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SUMMARY:HERNÁN SOSA "Paisajes interiores"
DESCRIPTION:Es un creador asediado por las artes. No exageramos si decimos que\, más bien\, es acosado sin descanso por sus temas y sus personajes. Solo tiene que buscar las formas\, los colores\, el lenguaje. Y\, por supuesto\, elegir el soporte en el que sus criaturas empiecen a existir en este mundo. Por eso\, el artista Hernán Sosa (Lima\, 1965) pinta\, trabaja esculturas\, escribe poemas\, cuentos y también escribe letras de canciones.Con todo ese hervor creativo\, Sosa ha creado un universo artístico múltiple\, diverso. \nY ese es el universo que Hernán Sosa muestra en ‘Paisajes interiores’\, una exposición de más de cuarenta piezas que exhibe en la galería Índigo\, en San Isidro. Allí presenta\, como un ofertorio\, lo que su imaginación ha creado: óleos\, acuarelas\, acrílicos\, esculturas\, trabajos de distintas épocas y técnicas. \nSi bien el arte también es un medio para revelar el alma\, las entrañas del artista\, ‘Paisajes interiores’ tiene que ver\, más bien\, sin dejar de lado lo íntimo\, con los alrededores cotidianos de Sosa. \n“Esta muestra es un poco de lo que yo veo todos los días en mi taller. O sea\, el producto de mis obras\, tenerlas a mí alrededor\, la cantidad de ellas\, porque son muchas\, se convierte en el paisaje que yo veo todos los días. Este paisaje no lo conoce mucha gente y ahora quiero que vean”\, explica el artista. \nHernán Sosa tiene una trayectoria reconocida. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, en Arequipa. Se inició con la acuarela y se convirtió en uno de los más altos exponentes de la acuarela arequipeña. Y ha ganado no pocos concursos\, entre ellos el primer puesto en acuarela del Peruano Británico\, el primer puesto en óleo en el concurso de pintura de la Southern Perú Copper Corporation\, el primer puesto en el concurso Banco de Lima en la Alianza Francesa\, Artista Ilustre en la Municipalidad de Arequipa\, entre otros. \n\nHa expuesto en Ecuador\, Santo Domingo\, Puerto Rico\, México\, EE. UU. y Holanda. Y recientemente en el Museo Metropolitano de Monterrey en México y en el MIFA Gallery en la ciudad de Miami\, EE. UU.\n\n\n\n‘Paisajes interiores’. Muestra. Se exhibe en la galería Índigo: av. El Bosque 263\, San Isidro. Visita: lunes a sábado: de 10:30 a.m. a 7:30 p.m. Domingo de 11 a.m. a 7 p.m.
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SUMMARY:Homenaje a Ides Kihlen
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 5 de julio\, a las 19\, “Homenaje a Ides Kihlen”\, una exposición que celebra a la artista argentina\, a 105 años de su nacimiento\, en un recorrido por cinco décadas de su trayectoria. \nCon curaduría de María Florencia Galesio\, investigadora del Bellas Artes\, la exposición –que podrá visitarse en la sala 42 del segundo piso hasta el 7 de agosto– incluye una selección de 25 piezas de Kihlen\, desde las creaciones automáticas que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta los trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nNacida en Santa Fe el 10 de julio de 1917\, Kihlen inició su formación a los 14 años en la Escuela de Artes Decorativas de Buenos Aires\, dirigida por Pío Collivadino. Fue también alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. En París\, se formó con André Lhote. A partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro. \nPero recién a comienzos del siglo XXI\, a sus 85 años\, sus pinturas salieron a la luz pública. En 2002\, realizó su primera muestra individual\, una retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Desde entonces\, ha exhibido su trabajo en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. \n—- \nEl Museo Nacional de Bellas Artes celebra a la artista Ides Kihlen\, a 105 años de su nacimiento\, con una muestra que recorre cinco décadas de trayectoria\, desde sus creaciones automáticas\, que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta sus trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nDueña de una carrera tan extensa como secreta\, durante ocho décadas Kihlen trabajó en su taller\, indiferente a las modas\, a los movimientos y\, sobre todo\, al sistema del arte. Su interés se centraba en la creación misma\, sin preocuparse por cumplir con los mandatos y las estrategias que suponen la construcción de una carrera artística. Su pulsión por crear la impulsó a soslayar la idea de atesorar y conservar su propia producción\, por lo que incluso llegó a destruir sus telas o a reutilizarlas como soporte de nuevas piezas\, como si la pintura fuera pura expansión\, puro porvenir\, un eterno work in progress. \nHasta fines del siglo pasado\, su obra constituyó uno de los secretos mejor guardados de la escena de las artes visuales en la Argentina. Fue recién en el inicio del siglo XXI cuando sus pinturas abandonaron su taller y salieron a la luz pública. En 2002\, el Museo Nacional de Arte Decorativo organizó una gran retrospectiva que\, a la vez\, fue su primera muestra individual. Ides tenía 85 años. \nA partir de entonces\, su producción comenzó a circular y a suscitar gran interés\, lo que la llevó a exhibir en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. Rápidamente las instituciones públicas se hicieron eco de su trabajo\, y fue invitada a participar de exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata (MACLA)\, el Museo Caraffa de Córdoba y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. \nHoy\, el Museo Nacional de Bellas Artes se suma a esa historia de reconocimientos con esta muestra\, que da cuenta de su enorme labor y de la originalidad y libertad de la poética de Ides Kihlen en el campo de las artes visuales. \nAndrés Duprat \nDirector \nMuseo Nacional de Bellas Artes \n—- \nIdes Kihlen nació en Santa Fe el 10 de julio de 1917. El río Paraná\, en su paso por Corrientes y Chaco\, formó parte de su geografía infantil. El contexto familiar ‒un padre aficionado a las artes plásticas y una madre entusiasta del piano‒ acompañó desde pequeña la inclinación de Ides hacia la pintura y la música. \nYa en Buenos Aires\, y con 14 años\, ingresó en la Escuela de Artes Decorativas\, dirigida en aquel momento por Pío Collivadino. Desde entonces\, no dejó de perfeccionarse. Fue alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. Durante una estadía en Europa\, conoció las colecciones de los grandes museos y\, en París\, asistió al taller del reconocido maestro André Lhote. \nA partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro\, a quien decidió mostrar por primera vez sus trabajos. Completó su formación profundizando el estudio de la historia del arte para comprender los contextos de producción. \nTodo este bagaje constituyó el germen de una obra original desplegada a lo largo de más de 90 años de carrera\, fuera del circuito de galerías y museos. Su espíritu inquieto se intuye al entrar en el taller. Allí se advierten los rastros de su incesante labor: pinceles\, pomos de pintura\, tijeras\, papeles cortados y trapos cubren el espacio circundante. Un piano\, atriles\, tableros y una mesa ratona\, sobre la que trabaja cuando no lo hace directamente sobre el piso\, forman el ámbito donde emprende a diario la tarea de pintar. En la intimidad de ese lugar “cuasi sagrado”\, y de manera incansable\, ha seguido una rutina que alterna momentos dedicados a la pintura con otros destinados a la música\, en los que suele interpretar al piano sus propias composiciones. \nLa producción de Kihlen atravesó una primera etapa dominada por el lenguaje figurativo\, que comenzó a dejar atrás en la década de 1960. “La figuración se me fue como diluyendo”\, explica la artista. Ese giro implicó un proceso que llega hasta la actualidad\, en el que exploró los caminos de la abstracción\, siempre dentro de una práctica personal. \nEste primer período de cambios se caracterizó por imágenes con las que insinúa formas rectangulares sobre fondos texturados. Al mismo tiempo\, comenzó a incorporar manchas\, líneas\, círculos y triángulos\, elementos que continúan habitando sus composiciones\, en ocasiones como resultado de tratamientos automáticos. Luego irrumpen los números y las letras trabajados sobre fondos a manera de pizarras\, que intercala con líneas y formas de color. \nHacia el final del siglo XX y el comienzo del nuevo milenio\, se hicieron presentes los fondos negros interrumpidos por un juego de arabescos de líneas blancas que interactúan libremente con formas de colores. Utiliza también tiras de papeles pintadas de blanco y negro\, como el teclado de un piano o la piel de un tigre\, que modulan la superficie de sus obras. Desde este momento\, su obra puede organizarse en las series “Negra”\, “Blanca”\, “Del Tigre” y “Roja”. En los últimos años\, esos fondos se iluminaron hasta alcanzar el blanco \nParalelamente\, creció su afán de experimentación con la materia y las texturas\, que la llevó a incursionar con más fuerza en las posibilidades expresivas del collage. La artista también recurre a hilos y papeles de colores. Distribuidos rítmicamente sobre el espacio del soporte\, generan movimientos que parecen acompañar la música interna de la pintora en el acto de crear. En ocasiones\, frente y fondo juegan con la superposición de los papeles yuxtapuestos y se exaltan mutuamente por acción del color\, donde además lo táctil cobra valor. \nEl predominio de los fondos blancos cede en algunas piezas ante el rojo vibrante\, que dialoga con zonas trabajadas con collage. En otras obras\, la gestualidad de la línea dinamiza los fondos\, que asumen un fuerte protagonismo. Para la serie que dedica a las “Partituras”\, presenta una suerte de sinestesia: la artista acude a partituras impresas y a notaciones musicales interrumpidas por un colorido collage. \nAnte la producción de Kihlen\, es posible pensar en su proximidad a la abstracción de artistas como Paul Klee\, Vasily Kandinsky y Joan Miró. Sin embargo\, su derrotero vital la condujo por un canal independiente y autónomo. \nIdes reivindica lo artesanal en el trabajo del collage\, en el deleite por el color\, la materia y la textura. Sobre su obra sobrevuelan la intuición y el juego como aceleración de la creatividad\, realzados por acentos poéticos. \nMaría Florencia Galesio \nCuradora \n 
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:El Ladrillo - Patrick Hamilton
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino y la Asociación Amigos del MACBA tienen el agrado de presentar El Ladrillo\, selección de obras de Patrick Hamilton (Bélgica\, 1974) realizadas en los últimos 5 años e inspiradas en el estudio y análisis del libro/informe homónimo que a mediados de los años 70s sirvió como base para la política económica de corte neoliberal impuesta en Chile por la dictadura de Augusto Pinochet. En las obras propuestas existen referencias a la historia social y económica\, a la memoria colectiva y a los movimientos artísticos como el constructivismo ruso\, el neoplasticismo\, el arte conceptual latinoamericano de los años setenta y ochenta\, el minimalismo y el arte povera. “Como parte de un acto de coherencia con un discurso de crítica política y económica\, trabajo con materiales sencillos\, elementos propios del sector de la construcción y la albañilería como serruchos\, guantes de trabajo\, espátulas ladrillos y lijas\, para crear —de manera poética— composiciones simples y económicas” Hamilton. La exhibición cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile\, la Galería Casado Santapau y la Galería Patricia Ready.
