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SUMMARY:JORGE DAGER "El Silencio del Detalle"
DESCRIPTION:El artista retoma el tema que lo apasiona y nos ofrece una nueva serie de bodegones donde se refleja la pasión por su oficio\n\n\nCuando una idea surge\, se transforma en un lienzo en blanco dispuesto a reflejar todo aquello que se busca expresar. Es así como una vez más Jorge Dager retoma el tema que lo apasiona y nos ofrece una nueva serie de bodegones\, que han sido parte de su vida cotidiana desde que comenzó su carrera artística. Con dedicación exclusiva al trabajo y al estudio\, el artista se adentra de manera integral en las más profundas nociones de la cultura como una rigurosa necesidad de ilustrarse para finalmente crear.\nUngido por un talento\, dominado por una pasión y privilegiado por un oficio\, el pintor logra dar rienda suelta a su necesidad de reproducir de la manera más fiel posible aquello que imagina\, realizando composiciones que siempre están amparadas por su interpretación de la historia.\nNaturaleza muerta es un término que podría no tener cabida en estas imágenes tan hiperreales que de la fruta casi brota el jugo\, que el libro se insinúa para ser asido y donde se advierte la delicadeza requerida para tocar las piezas de vajillas y vasijas exquisitas procedentes tal vez de culturas legadas que\nle pertenecen y que inconscientemente lo persiguen. El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas\, sino su significado interior\, así como lo plasma el artista en cada una de sus representaciones artísticas.\nCon una disciplina férrea y un fervor casi religioso\, cuadro y artista se fusionan en un vínculo donde el formato\, la distancia visual y el encuadre deliberadamente reducido esperan que la luz ilumine los elementos para dar más realidad al resultado final.\nEl artista busca alertar nuestro ojo para que no perdamos el mensaje que nos quiere hacer llegar. Su característico acercamiento a las escenas que concibe se hace esta vez más evidente al llevar el objeto al borde del lienzo disminuyendo voluntariamente los límites pictóricos para dar al espectador el placer de imaginar el entorno y observar bien los detalles para hacernos sentir frente a una naturaleza viva.\nIdentificado siempre con el bodegón\, el artista desarrolla en esta serie su respeto por la vida de las frutas y se apresura a pintarlas ante la certeza del inevitable destino de su ciclo vital. Juega con\ncontenerlas en vasijas diversas invitando a no tocarlas\, a protegerlas buscando que el foco sea la transparencia del vidrio\, el brillo del metal o el decorado de los jarrones de exquisita porcelana.\nUna pintura es un poema sin palabras y así quedamos atrapados con las obras de Jorge Dager\, en una mirada inmóvil a través de cuadrados\, iguales\, como si sólo se nos permitiera ver por el vacío de un postigo\, enmarcando la presencia de una memoria con telas espléndidas y tapetes que sirven de escenario a frutas frescas de origen foráneo\, finamente colocadas en fuentes que denotan una fuerte carga de historia personal.\n\n\nEn esta muestra el pincel de Dager vuelve a penetrar “El Silencio del Detalle”.\n\n\nLa exposición abrirá sus puertas para cautivar tus sentidos desde el 12 de noviembre en los espacios de la Galería Mochuelo Art\, Centro Comercial Concresa\, Piso 1\, local 324.\n\n\nHorarios : Martes a sábado de 10 am a 4 pm ó previa cita a través de sus redes sociales @mochueloart.\n\n\nTexto curatorial : Mariela Provenzali (Miembro AICA Internacional)\n\n\nGalería Mochuelo Art\n\n\nLos esperamos.!
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SUMMARY:PRESENCIA DE AYERES de Andrés Bestard
DESCRIPTION:Hay en Andrés Bestard realidad consciente de la creación. La vigencia del trazo linda con la eternidad. Discípulo de aquel primer artista\, enseña que con el arte el hombre ha pasado de la muerte de sus vidas a permanecer vivos en la muerte. La ceremonia del arte sigue entregando al ser las utopías para poder soportar su vigencia\, exonerando las ilusiones metafísicas fracasadas. Desde sus obras sorprendentes Andrés Bestard diserta sobre el destino humano sin promesas\, con la presencia más original que puede entregarle el testimonio real. Enseña que el arte emerge como acto poético\, previo e intuitivo al desarrollo moral y ético del hombre\, aún antes del mismo conocimiento. \nJorge C. Trainini
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LOCATION:Espacio Lezama Arte\, Martín García 346\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Cooperación\, esfuerzo\, porvenir. Diálogos y conjeturas en torno a ‘Canto al Trabajo’ de Rogelio Yrurtia”
DESCRIPTION:El Museo de la Cárcova de la UNA junto con el Museo Casa de Yrurtia presentan la exposición “Cooperación\, esfuerzo\, porvenir. Diálogos y conjeturas en torno a ‘Canto al Trabajo’ de Rogelio Yrurtia”\, a 100 años de su inauguración. \nLa exhibición\, con curaduría de Marcelo de la Fuente\, presenta los torsos que realizó Rogelio Yrurtia como estudios para el monumento “Canto al Trabajo”. Estos torsos\, la mayoría pasados a bronce\, se confrontan y dialogan con obras de Grete Stern y Leonel Luna. \n“Cooperación\, esfuerzo\, porvenir” integra también un conjunto de material gráfico y documental relativo al proceso de trabajo de la obra y una cabeza en yeso perteneciente al grupo escultórico “Las Pecadoras”. \nDentro de la muestra se destaca una biografía de Geertruida Radersma\, crítica de arte y literatura\, primera esposa del escultor y a quien dedica su monumento. \nDónde: Museo de la Cárcova. Av. España 1701 (esquina Dellepiane)\, CABA. \nCuándo: Del 17 de septiembre al 27 de noviembre de 2022 \nInauguración: sábado 17 de septiembre\, 13 h \nHorario de visita: martes a domingos de 11 a 18 h (feriados cerrado) \nhttps://una.edu.ar/muestras/la-carcova/yrurtia/
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SUMMARY:“Ese día” de Alejandra López
DESCRIPTION:Luego de su recorrido por diferentes ciudades de los Estados Unidos\, quedó oficialmente inaugurada en la galería “Tomás Redrado Art Gallery”\, en Miami\, la muestra “Ese día”\, integrada por 26 retratos que la reconocida fotógrafa Alejandra López realizó a sobrevivientes del ataque terrorista contra la AMIA. \nEl acto de apertura se realizó el martes 13 de septiembre y contó con la participación del embajador argentino en los Estados Unidos\, Jorge Argüello\, y el cónsul general en Miami\, Leandro Fernández Suárez. En representación de AMIA\, estuvo presente el director de Arte y Producción de la institución\, Elio Kapszuk. También concurrieron artistas locales y miembros de la comunidad judía del lugar. \nAl momento de inaugurar la muestra\, el embajador argentino instó a no olvidar y a no naturalizar el horror que despliega el accionar terrorista. “El ataque a la AMIA fue un ataque contra todos los argentinos\, contra nuestra democracia\, contra nuestra libertad\, golpeando el corazón de la comunidad judía argentina”\, remarcó. “Le decimos al mundo que quienes quieran sembrar el terror nunca más van a triunfar. No lo vamos a permitir”\, advirtió Argüello. “No dejaremos de reclamar por la memoria\, verdad y justicia”. \nA su turno\, Elio Kapszuk expresó: “Recordar a las 85 víctimas fatales a través de este testimonio es una tarea que reúne a la memoria con el arte\, produciendo permanentes recordatorios. En tiempos de impunidad\, el ejercicio de memoria tiene que implicar el reclamo de justicia. La fotografía construye memoria desde un recorte de la historia. Y cuando el olvido quiera hacer su trabajo\, aquí estarán estos retratos testigo para impedírselo”\, agregó Kapszuk. \nPara esta exhibición\, que busca promover el ejercicio de la memoria y renovar el reclamo de justicia\, se dispuso además de un espacio dedicado a las fotos históricas que realizó Julio Menajovsky\, uno de los primeros reporteros gráficos en llegar al lugar de la explosión en la mañana del 18 de julio de 1994\, y cuyas imágenes fueron reproducidas en los medios de comunicación a lo largo de estos años. \nLos asistentes también podrán ver los afiches que realizó el artista Tano Verón\, a pedido de la institución para el 26º aniversario del atentado\, para denunciar\, a través del arte\, la impunidad vigente en la causa\, y rendir homenaje a las 85 personas que fueron asesinadas en el ataque terrorista\, del que ya se cumplieron 28 años. \nLos retratos que integran la muestra “Ese día” ya fueron exhibidos en diferentes consulados argentinos en los Estados Unidos\, incluyendo la sede de la embajada de nuestro país en Washington y Nueva York. En Miami la muestra podrá visitarse hasta el viernes 30 de septiembre. \nCon imágenes austeras\, pero de gran contundencia\, las fotografías que realizó Alejandra López\, a pedido de AMIA\, corroboran\, en toda su dimensión\, el momento bisagra que representó en la vida de cada sobreviviente el ataque terrorista perpetrado el 18 de julio de 1994. \nLas fotos fueron tomadas por la artista\, en su estudio\, durante la pandemia. Antes de realizar los retratos\, cada sesión contó con un encuentro previo\, en el que cada persona pudo contar su historia. “Creo en la comunicación y en el poder de la escucha. Esa charla formó parte del proceso creativo. Creo que para todos fue importante contar con ese espacio de conexión con lo que pasó aquel día\, para que el momento de la foto no fuera difícil de atravesar”\, recordó la fotógrafa. \nPara su exhibición\, las imágenes fueron impresas en papel artesanal\, especialmente confeccionado por Alejandro Geiler y Julio Mroue\, a partir de hojas de diario y fotocopias de recortes de noticias de los días posteriores al atentado terrorista contra la AMIA. \n“Ese día” cuenta con un catálogo virtual\, que puede recorrerse en http://esedia.amia.org.ar/.  Bilingüe e interactivo\, desde el sitio web se pueden conocer más datos sobre las historias de las personas que fueron retratadas (con solo tocar una de las imágenes)\, acceder a testimonios audiovisuales\, y realizar un recorrido virtual en una sala expositiva 3D. \nDesde el 19 de agosto\, los retratos de la muestra “Ese día” se exhiben en el segundo subsuelo de la sede de AMIA\, Pasteur 633\, de manera permanente\, y puede visitarse gratuitamente. \nFuente: Prensa AMIA \nImagen: Guido Cohen\, rabino en el Aventura Turnberry Jewish Center\, de la ciudad de Aventura\, Florida\, Tomás Redrado\, Elio Kapszuk\, director del departamento de Arte y Producción de AMIA\, Leandro Fernández Suárez\, Cónsul General argentino en Miami\, Jorge Argüello\, embajador argentino en Estados Unidos y el rabino Mario Rojzman. (Chule Valerga) \n 
