada país y cultura. \n“En Faces se puede ver la evolución en la manera de transmitir un mensaje y captar la atención del lector con la imagen de un rostro en los medios de comunicación\, según la época y el lugar. Cada portada de Faces te interpela\, te ves identificado\, algo sucede en uno cuando se observan esas caras”\, comentó Juan Cantafio\, propietario de la colección. Y agregó\, “la propuesta es recorrerla como una travesía que nos lleve a todo tipo de expresiones faciales\, con multiplicidad de gestos y significados para observar y observarnos\, como si nos miráramos en un espejo. Cada uno de estos personajes y personas tienen algo para mostrarnos y decirnos\, a veces de manera evidente y otras de maneras más sugestivas o encriptadas”. \nJuan Cantafio\nEs considerado el mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica. Su pasión comenzó en el año 1970\, durante su niñez\, con tan solo 8 años\, con un regalo de su abuelo paterno: la revista “Anteojito”. Hoy su colección cumple 52 años y cuenta con más de 400.000 ejemplares originales de tapas de revistas nacionales e internacionales\, todas conseguidas y adquiridas por él y hasta ahora sin ninguna ayuda económica externa. A lo largo del tiempo logró hacerse de ediciones especiales\, ejemplares más vendidos o publicaciones que ya no están en circulación\, siendo la más antigua de la colección el periódico dominical “El Mosquito” (1863-1893) del año 1890\, y el ejemplar de la revista “Cine Argentino” del año 1941\, que en la portada se encuentra Evita con la camiseta del club Boca Juniors (junto al jugador Bernardo Gandulla) dando el puntapié inicial de un partido de fútbol\, una de las de mayor valor. “El mundo editorial ha atravesado un cambio drástico desde la digitalización. La colección\, desde mi punto de vista\, tiene un valor cultural muy importante porque las revistas impresas son un producto cultural que reflejan en sus páginas cada momento histórico\, y se puede decir que están en proceso de extinción. Esta muestra es un recorte\, enfocado en las tapas con rostros humanos de todo tipo\, que busca interpelar al espectador a modo de espejo” expresó Juan. \n  \nFaces\nla inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos\nDesde el 1 de abril al 14 de mayo de 2022\nDe jueves a domingos de 15 a 21 horas\nEn la Sala Vertical\nEntrada libre y gratuita. \nCentro Cultural San Martín\nSarmiento 1551\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. Panal
DESCRIPTION:Silvina Baz y Verónica García\nPanal \nSilvina Baz y Verónica García\, juntas creamos el grupo «Engranajes del Tiempo» le dimos este nombre dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, idas\, venidas. Encuentros. El arte nos presentó nuevamente en Puerto Madryn ya como docentes en arte y con andares en el medio artístico. Así decimos conformar un camino juntas. \nPresentamos aquí\, en «La casa de al lado» el proyecto expositivo Panal\, una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de las tintas al agua a las tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. \nAsí\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros paneles\, es decir en nuestros talleres\, durante tiempos de aislamiento que nos tocó vivir en el 2020 y parte del 2021 nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte. En aquellos tiempos\, las fronteras eran nuestras paredes\, no los límites de nuestros soportes que nos invitaban a clamar por la situación aquí endulzada con esperanza. \nHoy\, la idea es poder vivirlas con nuestros seres queridos\, presentadas en el espacio expositivo. Latiendo en las paredes\, encontrándonos unidas y unidos en un mismo espacio. \nEngranajes del Tiempo: Silvina Baz y Verónica García \nDesde el 1 de abril al 22 de Abril de 2022\nInaugura: 1 de abril 20hs\nLunes a viernes de 10 a 20hs \nLa casa de al lado\nFundación María Candela González Gómez Masía\nCachimayo 517\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Clama el viento y ruge el mar
DESCRIPTION:El Museo Casa de Ricardo Rojas invita a participar del taller de lectura y creación artística para infancias\, sobre la Causa Malvinas\, con motivo de la conmemoración del 40 aniversario. \n¿Qué es?\nEl taller propone cuatro encuentros con infancias para la reflexión\, lectura y creación artística:\ndibujos y poemas sobre la Causa Malvinas. \nInvitación para ellas y ellos: ¿Tenés ganas de jugar y escuchar cuentos relacionados con Malvinas? ¿Te gustaría participar en una exposición de un Museo? ¿Te gustaría escribirle una carta a un Veterano de Guerra de Malvinas preguntándole todo lo que quieras saber sobre Malvinas? \nEl objetivo de la propuesta es que los niños y las niñas reflexionen acerca de Malvinas\, la soberanía\, la guerra\, que conozcan escritores que trataron el tema\, que logren realizar sus creaciones en función de lo que le genera cada encuentro. \nEn este sentido\, pensamos una actividad que vincule a los chicxs con Veteranos y que a la vez resignifique el acto epistolar: durante el desarrollo del taller cada niño y niña podrá escribir una carta a un Veterano de guerra de Malvinas para que le pregunte lo que desee saber sobre las Malvinas. \nEste taller se enmarca en el ciclo “Malvinas en la poesía”\, coordinado por Jackie Couriel y Nora Falabella que concluirá con una actividad de cierre el sábado 2 de abril con una propuesta presencial abierta a toda la comunidad\, para que se acerque a leer y escuchar poesía. A reflexionar acerca del 2 de abril\, a participar de las mesas temáticas. \nConsultas: norafalabella@gmail.com\, jackiecouriel@gmail.com \n¿Cuándo? \nMiércoles 30 de marzo y 6\,13\, 20 de abril de 17 a 18h \n¿Dónde?\nMuseo Casa de Ricardo Rojas. Charcas 2837\, CABA \nRequiere inscripción completando el siguiente formulario https://bit.ly/3hAaUdZ
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LOCATION:Museo Casa de Ricardo Rojas.\, Charcas 2837\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:José Luis Maccari Ansiada incompletud
DESCRIPTION:La exposición\, que incluye más de 80 obras\, cubre toda la trayectoria del artista. Propone un recorrido a través de sus primeros óleos y dibujos en su taller de La Boca y más tarde\, en el del barrio de Belgrano\, donde produce sus conocidos relieves.  \nLa exhibición se extenderá hasta el 30 de abril.  \nMartes a domingos de 11:15 a 18.  \nTeléfono: (+5411) 4301-1080. \nLa entrada es libre y gratuita. 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Silvia Rivas. El revés de la armadura
DESCRIPTION:Silvia Rivas. El revés de la armadura\n¿Hasta dónde coincidimos con las formas que inventamos?\n¿Son emanaciones de nuestro ser o sólo producto de nuestro hacer y actuar?\nSilvia Rivas\, 2021. \n  \nUna exhibición compuesta por diferentes núcleos a partir de video-instalaciones y objetos articulados en el espacio. Esta serie de videoinstalaciones plantea un juego de materialidades donde el soporte\, con sus recursos formales y tecnológicos\, se evidencia como una poética en sí misma. Así\, la artista piensa una integración como seres naturales con el entorno y la materia transformada. \nEl proyecto contará con la presencia en Buenos Aires del curador italiano de la Bienal de Venecia\, Eugenio Viola\, que disertará sobre la exhibición en el mes de mayo. Sobre la obra de Rivas\, Viola señala: “Silvia Rivas ha desarrollado un interés evidente por las prácticas basadas en el tiempo\, lo que incluye la relación entre el video\, el cuerpo\, y el ambiente\, así como estrategias relacionadas con el campo de la llamada ‘performance delegada’\, con todo lo que puede implicar para el video postproducido”. \nSilvia Rivas\nHa representado a la Argentina en las Bienales del Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005)\, La Habana (2003) y Bienalsur (2019). Entre otras distinciones\, en 2001 recibe la beca John Simon Guggenheim y el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas y\, en 2002\, el premio al Video argentino en la Bienal de Arte del Museo Nacional de Bellas Artes; en 2005\, la beca para postproducción de video del Wexner Center for the Arts\, Ohio. En 2006 y 2007\, obtiene el tercer y segundo premio\, en el Salón Nacional de Nuevos Soportes e Instalaciones; y en 2012 recibe el Premio Konex en Videoarte correspondiente al decenio 2002-2012. Ha participado en numerosas muestra colectivas y realizado muestras individuales en el Museo Nacional de Bellas Artes\, en el MALBA-Fundación Costantini\, en el Museo de Arte Moderno de Buenos entre otras instituciones y galerías. Su obra integra colecciones nacionales e internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Colección Amalia Lacroze de Fortabat\, Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino”\, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario)\, Colección Eduardo Costantini\, Buenos Aires\, Colección Jorge y Marion Helft\, entre otros. \n  \nSilvia Rivas\nEl revés de la armadura\nDesde el 19 de marzo al 30 de Junio de 2022\nJueves a domingos\, 11 a 18 hs. \nFundación Andreani\nAv Pedro de Mendoza 1987\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Fundación Andreani\, Av Pedro de Mendoza 1987\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ser Mujeres en la ESMA II. Tiempo de Encuentros