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SUMMARY:Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato\, edición 2021.
DESCRIPTION:En el marco del programa Agenda Abierta*\, quedo inaugurada el 23 de junio a las 18hs la muestra colectiva de los Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato*\, edición 2021. Muestra en la *sala de exposiciones del Honorable Concejo Deliberante* (Juan Bautista Alberdi 4880\, *Caseros*). \nLuego de dos años se pudo organizar este tradicional certamen\, fruto de la articulación entre la *Subsecretaría de Cultura y SAPI (Sociedad de Artistas Plástico Independientes)*. Esta exhibición está conformada por dibujos\, pinturas y grabados de quienes resultaron ganadores. Ellos son Angélica Alexander\, Silvina Baz\, Carlos Pereyra\, Alejandro Lois y Julián Cheula. Participarán estudiantes de la *Carrera de Violoncello de la EMMU.* \nPodés visitar la muestra *desde el 23 de junio hasta el miércoles 3 de agosto* de lunes a viernes de *9 a 18 hs.*
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SUMMARY:II BIGAI - Museo Emilio Caraffa
DESCRIPTION:II Bienal Internacional de Grabado y Arte Impreso en Pequeño Formato. En el Museo Emilio Caraffa.\nOrganizado por la Universidad Nacional de Córdoba.\n«Interseccionalidades + Intersecciones» \nObras seleccionadas:\nCimiento y Complementariedad”\nFotolitografia en poliester \n  \nMuseo Emilio Caraffa. \nSala 1 \nMartes a domingos y feriados de 10 a 19 hs. \n 
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SUMMARY:Las formas del Arte
DESCRIPTION:MOCHUELO ART INAUGURA LAS FORMAS DEL ARTE \nLas Formas del Arte es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art\, donde se integra el arte de los Maestros Jesús Soto\, Francisco Narváez\, Mateo Manaure\, Gaudi Esté\, Jorge Dager\, Jorge Salas\, José Campos Biscardi\, Eduardo Agelvis y la incorporación de dos nuevos artistas al staff de Mochuelo: Jorge Pallares y Oscar García Seguí. \nEn la exposición quisimos ir más allá de lo antes mostrado. Integramos la propuesta plástica de maestros en diversas épocas y corrientes y las llevamos a una lectura unísona y atractiva para el espectador. Hicimos que el Maestro Jesús Soto en su cinetismo se fusionara con los volúmenes de Francisco Narváez… y entablaran un diálogo fluido… y así sucedió con las columnas policromadas de Mateo Manaure y el maravilloso trabajo de la gran escultora latinoamericana Gaudi Esté.  \nLa exposición reúne más de 30 obras de diversos formatos tanto en pintura como escultura. Algunas incluso\, nunca han sido mostradas al público\, como el caso de las Plakas del Maestro Francisco Narváez. \nEn esta oportunidad\, el Maestro Campos Biscardi nos sorprendió a través de una obra muy particular que decidimos colocar en vitrina\, y se trata de la intervención de una silla de una manera muy especial\, haciendo alusión por supuesto\, a su leve motive El Ávila. La misma decidimos acompañarla con el libro Marisol and Andy Warhol take NY\, haciendo alusión a la exposición de ambos artistas desarrollaron en Miami.  \nEsta exposición que recién inauguramos\, contará con visitas guiadas\, conversatorios y talleres\, por lo que los invitamos a seguirnos por @mochueloart. Dice Soraya Gabaldón Dir de Mochuelo Art. \nLa exposición Las formas del Arte\, estará abierta hasta el 14 de Agosto de 2022 de Martes a Sábado de 10 am a 3 pm en Mochuelo Art ubicada en el Centro Comercial Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla \n Para mayor información  \nSoraya Gabaldón \nDir Mochuelo Art \nTlf + 58 414 12 49 139 \n@mochueloart
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. ”PANAL II”
DESCRIPTION:”PANAL II”\n\nSomos «Engranajes del tiempo» le dimos este nombre a nuestro colectivo artístico dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, encuentros y desencuentros. El arte nos volvió a unir ya como docentes y con andares en el medio artístico. Así\, decidimos conformar un camino juntas.\nPresentamos aquí\, Panal II una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de tintas al agua a tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. Así\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros panales\, es decir en nuestros talleres\, nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte.\n\nPANAL II\, la muestra se puede visitar en el Honorable Concejo Deliberante de San Isidro\, 25 de mayo 459\, de lunes a viernes\, de 9 a 16hs.\, hasta el 22 de junio.
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SUMMARY:Nicolás Menza. El Hilo Rojo
DESCRIPTION:El Hilo Rojo\n\nNo es un reordenamiento cronológico a modo de retrospectiva razonada\, la muestra reúne trabajos entre 1982 a 2022\, de los comienzos en la escuelas de bellas artes hasta alguna obras de producción realizadas en el aislamiento de la pandemia covid 19.\n\n\n\nDesde el inicio donde ese hilo empezó a delinear y trazar un camino\, en el lenguaje poético de la pintura\, sin especulación\, ni calculo\, con la curiosidad de investigar lo desconocido\, guiado solo por la pasión y el deseo\, es también un camino hacia uno mismo\, lo trascendente es transitarlo con honestidad\, introspección\, así poder descubrir\, sorprenderse\, y poder traducirlo en ensayos poéticos en el lenguaje visual… ese Hilo Rojo que une todo\, lo externo y lo interno\, es la línea testigo \, es el tránsito hacia un horizonte inasible\, inalcanzable \,en la vida y en el arte ser como decía mi maestro un humilde peregrino.\nNicolás Menza\n\n\n  \nEl Hilo Rojo\nDesde el 2 de Junio al 26 de Junio de 2022\nEntrada libre y gratuita. \nThe Art Gallery – Uruguay 967. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n                                                             
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SUMMARY:Mujer Cola de Ballena - Hernán Sosa
DESCRIPTION:La galería de arte Yvonne Sanguineti presenta la exposición Mujer Cola de Ballena\, individual realizada por el artista plástico Hernán Sosa. La muestra está conformada por una selección de pinturas de mediano y gran formato. \nHernán Sosa (1965) siguió la carrera de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor”\, en Arequipa. Posteriormente seguiría una formación en dibujo artístico y publicitario en la Universidad Católica Santa María de Arequipa. Recibió diversas distinciones\, entre las que se encuentran: Medalla de Excelencia al Arte y la Cultura. Municipalidad de Arequipa\, Perú (1997); Diploma de Honor. Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, Arequipa\, Perú (1995); y Primer Premio en el Concurso de Pintura John Constable. Cultural Peruano Británico. Lima\, Perú (1993). \nHa expuesto su obra en muestras individuales y colectivas en el Perú y en el extranjero\, así como en diversas ferias internacionales: Segunda Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, CC Rímac Seguros (Lima\, 2011); Primera Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2010); Mujer Cola de Ballena Vanderbilt Gallery(Massachussets\, 2009); Sex and the City\, Sweet Art Gallery (Florida\, 2008); Mona a la Medida\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2008); Feria Contemporary Art Dubai (2008); Feria Internacional de Shangay (2008); Insondable\, Galería Artana Latin American Art (Holanda\, 2007); Feria de Arte de Colonia Alemania (2007); Alexander and Victor Gallery\, (Miami\, 2006); Galería del Club Empresarial (Lima\, 2005); Artistas Peruanos Contemporáneos\, Museo de Bellas Artes Gravina\, (Alicante\, 2005); Desnudos\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Naturaleza Viva\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Feria de Toronto (2002); Art Miami\, Francisco Nader\, Centro de Convenciones Miami Beach\, (Miami\, 2001); entre otras. \nHernan Sosa retomará en esta muestra la serie Cola de Ballena\, sobre la base de la línea trabajada en sus últimas exposiciones\, línea a la que el artista denominó Proceso Creativo. \nEl proyecto desarrollado en Proceso Creativo intenta dar cuenta de cómo el arte brinda al creador\, en el ejercicio del acto creativo\, un espacio de flexibilización e intercambio con otros ámbitos de lo artístico\, en los que es posible experimentar\, integrar\, producir intersecciones que trasciendan los límites de la propia labor. \nCola de Ballena será entonces una recreación del intercambio entre el artista y su propia obra: tanto con su creación narrativa\, dado que éste es también el nombre de un cuento escrito por Sosa\, y su producción pictográfica\, realizada en una serie anterior. La dinámica transubjetiva que realizará el pintor con sus personajes\, productos de sí pero ahora ajenos a él\,  generará nuevas realidades que pasarán a materializarse en las nuevas experiencias de Cristina –nuestra mujer Cola de Ballena- en el lienzo. \nLa exposición será inaugurada el miércoles 11 de mayo a las 7.00 p.m.; y podrá ser visitada hasta el sábado 11 de junio\, de lunes a sábado de 11.00 a .m. a 8.00 p.m. en Av. Grau 810\, Barranco.