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SUMMARY:LA PRÁCTICA DE LA PINTURA de VERÓNICA DI TORO
DESCRIPTION:El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se complace en presentar la primera muestra individual de Verónica Di Toro en nuestra ciudad. La práctica de la pintura presenta una selección de pinturas recientes en diálogo con obras de anterior realización\, emplazadas en la Sala Azul\, en el 1º piso del CMA. \nLa obra de Verónica Di Toro se desarrolla dentro del marco de la abstracción geométrica de bordes duros\, priorizando las exploraciones sobre el color\, y la relación con el espacio y la arquitectura. La Serie Cuadrículas (2017-2022) explora las variaciones de tonos\, las alternancias y los ritmos\, en la búsqueda de repeticiones que transporten el ojo de un extremo al otro de la tela. La Serie Modular (2002-2005) presenta diseños combinables entre sí\, que juntos forman una totalidad que resignifica las pinturas como módulos\, e incluso como módulos intercambiables. \nTexto Curatorial \nEl misterio del mundo \nContra la interpretación[1] es un ensayo icónico de Susan Sontag que abrió la conversación a mediados de los años sesenta sobre la apreciación del arte en el momento en que las nuevas vanguardias ponían en tensión los cánones tradicionales. \nAl mismo tiempo -y en completa sintonía con Sontag- desde Europa un joven Gerhard Richter señala que la teoría no tiene nada que ver con una obra de arte[2] poniendo así sobre la mesa una arista sumamente interesante: la infinita multiplicidad de aspectos de la imagen quitándonos la certeza sobre un único significado y un único punto de vista. \nCon esta mirada amplia y despojada nos proponemos recorrer las obras de Verónica Di Toro: un conjunto de pinturas de impecable manufactura que exploran las posibilidades y los límites de su materialidad. A través de un uso preciso del color\, Di Toro construye texturas\, volúmenes y contrapuntos que en sus diversas extensiones gravitan sobre los planos. \nPodríamos señalar que del mismo modo que la geometría ha tenido desde sus inicios la intención de constituir un cuerpo de conocimientos prácticos en relación a las formas\, el trabajo de exploración que Di Toro realiza con la pintura nos permite descubrir -a través de las alternancias y de las intersecciones de colores- nuevos modos de apreciar las imágenes. Imágenes que al ser contempladas nos llevan entre líneas y formas desde un extremo hasta el otro\, para volver a ingresar dentro de ellas. Una suerte de loop que nos deleita. \nSontag nos convocaba a recuperar nuestros sentidos\, a aprender más\, a oír más\, a sentir más. Una invitación que permanece vigente. Lo insondable de la obra de arte\, lo inasible de la pintura\, lejos de desalentarnos\, nos desafía. \nNos desprendemos entonces del contexto que nos rodea -de sus ruidos\, de sus distracciones y de sus incertidumbres- para adentrarnos en el mundo que la artista nos presenta -aquel que con destreza y disciplina ha construido a través de la pintura- aquel que esconde el misterio que con su pincel nos revela. \nCecilia Medina\, agosto de 2022. \n[1] Contra la interpretación\, Susan Sontag\, Editorial seix Barral\, Barcelona\, 1969 \n[2] http://simonzabell.com/blog/artist-quote-gerhard-richter/ \n  \nSOBRE LA ARTISTA \nVerónica Di Toro \nNació en la Ciudad de Buenos Aires en 1974. Se inició en la pintura en el taller de Mabel Deppiaggi y Raúl Rébora. En 1990 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y más tarde a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyredón\, egresando en 1997 con el título de Profesora Nacional de Pintura. Comenzó a transitar el camino de la abstracción geométrica\, el cual nunca abandonó hasta el día de hoy\, en el taller de Sergio Bazán donde completó su formación entre 2001 y 2004. \nSus primeras exhibiciones individuales se realizaron en el Centro Cultural Recoleta en 2003 y en la Galería Alberto Sendrós en 2005. Ese mismo año\, obtuvo la Beca a la Creación del Fondo Nacional de las Artes y participó con una instalación de pinturas de gran formato en Mix 05 en la Fundación Proa. \nSu obra fue seleccionada para formar parte de exhibiciones de arte geométrico junto a artistas internacionales\, siendo algunas de las más importantes la invitación en 2007 de Philippe Cyroulnick para participar en la inauguración de Orthodoxes-hétérodoxes: choisir sa ligne en Le 19’ Centre Regional D’Art Contemporain en la ciudad de Montbéliard (Francia) y en 2013 para la exposición celebratoria del centenario de la abstracción geométrica\, Geometría: desvíos y desmesuras en la Fundación OSDE de Buenos Aires\, curada por la historiadora de arte Danielle Perret (Université de Genève – Suiza). \nNumerosas muestras individuales se desarrollaron en distintas instituciones del país en el transcurso de los últimos diez años\, entre las que se destacan en 2011 Lo que persiste en el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Santa Fe\, en 2014 Presente Continuo en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta y en 2020 El color es una línea en el tiempo en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata. \nEn la actualidad forma parte del staff de artistas de la galería Gachi Pietro Arte Contemporáneo Latinoamericano\, en donde presentó su exposición individual Piedra y consciencia en 2018. Ejerce la docencia en el Instituto Municipal Superior de Artes Plásticas de Avellaneda y en su taller en la Ciudad de Buenos Aires. \nWeb: www.veronicaditoro.com.ar \nMail: veronicaditoro@gmail.com \nIG: www.instagram.com/veronicaditoro/ \nLA PRÁCTICA DE LA PINTURA \nExhibición individual de VERÓNICA DI TORO \nTexto curatorial: Cecilia Medina \nInauguración: viernes 9 de septiembre 19\,30hs. Música en vivo La Listéylor Jazz Band. \nCierre: sábado 1 de octubre\, recorrido guiado por la artista 17.30hs. \nCentro Municipal de Arte. San Martín 797. Avellaneda \nEntrada libre y gratuita \nHorario: Martes a sábados de 10 a 20hs. \n  \n 
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SUMMARY:Cristina Santander. Re Nacer
DESCRIPTION:La pandemia supo trazar en nosotros un antes y un después. Nos hizo ver las cosas con cierta perspectiva\, para que podamos tomar conciencia entre lo que realmente vale la pena\, de lo que no. \nRE NACER\, como Cristina decidió titular esta exposición\, nos habla de eso\, de empezar de cero con la experiencia de lo ya vivido. \nLa muestra se compone principalmente por óleos que nos llevan al renacimiento\, puesto que muchas de ellos evocan a la obra de Botticelli. Son cuadros planteados autonómicamente. No son dípticos ni trípticos\, no se continúan en unos a otros\, son obras individuales que conviven entre sí. \nLos invito a visitar la muestra de una artista que\, por su incansable búsqueda de un lenguaje nuevo\, siempre sentí fascinación. Abordó el dibujo\, el grabado\, la pintura y hasta el acrílico. En todas sus facetas encuentro una línea personal\, todo le pertenece a ella y a nadie más\, siendo está\, una de las cualidades que más valoro en los artistas\, cualidad que cada vez es más difícil de encontrar. \nJavier Zenteno \n  \nRE NACER\n-Santander ‘22-\nEsta serie\, realizada durante y mientras y hasta hoy\, etapa de la humanidad por la cual\, todos\, atravesamos\, nace con un espíritu renovado y esperanzado\, con un mensaje inspirado en aquello que fue el mensaje a Nicodemo: ES NECESARIO NACER DE NUEVO. \n  \nCristina Santander\nRe Nacer\nDesde el 8 de Septiembre de 2022\nInaugura: 8 de Septiembre\, 18hs\nLunes a viernes de 12 a 20 hs. \nZurbarán\nCerrito 1522\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:SILVINA BAZ - Indivisibles