DESCRIPTION:Esta muestra profundiza las indagaciones de Ser Mujeres en la ESMA I: testimonios para volver a mirar\, inaugurada en marzo de 2019. En aquella oportunidad\, el Museo Sitio de Memoria ESMA revisó su muestra permanente e incorporó una mirada de género\, ausente hasta entonces. Ese espacio propiciado por el Museo sirvió de encuentro para las sobrevivientes y permitió reflexionar desde una perspectiva feminista sobre las violaciones a los derechos humanos que padecieron durante su detención.\nSer Mujeres en la ESMA II: Tiempo de Encuentros busca profundizar sobre aspectos que no han tenido mucha visibilidad en nuestra sociedad: las consecuencias en la vida de las sobrevivientes\, después de salir del centro clandestino. ¿Cómo reconstruyeron los vínculos familiares y sus proyectos de vida?\, ¿cómo enfrentaron los estigmas de haber sufrido y haber padecido -casi en la totalidad de los casos- violencia sexual?\, ¿cómo las afectó el silencio y la falta de escucha?\, ¿cómo fue para ellas participar en los juicios? \nLa muestra temporaria se desarrolla sobre 4 espacios en exhibición:\nEn la sala 1 se aborda las violencia de género y sexual sufridas por las detenidas\, las estrategias de supervivencia durante la detención\, los vínculos de solidaridad y sororidad\, la maternidad y el cuidado de les hijes en la ESMA. Se proyectarán fragmentos de las entrevistas que se realizaron para esta muestra sobre las experiencias de militancia\, detención y cautiverio.\nEn la Sala 2 se proyectará una edición de testimonios en los que las sobrevivientes relatan cómo fue el momento de la salida del centro clandestino y su relación con la libertad.\nLa Sala 3 es escenario de una instalación artística que aborda de modo conceptual las experiencias de vida que siguieron al cautiverio: la libertad como un proceso y una construcción\, el peso de la estigmatización\, el exilio\, el vínculo con las denuncias y el camino de justicia\, la participación política y la relación con las luchas feministas.\nEl cuarto espacio es un ámbito para compartir diversas iniciativas de expresión artística\, académica y archivística que proponen otras perspectivas. Al intentar un ejercicio colectivo de memoria y reflexión feministas sobre las vidas de las sobrevivientes\, se abrieron diálogos y preguntas que antes no se habían formulado en el museo. Este espacio propone un primer acercamiento a esta multiplicidad de cuestiones que serán motivo de nuevas investigaciones y proyectos. \nEl camino hacia la muestra\nDurante los primeros meses del proyecto se realizó una sistematización de las declaraciones judiciales de 132 sobrevivientes para recuperar experiencias\, vivencias y trayectorias. Tras esa etapa de investigación\, que se complementó con otras fuentes como materiales académicos\, periodísticos y documentales\, se realizó una asamblea virtual de la que participaron 87 mujeres entre sobrevivientes de la ESMA\, hijas\, académicas\, investigadoras\, museólogas\, abogadas\, funcionarias de distintos ministerios\, operadoras judiciales\, especialistas en temas de derechos humanos y género\, activistas y artistas.\nFinalmente\, se convocó a una segunda asamblea en la que estuvieron presentes de manera presencial y virtual sobrevivientes y más de 50 jóvenes\, la mayoría estudiantes de escuelas secundarias. La idea fue propiciar un encuentro con las nuevas generaciones que hoy encarnan las luchas feministas y habilitan nuevas preguntas y significados sobre las experiencias y el pasado común.\nEl espacio que abre esta segunda muestra busca habilitar un encuentro amplio\, diverso\, plural entre quienes padecieron la violencia estatal en la ESMA y las generaciones feministas con experiencias de lucha.\nSi bien hasta el momento no hay testimonios que indiquen la presencia de mujeres trans detenidas en la ESMA\, la creciente visibilización de las violencias por razones de género\, el avance del proceso de memoria\, verdad y justicia y la apertura de nuevas preguntas y fuentes posibilitarán a futuro conocer si hubo personas trans-travesti detenidas-desaparecidas en la ESMA\, como ocurrió en otros centros clandestinos de la dictadura.\nLa muestra puede visitarse desde el 18 de marzo al 28 de julio\, de martes a domingos de 10 a 17 horas. \nSer Mujeres en la ESMA II\nTiempo de Encuentros\nDesde el 18 de marzo al 28 de julio de 2022\nMartes a domingos de 10 a 17 horas. \nMuseo Sitio de Memoria ESMA\nAv. Del Libertador 8151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Andres Riva y Cristina Santander. Escapes
DESCRIPTION:Quién pudo haber imaginado que una peste\, casi medieval\, detendría el movimiento de nuestro planeta.\nLa humanidad tiende a protegerse a pesar de los cantos agoreros que buscan inmovilizarnos\, para que todo se aquiete\, no se transforme.\nSin embargo\, el arte es la forma de hacer e imaginar de la humanidad; constituye sin duda una huída de esa pausa obligada\, transforma el caos producido.\nUn escape hacia la naturaleza\, hacia la introspección\, hacia el paisaje para encontrar la respuesta a situaciones que exceden nuestra realidad.\nCristina Santander hace foco en los paisajes cordobeses\, trabaja los colores según su percepción de los paisajes serranos\, a plein air\, inviernos\, veranos\, anegados por la lluvia o brillantes por la luz solar. Son vias de escape para unirnos en la contemplación del vado\, del arroyo\, sentados en una piedra\, al pie de la tranquera.\nAndy Riva nos invita a hacer memoria\, buscar y encontrar en sus representaciones lo que fuimos.\nPero también el presente y el tiempo por venir\, concentrarnos y desconcertarnos hasta hallar en su propuesta el aura que emana como una metáfora visual.\nSus pinturas proporcionan los elementos compositivos para la imagen a construir por cada observado \nAndres Riva\n(Buenos Aires\, 1980)\nEstudió Imagen y Sonido en la UBA. Director de arte\, muralista e ilustrador realizó las animaciones de INFANCIA CLANDESTINA de Benjamin Ávila\, la Libreta de Menguele en WAKOLDA de Lucía Puenzo\, murales en THE TWO POPES de Fernando Meirelles y pinturas y dibujos para EL HIJO de Sebastián Schindel. Codirigió el corto Lucía y las cosas para Abuelas de Plaza de Mayo. Realizó el cuadro MANO de la Identidad en el cual depositaron sus huellas abuelas\, nietos e integrantes de ABUELAS de PLAZA DE MAYO para la que realizó también spots audiovisuales y un mural. En 2007 La Secretaría de Deportes de la Nación le encomendó un mural homenaje a deportistas desaparecidos durante la última dictadura militar. Pintó y coordinó los murales de la ESTACIÓN DE LA MEMORIA para el ESPACIO por la MEMORIA Y LOS DDHH (Ex ESMA). Pintó murales en Capital Federal\, Mendoza\, Entre Ríos y Lisboa. En Chicago pintó murales honrando a la comunidad mexicana. Ilustró afiches de largometrajes como PLANTA MADRE\, LOS ADOPTANTES\, UN LUGAR EN EL TIEMPO y LOS QUE VIENEN. En 2017 fue reconocido con el premio “Hacedores de la Memoria” otorgado por los organismos de DDHH nucleados en la ExESMA. Codirigió con Guido De Paula el film LAS INTEMPERIES. \nCristina Santander\n(Buenos Aires\, 1939)\nNació en la Ciudad de Buenos Aires – Argentina A la edad de 12 años su vocación estaba definida en el grabado y el dibujo. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artesy luego de 2 años siguió los cursos de grabado con Aída Carballo\, Cristina descubre por ese entonces su pasión por el buril. Con el correr del tiempo es consagrada como una de las figuras del Arte Nacional. Desde su llegada a España en el año 1969\, sus viajes son permanentes para presentarse en exposiciones tanto en lo de Josefa Seiquer\, como en muchas galerías y entidades culturales. Trabaja y estudia en Madrid en la casa de Velázquez y años después trabaja con Stanley W. Hayter\, en el Atelier 17 de París. Premios; En su país obtuvo los grandes premios del Salón Nacional y Municipal de Grabado\, y el importante Premio Facio Hebequer que otorga la Academia Nacional de Bellas Artes. Durante el año 2000 recibió el Premio Bienal Internacional de Gráfica\, Francavilla al Mare\, Italia. Su obra integra las más importantes colecciones de museos de Corea\, Estados Unidos\, Egipto\, España\, Japón\, Paraguay y Uruguay; en Argentina en los museos de Olavarría\, Tandil\, Coronel Pringles\, Necochea\, Resistencia\, Chaco; Genaro Pérez\, Emilio A. Caraffa\, Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras de Córdoba; Ushuaia\, Tierra del Fuego y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires. \nAndres Riva y Cristina Santander\nEscapes\nDesde el 17 de marzo al 29 de abril de 2022\nInaugura: 19hs.\nDe lunes a viernes de 15 a 19hs. \nBuenos Aires Fine Arts\nCuba 1930\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
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SUMMARY:Yente – Del Prete. Vida venturosa
DESCRIPTION:Malba abre su calendario 2022 con Vida venturosa\, exposición de Yente (Eugenia Crenovich\, Buenos Aires 1905 – 1990) y Juan Del Prete (Vasto\, 1897 – Buenos Aires\, 1987)\, que hace foco en la sinergia creativa de la pareja y en el vínculo amoroso como un modo de abordaje de lo artístico. \nDurante más de 50 años\, Yente y Juan Del Prete no solo compartieron su vida como pareja\, sino que además intercambiaron cotidianamente ideas en torno al arte. Realizaron numerosas muestras individuales y participaron en diferentes colectivas\, sin embargo nunca exhibieron juntos. Esta exposición los reúne por primera vez con una selección de más de 150 obras\, entre pinturas\, esculturas\, tapices\, dibujos y libros de artistas; y abarca el amplio rango de sus trayectorias\, desde los años 30 hasta los 80. \nEn palabras de la curadora Marita García: “Fue una constante en la pareja el tránsito entre figuración y abstracción abarcando diversos estilos (entre otros\, cubismo\, surrealismo\, abstracción\, expresionismo)\, así como una experimentación matérica acusada\, tanto con los materiales del arte (diversos soportes\, temperas\, tintas\, óleos trabajados a pincel y espátula; acusados empastes y chorreados) como con un amplísimo abanico de elementos propios del bricolaje y materiales de descarte. Yente y Del Prete\, en su incontenible pasión por el hacer\, se apropiaron del canon del arte moderno a través de diversos referentes\, corrientes y representaciones”\, destaca la curadora en jefe de Malba. \nLas piezas en la exposición provienen principalmente del Acervo Yente – Del Prete\, a cargo de Liliana Crenovich (sobrina de la artista) y de importantes colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes\, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, el Museo Castagnino +Macro de Rosario\, Colección Ministerio de Relaciones Exteriores\, Comercio Internacional y Culto y la Colección Amalita\, entre otras. \nYente\nBuenos Aires\, 1905–1990\nEugenia Crenovich\, conocida por el seudónimo Yente\, fue la menor de cinco hijos de una familia judía originaria de Rusia. Pintora\, escultora e ilustradora estudió filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Asistió al taller de Vicente Puig en Buenos Aires y\, a partir de 1932\, a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Santiago de Chile\, donde tomó clases de pintura y composición. En 1935 realizó su primera muestra individual en Amigos del Arte donde presentó dibujos figurativos; este mismo año comenzó a relacionarse con Juan Del Prete. Desde 1937 –sin desdeñar la figuración que cultivó a lo largo de toda su vida– participó en los inicios de la abstracción en la Argentina\, siendo la primera artista mujer de nuestro país en practicarla. En 1945\, inició una serie de relieves y objetos constructivos en celotex\, un material blando que le permitía tallar sin dificultad\, y expuso pinturas y relieves abstractos en la galería Müller. En los años siguientes su obra también fue presentada en las galerías Viau\, Van Riel\, Yumar y Witcomb. De 1956 a 1959 realizó tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura; y\, en paralelo\, a partir de 1957 se volcó hacia lo que denominó “impresionismo abstracto”\, una pintura no figurativa de conformación libre\, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro. En 1958 realizó una retrospectiva de obras abstractas en la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, integrada por 80 