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LOCATION:Galería de Arte Yvonne Sanguineti\, Av. Grau 810 Barranco\, Lima\, Perú
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SUMMARY:León Ferrari L’aimable cruauté
DESCRIPTION:El Centre Pompidou presenta la primera exposición museográfica de la obra de León Ferrari en Francia. Autor de una obra proteica\, por momentos misteriosa y literal\, el rigor formal de León Ferrari (1920-2013) está a la altura de su poder subversivo. \n\n\n\nIngeniero de profesión\, dibuja como artista autodidacta desde 1946\, hasta que en 1952 se traslada con su familia a Italia y crea sus primeras esculturas de cerámica. Golpeado por la violencia de la época\, en particular la guerra de Vietnam\, Ferrari dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental. Su discurso anticolonial va unido a un feroz anticlericalismo\, pues responsabiliza al cristianismo de los fenómenos contemporáneos de tortura y exclusión. Al negarse a adoptar un enfoque puramente formal de su obra\, Ferrari nos advierte constantemente sobre el proceso por el que el arte embellece y trivializa la violencia\, un mecanismo que él denomina «aimable cruauté» (crueldad amable). \nhttps://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/OvW2k6Q \n\n\n\n\nCuando: 20 abr – 29 ago 2022\n11:00 – 21:00\, todos los días excepto martes \n\n\n\nSe recomienda encarecidamente reservar
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\,\, París\, Francia
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SUMMARY:JOSÉ TOLA - EL TIEMPO Y YO
DESCRIPTION:«EL TIEMPO Y YO – José Tola\, un recorrido por su pintura» reúne una veintena de obras pictóricas de este artista señalado por la crítica como uno de los creadores visuales más importantes del siglo XX en el Perú. Pertenecientes a su producción a partir de 1994\, cuando Tola retornó a la práctica de la pintura luego de un periodo de nueve años de experimentación con materiales nada ortodoxos\, a los que transformó e infundió de inédita plasticidad\, las obras escogidas trazan un extraordinario recorrido artístico a lo largo de un cuarto de siglo\, hasta 2018. Su pintura pasó por más de diez fases o periodos distintos en este tiempo: por un singular proceso se desplazó de lo que él llamó ‘una abstracción con rastro de figura» a una figuración estilizada\, marcada por un sofisticado cromatismo de rango ‘frío’\, una nueva sensualidad de formas angulares y la aparición de un sorprendente sentido del espacio. Tola decantó su abstracción en una construcción de personajes nunca antes vista en su pintura\, fascinante aporte final de este gran artista fallecido en 2019. \nJorge Villacorta\, curador de la muestra \n  \nJosé Tola De Habich (1943 – 2019)\nTola fue un artista versátil. Egresa con el título de profesor de dibujo y pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando\, Madrid. Ganador de la Bienal de la Habana su obra es vasta y expresiva\, fuera de toda clasificación y conformidad\, como su misma personalidad.\nHa realizado numerosas exposiciones individuales en diferentes galerías y museos de Latinoamérica. No se puede dejar de mencionar su participación como representante del Perú ante la 21ª bienal de Sao Paulo\, Brasil (1989)\, su presencia como invitado de honor en las bienales de La Habana\, Cuba (1989) y Cuenca\, Ecuador (1997). En 1995 se realizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de la Nación en Lima. Además\, Tola fue merecedor en 1998 del Premio de Pintura Bienal Tecnoquímica.\nActualmente su obra está representada en museos\, colecciones públicas\, corporativas y privadas de prestigio nacional e internacional. Londres.
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SUMMARY:MIRADA TAURINA
DESCRIPTION:Mochuelo Art te invita este Sábado 02 de Abril a la Inauguración de «Mirada Taurina» \nMirada Taurina es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art donde se presenta el trabajo de 5 talentosos Maestros de la Plástica de nuestro país: Régulo Perez\, Eduardo Agelvis\, Jorge Dager\, Pedro Centeno Vallenilla y Pedro León Zapata. La exposición que reúne 17 Obras entre pinturas y esculturas de variados formatos y en diversidad de estilos y técnicas\, enaltece la denominada fiesta brava\, mostrada con respeto y virtuosismo en toda su majestuosidad y colorido. \nArturo Michelena\, Tito Salas\, Reverón\, Pedro Centeno Vallenilla\, Mario Abreu\, Pedro Angel Gonzales\, incluso Jesús Soto por hablar de nuestro legado cultural\, han representado en algún momento el tema taurino. Con esta exposición\, tenemos el registro maravilloso\, de 5 Maestros de la plástica\, cuyas Obras constituyen un importante testimonio que deben venir a conocer. Cita Soraya Gabaldón Dir. de Mochuelo Art \n\n\n\nMirada taurina estará abierta al público hasta el 28 de Mayo y contará con una serie de actividades entre conversatorios y talleres\, siendo el más cercano el del sábado 23 de abril\, titulado La tauromaquia en el arte\, dictado por el Lic. Hendrik Hidalgo Dir. General del Museo Arturo Michelena. \nNosotros continuaremos con nuestro trabajo de promover el trabajo de nuestros artistas venezolanos dentro y fuera de nuestras fronteras\, y con nuestro lema SEMBRAR ARTE\, buscamos acercar al público a ese mundo maravilloso que rodea a las artes en todas sus manifestaciones \nSoraya Gabaldón Directora Mochuelo Art \nMIRADA TAURINA estará en sala hasta el 28 de Mayo de 2022 Mochuelo Art C.C.Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla. @mochueloart Contacto: Soraya Gabaldón +58 (414)-124.91.39\nFotografías Patricia Villa @patriciavilla300372 \n\n\n\nSEMBRANDO ARTE
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SUMMARY:Faces. La inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos
DESCRIPTION:El mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica estará presente en el Centro Cultural San Martín con una exclusiva selección de portadas de rostros humanos. \nEl recorrido de Faces finaliza con un tributo a Gustavo Cerati\, el gran músico y artista argentino\, con una selección de las portadas con su rostro. \nFaces forma parte de la colección “Arte de Tapa” compuesta por más de 400.000 ejemplares de revistas de actualidad\, humorísticas\, infantiles\, deportivas\, comics y espectáculos\, entre otras de más de 50 géneros periodísticos. En la muestra se podrán ver portadas de revistas nacionales e internacionales a partir del año 1920 y hasta 2020. El tema principal es el rostro humano y lo que transmiten cada una de las diferentes formas de mostrarlo a lo largo del tiempo\, en cada país y cultura. \n“En Faces se puede ver la evolución en la manera de transmitir un mensaje y captar la atención del lector con la imagen de un rostro en los medios de comunicación\, según la época y el lugar. Cada portada de Faces te interpela\, te ves identificado\, algo sucede en uno cuando se observan esas caras”\, comentó Juan Cantafio\, propietario de la colección. Y agregó\, “la propuesta es recorrerla como una travesía que nos lleve a todo tipo de expresiones faciales\, con multiplicidad de gestos y significados para observar y observarnos\, como si nos miráramos en un espejo. Cada uno de estos personajes y personas tienen algo para mostrarnos y decirnos\, a veces de manera evidente y otras de maneras más sugestivas o encriptadas”. \nJuan Cantafio\nEs considerado el mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica. Su pasión comenzó en el año 1970\, durante su niñez\, con tan solo 8 años\, con un regalo de su abuelo paterno: la revista “Anteojito”. Hoy su colección cumple 52 años y cuenta con más de 400.000 ejemplares originales de tapas de revistas nacionales e internacionales\, todas conseguidas y adquiridas por él y hasta ahora sin ninguna ayuda económica externa. A lo largo del tiempo logró hacerse de ediciones especiales\, ejemplares más vendidos o publicaciones que ya no están en circulación\, siendo la más antigua de la colección el periódico dominical “El Mosquito” (1863-1893) del año 1890\, y el ejemplar de la revista “Cine Argentino” del año 1941\, que en la portada se encuentra Evita con la camiseta del club Boca Juniors (junto al jugador Bernardo Gandulla) dando el puntapié inicial de un partido de fútbol\, una de las de mayor valor. “El mundo editorial ha atravesado un cambio drástico desde la digitalización. La colección\, desde mi punto de vista\, tiene un valor cultural muy importante porque las revistas impresas son un producto cultural que reflejan en sus páginas cada momento histórico\, y se puede decir que están en proceso de extinción. Esta muestra es un recorte\, enfocado en las tapas con rostros humanos de todo tipo\, que busca interpelar al espectador a modo de espejo” expresó Juan. \n  \nFaces\nla inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos\nDesde el 1 de abril al 14 de mayo de 2022\nDe jueves a domingos de 15 a 21 horas\nEn la Sala Vertical\nEntrada libre y gratuita. \nCentro Cultural San Martín\nSarmiento 1551\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. Panal