DESCRIPTION:El jueves 18.08 19:30hs inaugura la muestra «Indivisibles» en la Sala Molina Campos de E.S.B.A Manuel Belgrano – W. Villafañe 1342 CABA \nSilvina Baz\nEs una artista completa\, tanto en sus grabados resueltos con una rica variedad de recursos\, como en sus dibujos\, con soluciones tanto de la gráfica como pictóricos y por momentos utilizando elementos del grabado. También en sus pinturas\, donde el color se impone por encima de otros planteos. Se podría decir que las técnicas utilizadas\, si bien tienen su impronta propia\, funcionan de forma inseparable. Esto es así también\, debido a las temáticas que se afirman en la búsqueda de la artista. Las imágenes semiocultas en el lenguaje\, se muestran y se ven en una doble representación\, donde las realidades se multiplican en juegos de espejos\, donde el yo y el otro se amalgaman y son la misma cosa. Nada es lo que parece\, todo es el reflejo de un mundo oculto\, misterioso y mágico. Por todo ello trasunta una fuerte espiritualidad\, donde se pierden los límites entre el yo y el otro\, entre lo visible y el sujeto que vivencia\, aproximándose a la esencia del origen\, donde la individualidad todavía no se ha manifestado. El clima conseguido\, sugestivo y atrayente\, hacen de sus obras un mundo personal\, rico en resonancias. Creo que Silvina trasciende la categoría de una técnica y como artista que es\, puede desarrollar su mundo más allá de las técnicas utilizadas.\n\nJesús Marcos
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SUMMARY:Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina
DESCRIPTION:El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y el Consello de Cultura Galega presentan la inauguración de la exhibición MATERIALES SEOANE. Entre Galicia y Argentina\, el jueves 21 de julio a las 18\, en el Museo de arte español Enrique Larreta ubicado en Av. Juramento 2291\, C.A.B.A.\nEste año se cumple el sexagésimo aniversario de la fundación del Museo ocurrida el 12 de octubre de 1962. Dentro de los festejos se presenta la exposición Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina\, una selección retrospectiva del artista argentino-gallego Luis Seoane\, nacido en Buenos Aires en 1910. \nSeoane fue una figura versátil: pintor\, grabador\, muralista\, diseñador gráfico\, escritor y ensayista\, entre otras actividades culturales. Fue un nombre central de la cultura moderna en la Argentina\, a la vez que se convierte en uno de los artistas más completos de Galicia y en el primero en dedicarse a diferentes medios de expresión de una manera abierta. \nEl objetivo principal de Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina es evidenciar\, a través de diversos tipos de obras- xilografías\, óleos\, cerámicas\, serigrafías\, esténciles\, obra textil\, objeto múltiple\, revistas\, libros\, afiches y tapas de discos\, la diversidad experimental de la producción moderna de Luis Seoane y sus recorridos intelectuales\, considerando en particular su afán por fomentar el acceso amplio al arte y a la cultura.\nLa muestra estará acompañada por un programa de actividades públicas que relacionará la obra del artista exhibida en el museo y su entorno\, e invitará a chicos y jóvenes a conectarse con un artista muy activo y multidisciplinario. \n“Esta exhibición muestra el gran trabajo en equipo entre el museo Larreta y el Consejo de Cultura de Galicia\, junto con instituciones públicas\, y colecciones privadas. Y es\,  al mismo tiempo\, el reflejo del puente cultural que une a la ciudad de Buenos Aires con Galicia a través de un artista que fomentó el acceso a la cultura de distintas maneras. Es un orgullo que vecinos y turistas puedan disfrutarla”.- Enrique Avogadro\, ministro de cultura de la ciudad de Buenos Aires. \n“Nos hace muy felices contar con esta muestra en el Museo Larreta\, que subraya el contacto cultural entre Galicia y Argentina a través del quehacer de este gran artista que abordó múltiples soportes y disciplinas\, tanto en nuestro país como en España. Se realizó un trabajo colaborativo entre diversas instituciones y colecciones para llegar a esta exposición\, que se irá activando entre julio y noviembre con un programa público destinado a grandes y chicos”.- Martina Magaldi\, directora general de Patrimonio\, Museos y Casco Histórico. \nLa exposición está dividida en tres bloques temáticos y cronológicos que se articulan en función de las más de 90 producciones del artista\, que incluyen óleos\, grabados\, revistas y libros.  Además se exhibirá una selección de registros fotográficos de los murales del artista en la Ciudad de Buenos Aires tanto en edificios de departamentos como en galerías comerciales.\nCada bloque temático corresponde a una época en la producción de Seoane: \n-Expresionismo ácido\nLos materiales agrupados en este núcleo muestran la tensión entre los diferentes abordajes de la figura humana que Seoane desarrolla en su respuesta a los contextos de las décadas de 1930 y 1940. Se exhibirán publicaciones como Trece estampas de la traición (1937) y otras intervenciones en  revistas de la época remarcando su postura antifascista. Asimismo\, las tintas realizadas para tapas e ilustraciones de libros\, como los de Homenaje a la Torre de Hércules (1944) en los que el artista expresa una figuración de inspiración clasicista\, entre otras obras destacadas de este período. \n-Imágenes modernas\nLa obra de Seoane puede situarse con claridad dentro de la amplia modernidad del siglo XX. En las producciones que desarrolló desde los años cincuenta\, como las que se exhiben en este eje\, dominan las relaciones de formas\, colores y líneas para concretar una imagen sintética y de impacto visual. Conocedor de las vanguardias históricas y de los movimientos europeos y latinoamericanos contemporáneos\, el artista fue un importante activador de discursos modernos en múltiples instancias y dispositivos de enunciación.\nSe reúnen aquí producciones pictóricas y gráficas: afiches\, estampas\, pinturas\, libros y revistas son algunos de los trabajos donde materializó su constante imaginario sobre tipos populares. En paralelo\, llevó adelante exploraciones en diálogo con las corrientes no figurativas de la época. \n-Obra múltiple\nEste eje da cuenta de las vías en las que\, en los años sesenta\, Seoane profundizó en su indagación respecto de las relaciones entre imagen\, forma\, técnica y materia\, trasladando a veces sus representaciones de uno a otro tipo de soporte. A su histórico interés en la edición de obra gráfica y la ilustración de libros con xilografías originales\, sumó en esos años nuevas exploraciones con otras modalidades de producción multi ejemplar o seriada: tapices\, cerámicas\, tapas de discos y objeto múltiple. Entre el anclaje artesanal\, la vocación editorial y la multiplicación industrial\, el artista retomó técnicas y materiales tradicionales para concretar una producción moderna.\nSi el interés por democratizar el acceso a la cultura signó las búsquedas de Seoane\, la circulación de esta obra múltiple contribuyó a permitir que\, más allá del coleccionismo de élite\, nuevos públicos pudieran adquirir piezas artísticas. \nLa exhibición es co-curada por Silvia Dolinko y Pablo García Martínez\, especialistas en la obra de Seoane\, quienes seleccionaron obras de instituciones y colecciones nacionales y españolas. Dolinko manifiesta: “Si bien ha sido un gran desafío proponer un recorte dentro de la vasta producción de Seoane\, considero que esta exposición da cuenta de lo polifacético y multidisciplinar de la obra de este artista argentino-gallego; sus estampas\, pinturas\, publicaciones\, cerámicas y otros materiales que se incluyen en la exposición\, son claves para comprender aspectos centrales de su programa cultural\, su compromiso intelectual\, su voluntad democratizadora del arte y su afán experimental dentro de algunas líneas de la amplia modernidad del siglo XX”.\nMientras que García Martínez sostiene: “Las cuatro décadas de su trayectoria artística posterior al exilio a su país de origen están definidas en Seoane por una constante tensión entre los lenguajes modernos a los que tenía acceso en la trepidante Buenos Aires y la voluntad de diálogo con una tradición que pensaba inestable\, abierta siempre a renovación y orientada su utilidad hacia la construcción del futuro. El resultado\, tal y como muestra Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina\, es una obra plural\, atrevida y marcada por la energía de búsqueda de quien —por usar sus propias palabras—  “estou ao día\, penso\, non por moda nin afán de novedade\, sinón porque vivo a miña época”. A la altura de 2022\, el Museo Larreta le ofrece a Buenos Aires la ocasión de evaluar la vigencia de las búsquedas que plasmó en papeles\, lienzos\, maderas\, paredes\, cerámicas o libros un ciudadano insigne de esa parte de la ciudad moderna definida por el tránsito y el forzoso intercambio” .\nEsta exhibición es el resultado de la colaboración entre el Museo de arte español Enrique Larreta y el Consello da Cultura Galega\, así como la participación de instituciones gallegas y argentinas y colecciones privadas. \nSilvia Dolinko es Doctora en Historia del arte por la Universidad de Buenos Aires\, investigadora del Conicet con radicación en el CIAP-UNSAM\, Directora de la Maestría en Historia del arte argentino y latinoamericano de la EIDAES-UNSAM\, Secretaría de Investigación de la EAyP-UNSAM.\nPablo García Martínez es doctor en Culturas Latinoamericanas\, Ibéricas y Latinas por la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY) y actualmente trabaja en la Universidad de Santiago  de Compostela como investigador postdoctoral.\nColaboran:\nXunta de Galicia\, Embajada de España/ AECID/ Cooperación española. Cultura Buenos Aires\, Universidad de San Martín  e Instituciones Participantes en el Proyecto.\nPor Galicia: Fundación Luis Seoane\, Fundación Penzol\, Biblioteca Cidade da Cultura de Galicia.\nPor Argentina: Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Museo de la Emigración Gallega\, Museo Nacional del Grabado\, Colección Centro de Estudios Espigas – Fundación Espigas y Colección Archivo Taller Albino Fernández.