piezas. A lo largo de su carrera confeccionó más de veinte libros ilustrados\, todos inéditos\, desarrollados a partir de narraciones preexistentes o propias\, algunas autobiográficas. Obtuvo premios en el Salón Viña del Mar en 1934 y 1936\, en el del Centenario de Valparaíso en 1937; en el Salón de Acuarelistas en 1940 y 1950\, y en la Exposición Internacional de Bruselas en 1958\, entre otros. Sus trabajos integran la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Arte Moderno de Nueva York\, así como del Museo Eduardo Sívori\, del Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe “Rosa Galisteo de Rodríguez”\, del Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” de Rosario\, además de formar parte de colecciones particulares de la Argentina\, Chile\, Italia\, Alemania\, Israel y los Estados Unidos. \nJuan Del Prete\nVasto\, Italia\, 1897–Buenos Aires\, 1987\nDurante su infancia\, emigró junto a su familia desde Italia y se radicó en el barrio de La Boca\, en Buenos Aires. De formación autodidacta\, en 1925 realizó un primer envío al Salón Nacional\, que tuvo gran repercusión\, y al año siguiente\, presentó su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte. Gracias a una gestión de esa institución\, en 1929 obtuvo una beca para viajar a París\, donde tomó contacto con la obra de los grandes maestros clásicos y de los pioneros de las vanguardias. Allí se interesó particularmente por el tratamiento del color de Henri Matisse y por las resoluciones formales de Pablo Picasso. En paralelo\, se relacionó con Joaquín Torres-García\, Hans Arp y Enrico Prampolini\, entre otros miembros de los círculos vanguardistas. En 1933\, integró el grupo Abstraction Creation Art non Figuratif y participó en el número 2 de la revista Abstraction Création\, junto a un elenco de artistas abstractos europeos como Bill\, Calder\, Kupka\, Mondrian y Moholy-Nagy\, entre otros. Ese mismo año regresó a Buenos Aires\, donde presentó pinturas y collages abstractos en Amigos del Arte. A esta exposición\, considerada la primera muestra de arte no figurativo realizada en el país\, le siguió otra donde exhibió esculturas abstractas realizadas con alambre\, planchas de hierro y yeso tallado. En 1935 comenzó a relacionarse con Yente. Durante la década del 40 produjo tanto obra figurativa de colores saturados y fuerte presencia matérica como obras abstractas. En 1954 regresó a Europa y expuso en París y en Génova\, Milán y Como (Italia). En esos años presidió\, además\, la Agrupación de Artistas no Figurativos. En esa dirección trabajó sobre obras informalistas con chorreados\, manchas y salpicaduras. En 1957 fue invitado a la IV Bienal Internacional de San Pablo y\, dos años más tarde\, participó con un envío especial en el mismo evento. Al año siguiente integró los envíos a las bienales internacionales de Venecia y México. Recibió el Primer Premio del Salón de Acuarelistas y el Gran Premio del Salón Municipal en 1957; el Premio Palanza y el Gran Premio Internacional de Bruselas en 1958; y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1963. Distintas instituciones presentaron exposiciones retrospectivas de su carrera: Secretaría de Cultura de la Nación\, Buenos Aires (1950); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1961); Museos de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y de Lima (1963) y en la Fundación Lorenzutti (1974). \nConferencia inaugural\nMiércoles 9 de marzo\, 18:00. Auditorio + YouTube Malba.\nParticipan: María Amalia García y Liliana Crenovich. Modera: Agustina Muñoz. \nYente – Del Prete\nVida venturosa\nDesde el 11 de marzo al 27 de junio de 2022\nInaugura: Jueves 10 de marzo\, 19:00\nCuradora: María Amalia García \nMALBA | Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Claude Viallat. Libertad de Colores
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar en Buenos Aires la exhibición Libertad de Colores de Claude Viallat\, que reúne un total de ochenta obras provenientes del estudio del artista en Nimes\, Francia. \nViallat\, fundador del movimiento Support Surfaces\, pinta sobre un soporte de género que puede ser una cortina\, una tela de carpa\, redes de pesca\, entre otros. Sobre esta diversidad de soportes plasma su motivo predilecto: una forma singular\, característica y particular\, entre taba y esponja. El artista compone desde hace más de 60 años un universo que estalla en colores\, dejando rastros de su poesía universal en el espacio y el tiempo. \nCon curaduría de Marie Sophie Lemoine\, la muestra llega a la Argentina gracias al apoyo de la galería Templon de París\, de Phillips\, de la Embajada de Francia y el Instituto Francés. \nClaude Viallat\nLibertad de Colores\nDesde el 4 de Marzo de 2022\nInaugura: 4 de Marzo\, 12hs.\nEntrada libre y gratuita \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\nAv. San Juan 328\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Verónica Di Toro. El ojo móvil
DESCRIPTION:Verónica Di Toro\nEl ojo móvil \nVerónica Di Toro\, para quién la búsqueda cromática es un componente esencial del proceso de creación\, desarrolla una dinámica pictórica que no ha cesado de evolucionar coherentemente en los últimos diez años. La multiplicación de módulos\, el uso simultáneo de líneas horizontales y verticales\, la fragmentación de formas geométricas: todos estos recursos que van evolucionando a lo largo de su investigación coinciden en transmitir una sensación de inestabilidad\, un estado de tensión\, un sentimiento de un movimiento continuo que perdura más allá de la tela. \nHasta el 30 de marzo en la Galería de Arte “Alejandro Bustillo” del Banco Nación.  \nGratis. \nDesde el 3 de marzo al 30 de marzo de 2022 \nGalería de arte Alejandro Bustillo\nBanco de la Nación Argentina\nAv. Rivadavia 325\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:2º Conversatorio de la Muestra Sinestesia Aguda en los jardines del MNAD
DESCRIPTION:Diálogo entre la creación perceptiva de la pintura y la Inteligencia Artificial. \nA partir de un plano concreto bidimensional se crea un hacer pictórico mientras que por otro lado el mismo plano se transforma en virtual. \nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \nCoordinadora: Josefina Di Candia – Lic. en Artes Visuales \nInscripción previa vía mail: actividadesfried@gmail.com \nCupos limitados \nActividad gratuita \nMNAD El Decorativo – Av. del Libertador 1902.  CABA \n\n 
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SUMMARY:Arte en Juego. 100 artistas argentinos
DESCRIPTION:Arte en Juego. 100 artistas argentinos\nUna aproximación lúdica al arte argentino\, con curaduría de Rodrigo Alonso. La muestra pone de manifiesto la importancia que poseen los juguetes\, los juegos\, los deportes y las propuestas participativas en la inspiración y el imaginario de los artistas argentinos. Integrando el trabajo de realizadores de diferentes generaciones y extracciones estéticas\, ofrece una mirada inusual sobre la cantidad y variedad de producciones históricas y contemporáneas que destacan el valor de lo lúdico como herramienta de creación y reflexión. \nDesde los juegos inventados por Xul Solar a los videojuegos actuales\, pasando por los juguetes de autor\, los registros “retro” y nostálgicos\, las confrontaciones deportivas\, el arte para experimentar\, las apropiaciones de juegos comerciales\, la robótica lúdica y la construcción de mascaradas en las redes sociales\, las obras que se presentan en la exposición nos invitan a prestar atención a una línea consistente aunque poco advertida de la producción artística nacional. \nLa exposición comienza con una obra creada especialmente por Daniel Joglar a partir del vasto mundo de los juguetes de la infancia. Prosigue con los trabajos de casi 80 artistas que en algunos momentos de sus carreras\, o de manera prolongada\, hicieron de los juegos y sus efectos los ejes de una aproximación a su tiempo o su contexto. Hay autores que recurren a ellos para cuestionar la supuesta seriedad del arte\, otros para abrir nuevos senderos estéticos\, otros para reflexionar sobre el lugar social de lo lúdico\, otros para apelar a la memoria emotiva del espectador. Hay algunas miradas complacientes hacia ellos\, pero también otras irónicas o sumamente críticas. Lo mismo sucede en la sección dedicada a los deportes\, donde se ponen bajo la lupa cuestiones como la competencia\, la exigencia o el exitismo. Finalmente\, el último sector de la exposición se sumerge en las nuevas tecnologías\, la electrónica y las redes sociales. Aquí se pone el foco en el arte interactivo\, que promueve la participación y se vincula de manera especial con los dispositivos que conforman el ecosistema técnico en el cual vivimos. \nLa selección de obras incluye los más variados soportes: pintura\, escultura\, instalación\, fotografía\, video\, objetos\, arte interactivo. La exposición se complementará con un programa de actividades para los públicos más diversos que se desarrollarán durante todo el verano. \n  \nArte en Juego\n100 artistas argentinos\nDesde el 21 de diciembre de 2021 al 31 de marzo de 2022 \nFundación PROA\nAv. Pedro de Mendoza 1929\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
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SUMMARY:“Reflejos de inocencia” de Emaús Miciu
DESCRIPTION:El sábado 18 de diciembre a las 20 se inaugura la muestra de Casa Emaús en librería Hexámetro. \n“Entendí con el tiempo que no soy pintor de paisajes sino de emociones”\, dijo Emaús en una entrevista hace tiempo ante la reflexión de su obra. Justamente esas emociones\, esas pinceladas suaves de colores claros en distintos paisajes\, -que en esta ocasión se centran en la niñez- se podrán apreciar en la librería Hexámetro. \nLa muestra es presentada por la Casa Emaús\, espacio cultural que exhibe y resguarda la obra de este gran artista\, que expone desde los 14 años\, y quien atesora una gran formación familiar con una experiencia de una vida entera de pintor. Nieto del gran artista plástico Konstantino e hijo de Georg\, también artista plástico\, Emaús ha expuesto su obra en distintos lugares de la Argentina y de Europa. Vivió durante varios años en la Villa de Merlo\, San Luis donde dejó gran parte de su legado artístico. Actualmente reside en otras latitudes pero su obra se puede apreciar durante todo el año en Casa Emaús o a través de muestras artísticas. \n“Reflejos de Inocencia”  de Emaús Miciu Nicolaevici se basa en las expresiones de la niñez\, en distintos paisajes y situaciones\, que nos devuelven la inocencia en ese nacimiento de la humanidad. La muestra quedará inaugurada desde el sábado 18 de diciembre a las 20\, con la celebración del primer aniversario de Hexámetro\, un espacio de letras y arte\, en avenida del Ciprés 180\, Merlo\, San Luis.