DESCRIPTION:Silvina Baz y Verónica García\nPanal \nSilvina Baz y Verónica García\, juntas creamos el grupo «Engranajes del Tiempo» le dimos este nombre dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, idas\, venidas. Encuentros. El arte nos presentó nuevamente en Puerto Madryn ya como docentes en arte y con andares en el medio artístico. Así decimos conformar un camino juntas. \nPresentamos aquí\, en «La casa de al lado» el proyecto expositivo Panal\, una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de las tintas al agua a las tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. \nAsí\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros paneles\, es decir en nuestros talleres\, durante tiempos de aislamiento que nos tocó vivir en el 2020 y parte del 2021 nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte. En aquellos tiempos\, las fronteras eran nuestras paredes\, no los límites de nuestros soportes que nos invitaban a clamar por la situación aquí endulzada con esperanza. \nHoy\, la idea es poder vivirlas con nuestros seres queridos\, presentadas en el espacio expositivo. Latiendo en las paredes\, encontrándonos unidas y unidos en un mismo espacio. \nEngranajes del Tiempo: Silvina Baz y Verónica García \nDesde el 1 de abril al 22 de Abril de 2022\nInaugura: 1 de abril 20hs\nLunes a viernes de 10 a 20hs \nLa casa de al lado\nFundación María Candela González Gómez Masía\nCachimayo 517\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Clama el viento y ruge el mar
DESCRIPTION:El Museo Casa de Ricardo Rojas invita a participar del taller de lectura y creación artística para infancias\, sobre la Causa Malvinas\, con motivo de la conmemoración del 40 aniversario. \n¿Qué es?\nEl taller propone cuatro encuentros con infancias para la reflexión\, lectura y creación artística:\ndibujos y poemas sobre la Causa Malvinas. \nInvitación para ellas y ellos: ¿Tenés ganas de jugar y escuchar cuentos relacionados con Malvinas? ¿Te gustaría participar en una exposición de un Museo? ¿Te gustaría escribirle una carta a un Veterano de Guerra de Malvinas preguntándole todo lo que quieras saber sobre Malvinas? \nEl objetivo de la propuesta es que los niños y las niñas reflexionen acerca de Malvinas\, la soberanía\, la guerra\, que conozcan escritores que trataron el tema\, que logren realizar sus creaciones en función de lo que le genera cada encuentro. \nEn este sentido\, pensamos una actividad que vincule a los chicxs con Veteranos y que a la vez resignifique el acto epistolar: durante el desarrollo del taller cada niño y niña podrá escribir una carta a un Veterano de guerra de Malvinas para que le pregunte lo que desee saber sobre las Malvinas. \nEste taller se enmarca en el ciclo “Malvinas en la poesía”\, coordinado por Jackie Couriel y Nora Falabella que concluirá con una actividad de cierre el sábado 2 de abril con una propuesta presencial abierta a toda la comunidad\, para que se acerque a leer y escuchar poesía. A reflexionar acerca del 2 de abril\, a participar de las mesas temáticas. \nConsultas: norafalabella@gmail.com\, jackiecouriel@gmail.com \n¿Cuándo? \nMiércoles 30 de marzo y 6\,13\, 20 de abril de 17 a 18h \n¿Dónde?\nMuseo Casa de Ricardo Rojas. Charcas 2837\, CABA \nRequiere inscripción completando el siguiente formulario https://bit.ly/3hAaUdZ
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LOCATION:Museo Casa de Ricardo Rojas.\, Charcas 2837\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:José Luis Maccari Ansiada incompletud
DESCRIPTION:La exposición\, que incluye más de 80 obras\, cubre toda la trayectoria del artista. Propone un recorrido a través de sus primeros óleos y dibujos en su taller de La Boca y más tarde\, en el del barrio de Belgrano\, donde produce sus conocidos relieves.  \nLa exhibición se extenderá hasta el 30 de abril.  \nMartes a domingos de 11:15 a 18.  \nTeléfono: (+5411) 4301-1080. \nLa entrada es libre y gratuita. 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Silvia Rivas. El revés de la armadura
DESCRIPTION:Silvia Rivas. El revés de la armadura\n¿Hasta dónde coincidimos con las formas que inventamos?\n¿Son emanaciones de nuestro ser o sólo producto de nuestro hacer y actuar?\nSilvia Rivas\, 2021. \n  \nUna exhibición compuesta por diferentes núcleos a partir de video-instalaciones y objetos articulados en el espacio. Esta serie de videoinstalaciones plantea un juego de materialidades donde el soporte\, con sus recursos formales y tecnológicos\, se evidencia como una poética en sí misma. Así\, la artista piensa una integración como seres naturales con el entorno y la materia transformada. \nEl proyecto contará con la presencia en Buenos Aires del curador italiano de la Bienal de Venecia\, Eugenio Viola\, que disertará sobre la exhibición en el mes de mayo. Sobre la obra de Rivas\, Viola señala: “Silvia Rivas ha desarrollado un interés evidente por las prácticas basadas en el tiempo\, lo que incluye la relación entre el video\, el cuerpo\, y el ambiente\, así como estrategias relacionadas con el campo de la llamada ‘performance delegada’\, con todo lo que puede implicar para el video postproducido”. \nSilvia Rivas\nHa representado a la Argentina en las Bienales del Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005)\, La Habana (2003) y Bienalsur (2019). Entre otras distinciones\, en 2001 recibe la beca John Simon Guggenheim y el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas y\, en 2002\, el premio al Video argentino en la Bienal de Arte del Museo Nacional de Bellas Artes; en 2005\, la beca para postproducción de video del Wexner Center for the Arts\, Ohio. En 2006 y 2007\, obtiene el tercer y segundo premio\, en el Salón Nacional de Nuevos Soportes e Instalaciones; y en 2012 recibe el Premio Konex en Videoarte correspondiente al decenio 2002-2012. Ha participado en numerosas muestra colectivas y realizado muestras individuales en el Museo Nacional de Bellas Artes\, en el MALBA-Fundación Costantini\, en el Museo de Arte Moderno de Buenos entre otras instituciones y galerías. Su obra integra colecciones nacionales e internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Colección Amalia Lacroze de Fortabat\, Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino”\, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario)\, Colección Eduardo Costantini\, Buenos Aires\, Colección Jorge y Marion Helft\, entre otros. \n  \nSilvia Rivas\nEl revés de la armadura\nDesde el 19 de marzo al 30 de Junio de 2022\nJueves a domingos\, 11 a 18 hs. \nFundación Andreani\nAv Pedro de Mendoza 1987\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Ser Mujeres en la ESMA II. Tiempo de Encuentros
DESCRIPTION:Esta muestra profundiza las indagaciones de Ser Mujeres en la ESMA I: testimonios para volver a mirar\, inaugurada en marzo de 2019. En aquella oportunidad\, el Museo Sitio de Memoria ESMA revisó su muestra permanente e incorporó una mirada de género\, ausente hasta entonces. Ese espacio propiciado por el Museo sirvió de encuentro para las sobrevivientes y permitió reflexionar desde una perspectiva feminista sobre las violaciones a los derechos humanos que padecieron durante su detención.\nSer Mujeres en la ESMA II: Tiempo de Encuentros busca profundizar sobre aspectos que no han tenido mucha visibilidad en nuestra sociedad: las consecuencias en la vida de las sobrevivientes\, después de salir del centro clandestino. ¿Cómo reconstruyeron los vínculos familiares y sus proyectos de vida?\, ¿cómo enfrentaron los estigmas de haber sufrido y haber padecido -casi en la totalidad de los casos- violencia sexual?\, ¿cómo las afectó el silencio y la falta de escucha?\, ¿cómo fue para ellas participar en los juicios? \nLa muestra temporaria se desarrolla sobre 4 espacios en exhibición:\nEn la sala 1 se aborda las violencia de género y sexual sufridas por las detenidas\, las estrategias de supervivencia durante la detención\, los vínculos de solidaridad y sororidad\, la maternidad y el cuidado de les hijes en la ESMA. Se proyectarán fragmentos de las entrevistas que se realizaron para esta muestra sobre las experiencias de militancia\, detención y cautiverio.\nEn la Sala 2 se proyectará una edición de testimonios en los que las sobrevivientes relatan cómo fue el momento de la salida del centro clandestino y su relación con la libertad.\nLa Sala 3 es escenario de una instalación artística que aborda de modo conceptual las experiencias de vida que siguieron al cautiverio: la libertad como un proceso y una construcción\, el peso de la estigmatización\, el exilio\, el vínculo con las denuncias y el camino de justicia\, la participación política y la relación con las luchas feministas.\nEl cuarto espacio es un ámbito para compartir diversas iniciativas de expresión artística\, académica y archivística que proponen otras perspectivas. Al intentar un ejercicio colectivo de memoria y reflexión feministas sobre las vidas de las sobrevivientes\, se abrieron diálogos y preguntas que antes no se habían formulado en el museo. Este espacio propone un primer acercamiento a esta multiplicidad de cuestiones que serán motivo de nuevas investigaciones y proyectos. \nEl camino hacia la muestra\nDurante los primeros meses del proyecto se realizó una sistematización de las declaraciones judiciales de 132 sobrevivientes para recuperar experiencias\, vivencias y trayectorias. Tras esa etapa de investigación\, que se complementó con otras fuentes como materiales académicos\, periodísticos y documentales\, se realizó una asamblea virtual de la que participaron 87 mujeres entre sobrevivientes de la ESMA\, hijas\, académicas\, investigadoras\, museólogas\, abogadas\, funcionarias de distintos ministerios\, operadoras judiciales\, especialistas en temas de derechos humanos y género\, activistas y artistas.\nFinalmente\, se convocó a una segunda asamblea en la que estuvieron presentes de manera presencial y virtual sobrevivientes y más de 50 jóvenes\, la mayoría estudiantes de escuelas secundarias. La idea fue propiciar un encuentro con las nuevas generaciones que hoy encarnan las luchas feministas y habilitan nuevas preguntas y significados sobre las experiencias y el pasado común.\nEl espacio que abre esta segunda muestra busca habilitar un encuentro amplio\, diverso\, plural entre quienes padecieron la violencia estatal en la ESMA y las generaciones feministas con experiencias de lucha.\nSi bien hasta el momento no hay testimonios que indiquen la presencia de mujeres trans detenidas en la ESMA\, la creciente visibilización de las violencias por razones de género\, el avance del proceso de memoria\, verdad y justicia y la apertura de nuevas preguntas y fuentes posibilitarán a futuro conocer si hubo personas trans-travesti detenidas-desaparecidas en la ESMA\, como ocurrió en otros centros clandestinos de la dictadura.\nLa muestra puede visitarse desde el 18 de marzo al 28 de julio\, de martes a domingos de 10 a 17 horas. \nSer Mujeres en la ESMA II\nTiempo de Encuentros\nDesde el 18 de marzo al 28 de julio de 2022\nMartes a domingos de 10 a 17 horas. \nMuseo Sitio de Memoria ESMA\nAv. Del Libertador 8151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Andres Riva y Cristina Santander. Escapes