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SUMMARY:CRISTINA SANTANDER en el Palacio Paz
DESCRIPTION:Con la curaduría de Alicia Cunto\, la multifacética Cristina Santander presenta una serie de trabajos realizados en los últimos tiempos. Una vez\, escribió sobre ella Julieta Gargiulo: «Con una energía creadora que la lleva hacia diversas expresiones\, ha logrado el reconocimiento internacional por su importante trayectoria. \nSantander nos invita a recorrer junto a ella ese puente atemporal que transita entre la España clásica del ayer y su mirada contemporánea del hoy. Sus trabajos nos remiten\, a través de una relectura y recreación contemporánea\, a los grandes maestros Velázquez o Goya\, o bien transitan los caminos del Minotauro\, nos sumerge en aquellas selvas tropicales o nos sorprende con sus festivos jardines en acrílico». \n  \nDel 21 de julio a las 18 al 4 de agosto. Entrada libre y gratuita. \nSalón Centanario del Palacio Paz (Santa Fe 750).
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SUMMARY:SILVINA BAZ - Bitácora del Artista
DESCRIPTION:La Coordinación de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural a través de la Subsecretaria de Relaciones Institucionales del Ministerio de Economía de la Nación invita al público a reunirse con una expresión de líneas\, formas\, color y texturas únicas.\n\n\n\nA lo largo de la muestra\, Silvina Baz va construyendo una mirada personal “…presentando una oda a lo cotidiano\, a los referentes\, a la vida..” La muestra se presenta de manera interdisciplinaria. Su concepción polifacética se refleja en las obras que la componen. Grabados\, pinturas\, dibujos\, collages\, bocetos y matrices policromadas inundan de color\, líneas y formas el ámbito del Salón de Exhibiciones mas importante del Palacio de Hacienda.\n\n\n\n“…Los materiales que utilizo me engendran\, en ellos encuentro el punto de unión\, de trasmutación\, donde cada uno me ofrece sus cualidades. Ante todo soy grabadora. La matriz es la madre\, ese útero que alberga y genera. En el momento mágico de la edición\, del nacimiento de estampas múltiples o únicas\, todo puede ocurrir. Allí reside la pasión de mi crear…” nos aclara la artista.\n\n\n\nSobre la artista (Bio resumida)\n\n\nBuenos Aires\, 1976. Es Profesora Nacional de grabado (I.S.S.A. Bellas Artes); con postgrados en: Gráfica Artística; Práctica Reflexiva; Conservación Litográfica y Monotipos Gráficos (Escuela Superior de Bellas Artes «Ernesto de la Cárcova»). Se capacita en grabado calcográfico (Fundación Il bisonte\, Italia\, 2017)\, Workshop de punta seca y Workshop Gráfico (Grafisch Atelier Haarlem y De Grafiekdrukkerij\, Holanda\, 2017).\n\n\nEjerce como profesora de grabado y arte impreso I y II en la Escuela Superior de Bellas Artes REA. Gestiona Artebaz. Su proceso creativo sigue la línea de la poética intuitiva\, con una visión inspirada en lo social y espiritual que se manifiesta en sus obras a través de la abstracción conviviendo en armonía con una insinuante figuración.\n\n\n\n\n\nFecha: Desde el Lunes 18/07/2022 hasta el Viernes 14/10/2022\nLugar: Espacio Cultural Corredor Artístico del 2º Piso Hipólito Yrigoyen 250\, Ciudad de Buenos Aires.\nHorario: 10 a 16 hs (ingreso con DNI) y con aviso previo a 4349\,8164 (según protocolo)
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SUMMARY:HERNÁN SOSA "Paisajes interiores"
DESCRIPTION:Es un creador asediado por las artes. No exageramos si decimos que\, más bien\, es acosado sin descanso por sus temas y sus personajes. Solo tiene que buscar las formas\, los colores\, el lenguaje. Y\, por supuesto\, elegir el soporte en el que sus criaturas empiecen a existir en este mundo. Por eso\, el artista Hernán Sosa (Lima\, 1965) pinta\, trabaja esculturas\, escribe poemas\, cuentos y también escribe letras de canciones.Con todo ese hervor creativo\, Sosa ha creado un universo artístico múltiple\, diverso. \nY ese es el universo que Hernán Sosa muestra en ‘Paisajes interiores’\, una exposición de más de cuarenta piezas que exhibe en la galería Índigo\, en San Isidro. Allí presenta\, como un ofertorio\, lo que su imaginación ha creado: óleos\, acuarelas\, acrílicos\, esculturas\, trabajos de distintas épocas y técnicas. \nSi bien el arte también es un medio para revelar el alma\, las entrañas del artista\, ‘Paisajes interiores’ tiene que ver\, más bien\, sin dejar de lado lo íntimo\, con los alrededores cotidianos de Sosa. \n“Esta muestra es un poco de lo que yo veo todos los días en mi taller. O sea\, el producto de mis obras\, tenerlas a mí alrededor\, la cantidad de ellas\, porque son muchas\, se convierte en el paisaje que yo veo todos los días. Este paisaje no lo conoce mucha gente y ahora quiero que vean”\, explica el artista. \nHernán Sosa tiene una trayectoria reconocida. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, en Arequipa. Se inició con la acuarela y se convirtió en uno de los más altos exponentes de la acuarela arequipeña. Y ha ganado no pocos concursos\, entre ellos el primer puesto en acuarela del Peruano Británico\, el primer puesto en óleo en el concurso de pintura de la Southern Perú Copper Corporation\, el primer puesto en el concurso Banco de Lima en la Alianza Francesa\, Artista Ilustre en la Municipalidad de Arequipa\, entre otros. \n\nHa expuesto en Ecuador\, Santo Domingo\, Puerto Rico\, México\, EE. UU. y Holanda. Y recientemente en el Museo Metropolitano de Monterrey en México y en el MIFA Gallery en la ciudad de Miami\, EE. UU.\n\n\n\n‘Paisajes interiores’. Muestra. Se exhibe en la galería Índigo: av. El Bosque 263\, San Isidro. Visita: lunes a sábado: de 10:30 a.m. a 7:30 p.m. Domingo de 11 a.m. a 7 p.m.