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LOCATION:Hexámetro\, Avenida del Ciprés 180\, Merlo\, San Luis\, Argentina
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SUMMARY:Trama sinfónica. Muestra Colectiva
DESCRIPTION:Exposición que propone un entramado polifónico de visualidades convergentes y divergentes a través de variadas materialidades\, sensibilidades y poéticas. \nEl punto de partida es la obra “Sin-fonía” de Luis Felipe Noé. Esta pintura fue iniciada a fines de la década de 1980 y retomada por el artista durante la pandemia\, más de cuarenta años después\, en 2020. La obra desde su propia materialidad respira esos dos tiempos. A su vez\, en “Sin-fonía” Noé incorpora la línea vibratoria de color como recurso estético\, que forma parte de su lenguaje visual identitario. A este arco temporal\, se suma la espiral del caos como un gran atractor absorbente de distintas estéticas para proponer una nueva. \nLa obra de Noé nos invita a pensar la curaduría de esta exposición\, como una composición en tiempo y espacio\, que contempla un arco temporal caótico y la puesta en tensión de la materialidad a través de operaciones y recursos formales a los que les artistas recurren para explorar las posibilidades de la línea y las relaciones de color\, tanto en el plano como en el espacio expandido. \nEn este recorrido encontramos junto a Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete y Cristina Schiavi relaciones posibles\, contrapuntos y diálogos poéticos con el lenguaje visual de Noé. \nTrama Sinfónica es la primera de una serie de acciones que llevarán a cabo ambas fundaciones en conjunto en el marco de un programa de colaboraciones propuesto y coordinado por Luciana Salvá como integrante del Comité Artístico de la Fundación Tres Pinos. \nArtistas participantes\nLuis Felipe Noé\, Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete\, Cristina Schiavi.\nEquipo curatorial\nCecilia Ivanchevich\, Natalia Revale y Luciana Salvá. \nTrama sinfónica\nMuestra Colectiva\nDesde el el 17 de Diciembre de 2021 al 27 de Febrero de 2022 \nMARCO\nAv. Almirante Brown 1031\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención
DESCRIPTION:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención\nProyecto Filoctetes\, intervención urbana del artista Emilio García Wehbi que tomó “por asalto” las calles de la ciudad de Buenos Aires en el año 2002\, fue una respuesta estética al experimento neoliberal devastador que se puso en marcha durante el menemismo y que culminó con la crisis más dramática de la historia reciente de nuestro país. El proyecto interpeló al tejido social desde una perspectiva artística y visibilizó los cuerpos de los caídos que el sistema dejó esparcidos por el paisaje urbano. \nDos décadas después del estallido social del 2001\, se presenta Archivo Filoctetes: Documentos de una intervención\, exhibición que reúne un corpus documental heterodoxo\, clasificado y preservado de las cuatro ediciones de Proyecto Filoctetes realizadas en Buenos Aires\, Viena\, Berlín y Cracovia entre 2002 y 2008. Con curaduría de Maricel Álvarez\, los documentos del Archivo Filoctetes nos permiten reconstruir la memoria de una obra de arte efímero: fotografías\, videos y audios de la intervención\, notas periodísticas y entrevistas\, ensayos académicos y testimonios de quienes participaron de la experiencia permiten trazar relaciones entre los documentos que registran la acción y los que pueden reflexionar sobre ella. Un dispositivo para activar experiencias sensibles en el presente con el mismo tenor de densidad crítica que generó la obra originariamente. \nArchivo Filoctetes\nDocumentos de una intervención\nDesde el 11 de diciembre de 2021 al 6 de marzo de 2022\nPrimer subsuelo – Salas S101 y S122\nde miércoles a domingos\, de 14 a 20 h \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Dante x Alonso
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes\, junto con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, abre al público desde el 4 de diciembre la muestra “Dante x Alonso”\, que reúne 45 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso (Mendoza\, 1929)\, inspirados en la obra del gran poeta florentino\, conmemorando el 700.° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nCon curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, las piezas que integran “Dante x Alonso” son dibujos\, collages\, grabados\, acuarelas y tintas que el artista dedicó al escritor en dos períodos distantes de su trayectoria: las primeras\, de los años 60 –muchas de ellas creadas en Italia\, en 1968– son mayormente retratos en pequeño formato\, mientras que el segundo conjunto seleccionado está fechado entre 2000 y 2009. \n“Estas obras –concluye el curador– conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días”. \nLos trabajos exhibidos en la muestra provienen de la colección personal del artista\, del Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel\, ubicado en la provincia de Mendoza\, y de colecciones particulares. \n“Dante x Alonso” podrá verse hasta el 13 de marzo de 2022 en la sala 33 del primer piso del Bellas Artes. Durante 2022\, está previsto\, además\, que la exposición itinere por museos de las provincias del país. \nAcompañando la muestra\, el Museo editará un catálogo español-italiano\, que incluye el texto curatorial de Duprat\, el cuerpo de obra\, el prólogo a la primera edición de obras de Alonso sobre la “Divina Comedia” escrito por Ernesto Sabato\, fragmentos de una entrevista al artista realizada por Diana Wechsler y José Emilio Burucúa\, y una cronología sobre Alonso. Próximamente\, la publicación estará a la venta en la Tienda Bellas Artes\, y también podrá leerse en línea o descargarse en versión digital ingresando en la web del Museo: www.bellasartes.gob.ar \nDante x Alonso \nLa exposición Dante x Alonso\, organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, reúne una serie de trabajos del maestro argentino inspirados en la obra del gran poeta florentino. Esta iniciativa se enmarca en la conmemoración del 700° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nHace siete siglos un exiliado de las luchas internas que afectaban al reino de Florencia terminaba de escribir en dialecto toscano —la base del italiano moderno— el mayor poema teológico de la cristiandad. \nLa Comedia diseñaba el esquema clásico donde las comarcas del trasmundo aguardan a los muertos. Merced al poema\, Infierno\, Purgatorio y Paraíso se volverían los tópicos que demarcarían penas y compensaciones a los pecadores. \nEl canto al amor profano —Paolo y Francesca\, amantes trágicos\, condenados a estar juntos en el Infierno\, y la búsqueda de Beatriz\, la amada muerta\, a la que Dante encuentra en la cima del Paraíso— y la vindicta de los injustos de su época\, a los que coloca en la infernal montaña invertida\, son momentos que serán tematizados por las artes a lo largo de los siglos. El artista Carlos Alonso (Mendoza\, 1929) se basó en el último de esos ejes para realizar una crítica de nuestra época. \nEn marzo de 1968\, Carlos Alonso viajó a Florencia\, y residió allí durante seis meses con el propósito de llevar a cabo una experiencia inmersiva en el universo de Dante que le permitiera realizar una serie de trabajos inspirados en su figura y su obra. \nSu indagación se centró en replicar la vivencia del poeta reponiendo su figura en la vida cotidiana. La pregunta acerca de qué vería Dante hoy\, cuál sería su mirada sobre el mundo contemporáneo\, lo llevó a la realización de más de 250 obras\, entre dibujos y collages\, con las que se inscribió en la larga y prestigiosa lista de artistas que se interesaron e inspiraron en el gran poema universal\, como Sandro Botticelli\, Gustave Doré\, Auguste Rodin\, Edgar Degas\, Giorgio de Chirico\, Eugène Delacroix y Salvador Dalí. \nAlonso coloca a Dante\, al igual que sucede en la Divina Comedia\, como testigo de situaciones críticas\, cruzadas por la estética pop y la efervescencia que en esos años se vivía en Europa —por el Mayo francés—\, plena de reclamos\, consignas y protestas. Realizadas en pequeño formato\, las obras presentan múltiples versiones del retrato del poeta florentino replicado por medio de diversas técnicas\, así como escenas inspiradas en diferentes pasajes del poema\, traídos al presente como prueba de que esos horrores siguen ocurriendo bajo nuevas apariencias y formatos. \nSi bien la idea original de Alonso contemplaba que estos trabajos ilustraran una nueva edición en español de la Divina Comedia\, el proyecto no pudo ser concretado. \nCuando el artista regresó a la Argentina\, la empresa Olivetti adquirió varios de esos trabajos. Fueron divididos en las series El Dante y La divina comedia e impresos en publicaciones numeradas de edición limitada\, con prólogo del escritor Ernesto Sabato. \nCon esas obras\, Alonso realizó en 1969 una exposición en Art Gallery de Buenos Aires. El montaje de la muestra era singular\, ya que se trataba de una gran instalación en forma de un laberinto que recorría el Infierno y el Purgatorio\, hasta llegar al Paraíso. En 1971\, el artista mostró las series en la galería Giulia de Roma y\, en 1972\, en la galería Eidos de Milán. \nEl interés por Dante y la Divina Comedia siguió acompañando al artista a través de los años. En 2004 inició una serie de obras sobre papel que denominó Carlos Alonso en el infierno\, varias de las cuales forman parte de esta exposición\, y en 2008 realizó un grupo de obras tridimensionales en torno al rostro del poeta. \nEn la serie Carlos Alonso en el infierno vuelve a reinterpretar distintos momentos del poema para señalar lo ominoso\, lo siniestro\, la violencia y los prejuicios que nos habitan. Algunas de estas piezas presentan escenas apocalípticas\, multitudinarias y complejas\, al estilo del Bosco\, en las que en ocasiones está presente el propio Dante. \nPero hay sin duda mayor énfasis en su crítica al presente. Pues entre aquel momento inicial\, pleno de esperanza emancipatoria\, y el nuevo contexto de crisis\, ha sucedido la tragedia de la dictadura en la Argentina\, de la que Alonso fue víctima y por la cual\, como Dante\, conoció el exilio\, que sin duda tensó y resignificó su visión de los infiernos contemporáneos. De ese modo\, sus obras conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Carlos Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días. \nAndrés Duprat \nCurador de la exposición. Director del Museo Nacional de Bellas Artes