DESCRIPTION:Quién pudo haber imaginado que una peste\, casi medieval\, detendría el movimiento de nuestro planeta.\nLa humanidad tiende a protegerse a pesar de los cantos agoreros que buscan inmovilizarnos\, para que todo se aquiete\, no se transforme.\nSin embargo\, el arte es la forma de hacer e imaginar de la humanidad; constituye sin duda una huída de esa pausa obligada\, transforma el caos producido.\nUn escape hacia la naturaleza\, hacia la introspección\, hacia el paisaje para encontrar la respuesta a situaciones que exceden nuestra realidad.\nCristina Santander hace foco en los paisajes cordobeses\, trabaja los colores según su percepción de los paisajes serranos\, a plein air\, inviernos\, veranos\, anegados por la lluvia o brillantes por la luz solar. Son vias de escape para unirnos en la contemplación del vado\, del arroyo\, sentados en una piedra\, al pie de la tranquera.\nAndy Riva nos invita a hacer memoria\, buscar y encontrar en sus representaciones lo que fuimos.\nPero también el presente y el tiempo por venir\, concentrarnos y desconcertarnos hasta hallar en su propuesta el aura que emana como una metáfora visual.\nSus pinturas proporcionan los elementos compositivos para la imagen a construir por cada observado \nAndres Riva\n(Buenos Aires\, 1980)\nEstudió Imagen y Sonido en la UBA. Director de arte\, muralista e ilustrador realizó las animaciones de INFANCIA CLANDESTINA de Benjamin Ávila\, la Libreta de Menguele en WAKOLDA de Lucía Puenzo\, murales en THE TWO POPES de Fernando Meirelles y pinturas y dibujos para EL HIJO de Sebastián Schindel. Codirigió el corto Lucía y las cosas para Abuelas de Plaza de Mayo. Realizó el cuadro MANO de la Identidad en el cual depositaron sus huellas abuelas\, nietos e integrantes de ABUELAS de PLAZA DE MAYO para la que realizó también spots audiovisuales y un mural. En 2007 La Secretaría de Deportes de la Nación le encomendó un mural homenaje a deportistas desaparecidos durante la última dictadura militar. Pintó y coordinó los murales de la ESTACIÓN DE LA MEMORIA para el ESPACIO por la MEMORIA Y LOS DDHH (Ex ESMA). Pintó murales en Capital Federal\, Mendoza\, Entre Ríos y Lisboa. En Chicago pintó murales honrando a la comunidad mexicana. Ilustró afiches de largometrajes como PLANTA MADRE\, LOS ADOPTANTES\, UN LUGAR EN EL TIEMPO y LOS QUE VIENEN. En 2017 fue reconocido con el premio “Hacedores de la Memoria” otorgado por los organismos de DDHH nucleados en la ExESMA. Codirigió con Guido De Paula el film LAS INTEMPERIES. \nCristina Santander\n(Buenos Aires\, 1939)\nNació en la Ciudad de Buenos Aires – Argentina A la edad de 12 años su vocación estaba definida en el grabado y el dibujo. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artesy luego de 2 años siguió los cursos de grabado con Aída Carballo\, Cristina descubre por ese entonces su pasión por el buril. Con el correr del tiempo es consagrada como una de las figuras del Arte Nacional. Desde su llegada a España en el año 1969\, sus viajes son permanentes para presentarse en exposiciones tanto en lo de Josefa Seiquer\, como en muchas galerías y entidades culturales. Trabaja y estudia en Madrid en la casa de Velázquez y años después trabaja con Stanley W. Hayter\, en el Atelier 17 de París. Premios; En su país obtuvo los grandes premios del Salón Nacional y Municipal de Grabado\, y el importante Premio Facio Hebequer que otorga la Academia Nacional de Bellas Artes. Durante el año 2000 recibió el Premio Bienal Internacional de Gráfica\, Francavilla al Mare\, Italia. Su obra integra las más importantes colecciones de museos de Corea\, Estados Unidos\, Egipto\, España\, Japón\, Paraguay y Uruguay; en Argentina en los museos de Olavarría\, Tandil\, Coronel Pringles\, Necochea\, Resistencia\, Chaco; Genaro Pérez\, Emilio A. Caraffa\, Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras de Córdoba; Ushuaia\, Tierra del Fuego y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires. \nAndres Riva y Cristina Santander\nEscapes\nDesde el 17 de marzo al 29 de abril de 2022\nInaugura: 19hs.\nDe lunes a viernes de 15 a 19hs. \nBuenos Aires Fine Arts\nCuba 1930\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
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SUMMARY:Yente – Del Prete. Vida venturosa
DESCRIPTION:Malba abre su calendario 2022 con Vida venturosa\, exposición de Yente (Eugenia Crenovich\, Buenos Aires 1905 – 1990) y Juan Del Prete (Vasto\, 1897 – Buenos Aires\, 1987)\, que hace foco en la sinergia creativa de la pareja y en el vínculo amoroso como un modo de abordaje de lo artístico. \nDurante más de 50 años\, Yente y Juan Del Prete no solo compartieron su vida como pareja\, sino que además intercambiaron cotidianamente ideas en torno al arte. Realizaron numerosas muestras individuales y participaron en diferentes colectivas\, sin embargo nunca exhibieron juntos. Esta exposición los reúne por primera vez con una selección de más de 150 obras\, entre pinturas\, esculturas\, tapices\, dibujos y libros de artistas; y abarca el amplio rango de sus trayectorias\, desde los años 30 hasta los 80. \nEn palabras de la curadora Marita García: “Fue una constante en la pareja el tránsito entre figuración y abstracción abarcando diversos estilos (entre otros\, cubismo\, surrealismo\, abstracción\, expresionismo)\, así como una experimentación matérica acusada\, tanto con los materiales del arte (diversos soportes\, temperas\, tintas\, óleos trabajados a pincel y espátula; acusados empastes y chorreados) como con un amplísimo abanico de elementos propios del bricolaje y materiales de descarte. Yente y Del Prete\, en su incontenible pasión por el hacer\, se apropiaron del canon del arte moderno a través de diversos referentes\, corrientes y representaciones”\, destaca la curadora en jefe de Malba. \nLas piezas en la exposición provienen principalmente del Acervo Yente – Del Prete\, a cargo de Liliana Crenovich (sobrina de la artista) y de importantes colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes\, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, el Museo Castagnino +Macro de Rosario\, Colección Ministerio de Relaciones Exteriores\, Comercio Internacional y Culto y la Colección Amalita\, entre otras. \nYente\nBuenos Aires\, 1905–1990\nEugenia Crenovich\, conocida por el seudónimo Yente\, fue la menor de cinco hijos de una familia judía originaria de Rusia. Pintora\, escultora e ilustradora estudió filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Asistió al taller de Vicente Puig en Buenos Aires y\, a partir de 1932\, a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Santiago de Chile\, donde tomó clases de pintura y composición. En 1935 realizó su primera muestra individual en Amigos del Arte donde presentó dibujos figurativos; este mismo año comenzó a relacionarse con Juan Del Prete. Desde 1937 –sin desdeñar la figuración que cultivó a lo largo de toda su vida– participó en los inicios de la abstracción en la Argentina\, siendo la primera artista mujer de nuestro país en practicarla. En 1945\, inició una serie de relieves y objetos constructivos en celotex\, un material blando que le permitía tallar sin dificultad\, y expuso pinturas y relieves abstractos en la galería Müller. En los años siguientes su obra también fue presentada en las galerías Viau\, Van Riel\, Yumar y Witcomb. De 1956 a 1959 realizó tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura; y\, en paralelo\, a partir de 1957 se volcó hacia lo que denominó “impresionismo abstracto”\, una pintura no figurativa de conformación libre\, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro. En 1958 realizó una retrospectiva de obras abstractas en la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, integrada por 80 piezas. A lo largo de su carrera confeccionó más de veinte libros ilustrados\, todos inéditos\, desarrollados a partir de narraciones preexistentes o propias\, algunas autobiográficas. Obtuvo premios en el Salón Viña del Mar en 1934 y 1936\, en el del Centenario de Valparaíso en 1937; en el Salón de Acuarelistas en 1940 y 1950\, y en la Exposición Internacional de Bruselas en 1958\, entre otros. Sus trabajos integran la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Arte Moderno de Nueva York\, así como del Museo Eduardo Sívori\, del Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe “Rosa Galisteo de Rodríguez”\, del Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” de Rosario\, además de formar parte de colecciones particulares de la Argentina\, Chile\, Italia\, Alemania\, Israel y los Estados Unidos. \nJuan Del Prete\nVasto\, Italia\, 1897–Buenos Aires\, 1987\nDurante su infancia\, emigró junto a su familia desde Italia y se radicó en el barrio de La Boca\, en Buenos Aires. De formación autodidacta\, en 1925 realizó un primer envío al Salón