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SUMMARY:Homenaje a Ides Kihlen
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 5 de julio\, a las 19\, “Homenaje a Ides Kihlen”\, una exposición que celebra a la artista argentina\, a 105 años de su nacimiento\, en un recorrido por cinco décadas de su trayectoria. \nCon curaduría de María Florencia Galesio\, investigadora del Bellas Artes\, la exposición –que podrá visitarse en la sala 42 del segundo piso hasta el 7 de agosto– incluye una selección de 25 piezas de Kihlen\, desde las creaciones automáticas que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta los trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nNacida en Santa Fe el 10 de julio de 1917\, Kihlen inició su formación a los 14 años en la Escuela de Artes Decorativas de Buenos Aires\, dirigida por Pío Collivadino. Fue también alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. En París\, se formó con André Lhote. A partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro. \nPero recién a comienzos del siglo XXI\, a sus 85 años\, sus pinturas salieron a la luz pública. En 2002\, realizó su primera muestra individual\, una retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Desde entonces\, ha exhibido su trabajo en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. \n—- \nEl Museo Nacional de Bellas Artes celebra a la artista Ides Kihlen\, a 105 años de su nacimiento\, con una muestra que recorre cinco décadas de trayectoria\, desde sus creaciones automáticas\, que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta sus trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nDueña de una carrera tan extensa como secreta\, durante ocho décadas Kihlen trabajó en su taller\, indiferente a las modas\, a los movimientos y\, sobre todo\, al sistema del arte. Su interés se centraba en la creación misma\, sin preocuparse por cumplir con los mandatos y las estrategias que suponen la construcción de una carrera artística. Su pulsión por crear la impulsó a soslayar la idea de atesorar y conservar su propia producción\, por lo que incluso llegó a destruir sus telas o a reutilizarlas como soporte de nuevas piezas\, como si la pintura fuera pura expansión\, puro porvenir\, un eterno work in progress. \nHasta fines del siglo pasado\, su obra constituyó uno de los secretos mejor guardados de la escena de las artes visuales en la Argentina. Fue recién en el inicio del siglo XXI cuando sus pinturas abandonaron su taller y salieron a la luz pública. En 2002\, el Museo Nacional de Arte Decorativo organizó una gran retrospectiva que\, a la vez\, fue su primera muestra individual. Ides tenía 85 años. \nA partir de entonces\, su producción comenzó a circular y a suscitar gran interés\, lo que la llevó a exhibir en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. Rápidamente las instituciones públicas se hicieron eco de su trabajo\, y fue invitada a participar de exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata (MACLA)\, el Museo Caraffa de Córdoba y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. \nHoy\, el Museo Nacional de Bellas Artes se suma a esa historia de reconocimientos con esta muestra\, que da cuenta de su enorme labor y de la originalidad y libertad de la poética de Ides Kihlen en el campo de las artes visuales. \nAndrés Duprat \nDirector \nMuseo Nacional de Bellas Artes \n—- \nIdes Kihlen nació en Santa Fe el 10 de julio de 1917. El río Paraná\, en su paso por Corrientes y Chaco\, formó parte de su geografía infantil. El contexto familiar ‒un padre aficionado a las artes plásticas y una madre entusiasta del piano‒ acompañó desde pequeña la inclinación de Ides hacia la pintura y la música. \nYa en Buenos Aires\, y con 14 años\, ingresó en la Escuela de Artes Decorativas\, dirigida en aquel momento por Pío Collivadino. Desde entonces\, no dejó de perfeccionarse. Fue alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. Durante una estadía en Europa\, conoció las colecciones de los grandes museos y\, en París\, asistió al taller del reconocido maestro André Lhote. \nA partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro\, a quien decidió mostrar por primera vez sus trabajos. Completó su formación profundizando el estudio de la historia del arte para comprender los contextos de producción. \nTodo este bagaje constituyó el germen de una obra original desplegada a lo largo de más de 90 años de carrera\, fuera del circuito de galerías y museos. Su espíritu inquieto se intuye al entrar en el taller. Allí se advierten los rastros de su incesante labor: pinceles\, pomos de pintura\, tijeras\, papeles cortados y trapos cubren el espacio circundante. Un piano\, atriles\, tableros y una mesa ratona\, sobre la que trabaja cuando no lo hace directamente sobre el piso\, forman el ámbito donde emprende a diario la tarea de pintar. En la intimidad de ese lugar “cuasi sagrado”\, y de manera incansable\, ha seguido una rutina que alterna momentos dedicados a la pintura con otros destinados a la música\, en los que suele interpretar al piano sus propias composiciones. \nLa producción de Kihlen atravesó una primera etapa dominada por el lenguaje figurativo\, que comenzó a dejar atrás en la década de 1960. “La figuración se me fue como diluyendo”\, explica la artista. Ese giro implicó un proceso que llega hasta la actualidad\, en el que exploró los caminos de la abstracción\, siempre dentro de una práctica personal. \nEste primer período de cambios se caracterizó por imágenes con las que insinúa formas rectangulares sobre fondos texturados. Al mismo tiempo\, comenzó a incorporar manchas\, líneas\, círculos y triángulos\, elementos que continúan habitando sus composiciones\, en ocasiones como resultado de tratamientos automáticos. Luego irrumpen los números y las letras trabajados sobre fondos a manera de pizarras\, que intercala con líneas y formas de color. \nHacia el final del siglo XX y el comienzo del nuevo milenio\, se hicieron presentes los fondos negros interrumpidos por un juego de arabescos de líneas blancas que interactúan libremente con formas de colores. Utiliza también tiras de papeles pintadas de blanco y negro\, como el teclado de un piano o la piel de un tigre\, que modulan la superficie de sus obras. Desde este momento\, su obra puede organizarse en las series “Negra”\, “Blanca”\, “Del Tigre” y “Roja”. En los últimos años\, esos fondos se iluminaron hasta alcanzar el blanco \nParalelamente\, creció su afán de experimentación con la materia y las texturas\, que la llevó a incursionar con más fuerza en las posibilidades expresivas del collage. La artista también recurre a hilos y papeles de colores. Distribuidos rítmicamente sobre el espacio del soporte\, generan movimientos que parecen acompañar la música interna de la pintora en el acto de crear. En ocasiones\, frente y fondo juegan con la superposición de los papeles yuxtapuestos y se exaltan mutuamente por acción del color\, donde además lo táctil cobra valor. \nEl predominio de los fondos blancos cede en algunas piezas ante el rojo vibrante\, que dialoga con zonas trabajadas con collage. En otras obras\, la gestualidad de la línea dinamiza los fondos\, que asumen un fuerte protagonismo. Para la serie que dedica a las “Partituras”\, presenta una suerte de sinestesia: la artista acude a partituras impresas y a notaciones musicales interrumpidas por un colorido collage. \nAnte la producción de Kihlen\, es posible pensar en su proximidad a la abstracción de artistas como Paul Klee\, Vasily Kandinsky y Joan Miró. Sin embargo\, su derrotero vital la condujo por un canal independiente y autónomo. \nIdes reivindica lo artesanal en el trabajo del collage\, en el deleite por el color\, la materia y la textura. Sobre su obra sobrevuelan la intuición y el juego como aceleración de la creatividad\, realzados por acentos poéticos. \nMaría Florencia Galesio \nCuradora \n 
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:El Ladrillo - Patrick Hamilton
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino y la Asociación Amigos del MACBA tienen el agrado de presentar El Ladrillo\, selección de obras de Patrick Hamilton (Bélgica\, 1974) realizadas en los últimos 5 años e inspiradas en el estudio y análisis del libro/informe homónimo que a mediados de los años 70s sirvió como base para la política económica de corte neoliberal impuesta en Chile por la dictadura de Augusto Pinochet. En las obras propuestas existen referencias a la historia social y económica\, a la memoria colectiva y a los movimientos artísticos como el constructivismo ruso\, el neoplasticismo\, el arte conceptual latinoamericano de los años setenta y ochenta\, el minimalismo y el arte povera. “Como parte de un acto de coherencia con un discurso de crítica política y económica\, trabajo con materiales sencillos\, elementos propios del sector de la construcción y la albañilería como serruchos\, guantes de trabajo\, espátulas ladrillos y lijas\, para crear —de manera poética— composiciones simples y económicas” Hamilton. La exhibición cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile\, la Galería Casado Santapau y la Galería Patricia Ready.
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SUMMARY:Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato\, edición 2021.
DESCRIPTION:En el marco del programa Agenda Abierta*\, quedo inaugurada el 23 de junio a las 18hs la muestra colectiva de los Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato*\, edición 2021. Muestra en la *sala de exposiciones del Honorable Concejo Deliberante* (Juan Bautista Alberdi 4880\, *Caseros*). \nLuego de dos años se pudo organizar este tradicional certamen\, fruto de la articulación entre la *Subsecretaría de Cultura y SAPI (Sociedad de Artistas Plástico Independientes)*. Esta exhibición está conformada por dibujos\, pinturas y grabados de quienes resultaron ganadores. Ellos son Angélica Alexander\, Silvina Baz\, Carlos Pereyra\, Alejandro Lois y Julián Cheula. Participarán estudiantes de la *Carrera de Violoncello de la EMMU.* \nPodés visitar la muestra *desde el 23 de junio hasta el miércoles 3 de agosto* de lunes a viernes de *9 a 18 hs.*
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LOCATION:Honorable Concejo Deliberante\, Juan Bautista Alberdi 4880\, Caseros\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:II BIGAI - Museo Emilio Caraffa
DESCRIPTION:II Bienal Internacional de Grabado y Arte Impreso en Pequeño Formato. En el Museo Emilio Caraffa.\nOrganizado por la Universidad Nacional de Córdoba.\n«Interseccionalidades + Intersecciones» \nObras seleccionadas:\nCimiento y Complementariedad”\nFotolitografia en poliester \n  \nMuseo Emilio Caraffa. \nSala 1 \nMartes a domingos y feriados de 10 a 19 hs. \n 
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LOCATION:Museo Emilio Caraffa\, Av. Poeta Leopoldo Lugones 411\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:Las formas del Arte
DESCRIPTION:MOCHUELO ART INAUGURA LAS FORMAS DEL ARTE \nLas Formas del Arte es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art\, donde se integra el arte de los Maestros Jesús Soto\, Francisco Narváez\, Mateo Manaure\, Gaudi Esté\, Jorge Dager\, Jorge Salas\, José Campos Biscardi\, Eduardo Agelvis y la incorporación de dos nuevos artistas al staff de Mochuelo: Jorge Pallares y Oscar García Seguí. \nEn la exposición quisimos ir más allá de lo antes mostrado. Integramos la propuesta plástica de maestros en diversas épocas y corrientes y las llevamos a una lectura unísona y atractiva para el espectador. Hicimos que el Maestro Jesús Soto en su cinetismo se fusionara con los volúmenes de Francisco Narváez… y entablaran un diálogo fluido… y así sucedió con las columnas policromadas de Mateo Manaure y el maravilloso trabajo de la gran escultora latinoamericana Gaudi Esté.  \nLa exposición reúne más de 30 obras de diversos formatos tanto en pintura como escultura. Algunas incluso\, nunca han sido mostradas al público\, como el caso de las Plakas del Maestro Francisco Narváez. \nEn esta oportunidad\, el Maestro Campos Biscardi nos sorprendió a través de una obra muy particular que decidimos colocar en vitrina\, y se trata de la intervención de una silla de una manera muy especial\, haciendo alusión por supuesto\, a su leve motive El Ávila. La misma decidimos acompañarla con el libro Marisol and Andy Warhol take NY\, haciendo alusión a la exposición de ambos artistas desarrollaron en Miami.  \nEsta exposición que recién inauguramos\, contará con visitas guiadas\, conversatorios y talleres\, por lo que los invitamos a seguirnos por @mochueloart. Dice Soraya Gabaldón Dir de Mochuelo Art. \nLa exposición Las formas del Arte\, estará abierta hasta el 14 de Agosto de 2022 de Martes a Sábado de 10 am a 3 pm en Mochuelo Art ubicada en el Centro Comercial Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla \n Para mayor información  \nSoraya Gabaldón \nDir Mochuelo Art \nTlf + 58 414 12 49 139 \n@mochueloart
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. ”PANAL II”
DESCRIPTION:”PANAL II”\n\nSomos «Engranajes del tiempo» le dimos este nombre a nuestro colectivo artístico dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, encuentros y desencuentros. El arte nos volvió a unir ya como docentes y con andares en el medio artístico. Así\, decidimos conformar un camino juntas.\nPresentamos aquí\, Panal II una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de tintas al agua a tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. Así\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros panales\, es decir en nuestros talleres\, nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte.\n\nPANAL II\, la muestra se puede visitar en el Honorable Concejo Deliberante de San Isidro\, 25 de mayo 459\, de lunes a viernes\, de 9 a 16hs.\, hasta el 22 de junio.