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SUMMARY:Sinestesia Aguda
DESCRIPTION:Una muestra para experimentar con todos los sentidos.\nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \n\n\n¿Qué es? \nUna experiencia interactiva en la que distintos lenguajes de las artes plásticas y visuales se potencian entre sí para ofrecer al espectador la posibilidad de experimentar un “estado sinestésico”. \nSe ofrece así al visitante una experiencia plagada de estímulos visuales\, auditivos y táctiles\, que activa la sensibilidad e invita a establecer relaciones causales entre cada uno de los momentos que la componen. \nEs una muestra para experimentar con todos los sentidos\, e invitar a otros a compartirla. \nInformación del evento \nDel 2 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022. \nDe martes a domingos de 13 a 19 hs. \n¿Dónde? \nEn el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902\, CABA). \nActividad gratuita \nRequiere inscripción previa completando este formulario.
URL:https://fadla.org/calendario/sinestesia-aguda/
LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902.\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Madalena Schwartz. Las metamorfosis
DESCRIPTION:Malba presenta la exposición Las metamorfosis\, dedicada al ensayo fotográfico en el que Madalena Schwartz (Budapest\, 1921 – San Pablo\, 1993) retrató a las travestis y transformistas que frecuentaban la escena alternativa de San Pablo durante la primera mitad de la década de 1970\, en plena dictadura militar. Se trata de la primera colaboración de Malba con el Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil\, en cuya sede de San Pablo se presentó la muestra entre febrero y septiembre de 2021. \nEn diálogo con las imágenes de Schwartz\, la muestra ofrece además un breve panorama de la fotografía latinoamericana dedicada a la vida trans de esos años con obras de distintos autores y colectivos de Argentina\, Chile\, Bolivia y otros países de la región. En total\, la exposición reúne 112 fotografías de Schwartz y más de 70 piezas históricas como periódicos\, documentos\, películas e imágenes que dan cuenta del contexto en el que la fotógrafa realizó su obra. La curaduría es de Gonzalo Aguilar\, miembro del Comité Artístico de Malba y profesor de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires\, y Samuel Titan Jr.\, Coordinador Ejecutivo del Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil y docente de Teoría Literaria en la Universidad de San Pablo. \nComo punto de partida\, la muestra presenta la trayectoria singular de Schwartz\, una de las grandes exponentes de la fotografía brasileña\, cuyo acervo está bajo el cuidado del IMS. Nacida en 1921 en Budapest\, Schwartz emigró a los doce años a Argentina. En Buenos Aires\, la joven húngara se casó y tuvo dos hijos. En 1960\, a punto de cumplir cuarenta años\, se mudó con su familia a San Pablo\, donde abrió una lavandería en el centro de la ciudad. \nSu vida cambiaría cuando\, a mediados de la década de 1960\, uno de sus hijos ganó una cámara fotográfica en un concurso televisivo. Schwartz se interesó inmediatamente por el artefacto\, realizó cursos en el legendario Foto Cine Club Bandeirante y\, casi a los cincuenta años\, inició una nueva y sorpresiva carrera que la transformaría en una figura expresiva única. \nEsta exposición se concentra en un conjunto específico de imágenes de Schwartz\, parcialmente publicado en el libro Crisálidas (2012). En él\, la fotógrafa documenta los universos travesti y transformista del centro de San Pablo en los años setenta. Son personajes que ella conoció en su vida cotidiana\, en el trayecto entre la lavandería y el edificio Copan (un enorme rascacielos residencial diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer)\, donde vivía con su familia y tenía su estudio. \nAmante del teatro\, Schwartz inició una serie de retratos con personalidades de ese mundo y de la televisión: los integrantes del grupo Dzi Croquettes\, el cantante Ney Matogrosso\, la actriz Elke Maravilha y el performer argentino Patricio Bisso (vecino suyo del Copan)\, entre otros. Continuando la misma línea\, se dedicó también a fotografiar a personas menos conocidas que se ganaban la vida en salones de peluquería o en clubes nocturnos. Gran parte de esos retratos eran realizados en un estudio improvisado en su propia casa\, en un ambiente de intercambio y complicidad. \nAdemás de las fotos de Schwartz\, la muestra presenta ejemplares de los periódicos de vanguardia Lampião da Esquina y Chana com Chana (voces de la comunidad gay y lésbica de la época)\, afiches de films como La reina diabla (1974) y El beso de la mujer araña (1985)\, clips televisivos y fotos de archivos personales\, entre otros ítems que documentan ese universo de crítica a los patrones conservadores vigentes. También se destaca un mapa del centro de San Pablo en la década de 1970\, concebido especialmente para la muestra\, que incluye los puntos alternativos de la ciudad en el período. \nSobre el escenario político en que Schwartz produjo sus imágenes\, dicen los curadores\, Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.: “No se trataba de un momento histórico cualquiera\, sino de los años de plomo de la dictadura militar brasileña bajo el gobierno del general Emílio Garrastazu Médici. Años opresivos y violentos\, pero también paradójicamente fértiles: expulsada del ámbito político-partidario\, la protesta se hacía sentir por otros canales\, estéticos\, comportamentales\, eróticos. Madalena captó en sus fotografías esa tremenda explosión de color y energía utópica”. \nMadalena Schwartz\nBudapest\, 1921 – San Pablo\, 1993\nEn 1934\, luego de la muerte de su madre\, viajó junto a su hermano a la Argentina\, quien se encontraba radicado en el país. En 1960\, casada y con dos hijos\, se mudó a San Pablo\, Brasil\, donde vivió hasta su muerte. Comenzó a trabajar con la fotografía tardíamente\, a punto de cumplir los cincuenta años. Fue miembro del Foto Cine Club Bandeirante y de la denominada Escuela Paulista\, junto a otros fotógrafos como Marcel Giró\, José Yalenti​ y Gaspar Gasparian. Schwartz inició una serie de retratos de protagonistas del mundo del teatro y la televisión\, algunos muy conocidos como el cantante Ney Matogrosso\, y otros que se ganaban la vida en los clubes nocturnos del centro de la ciudad\, donde ella vivía. También retrató a artistas plásticos\, músicos e intelectuales brasileños\, como Sérgio Buarque de Holanda y su hijo Chico Buarque\, Clarice Lispector\, Jorge Amado y Carlos Drummond de Andrade. \n  \nMadalena Schwartz\nLas metamorfosis\nDesde el 4 de noviembre de 2021 al 14 de marzo de 2022\nInaugura: 4 de noviembre\, 19:00.\nCuradores: Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.\nSala 3\, nivel 1 \nFundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Fundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Gorriarena\, color y materia
DESCRIPTION:Diseñada por su compañera de vida\, Silvia Vezco\, y con texto curatorial de Fernando Farina\, la muestra propone un recorrido por distintos períodos de la producción de Gorriarena: pinturas sobre tela y papel en gran formato en las que se advierte su habitual potencia expresiva\, complementadas por una selección de textos del artista sobre las artes plásticas\, la Argentina y la época que le tocó vivir.\n“La pintura es forma\, materia\, color\, espacio. No creo en los que pintan discursos. Si una obra no está lograda pictóricamente […] \, no me interesa”\, declara uno de esos textos\, del que la muestra toma su título.\nAsí como descreía de los discursos en la pintura\, Gorriarena rechazaba la belleza banal y el buen gusto de lo decorativo. “Gorriarena no está aquí para decorar el mundo\, sino para develarlo”\, señalaba el crítico Miguel Briante a principios de los 90\, comentando una muestra antológica de Carlos Gorriarena en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En coincidencia con esa mirada de Briante\, el propio artista solía repetir: «Un cuadro debe romper la pared»\, metáfora con la que cuestionaba cualquier noción ornamental de la pintura.