Nacional\, que tuvo gran repercusión\, y al año siguiente\, presentó su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte. Gracias a una gestión de esa institución\, en 1929 obtuvo una beca para viajar a París\, donde tomó contacto con la obra de los grandes maestros clásicos y de los pioneros de las vanguardias. Allí se interesó particularmente por el tratamiento del color de Henri Matisse y por las resoluciones formales de Pablo Picasso. En paralelo\, se relacionó con Joaquín Torres-García\, Hans Arp y Enrico Prampolini\, entre otros miembros de los círculos vanguardistas. En 1933\, integró el grupo Abstraction Creation Art non Figuratif y participó en el número 2 de la revista Abstraction Création\, junto a un elenco de artistas abstractos europeos como Bill\, Calder\, Kupka\, Mondrian y Moholy-Nagy\, entre otros. Ese mismo año regresó a Buenos Aires\, donde presentó pinturas y collages abstractos en Amigos del Arte. A esta exposición\, considerada la primera muestra de arte no figurativo realizada en el país\, le siguió otra donde exhibió esculturas abstractas realizadas con alambre\, planchas de hierro y yeso tallado. En 1935 comenzó a relacionarse con Yente. Durante la década del 40 produjo tanto obra figurativa de colores saturados y fuerte presencia matérica como obras abstractas. En 1954 regresó a Europa y expuso en París y en Génova\, Milán y Como (Italia). En esos años presidió\, además\, la Agrupación de Artistas no Figurativos. En esa dirección trabajó sobre obras informalistas con chorreados\, manchas y salpicaduras. En 1957 fue invitado a la IV Bienal Internacional de San Pablo y\, dos años más tarde\, participó con un envío especial en el mismo evento. Al año siguiente integró los envíos a las bienales internacionales de Venecia y México. Recibió el Primer Premio del Salón de Acuarelistas y el Gran Premio del Salón Municipal en 1957; el Premio Palanza y el Gran Premio Internacional de Bruselas en 1958; y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1963. Distintas instituciones presentaron exposiciones retrospectivas de su carrera: Secretaría de Cultura de la Nación\, Buenos Aires (1950); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1961); Museos de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y de Lima (1963) y en la Fundación Lorenzutti (1974). \nConferencia inaugural\nMiércoles 9 de marzo\, 18:00. Auditorio + YouTube Malba.\nParticipan: María Amalia García y Liliana Crenovich. Modera: Agustina Muñoz. \nYente – Del Prete\nVida venturosa\nDesde el 11 de marzo al 27 de junio de 2022\nInaugura: Jueves 10 de marzo\, 19:00\nCuradora: María Amalia García \nMALBA | Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Claude Viallat. Libertad de Colores
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar en Buenos Aires la exhibición Libertad de Colores de Claude Viallat\, que reúne un total de ochenta obras provenientes del estudio del artista en Nimes\, Francia. \nViallat\, fundador del movimiento Support Surfaces\, pinta sobre un soporte de género que puede ser una cortina\, una tela de carpa\, redes de pesca\, entre otros. Sobre esta diversidad de soportes plasma su motivo predilecto: una forma singular\, característica y particular\, entre taba y esponja. El artista compone desde hace más de 60 años un universo que estalla en colores\, dejando rastros de su poesía universal en el espacio y el tiempo. \nCon curaduría de Marie Sophie Lemoine\, la muestra llega a la Argentina gracias al apoyo de la galería Templon de París\, de Phillips\, de la Embajada de Francia y el Instituto Francés. \nClaude Viallat\nLibertad de Colores\nDesde el 4 de Marzo de 2022\nInaugura: 4 de Marzo\, 12hs.\nEntrada libre y gratuita \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\nAv. San Juan 328\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Verónica Di Toro. El ojo móvil
DESCRIPTION:Verónica Di Toro\nEl ojo móvil \nVerónica Di Toro\, para quién la búsqueda cromática es un componente esencial del proceso de creación\, desarrolla una dinámica pictórica que no ha cesado de evolucionar coherentemente en los últimos diez años. La multiplicación de módulos\, el uso simultáneo de líneas horizontales y verticales\, la fragmentación de formas geométricas: todos estos recursos que van evolucionando a lo largo de su investigación coinciden en transmitir una sensación de inestabilidad\, un estado de tensión\, un sentimiento de un movimiento continuo que perdura más allá de la tela. \nHasta el 30 de marzo en la Galería de Arte “Alejandro Bustillo” del Banco Nación.  \nGratis. \nDesde el 3 de marzo al 30 de marzo de 2022 \nGalería de arte Alejandro Bustillo\nBanco de la Nación Argentina\nAv. Rivadavia 325\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:2º Conversatorio de la Muestra Sinestesia Aguda en los jardines del MNAD
DESCRIPTION:Diálogo entre la creación perceptiva de la pintura y la Inteligencia Artificial. \nA partir de un plano concreto bidimensional se crea un hacer pictórico mientras que por otro lado el mismo plano se transforma en virtual. \nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \nCoordinadora: Josefina Di Candia – Lic. en Artes Visuales \nInscripción previa vía mail: actividadesfried@gmail.com \nCupos limitados \nActividad gratuita \nMNAD El Decorativo – Av. del Libertador 1902.  CABA \n\n 
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SUMMARY:Arte en Juego. 100 artistas argentinos
DESCRIPTION:Arte en Juego. 100 artistas argentinos\nUna aproximación lúdica al arte argentino\, con curaduría de Rodrigo Alonso. La muestra pone de manifiesto la importancia que poseen los juguetes\, los juegos\, los deportes y las propuestas participativas en la inspiración y el imaginario de los artistas argentinos. Integrando el trabajo de realizadores de diferentes generaciones y extracciones estéticas\, ofrece una mirada inusual sobre la cantidad y variedad de producciones históricas y contemporáneas que destacan el valor de lo lúdico como herramienta de creación y reflexión. \nDesde los juegos inventados por Xul Solar a los videojuegos actuales\, pasando por los juguetes de autor\, los registros “retro” y nostálgicos\, las confrontaciones deportivas\, el arte para experimentar\, las apropiaciones de juegos comerciales\, la robótica lúdica y la construcción de mascaradas en las redes sociales\, las obras que se presentan en la exposición nos invitan a prestar atención a una línea consistente aunque poco advertida de la producción artística nacional. \nLa exposición comienza con una obra creada especialmente por Daniel Joglar a partir del vasto mundo de los juguetes de la infancia. Prosigue con los trabajos de casi 80 artistas que en algunos momentos de sus carreras\, o de manera prolongada\, hicieron de los juegos y sus efectos los ejes de una aproximación a su tiempo o su contexto. Hay autores que recurren a ellos para cuestionar la supuesta seriedad del arte\, otros para abrir nuevos senderos estéticos\, otros para reflexionar sobre el lugar social de lo lúdico\, otros para apelar a la memoria emotiva del espectador. Hay algunas miradas complacientes hacia ellos\, pero también otras irónicas o sumamente críticas. Lo mismo sucede en la sección dedicada a los deportes\, donde se ponen bajo la lupa cuestiones como la competencia\, la exigencia o el exitismo. Finalmente\, el último sector de la exposición se sumerge en las nuevas tecnologías\, la electrónica y las redes sociales. Aquí se pone el foco en el arte interactivo\, que promueve la participación y se vincula de manera especial con los dispositivos que conforman el ecosistema técnico en el cual vivimos. \nLa selección de obras incluye los más variados soportes: pintura\, escultura\, instalación\, fotografía\, video\, objetos\, arte interactivo. La exposición se complementará con un programa de actividades para los públicos más diversos que se desarrollarán durante todo el verano. \n  \nArte en Juego\n100 artistas argentinos\nDesde el 21 de diciembre de 2021 al 31 de marzo de 2022 \nFundación PROA\nAv. Pedro de Mendoza 1929\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
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SUMMARY:“Reflejos de inocencia” de Emaús Miciu
DESCRIPTION:El sábado 18 de diciembre a las 20 se inaugura la muestra de Casa Emaús en librería Hexámetro. \n“Entendí con el tiempo que no soy pintor de paisajes sino de emociones”\, dijo Emaús en una entrevista hace tiempo ante la reflexión de su obra. Justamente esas emociones\, esas pinceladas suaves de colores claros en distintos paisajes\, -que en esta ocasión se centran en la niñez- se podrán apreciar en la librería Hexámetro. \nLa muestra es presentada por la Casa Emaús\, espacio cultural que exhibe y resguarda la obra de este gran artista\, que expone desde los 14 años\, y quien atesora una gran formación familiar con una experiencia de una vida entera de pintor. Nieto del gran artista plástico Konstantino e hijo de Georg\, también artista plástico\, Emaús ha expuesto su obra en distintos lugares de la Argentina y de Europa. Vivió durante varios años en la Villa de Merlo\, San Luis donde dejó gran parte de su legado artístico. Actualmente reside en otras latitudes pero su obra se puede apreciar durante todo el año en Casa Emaús o a través de muestras artísticas. \n“Reflejos de Inocencia”  de Emaús Miciu Nicolaevici se basa en las expresiones de la niñez\, en distintos paisajes y situaciones\, que nos devuelven la inocencia en ese nacimiento de la humanidad. La muestra quedará inaugurada desde el sábado 18 de diciembre a las 20\, con la celebración del primer aniversario de Hexámetro\, un espacio de letras y arte\, en avenida del Ciprés 180\, Merlo\, San Luis.