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LOCATION:Honorable Concejo Deliberante de San Isidro\, 25 de Mayo 459\, San Isidro.\, Argentina
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SUMMARY:Nicolás Menza. El Hilo Rojo
DESCRIPTION:El Hilo Rojo\n\nNo es un reordenamiento cronológico a modo de retrospectiva razonada\, la muestra reúne trabajos entre 1982 a 2022\, de los comienzos en la escuelas de bellas artes hasta alguna obras de producción realizadas en el aislamiento de la pandemia covid 19.\n\n\n\nDesde el inicio donde ese hilo empezó a delinear y trazar un camino\, en el lenguaje poético de la pintura\, sin especulación\, ni calculo\, con la curiosidad de investigar lo desconocido\, guiado solo por la pasión y el deseo\, es también un camino hacia uno mismo\, lo trascendente es transitarlo con honestidad\, introspección\, así poder descubrir\, sorprenderse\, y poder traducirlo en ensayos poéticos en el lenguaje visual… ese Hilo Rojo que une todo\, lo externo y lo interno\, es la línea testigo \, es el tránsito hacia un horizonte inasible\, inalcanzable \,en la vida y en el arte ser como decía mi maestro un humilde peregrino.\nNicolás Menza\n\n\n  \nEl Hilo Rojo\nDesde el 2 de Junio al 26 de Junio de 2022\nEntrada libre y gratuita. \nThe Art Gallery – Uruguay 967. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n                                                             
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SUMMARY:Mujer Cola de Ballena - Hernán Sosa
DESCRIPTION:La galería de arte Yvonne Sanguineti presenta la exposición Mujer Cola de Ballena\, individual realizada por el artista plástico Hernán Sosa. La muestra está conformada por una selección de pinturas de mediano y gran formato. \nHernán Sosa (1965) siguió la carrera de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor”\, en Arequipa. Posteriormente seguiría una formación en dibujo artístico y publicitario en la Universidad Católica Santa María de Arequipa. Recibió diversas distinciones\, entre las que se encuentran: Medalla de Excelencia al Arte y la Cultura. Municipalidad de Arequipa\, Perú (1997); Diploma de Honor. Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, Arequipa\, Perú (1995); y Primer Premio en el Concurso de Pintura John Constable. Cultural Peruano Británico. Lima\, Perú (1993). \nHa expuesto su obra en muestras individuales y colectivas en el Perú y en el extranjero\, así como en diversas ferias internacionales: Segunda Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, CC Rímac Seguros (Lima\, 2011); Primera Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2010); Mujer Cola de Ballena Vanderbilt Gallery(Massachussets\, 2009); Sex and the City\, Sweet Art Gallery (Florida\, 2008); Mona a la Medida\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2008); Feria Contemporary Art Dubai (2008); Feria Internacional de Shangay (2008); Insondable\, Galería Artana Latin American Art (Holanda\, 2007); Feria de Arte de Colonia Alemania (2007); Alexander and Victor Gallery\, (Miami\, 2006); Galería del Club Empresarial (Lima\, 2005); Artistas Peruanos Contemporáneos\, Museo de Bellas Artes Gravina\, (Alicante\, 2005); Desnudos\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Naturaleza Viva\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Feria de Toronto (2002); Art Miami\, Francisco Nader\, Centro de Convenciones Miami Beach\, (Miami\, 2001); entre otras. \nHernan Sosa retomará en esta muestra la serie Cola de Ballena\, sobre la base de la línea trabajada en sus últimas exposiciones\, línea a la que el artista denominó Proceso Creativo. \nEl proyecto desarrollado en Proceso Creativo intenta dar cuenta de cómo el arte brinda al creador\, en el ejercicio del acto creativo\, un espacio de flexibilización e intercambio con otros ámbitos de lo artístico\, en los que es posible experimentar\, integrar\, producir intersecciones que trasciendan los límites de la propia labor. \nCola de Ballena será entonces una recreación del intercambio entre el artista y su propia obra: tanto con su creación narrativa\, dado que éste es también el nombre de un cuento escrito por Sosa\, y su producción pictográfica\, realizada en una serie anterior. La dinámica transubjetiva que realizará el pintor con sus personajes\, productos de sí pero ahora ajenos a él\,  generará nuevas realidades que pasarán a materializarse en las nuevas experiencias de Cristina –nuestra mujer Cola de Ballena- en el lienzo. \nLa exposición será inaugurada el miércoles 11 de mayo a las 7.00 p.m.; y podrá ser visitada hasta el sábado 11 de junio\, de lunes a sábado de 11.00 a .m. a 8.00 p.m. en Av. Grau 810\, Barranco.
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SUMMARY:León Ferrari L’aimable cruauté
DESCRIPTION:El Centre Pompidou presenta la primera exposición museográfica de la obra de León Ferrari en Francia. Autor de una obra proteica\, por momentos misteriosa y literal\, el rigor formal de León Ferrari (1920-2013) está a la altura de su poder subversivo. \n\n\n\nIngeniero de profesión\, dibuja como artista autodidacta desde 1946\, hasta que en 1952 se traslada con su familia a Italia y crea sus primeras esculturas de cerámica. Golpeado por la violencia de la época\, en particular la guerra de Vietnam\, Ferrari dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental. Su discurso anticolonial va unido a un feroz anticlericalismo\, pues responsabiliza al cristianismo de los fenómenos contemporáneos de tortura y exclusión. Al negarse a adoptar un enfoque puramente formal de su obra\, Ferrari nos advierte constantemente sobre el proceso por el que el arte embellece y trivializa la violencia\, un mecanismo que él denomina «aimable cruauté» (crueldad amable). \nhttps://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/OvW2k6Q \n\n\n\n\nCuando: 20 abr – 29 ago 2022\n11:00 – 21:00\, todos los días excepto martes \n\n\n\nSe recomienda encarecidamente reservar
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\,\, París\, Francia
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SUMMARY:JOSÉ TOLA - EL TIEMPO Y YO
DESCRIPTION:«EL TIEMPO Y YO – José Tola\, un recorrido por su pintura» reúne una veintena de obras pictóricas de este artista señalado por la crítica como uno de los creadores visuales más importantes del siglo XX en el Perú. Pertenecientes a su producción a partir de 1994\, cuando Tola retornó a la práctica de la pintura luego de un periodo de nueve años de experimentación con materiales nada ortodoxos\, a los que transformó e infundió de inédita plasticidad\, las obras escogidas trazan un extraordinario recorrido artístico a lo largo de un cuarto de siglo\, hasta 2018. Su pintura pasó por más de diez fases o periodos distintos en este tiempo: por un singular proceso se desplazó de lo que él llamó ‘una abstracción con rastro de figura» a una figuración estilizada\, marcada por un sofisticado cromatismo de rango ‘frío’\, una nueva sensualidad de formas angulares y la aparición de un sorprendente sentido del espacio. Tola decantó su abstracción en una construcción de personajes nunca antes vista en su pintura\, fascinante aporte final de este gran artista fallecido en 2019. \nJorge Villacorta\, curador de la muestra \n  \nJosé Tola De Habich (1943 – 2019)\nTola fue un artista versátil. Egresa con el título de profesor de dibujo y pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando\, Madrid. Ganador de la Bienal de la Habana su obra es vasta y expresiva\, fuera de toda clasificación y conformidad\, como su misma personalidad.\nHa realizado numerosas exposiciones individuales en diferentes galerías y museos de Latinoamérica. No se puede dejar de mencionar su participación como representante del Perú ante la 21ª bienal de Sao Paulo\, Brasil (1989)\, su presencia como invitado de honor en las bienales de La Habana\, Cuba (1989) y Cuenca\, Ecuador (1997). En 1995 se realizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de la Nación en Lima. Además\, Tola fue merecedor en 1998 del Premio de Pintura Bienal Tecnoquímica.\nActualmente su obra está representada en museos\, colecciones públicas\, corporativas y privadas de prestigio nacional e internacional. Londres.