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LOCATION:Quinta Trabucco\, Melo 3050\, Florida\, Vicente López.\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Andrés Waissman. Arrabio Escarlata
DESCRIPTION:En Arrabio Escarlata\, Andrés Waissman presenta una serie de pinturas realizadas en los últimos años. En ellas\, Waissman despeja lo insensato y contradictorio de algunas formas amorfas de la naturaleza\, les detiene su fuerza y su tensión interna para alejarlas y redescubrir qué hay detrás: nuevas formas\, nuevos seres y nuevos paisajes\, aunque todos indefinidos\, en el momento preciso de su descubrimiento. \n  \nAndrés Waissman (Buenos Aires\, Argentina\, 1955)\nAndrés Waissman es considerado una figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. Sus pinturas utilizan la pura expresión en favor de la comunicación; no son meras crónicas ficticias\, sino un posicionamiento real en el mundo contemporáneo. En lugar de un universo que desaparece\, Waissman representa un mundo emergente\, situaciones cada vez más inevitables que exigen reflexión y mirada consciente. \nAlgunas de sus series como Multitudes\, Blanco & Negro\, Animales mitológicos\, Virutas y Albur\, lo colocan como un artista con su propia impronta. Su obra constituye una búsqueda filosófica y política además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. En esta línea de pensamiento conceptos como nomadismo y migración se vuelven centrales en su producción. \nAndrés Waissman se formó en diversos talleres y comenzó a exponer muy tempranamente a mediados de los 70\, realizando sus primeras muestras individuales en la Galería Lirolay en 1973 y 1977\, respectivamente. \nEn 1974 vivió en Barcelona y trabajó en el taller de Augusto Torres y en 1978 con Antonio Seguí en París. En 1984 se radicó en San Francisco\, Estados Unidos y desarrolló una importante carrera internacional exponiendo en diferentes galerías y museos de Los Ángeles\, San Francisco\, Nueva York\, Portland\, Dallas\, Miami y diversas ciudades de Europa. En 1992 regresó a Buenos Aires\, donde retomó la enseñanza. \nEn 2005 se publicó el libro Waissman (un artista peregrino) con textos de Rodrigo Alonso\, Jordi Aladro\, Fabiana Barreda\, Florencia Gró y María Paula Zacharías. En 2010 se presentó en MALBA el documental Waissman\, de Eduardo Montes Bradley para PBS de Estados Unidos. En 2020 editó su reciente publicación Blanco & Negro – Encapotado – Emboscada. \nSu trabajo fue expuesto en numerosas exhibiciones individuales como Miro la esquelética rama (Museo MACA\, Junín\, Buenos Aires) Emboscada (MUNAR\, Buenos Aires\, Argentina\, 2018)\, Encapotado (Gachi Prieto Galería\, Buenos Aires\, Argentina\, 2016) Abgrund (Museo Emilio Caraffa\, Córdoba\, Argentina\, 2014)\, Multitudes (Townsend Center for the Humanities\, University of Berkeley\, California\, Estados Unidos\, 2015)\, Fondo de Ojo (Centro Cultural Recoleta\, 2015)\, entre las más recientes. \nSu obra forma parte de importantes colecciones privadas e institucionales como: University of Essex Collection of Latin American Art (Essex\, Reino Unido); Museum of Latin American Art (California\, Estados Unidos); Jack Blanton Museum of Art\, The University of Texas (Estados Unidos); The Magnes Collection of Jewish Art and Life (Berkeley\, California\, Estados Unidos); Galleria Civica d’arte Contemporanea F. Pizzo\, Palazzo Spano Burgio (Marsala\, Italia); MUNTREF (Buenos Aires\, Argentina); Museo Castagnino-MACRO (Rosario\, Santa Fe\, Argentina); Museo de Arte Contemporáneo de Mendoza (Mendoza\, Argentina); Colección Universidad Di Tella (Buenos Aires\, Argentina); Colección UADE (Buenos Aires\, Argentina); Colección Museo Killka (Mendoza\, Argentina); Colección Madres de Plaza de Mayo (Buenos Aires\, Argentina)\, entre otras.\nVive y trabaja en Buenos Aires donde desarrolla una intensa labor docente. \n  \nAndrés Waissman\nArrabio Escarlata\nDesde el 27 de octubre al 11 de diciembre de 2021\nHorarios de atención: martes a viernes de 14.30hs a 19hs\,\nturnos de media hora con cita previa. \nGachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano\nUriarte 1373\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Gachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano\, Uriarte 1373\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Carla Grunauer. Las oferentes
DESCRIPTION:Carla Grunauer. Las oferentes\nComo seres mitológicos que regresan para realizar un antiguo ritual\, los personajes del bestiario que Carla Grunauer (Tucumán\, 1982) reúne en esta primera exposición individual en un museo transmiten la presencia mágica de dioses arcaicos\, mitad humanos y mitad animales\, reencarnados en nuevas formas modernistas que les otorgan una extraña y sugerente luminosidad. \nTras una trayectoria centrada en el dibujo y la pintura\, Grunauer desarrolla un trabajo escultórico inédito\, con piezas en las que las formas biológicas parecen recrear el proceso vital de criaturas blandas en constante trance y metamorfosis. Junto con una serie de pinturas realizadas con fibra sobre tela de polietileno de las que parecen surgir partes de esqueletos o restos óseos\, la exposición reúne un conjunto de obras en las que la fragmentación y la transformación orgánica de los cuerpos componen una imagen potente de ofrenda y sacrificio. \nEl carácter solemne y religioso que aparece con la presencia de esculturas y frisos en el espacio contrasta con el humor y la vivacidad que les da a las obras la fosforescencia de su paleta de colores y la inclusión de objetos inesperados\, como nidos y tacones de zapatos. Así\, el panteón de criaturas que habita la exposición puede sorprendernos con el encuentro inesperado entre un pie gigante\, una cabeza aplastada y una lombriz que se contorsiona. \nA través de estas imágenes\, Grunauer amplía un imaginario centrado en el cuerpo y la experimentación con sus límites. Su interés por la variación constante y la transformación se plasma en las características fluidas de las formas\, acentuadas por el tono acuoso de las piezas. Entre el nido\, la oruga y el esqueleto\, Grunauer atrapa en sus obras el carácter continuo y multiforme de la vida\, que no dejará nunca de cambiar. \nCuraduría Lucrecia Palacios \nCarla Grunauer\n(Tucumán\, 1982) es artista plástica. Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Tucumán\, participó en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella\, en Buenos Aires\, en 2018. Entre sus últimas exposiciones\, se destacan: Cartas para un animal que sueña\, Espacio Tucumán\, Buenos Aires\, 2019 (exposición individual con curaduría de Belen Romero Gunset); El fuego de un brazalete\, Galería Piedras\, Buenos Aires\, 2018 (exposición individual con curaduría de Guadalupe Creche)\, y Una historia de la imaginación en Argentina\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, 2019 (exposición colectiva con curaduría de Javier Villa). Vive y trabaja en Buenos Aires. \nCarla Grunauer\nLas oferentes\nDesde el 16 de octubre de 2021 al 7 de marzo de 2022 \nMAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:BAphoto 2021
DESCRIPTION:BAphoto 2021 abrirá del 13 al 17 de octubre en el predio porteño de La Rural con una edición presencial y cerca de 30 galerías que formarán parte de los tradicionales segmentos para artistas emergentes\, homenajeados\, jóvenes y consagrados. \nEl BAphoto 2020\, por la pandemia\, se realizó en formato digital\, lo que obligó a los organizadores a repensar algunas cuestiones “y este año volvemos a la presencialidad con ideas frescas y\, espacialmente\, ansiosos por reunirnos con apasionados del medio fotográfico”\, compartió Diego Costa Peuser\, director de la feria\, en Instagram. \nBuenos Aires Photo es una de las ferias de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica. Desde su surgimiento en 2005\, trabaja para promover el desarrollo de la fotografía dentro del campo artístico y poner en valor su producción a nivel internacional. \nCon 16 años de trayectoria\, la feria ha logrado convertirse en un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas\, curadores\, críticos\, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio. \nDesde el año 2016 BAphoto se realiza en el histórico pabellón de las caballerizas de La Rural\, el predio ferial de la ciudad de Buenos Aires\, ubicado en avenida Sarmiento 2704. “Este cambio es el resultado del crecimiento sostenido de la feria a través de 12 años ininterrumpidos\, lo cual permite sumar nuevos protagonistas y ampliar su presencia en el campo artístico internacional”\, señalaron los organizadores.