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SUMMARY:Trama sinfónica. Muestra Colectiva
DESCRIPTION:Exposición que propone un entramado polifónico de visualidades convergentes y divergentes a través de variadas materialidades\, sensibilidades y poéticas. \nEl punto de partida es la obra “Sin-fonía” de Luis Felipe Noé. Esta pintura fue iniciada a fines de la década de 1980 y retomada por el artista durante la pandemia\, más de cuarenta años después\, en 2020. La obra desde su propia materialidad respira esos dos tiempos. A su vez\, en “Sin-fonía” Noé incorpora la línea vibratoria de color como recurso estético\, que forma parte de su lenguaje visual identitario. A este arco temporal\, se suma la espiral del caos como un gran atractor absorbente de distintas estéticas para proponer una nueva. \nLa obra de Noé nos invita a pensar la curaduría de esta exposición\, como una composición en tiempo y espacio\, que contempla un arco temporal caótico y la puesta en tensión de la materialidad a través de operaciones y recursos formales a los que les artistas recurren para explorar las posibilidades de la línea y las relaciones de color\, tanto en el plano como en el espacio expandido. \nEn este recorrido encontramos junto a Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete y Cristina Schiavi relaciones posibles\, contrapuntos y diálogos poéticos con el lenguaje visual de Noé. \nTrama Sinfónica es la primera de una serie de acciones que llevarán a cabo ambas fundaciones en conjunto en el marco de un programa de colaboraciones propuesto y coordinado por Luciana Salvá como integrante del Comité Artístico de la Fundación Tres Pinos. \nArtistas participantes\nLuis Felipe Noé\, Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete\, Cristina Schiavi.\nEquipo curatorial\nCecilia Ivanchevich\, Natalia Revale y Luciana Salvá. \nTrama sinfónica\nMuestra Colectiva\nDesde el el 17 de Diciembre de 2021 al 27 de Febrero de 2022 \nMARCO\nAv. Almirante Brown 1031\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención
DESCRIPTION:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención\nProyecto Filoctetes\, intervención urbana del artista Emilio García Wehbi que tomó “por asalto” las calles de la ciudad de Buenos Aires en el año 2002\, fue una respuesta estética al experimento neoliberal devastador que se puso en marcha durante el menemismo y que culminó con la crisis más dramática de la historia reciente de nuestro país. El proyecto interpeló al tejido social desde una perspectiva artística y visibilizó los cuerpos de los caídos que el sistema dejó esparcidos por el paisaje urbano. \nDos décadas después del estallido social del 2001\, se presenta Archivo Filoctetes: Documentos de una intervención\, exhibición que reúne un corpus documental heterodoxo\, clasificado y preservado de las cuatro ediciones de Proyecto Filoctetes realizadas en Buenos Aires\, Viena\, Berlín y Cracovia entre 2002 y 2008. Con curaduría de Maricel Álvarez\, los documentos del Archivo Filoctetes nos permiten reconstruir la memoria de una obra de arte efímero: fotografías\, videos y audios de la intervención\, notas periodísticas y entrevistas\, ensayos académicos y testimonios de quienes participaron de la experiencia permiten trazar relaciones entre los documentos que registran la acción y los que pueden reflexionar sobre ella. Un dispositivo para activar experiencias sensibles en el presente con el mismo tenor de densidad crítica que generó la obra originariamente. \nArchivo Filoctetes\nDocumentos de una intervención\nDesde el 11 de diciembre de 2021 al 6 de marzo de 2022\nPrimer subsuelo – Salas S101 y S122\nde miércoles a domingos\, de 14 a 20 h \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Dante x Alonso
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes\, junto con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, abre al público desde el 4 de diciembre la muestra “Dante x Alonso”\, que reúne 45 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso (Mendoza\, 1929)\, inspirados en la obra del gran poeta florentino\, conmemorando el 700.° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nCon curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, las piezas que integran “Dante x Alonso” son dibujos\, collages\, grabados\, acuarelas y tintas que el artista dedicó al escritor en dos períodos distantes de su trayectoria: las primeras\, de los años 60 –muchas de ellas creadas en Italia\, en 1968– son mayormente retratos en pequeño formato\, mientras que el segundo conjunto seleccionado está fechado entre 2000 y 2009. \n“Estas obras –concluye el curador– conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días”. \nLos trabajos exhibidos en la muestra provienen de la colección personal del artista\, del Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel\, ubicado en la provincia de Mendoza\, y de colecciones particulares. \n“Dante x Alonso” podrá verse hasta el 13 de marzo de 2022 en la sala 33 del primer piso del Bellas Artes. Durante 2022\, está previsto\, además\, que la exposición itinere por museos de las provincias del país. \nAcompañando la muestra\, el Museo editará un catálogo español-italiano\, que incluye el texto curatorial de Duprat\, el cuerpo de obra\, el prólogo a la primera edición de obras de Alonso sobre la “Divina Comedia” escrito por Ernesto Sabato\, fragmentos de una entrevista al artista realizada por Diana Wechsler y José Emilio Burucúa\, y una cronología sobre Alonso. Próximamente\, la publicación estará a la venta en la Tienda Bellas Artes\, y también podrá leerse en línea o descargarse en versión digital ingresando en la web del Museo: www.bellasartes.gob.ar \nDante x Alonso \nLa exposición Dante x Alonso\, organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, reúne una serie de trabajos del maestro argentino inspirados en la obra del gran poeta florentino. Esta iniciativa se enmarca en la conmemoración del 700° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nHace siete siglos un exiliado de las luchas internas que afectaban al reino de Florencia terminaba de escribir en dialecto toscano —la base del italiano moderno— el mayor poema teológico de la cristiandad. \nLa Comedia diseñaba el esquema clásico donde las comarcas del trasmundo aguardan a los muertos. Merced al poema\, Infierno\, Purgatorio y Paraíso se volverían los tópicos que demarcarían penas y compensaciones a los pecadores. \nEl canto al amor profano —Paolo y Francesca\, amantes trágicos\, condenados a estar juntos en el Infierno\, y la búsqueda de Beatriz\, la amada muerta\, a la que Dante encuentra en la cima del Paraíso— y la vindicta de los injustos de su época\, a los que coloca en la infernal montaña invertida\, son momentos que serán tematizados por las artes a lo largo de los siglos. El artista Carlos Alonso (Mendoza\, 1929) se basó en el último de esos ejes para realizar una crítica de nuestra época. \nEn marzo de 1968\, Carlos Alonso viajó a Florencia\, y residió allí durante seis meses con el propósito de llevar a cabo una experiencia inmersiva en el universo de Dante que le permitiera realizar una serie de trabajos inspirados en su figura y su obra. \nSu indagación se centró en replicar la vivencia del poeta reponiendo su figura en la vida cotidiana. La pregunta acerca de qué vería Dante hoy\, cuál sería su mirada sobre el mundo contemporáneo\, lo llevó a la realización de más de 250 obras\, entre dibujos y collages\, con las que se inscribió en la larga y prestigiosa lista de artistas que se interesaron e inspiraron en el gran poema universal\, como Sandro Botticelli\, Gustave Doré\, Auguste Rodin\, Edgar Degas\, Giorgio de Chirico\, Eugène Delacroix y Salvador Dalí. \nAlonso coloca a Dante\, al igual que sucede en la Divina Comedia\, como testigo de situaciones críticas\, cruzadas por la estética pop y la efervescencia que en esos años se vivía en Europa —por el Mayo francés—\, plena de reclamos\, consignas y protestas. Realizadas en pequeño formato\, las obras presentan múltiples versiones del retrato del poeta florentino replicado por medio de diversas técnicas\, así como escenas inspiradas en diferentes pasajes del poema\, traídos al presente como prueba de que esos horrores siguen ocurriendo bajo nuevas apariencias y formatos. \nSi bien la idea original de Alonso contemplaba que estos trabajos ilustraran una nueva edición en español de la Divina Comedia\, el proyecto no pudo ser concretado. \nCuando el artista regresó a la Argentina\, la empresa Olivetti adquirió varios de esos trabajos. Fueron divididos en las series El Dante y La divina comedia e impresos en publicaciones numeradas de edición