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:MIRADA TAURINA
DESCRIPTION:Mochuelo Art te invita este Sábado 02 de Abril a la Inauguración de «Mirada Taurina» \nMirada Taurina es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art donde se presenta el trabajo de 5 talentosos Maestros de la Plástica de nuestro país: Régulo Perez\, Eduardo Agelvis\, Jorge Dager\, Pedro Centeno Vallenilla y Pedro León Zapata. La exposición que reúne 17 Obras entre pinturas y esculturas de variados formatos y en diversidad de estilos y técnicas\, enaltece la denominada fiesta brava\, mostrada con respeto y virtuosismo en toda su majestuosidad y colorido. \nArturo Michelena\, Tito Salas\, Reverón\, Pedro Centeno Vallenilla\, Mario Abreu\, Pedro Angel Gonzales\, incluso Jesús Soto por hablar de nuestro legado cultural\, han representado en algún momento el tema taurino. Con esta exposición\, tenemos el registro maravilloso\, de 5 Maestros de la plástica\, cuyas Obras constituyen un importante testimonio que deben venir a conocer. Cita Soraya Gabaldón Dir. de Mochuelo Art \n\n\n\nMirada taurina estará abierta al público hasta el 28 de Mayo y contará con una serie de actividades entre conversatorios y talleres\, siendo el más cercano el del sábado 23 de abril\, titulado La tauromaquia en el arte\, dictado por el Lic. Hendrik Hidalgo Dir. General del Museo Arturo Michelena. \nNosotros continuaremos con nuestro trabajo de promover el trabajo de nuestros artistas venezolanos dentro y fuera de nuestras fronteras\, y con nuestro lema SEMBRAR ARTE\, buscamos acercar al público a ese mundo maravilloso que rodea a las artes en todas sus manifestaciones \nSoraya Gabaldón Directora Mochuelo Art \nMIRADA TAURINA estará en sala hasta el 28 de Mayo de 2022 Mochuelo Art C.C.Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla. @mochueloart Contacto: Soraya Gabaldón +58 (414)-124.91.39\nFotografías Patricia Villa @patriciavilla300372 \n\n\n\nSEMBRANDO ARTE
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SUMMARY:Faces. La inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos
DESCRIPTION:El mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica estará presente en el Centro Cultural San Martín con una exclusiva selección de portadas de rostros humanos. \nEl recorrido de Faces finaliza con un tributo a Gustavo Cerati\, el gran músico y artista argentino\, con una selección de las portadas con su rostro. \nFaces forma parte de la colección “Arte de Tapa” compuesta por más de 400.000 ejemplares de revistas de actualidad\, humorísticas\, infantiles\, deportivas\, comics y espectáculos\, entre otras de más de 50 géneros periodísticos. En la muestra se podrán ver portadas de revistas nacionales e internacionales a partir del año 1920 y hasta 2020. El tema principal es el rostro humano y lo que transmiten cada una de las diferentes formas de mostrarlo a lo largo del tiempo\, en cada país y cultura. \n“En Faces se puede ver la evolución en la manera de transmitir un mensaje y captar la atención del lector con la imagen de un rostro en los medios de comunicación\, según la época y el lugar. Cada portada de Faces te interpela\, te ves identificado\, algo sucede en uno cuando se observan esas caras”\, comentó Juan Cantafio\, propietario de la colección. Y agregó\, “la propuesta es recorrerla como una travesía que nos lleve a todo tipo de expresiones faciales\, con multiplicidad de gestos y significados para observar y observarnos\, como si nos miráramos en un espejo. Cada uno de estos personajes y personas tienen algo para mostrarnos y decirnos\, a veces de manera evidente y otras de maneras más sugestivas o encriptadas”. \nJuan Cantafio\nEs considerado el mayor coleccionista privado de tapas de revistas de Latinoamérica. Su pasión comenzó en el año 1970\, durante su niñez\, con tan solo 8 años\, con un regalo de su abuelo paterno: la revista “Anteojito”. Hoy su colección cumple 52 años y cuenta con más de 400.000 ejemplares originales de tapas de revistas nacionales e internacionales\, todas conseguidas y adquiridas por él y hasta ahora sin ninguna ayuda económica externa. A lo largo del tiempo logró hacerse de ediciones especiales\, ejemplares más vendidos o publicaciones que ya no están en circulación\, siendo la más antigua de la colección el periódico dominical “El Mosquito” (1863-1893) del año 1890\, y el ejemplar de la revista “Cine Argentino” del año 1941\, que en la portada se encuentra Evita con la camiseta del club Boca Juniors (junto al jugador Bernardo Gandulla) dando el puntapié inicial de un partido de fútbol\, una de las de mayor valor. “El mundo editorial ha atravesado un cambio drástico desde la digitalización. La colección\, desde mi punto de vista\, tiene un valor cultural muy importante porque las revistas impresas son un producto cultural que reflejan en sus páginas cada momento histórico\, y se puede decir que están en proceso de extinción. Esta muestra es un recorte\, enfocado en las tapas con rostros humanos de todo tipo\, que busca interpelar al espectador a modo de espejo” expresó Juan. \n  \nFaces\nla inédita muestra de portadas de revistas de todos los tiempos\nDesde el 1 de abril al 14 de mayo de 2022\nDe jueves a domingos de 15 a 21 horas\nEn la Sala Vertical\nEntrada libre y gratuita. \nCentro Cultural San Martín\nSarmiento 1551\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. Panal
DESCRIPTION:Silvina Baz y Verónica García\nPanal \nSilvina Baz y Verónica García\, juntas creamos el grupo «Engranajes del Tiempo» le dimos este nombre dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, idas\, venidas. Encuentros. El arte nos presentó nuevamente en Puerto Madryn ya como docentes en arte y con andares en el medio artístico. Así decimos conformar un camino juntas. \nPresentamos aquí\, en «La casa de al lado» el proyecto expositivo Panal\, una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de las tintas al agua a las tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. \nAsí\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros paneles\, es decir en nuestros talleres\, durante tiempos de aislamiento que nos tocó vivir en el 2020 y parte del 2021 nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte. En aquellos tiempos\, las fronteras eran nuestras paredes\, no los límites de nuestros soportes que nos invitaban a clamar por la situación aquí endulzada con esperanza. \nHoy\, la idea es poder vivirlas con nuestros seres queridos\, presentadas en el espacio expositivo. Latiendo en las paredes\, encontrándonos unidas y unidos en un mismo espacio. \nEngranajes del Tiempo: Silvina Baz y Verónica García \nDesde el 1 de abril al 22 de Abril de 2022\nInaugura: 1 de abril 20hs\nLunes a viernes de 10 a 20hs \nLa casa de al lado\nFundación María Candela González Gómez Masía\nCachimayo 517\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:La casa de al lado\, Cachimayo 517\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Clama el viento y ruge el mar
DESCRIPTION:El Museo Casa de Ricardo Rojas invita a participar del taller de lectura y creación artística para infancias\, sobre la Causa Malvinas\, con motivo de la conmemoración del 40 aniversario. \n¿Qué es?\nEl taller propone cuatro encuentros con infancias para la reflexión\, lectura y creación artística:\ndibujos y poemas sobre la Causa Malvinas. \nInvitación para ellas y ellos: ¿Tenés ganas de jugar y escuchar cuentos relacionados con Malvinas? ¿Te gustaría participar en una exposición de un Museo? ¿Te gustaría escribirle una carta a un Veterano de Guerra de Malvinas preguntándole todo lo que quieras saber sobre Malvinas? \nEl objetivo de la propuesta es que los niños y las niñas reflexionen acerca de Malvinas\, la soberanía\, la guerra\, que conozcan escritores que trataron el tema\, que logren realizar sus creaciones en función de lo que le genera cada encuentro. \nEn este sentido\, pensamos una actividad que vincule a los chicxs con Veteranos y que a la vez resignifique el acto epistolar: durante el desarrollo del taller cada niño y niña podrá escribir una carta a un Veterano de guerra de Malvinas para que le pregunte lo que desee saber sobre las Malvinas. \nEste taller se enmarca en el ciclo “Malvinas en la poesía”\, coordinado por Jackie Couriel y Nora Falabella que concluirá con una actividad de cierre el sábado 2 de abril con una propuesta presencial abierta a toda la comunidad\, para que se acerque a leer y escuchar poesía. A reflexionar acerca del 2 de abril\, a participar de las mesas temáticas. \nConsultas: norafalabella@gmail.com\, jackiecouriel@gmail.com \n¿Cuándo? \nMiércoles 30 de marzo y 6\,13\, 20 de abril de 17 a 18h \n¿Dónde?\nMuseo Casa de Ricardo Rojas. Charcas 2837\, CABA \nRequiere inscripción completando el siguiente formulario https://bit.ly/3hAaUdZ
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LOCATION:Museo Casa de Ricardo Rojas.\, Charcas 2837\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:José Luis Maccari Ansiada incompletud
DESCRIPTION:La exposición\, que incluye más de 80 obras\, cubre toda la trayectoria del artista. Propone un recorrido a través de sus primeros óleos y dibujos en su taller de La Boca y más tarde\, en el del barrio de Belgrano\, donde produce sus conocidos relieves.  \nLa exhibición se extenderá hasta el 30 de abril.  \nMartes a domingos de 11:15 a 18.  \nTeléfono: (+5411) 4301-1080. \nLa entrada es libre y gratuita. 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Silvia Rivas. El revés de la armadura