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SUMMARY:Simbiología. Muestra colectiva
DESCRIPTION:A partir de mañana\, 6 de octubre\, se podrá visitar en el Centro Cultural Kirchner esta exposición con obras de más de 140 artistas de todo el país. \nEl Ministerio de Cultura de la Nación inaugura mañana la muestra «SIMBiOLOGÍA. Prácticas artísticas en un planeta en emergencia»\, que reúne obras de más de 140 artistas de todo el país en once salas del Centro Cultural Kirchner.\nLa curaduría está a cargo de un equipo dirigido por Valeria González\, secretaria de Patrimonio Cultural\, e integrado por Mercedes Claus\, Florencia Curci y Pablo Méndez.\n“Simbiología” es una palabra inventada para desplazar los significados del arte (simbología) hacia la generación de relaciones con otros seres (simbiosis). La exposición reúne más de 170 obras de arte argentino contemporáneo que exploran nuevas vinculaciones y mixturas entre lo humano y lo no humano. Dicha exploración emerge en una época en que la crisis de habitabilidad del planeta suscita profundos cuestionamientos de los modelos dominantes de acción\, conocimiento y sentimiento. \nLa muestra -que ocupa once salas de los pisos 6 y 7 del Centro Cultural Kirchner- se desarrolla a través de seis ejes y cuatro proyectos especiales:\nEcología política se centra en los vínculos entre el arte y la ecología.\nCatástrofes y cuidados\, que alude a los desastres producidos por el extractivismo humano y también al modo en que la Tierra “responde” mediante cataclismos inesperados.\nEn Inter-agencias tienen lugar producciones en co autoría entre personas artistas y otros actantes\, o experiencias de devenir conjunto entre especies diferentes.\nAnimismo explora diversas cosmogonías del continente\, las simbiosis corporales entre lo humano y lo no humano y los moldes culturales entre presente y pasado\, arte y artesanía.\nEn Simbiontes\, los cuerpos recombinantes y las estéticas queer se piensan en relación con los manifiestos feministas de Donna Haraway y su inspiración en biologías contrahegemónicas.\nDerechos no humanos propone una reflexión sobre las consecuencias legales de la nueva ecología política\, que reconoce el bienestar como un entramado vital de actantes humanos y no humanos\, en contra del modelo extractivista de progreso heredado por la modernidad. \nArtistas participantes:\na77 (Gustavo Diéguez y Lucas Gilard) • Felipe Álvarez Parisi • Marcelo Alzetta • Ar Detroy (Leandro Perez\, Ariel Pumares\, Fernando Dopazo\, Ariel Casas\, Marcelo Acuña\, Marcelo Valiente\, Juan Manuel Salas\, Miguel Mitlag\, Charly Nijensohn) • Nicanor Aráoz • Marcela Astorga • Mercedes Azpilicueta • Elba Bairon • Luis Fernando Benedit • Érica Bohm • Sofía Bohtlingk • Virginia Buitrón • Mildred Burton • Adriana Bustos • Juan José Calarco • Casa Río Lab • Constanza Castagnet • Verónica Cerrota • Gabriel Chaile • Cooperativa Sub • Eduardo Costa & Raimundas Malašauskas • Jimena Croceri • Joaquín & Isabella Cófreces • Ariel Cusnir • Flavia Da Rin • Sebastián Díaz Morales • Toto Dirty • Matías Duville • Fermín Eguía • El pelele • Tomás Espina • Faivovich & Goldberg • Lorena Fernández • Claudia Fontes • Julián Galay • Margarita García Faure • Nicolás García Uriburu • Agustín Genoud • Carlos Ginzburg • Mónica Giron • Max Gómez Canle • Lucila Gradín • Víctor Grippo • Etcétera (Loreto Garin Guzmán y Federico Zukerfeld) • Mauro Guzmán • Miguel Harte • Annemarie Heinrich • Carlos Huffmann • Iconoclasistas (Julia Risler y Pablo Ares) • Bruno Juliano • Fernanda Laguna • Alma Laprida • Donjo León • Leonel Luna • Cecilia Azniv Lutufyan • m7red (Pío Torroja y Mauricio Corbalan) • Verónica Madanes • Marcela Magno • Liliana Maresca • Matilde Marín • Vicente Marotta • Sabrina Merayo Nuñez • Guadalupe Miles • Mónica Millán\, Adriana Bustos & Conamuri Paraguay y Movimiento Nacional Campesino • Ad Minoliti • Marta Minujín • Eduardo Molinari • Romina Orazi • Julia Padilla • Margarita Paksa • Ariadna Pastorini • Máximo Pedraza • Mariana Pellejero • Federico Manuel Peralta Ramos • Andrés Piña • Malena Pizani •Alfredo Portillos • Fabián Racca • Emilio Renart • res • Reynols (Miguel Tomasín\, Roberto Conlazo\, Alan Courtis y Patricio Conlazo) • Florencia Rodríguez Giles • Tomás Saraceno • Mariela Scafati • Rosana Schoijett • Marcia Schvartz • Paula Senderowicz • Sirenes errantes (Florencia Carrizo\, Melisa Chetto\, Marta de la Gente\, Julia Hadida\, Meme Liebana\, Alejo Petriz\, Silvia Estrin\, Martín Tchira y Bautista Viera\, Violeta Mansilla\, Nina Kovensky\, Osías Yanov) • Ester Solano • Juan Sorrentino • Grete Stern • Paula Surraco • Mariana Telleria • Francisco Vázquez Murillo • Adrián Villar Rojas • Xul Solar • Guido Yannitto • Osías Yanov •Mariela Yeregui • Leonello Zambón & IF – Investigaciones del Futuro. \nSimbiología\nMuestra colectiva\nDesde el 6 de octubre de 2021 al 30 de abril de 2022\nmiércoles a domingos\, de 14 a 20 h\nWeb:https://simbiologia.cck.gob.ar/ \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Rafael Barradas Hombre flecha
DESCRIPTION:En el marco de la conmemoración del veinte aniversario del Museo\, Malba presenta una exposición antológica dedicada al gran artista uruguayo Rafael Barradas (Montevideo\, 1890-1929)\, un pionero de la vanguardia internacional. Organizada en colaboración con la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay\, la exhibición reúne más de 130 obras\, entre óleos\, acuarelas y obras sobre papel\, provenientes de la Colección del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV)\, junto a una selección de importantes préstamos de colecciones privadas y públicas de Montevideo y de Buenos Aires. \nLa muestra abarca uno de los períodos más fructíferos en la producción del artista\, de 1913 a 1923\, durante su estadía en Barcelona y Madrid. A lo largo de estos años\, Barradas presentó las bases de su concepción estética: el vibracionismo\, en el que el artista descompone las escenas geométricamente para plasmar el dinamismo de la ciudad moderna\, siguiendo las direcciones del cubismo y del futurismo. \n“A sus veintidós años\, Barradas llega al techo en su tierra natal y ambiciona conocer de primera mano el arte producido en el viejo continente a comienzos de siglo XX\, para incorporar a su poética recursos de la vanguardia que le permitieron desarrollar un lenguaje pictórico propio denominado vibracionismo”\, explica el curador Enrique Aguerre. “Es entre los años 1917 y 1921 donde haremos foco para establecer nuevos abordajes al movimiento vibracionista y sus desarrollos vinculados al teatro. Si bien Barradas experimenta soluciones formales de diferentes momentos de su carrera\, es en este período en el que su producción alcanza una relevancia central”\, destaca. \nCurador: Enrique Aguerre. Director del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Uruguay.
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SUMMARY:Fantasías plebeyas
DESCRIPTION:“Fantasías plebeyas” da título a la muestra que podrá visitarse desde el próximo sábado 28 de agosto hasta el 24 de octubre en el Museo Nacional de Arte Decorativo\, una serie de instalaciones específicas que reflexionan\, recurriendo al juego y al humor\, sobre un tiempo pasado de opulencia que\, probablemente\, no haya sido mejor que un presente despojado y plebeyo. \nLa exhibición está compuesta por una escultura de Luciana Lamothe\, cerámicas de Gabriel Baggio e instalaciones de Emil Finnerud\, de Noruega\, y Mehryl Levisse\, de Francia. Los sitios específicos dialogan con la historia del edificio ubicado en Avenida del Libertador 1902\, de la ciudad de Buenos Aires\, y su colección de manera lúdica y proponen fantasías mediante operaciones de construcción que escapan a la nostalgia por la belle époque. \n  \nInauguración: 27 de agosto  \nExposición abierta al público desde el sábado 28 de agosto \nVisitas: de martes a domingos de 13 a 19h. Con reserva previa desde la web del Museo Nacional de Arte Decorativo \n¿Por qué seguimos observando los palacios porteños con añoranza? La admiración de estas arquitecturas de la opulencia suele estar acompañada de un sentimiento de decadencia frente al presente al imaginarlas como evidencias de un tiempo glorioso que perdimos. En esta ensoñación que revive la vida en sus salones y nos proyecta en ella\, sin embargo\, quedan olvidadas sus condiciones originales de posibilidad: la desigualdad abismal entre regiones del país y entre clases sociales. \nNos situamos entonces en el Museo Nacional de Arte Decorativo abordando la potencia de su devenir –de residencia aristocrática en museo público– a través de una pregunta: ¿cómo sostener una valoración de este patrimonio que pueda abrir lugar a otros deseos y miradas? \nEnsayamos posibilidades a partir de instalaciones de sitio específico que dialogan con la historia del edificio y su colección de manera lúdica. Proponen fantasías plebeyas mediante operaciones de construcción\, reconstrucción y deconstrucción que escapan a la nostalgia por la belle époque. Invierten signos\, valores y lógicas espaciales\, proponen otros órdenes de diseño\, resaltan los contrastes o empujan las incoherencias estilísticas existentes hasta llegar al kitsch. Estas estrategias diversas permiten revisar críticamente el patrimonio expandiendo el goce que nos produce la exuberancia ornamental hacia nuevos horizontes de imaginación colectiva.  