limitada\, con prólogo del escritor Ernesto Sabato. \nCon esas obras\, Alonso realizó en 1969 una exposición en Art Gallery de Buenos Aires. El montaje de la muestra era singular\, ya que se trataba de una gran instalación en forma de un laberinto que recorría el Infierno y el Purgatorio\, hasta llegar al Paraíso. En 1971\, el artista mostró las series en la galería Giulia de Roma y\, en 1972\, en la galería Eidos de Milán. \nEl interés por Dante y la Divina Comedia siguió acompañando al artista a través de los años. En 2004 inició una serie de obras sobre papel que denominó Carlos Alonso en el infierno\, varias de las cuales forman parte de esta exposición\, y en 2008 realizó un grupo de obras tridimensionales en torno al rostro del poeta. \nEn la serie Carlos Alonso en el infierno vuelve a reinterpretar distintos momentos del poema para señalar lo ominoso\, lo siniestro\, la violencia y los prejuicios que nos habitan. Algunas de estas piezas presentan escenas apocalípticas\, multitudinarias y complejas\, al estilo del Bosco\, en las que en ocasiones está presente el propio Dante. \nPero hay sin duda mayor énfasis en su crítica al presente. Pues entre aquel momento inicial\, pleno de esperanza emancipatoria\, y el nuevo contexto de crisis\, ha sucedido la tragedia de la dictadura en la Argentina\, de la que Alonso fue víctima y por la cual\, como Dante\, conoció el exilio\, que sin duda tensó y resignificó su visión de los infiernos contemporáneos. De ese modo\, sus obras conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Carlos Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días. \nAndrés Duprat \nCurador de la exposición. Director del Museo Nacional de Bellas Artes
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SUMMARY:Sinestesia Aguda
DESCRIPTION:Una muestra para experimentar con todos los sentidos.\nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \n\n\n¿Qué es? \nUna experiencia interactiva en la que distintos lenguajes de las artes plásticas y visuales se potencian entre sí para ofrecer al espectador la posibilidad de experimentar un “estado sinestésico”. \nSe ofrece así al visitante una experiencia plagada de estímulos visuales\, auditivos y táctiles\, que activa la sensibilidad e invita a establecer relaciones causales entre cada uno de los momentos que la componen. \nEs una muestra para experimentar con todos los sentidos\, e invitar a otros a compartirla. \nInformación del evento \nDel 2 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022. \nDe martes a domingos de 13 a 19 hs. \n¿Dónde? \nEn el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902\, CABA). \nActividad gratuita \nRequiere inscripción previa completando este formulario.
URL:https://fadla.org/calendario/sinestesia-aguda/
LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902.\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Madalena Schwartz. Las metamorfosis
DESCRIPTION:Malba presenta la exposición Las metamorfosis\, dedicada al ensayo fotográfico en el que Madalena Schwartz (Budapest\, 1921 – San Pablo\, 1993) retrató a las travestis y transformistas que frecuentaban la escena alternativa de San Pablo durante la primera mitad de la década de 1970\, en plena dictadura militar. Se trata de la primera colaboración de Malba con el Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil\, en cuya sede de San Pablo se presentó la muestra entre febrero y septiembre de 2021. \nEn diálogo con las imágenes de Schwartz\, la muestra ofrece además un breve panorama de la fotografía latinoamericana dedicada a la vida trans de esos años con obras de distintos autores y colectivos de Argentina\, Chile\, Bolivia y otros países de la región. En total\, la exposición reúne 112 fotografías de Schwartz y más de 70 piezas históricas como periódicos\, documentos\, películas e imágenes que dan cuenta del contexto en el que la fotógrafa realizó su obra. La curaduría es de Gonzalo Aguilar\, miembro del Comité Artístico de Malba y profesor de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires\, y Samuel Titan Jr.\, Coordinador Ejecutivo del Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil y docente de Teoría Literaria en la Universidad de San Pablo. \nComo punto de partida\, la muestra presenta la trayectoria singular de Schwartz\, una de las grandes exponentes de la fotografía brasileña\, cuyo acervo está bajo el cuidado del IMS. Nacida en 1921 en Budapest\, Schwartz emigró a los doce años a Argentina. En Buenos Aires\, la joven húngara se casó y tuvo dos hijos. En 1960\, a punto de cumplir cuarenta años\, se mudó con su familia a San Pablo\, donde abrió una lavandería en el centro de la ciudad. \nSu vida cambiaría cuando\, a mediados de la década de 1960\, uno de sus hijos ganó una cámara fotográfica en un concurso televisivo. Schwartz se interesó inmediatamente por el artefacto\, realizó cursos en el legendario Foto Cine Club Bandeirante y\, casi a los cincuenta años\, inició una nueva y sorpresiva carrera que la transformaría en una figura expresiva única. \nEsta exposición se concentra en un conjunto específico de imágenes de Schwartz\, parcialmente publicado en el libro Crisálidas (2012). En él\, la fotógrafa documenta los universos travesti y transformista del centro de San Pablo en los años setenta. Son personajes que ella conoció en su vida cotidiana\, en el trayecto entre la lavandería y el edificio Copan (un enorme rascacielos residencial diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer)\, donde vivía con su familia y tenía su estudio. \nAmante del teatro\, Schwartz inició una serie de retratos con personalidades de ese mundo y de la televisión: los integrantes del grupo Dzi Croquettes\, el cantante Ney Matogrosso\, la actriz Elke Maravilha y el performer argentino Patricio Bisso (vecino suyo del Copan)\, entre otros. Continuando la misma línea\, se dedicó también a fotografiar a personas menos conocidas que se ganaban la vida en salones de peluquería o en clubes nocturnos. Gran parte de esos retratos eran realizados en un estudio improvisado en su propia casa\, en un ambiente de intercambio y complicidad. \nAdemás de las fotos de Schwartz\, la muestra presenta ejemplares de los periódicos de vanguardia Lampião da Esquina y Chana com Chana (voces de la comunidad gay y lésbica de la época)\, afiches de films como La reina diabla (1974) y El beso de la mujer araña (1985)\, clips televisivos y fotos de archivos personales\, entre otros ítems que documentan ese universo de crítica a los patrones conservadores vigentes. También se destaca un mapa del centro de San Pablo en la década de 1970\, concebido especialmente para la muestra\, que incluye los puntos alternativos de la ciudad en el período. \nSobre el escenario político en que Schwartz produjo sus imágenes\, dicen los curadores\, Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.: “No se trataba de un momento histórico cualquiera\, sino de los años de plomo de la dictadura militar brasileña bajo el gobierno del general Emílio Garrastazu Médici. Años opresivos y violentos\, pero también paradójicamente fértiles: expulsada del ámbito político-partidario\, la protesta se hacía sentir por otros canales\, estéticos\, comportamentales\, eróticos. Madalena captó en sus fotografías esa tremenda explosión de color y energía utópica”. \nMadalena Schwartz\nBudapest\, 1921 – San Pablo\, 1993\nEn 1934\, luego de la muerte de su madre\, viajó junto a su hermano a la Argentina\, quien se encontraba radicado en el país. En 1960\, casada y con dos hijos\, se mudó a San Pablo\, Brasil\, donde vivió hasta su muerte. Comenzó a trabajar con la fotografía tardíamente\, a punto de cumplir los cincuenta años. Fue miembro del Foto Cine Club Bandeirante y de la denominada Escuela Paulista\, junto a otros fotógrafos como Marcel Giró\, José Yalenti​ y Gaspar Gasparian. Schwartz inició una serie de retratos de protagonistas del mundo del teatro y la televisión\, algunos muy conocidos como el cantante Ney Matogrosso\, y otros que se ganaban la vida en los clubes nocturnos del centro de la ciudad\, donde ella vivía. También retrató a artistas plásticos\, músicos e intelectuales brasileños\, como Sérgio Buarque de Holanda y su hijo Chico Buarque\, Clarice Lispector\, Jorge Amado y Carlos Drummond de Andrade. \n  \nMadalena Schwartz\nLas metamorfosis\nDesde el 4 de noviembre de 2021 al 14 de marzo de 2022\nInaugura: 4 de noviembre\, 19:00.\nCuradores: Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.\nSala 3\, nivel 1 \nFundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Fundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
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