Leandro Martínez Depietri \nSobre las obras que integran la muestra \nLUCIANA LAMOTHE (Argentina) \nRepetición x Quiebre \nEscultura. Tirantes de madera. \n2021 \nLa escultura surge de una reflexión sobre la crisis actual\, con su potencia desestabilizadora y capaz de engendrar nuevos órdenes y horizontes culturales. Se impone sobre el pórtico del palacio. Contra la sobriedad de la piedra París y la solidez del edificio\, destacan su color estridente y su madera quebrada de puntas salientes. Tiene forma de columna caída\, aunque no es un elemento de sostén sino un pasaje que amplifica la experiencia incierta de atravesar un umbral. La artista busca una situación inmersiva que nos obliga a transitar por esta estructura que aparenta estar al borde del colapso. Sus puntos de quiebre\, sin embargo\, suponen una paradoja constructiva ya que son justamente aquello que la mantiene en pie. Mientras la arquitectura envolvente fue pensada para una eternidad imaginada de grandeza y estabilidad para pocos\, la intrusa expone un diseño de contingencia que se abre a las mutaciones del porvenir. \nGABRIEL BAGGIO (Argentina) \nLa pampa se ve desde adentro \nCerámica esmaltada con lustre de oro \n2016 \nColección José Luis Álvarez Mientras las artes decorativas han estado dominadas por motivos de la naturaleza\, alegorías en cuerpos de estilizadas figuras femeninas\, relatos mitológicos y escenas galantes\, la obra de Baggio toma un conjunto de herramientas como elemento ornamental. Son una réplica\, a escala real\, de aquellas que empleó para la construcción de una casa de adobe en la llanura pampeana\, performance en la que aprendió esta ardua tarea. Invierte así los valores de la ornamentación tradicional al centrar su atención en el trabajo manual por sobre iconografías asociadas al ocio y a la cultura erudita de las clases pudientes. Su ubicación en la antecámara del palacio irrumpe dentro del relato que portan los objetos legados por la familia Errázuriz Alvear\, sus antiguos propietarios\, y a cuyos retratos se contrapone. Si el título afirma un cambio de perspectiva sobre el campo\, su emplazamiento en la exhibición opera como memoria de la desigualdad que hizo posible la exuberancia de esta arquitectura. Interroga críticamente al patrimonio público a partir de la seducción plebeya de sus formas.  \nEMIL FINNERUD (Noruega) \nDeath Drive \n2021 \nInstalación. Serigrafías\, esculturas en yeso\, bronce madera\, impresiones 3D y partes varias de un vehículo Porsche 911\, polvo de ladrillo\, pintura. \nEl título de esta obra supone un juego de palabras en inglés. Death Drive es tanto una carrera automovilística mortal como una pulsión de muerte en los términos de la teoría psicoanalítica de Freud. El doble sentido\, problema predilecto del Surrealismo\, da lugar en esta instalación a una escena siniestra de carácter barroco en la que elementos fragmentados de un automóvil de lujo adquieren el lugar de ornamentos\, presentes en las esculturas y las serigrafías\, que se esparcen por una cancha de tenis llevada al extrañamiento. Estas partes fueron modeladas a partir de piezas involucradas en accidentes reales. La reunión atípica de la ostentación ornamental y un deporte tradicionalmente exclusivo construyen una crítica de la cultura contemporánea sustentada en el mérito\, la competencia y el individualismo. Su emplazamiento en este edificio recuerda un episodio clave de la historia revolucionaria que fue inmortalizado en pintura por Jacques-Louis David: el juramento del juego de pelota en el Palacio de Versalles en 1789\, cuando los diputados ocuparon este espacio de ocio del rey Luis XVI exigiendo una Constitución para Francia. \nMEHRYL LEVISSE (Francia) \nThe Naive Decorators \n2021 \nInstalación. Impresión sobre vinilo\, textiles de manufactura\, máscaras \nMehryl Levisse reparte su tiempo entre Francia y Marruecos nutriéndose de múltiples tradiciones artísticas en su trabajo. Mientras que el orientalismo en las artes decorativas ha desarrollado una mirada exotizante sobre las estéticas de Asia y el norte de África\, Levisse realiza una operación similar e irreverente sobre el canon occidental y sobre el eclecticismo que caracteriza a la gran arquitectura porteña del cambio de siglo entre el XIX y el XX. El Palacio Errázuriz Alvear cuenta con distintos salones diseñados cada uno según un estilo diferente dentro de la historia canónica del arte. Este diseño ecléctico que funcionaba simbólicamente como una afirmación de clase\, sofisticación y conocimiento de mundo contrasta con un proceso análogo en la instalación de Levisse que lleva la hibridación al extremo del pastiche y el kitsch. Sus formas exuberantes resultan del encuentro desenfadado de elementos que van de los muros pompeyanos al rococó\, pasando por los manuscritos iluminados del Medioevo y las máscaras del carnaval veneciano. Dan lugar a nuevas miradas sobre el cuerpo y su ropaje dentro de un ambiente de singular belleza en el que se alojan también objetos de la colección del museo\, planteando una apropiación lúdica y desafiante de la tradición y los relatos académicos. \nComo parte de los Programas Públicos de BIENALSUR 2021\, que incluyen\, entre otras acciones -presenciales y online-\, activaciones de las muestras\, desde el domingo 29 de agosto y hasta el 24 de octubre\, los domingos a las 16 h se presentarán performances a cargo de egresados del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín.  \nFantasías plebeyas se presenta en BIENALSUR 2021 con el apoyo de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. \nAcompañan la presentación en BIENALSUR 2021 del artista noruego Emil Finnerud\, Nordisk Kultur Fond (NKF) y Office for Contemporary Art Norway (OCA); del artista francés Mehryl Levisse\, la Embajada de Francia en Argentina\, el Institut Francais y la Alianza Francesa; y de la artista argentina Luciana Lamothe\, Atilio Bugliotti. \nFotografía: La pampa se ve desde adentro\, de Gabriel Baggio (2015). Cerámica esmaltada y lustre de oro. Colección José Luis Álvarez. Foto de Nicolás Levin.
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SUMMARY:REVELACIONES BRILLANTES: LOS ALIVIOS DE LUIS TOMASELLO
DESCRIPTION:La Galería Ascaso se complace en presentar su tercera exposición individual dedicada a Luis Tomasello\, que destaca una selección de una treintena de Atmosphères chromoplastiques \, Objets plastiques y Lumières noires seminales que abarcan casi cuarenta años de actividad creativa\, desde 1976 hasta 2012. \n“Parto de una idea y\, a veces\, el resultado me sorprende y se valora más de lo que esperaba. Que el espectador lo reciba con la misma sencillez ”. \nLuis Tomasello nació en La Plata\, Argentina\, en 1915. A los 36 años visitó Europa por primera vez y seis años después\, en 1957\, hizo de París su hogar permanente. Fue allí\, en 1958\, donde realizó sus primeras obras de relieve cinético que tituló Réflexion . Más tarde\, el crítico de arte y poeta Carlo Belloli\, en el catálogo de la segunda exposición individual en la Galerie Denise René en 1965\, las rebautizó como Atmosphères mobiles chromoplastiques . (Los primeros coleccionistas de Tomasello en la galería fueron Marguerite Arp y Philip Johnson). \nA lo largo de su vida\, la reputación internacional de Luis Tomasello creció\, a partir de estas primeras exposiciones individuales\, realizadas en 1962 en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) en Buenos Aires y la Galerie Denise René en París\, a través de su participación en todos los grandes eventos internacionales dedicados a la lumino -arte cinético. \nTomasello tiene obras en muchas colecciones públicas y privadas importantes\, incluida la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo\, el Museo de Bellas Artes – MFAH en Houston y la Fundación de Arte Cisneros Fontanals – CIFO en Miami. En Europa el Musée national d’Art Moderne (Centre Pompidou) y la Bibliothèque nationale de France (biblioteca nacional francesa)\, ambos en París\, el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Países Bajos)\, la Tate Modern de Londres y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid albergan obras suyas\, al igual que numerosos museos de Argentina: el Museo de Arte Moderno (MAMbA) y el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Buenos Aires\, entre otros. También produjo una gran cantidad de obras arquitectónicamente integradas tanto en Europa como en América. Murió en París en 2014. \n“Con lo mínimo\, alcanza lo máximo” fue el principio que me dejó Mondrian\, y he trabajado con él toda mi vida. Mis objets plastiques o atmosphères chromoplastiques \, unen escultura y pintura en un solo idioma y permiten su integración en la arquitectura ”.
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SUMMARY:Verónica Di Toro - El color es una línea en el tiempo
DESCRIPTION:«En la forma – color se inicia la obra de Di Toro. Sus investigaciones se traducen en series que por primera vez son exhibidas en el MACLA\, donde explora una interrelación fundamental dentro de la abstracción geométrica» escribió Joaquín Almeida en el catálogo de la muestra. \n«Al igual que maestros como Albers\, Tomasello\, Espinosa\, esas exploraciones sobre una misma forma\, que denomina Cuadrículas\, demuestran las muchas posibilidades que ofrece un camino aparentemente estrecho». \n«Rigurosa\, precisa en la confección hard edge del detalle\, Di Toro impacta en los tonos que elige\, porque no es complaciente. En sus indagaciones el color es una línea en el tiempo que marca cada trabajo\, cada serie. Una intensidad que parece nunca haberla abandonado». \nLa muestra cuenta con un catálogo impreso y un catálogo digital que puede descargarse de forma gratuita desde macla.ar. \nA partir de las medidas sanitarias implementadas en todo el territorio nacional\, es obligatorio el ingreso a las salas con tapa boca y nariz\, higienizarse las manos con alcohol\, el distanciamiento de social y el control de temperatura. No podrán permanecer al mismo tiempo más de 8 personas por sala.
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LOCATION:MACLA\, calle 50 e/ 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:DESPUÉS DE BABEL. TRADUCCIONES RIOPLATENSES
DESCRIPTION:Tres años atrás\, múltiples reuniones con Barbara Cassin nos permitieron avizorar la posibilidad de una versión rioplatense de Después de Babel. \nLa pandemia no impidió que se siguiera trabajando para hacerla realidad y para que\, con el impulso creativo de nuestra directora artística Diana Wechsler y la investigación y el cuidado trabajo de los curadores Marina Aguerre y Leandro Martínez Depietri\, se llegase a esta muestra para la que es difícil encontrar adjetivos que puedan describir su calidad\, belleza y ajustada dimensión política\, que puede sintetizarse en la frase que desarrolla la obra que nos recibe al ingresar al Hotel de Inmigrantes\, sede de nuestro MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo: La igualdad no tiene fronteras. \n  \nAníbal Y. Jozami \nDirector general MUNTREF \nhttps://untref.edu.ar/muntref/es/muestras/despues-de-babel/
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LOCATION:Muntref\, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero Centro de Arte Contemporáneo\, Sede Hotel de Inmigrantes.\, Av. Antártida Argentina s/n\, entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus. Ingreso por Apostadero Naval. Puerto Madero\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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