DESCRIPTION:Silvia Rivas. El revés de la armadura\n¿Hasta dónde coincidimos con las formas que inventamos?\n¿Son emanaciones de nuestro ser o sólo producto de nuestro hacer y actuar?\nSilvia Rivas\, 2021. \n  \nUna exhibición compuesta por diferentes núcleos a partir de video-instalaciones y objetos articulados en el espacio. Esta serie de videoinstalaciones plantea un juego de materialidades donde el soporte\, con sus recursos formales y tecnológicos\, se evidencia como una poética en sí misma. Así\, la artista piensa una integración como seres naturales con el entorno y la materia transformada. \nEl proyecto contará con la presencia en Buenos Aires del curador italiano de la Bienal de Venecia\, Eugenio Viola\, que disertará sobre la exhibición en el mes de mayo. Sobre la obra de Rivas\, Viola señala: “Silvia Rivas ha desarrollado un interés evidente por las prácticas basadas en el tiempo\, lo que incluye la relación entre el video\, el cuerpo\, y el ambiente\, así como estrategias relacionadas con el campo de la llamada ‘performance delegada’\, con todo lo que puede implicar para el video postproducido”. \nSilvia Rivas\nHa representado a la Argentina en las Bienales del Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005)\, La Habana (2003) y Bienalsur (2019). Entre otras distinciones\, en 2001 recibe la beca John Simon Guggenheim y el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas y\, en 2002\, el premio al Video argentino en la Bienal de Arte del Museo Nacional de Bellas Artes; en 2005\, la beca para postproducción de video del Wexner Center for the Arts\, Ohio. En 2006 y 2007\, obtiene el tercer y segundo premio\, en el Salón Nacional de Nuevos Soportes e Instalaciones; y en 2012 recibe el Premio Konex en Videoarte correspondiente al decenio 2002-2012. Ha participado en numerosas muestra colectivas y realizado muestras individuales en el Museo Nacional de Bellas Artes\, en el MALBA-Fundación Costantini\, en el Museo de Arte Moderno de Buenos entre otras instituciones y galerías. Su obra integra colecciones nacionales e internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Colección Amalia Lacroze de Fortabat\, Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino”\, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario)\, Colección Eduardo Costantini\, Buenos Aires\, Colección Jorge y Marion Helft\, entre otros. \n  \nSilvia Rivas\nEl revés de la armadura\nDesde el 19 de marzo al 30 de Junio de 2022\nJueves a domingos\, 11 a 18 hs. \nFundación Andreani\nAv Pedro de Mendoza 1987\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Fundación Andreani\, Av Pedro de Mendoza 1987\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ser Mujeres en la ESMA II. Tiempo de Encuentros
DESCRIPTION:Esta muestra profundiza las indagaciones de Ser Mujeres en la ESMA I: testimonios para volver a mirar\, inaugurada en marzo de 2019. En aquella oportunidad\, el Museo Sitio de Memoria ESMA revisó su muestra permanente e incorporó una mirada de género\, ausente hasta entonces. Ese espacio propiciado por el Museo sirvió de encuentro para las sobrevivientes y permitió reflexionar desde una perspectiva feminista sobre las violaciones a los derechos humanos que padecieron durante su detención.\nSer Mujeres en la ESMA II: Tiempo de Encuentros busca profundizar sobre aspectos que no han tenido mucha visibilidad en nuestra sociedad: las consecuencias en la vida de las sobrevivientes\, después de salir del centro clandestino. ¿Cómo reconstruyeron los vínculos familiares y sus proyectos de vida?\, ¿cómo enfrentaron los estigmas de haber sufrido y haber padecido -casi en la totalidad de los casos- violencia sexual?\, ¿cómo las afectó el silencio y la falta de escucha?\, ¿cómo fue para ellas participar en los juicios? \nLa muestra temporaria se desarrolla sobre 4 espacios en exhibición:\nEn la sala 1 se aborda las violencia de género y sexual sufridas por las detenidas\, las estrategias de supervivencia durante la detención\, los vínculos de solidaridad y sororidad\, la maternidad y el cuidado de les hijes en la ESMA. Se proyectarán fragmentos de las entrevistas que se realizaron para esta muestra sobre las experiencias de militancia\, detención y cautiverio.\nEn la Sala 2 se proyectará una edición de testimonios en los que las sobrevivientes relatan cómo fue el momento de la salida del centro clandestino y su relación con la libertad.\nLa Sala 3 es escenario de una instalación artística que aborda de modo conceptual las experiencias de vida que siguieron al cautiverio: la libertad como un proceso y una construcción\, el peso de la estigmatización\, el exilio\, el vínculo con las denuncias y el camino de justicia\, la participación política y la relación con las luchas feministas.\nEl cuarto espacio es un ámbito para compartir diversas iniciativas de expresión artística\, académica y archivística que proponen otras perspectivas. Al intentar un ejercicio colectivo de memoria y reflexión feministas sobre las vidas de las sobrevivientes\, se abrieron diálogos y preguntas que antes no se habían formulado en el museo. Este espacio propone un primer acercamiento a esta multiplicidad de cuestiones que serán motivo de nuevas investigaciones y proyectos. \nEl camino hacia la muestra\nDurante los primeros meses del proyecto se realizó una sistematización de las declaraciones judiciales de 132 sobrevivientes para recuperar experiencias\, vivencias y trayectorias. Tras esa etapa de investigación\, que se complementó con otras fuentes como materiales académicos\, periodísticos y documentales\, se realizó una asamblea virtual de la que participaron 87 mujeres entre sobrevivientes de la ESMA\, hijas\, académicas\, investigadoras\, museólogas\, abogadas\, funcionarias de distintos ministerios\, operadoras judiciales\, especialistas en temas de derechos humanos y género\, activistas y artistas.\nFinalmente\, se convocó a una segunda asamblea en la que estuvieron presentes de manera presencial y virtual sobrevivientes y más de 50 jóvenes\, la mayoría estudiantes de escuelas secundarias. La idea fue propiciar un encuentro con las nuevas generaciones que hoy encarnan las luchas feministas y habilitan nuevas preguntas y significados sobre las experiencias y el pasado común.\nEl espacio que abre esta segunda muestra busca habilitar un encuentro amplio\, diverso\, plural entre quienes padecieron la violencia estatal en la ESMA y las generaciones feministas con experiencias de lucha.\nSi bien hasta el momento no hay testimonios que indiquen la presencia de mujeres trans detenidas en la ESMA\, la creciente visibilización de las violencias por razones de género\, el avance del proceso de memoria\, verdad y justicia y la apertura de nuevas preguntas y fuentes posibilitarán a futuro conocer si hubo personas trans-travesti detenidas-desaparecidas en la ESMA\, como ocurrió en otros centros clandestinos de la dictadura.\nLa muestra puede visitarse desde el 18 de marzo al 28 de julio\, de martes a domingos de 10 a 17 horas. \nSer Mujeres en la ESMA II\nTiempo de Encuentros\nDesde el 18 de marzo al 28 de julio de 2022\nMartes a domingos de 10 a 17 horas. \nMuseo Sitio de Memoria ESMA\nAv. Del Libertador 8151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Andres Riva y Cristina Santander. Escapes
DESCRIPTION:Quién pudo haber imaginado que una peste\, casi medieval\, detendría el movimiento de nuestro planeta.\nLa humanidad tiende a protegerse a pesar de los cantos agoreros que buscan inmovilizarnos\, para que todo se aquiete\, no se transforme.\nSin embargo\, el arte es la forma de hacer e imaginar de la humanidad; constituye sin duda una huída de esa pausa obligada\, transforma el caos producido.\nUn escape hacia la naturaleza\, hacia la introspección\, hacia el paisaje para encontrar la respuesta a situaciones que exceden nuestra realidad.\nCristina Santander hace foco en los paisajes cordobeses\, trabaja los colores según su percepción de los paisajes serranos\, a plein air\, inviernos\, veranos\, anegados por la lluvia o brillantes por la luz solar. Son vias de escape para unirnos en la contemplación del vado\, del arroyo\, sentados en una piedra\, al pie de la tranquera.\nAndy Riva nos invita a hacer memoria\, buscar y encontrar en sus representaciones lo que fuimos.\nPero también el presente y el tiempo por venir\, concentrarnos y desconcertarnos hasta hallar en su propuesta el aura que emana como una metáfora visual.\nSus pinturas proporcionan los elementos compositivos para la imagen a construir por cada observado \nAndres Riva\n(Buenos Aires\, 1980)\nEstudió Imagen y Sonido en la UBA. Director de arte\, muralista e ilustrador realizó las animaciones de INFANCIA CLANDESTINA de Benjamin Ávila\, la Libreta de Menguele en WAKOLDA de Lucía Puenzo\, murales en THE TWO POPES de Fernando Meirelles y pinturas y dibujos para EL HIJO de Sebastián Schindel. Codirigió el corto Lucía y las cosas para Abuelas de Plaza de Mayo. Realizó el cuadro MANO de la Identidad en el cual depositaron sus huellas abuelas\, nietos e integrantes de ABUELAS de PLAZA DE MAYO para la que realizó también spots audiovisuales y un mural. En 2007 La Secretaría de Deportes de la Nación le encomendó un mural homenaje a deportistas desaparecidos durante la última dictadura militar. Pintó y coordinó los murales de la ESTACIÓN DE LA MEMORIA para el ESPACIO por la MEMORIA Y LOS DDHH (Ex ESMA). Pintó murales en Capital Federal\, Mendoza\, Entre Ríos y Lisboa. En Chicago pintó murales honrando a la comunidad mexicana. Ilustró afiches de largometrajes como PLANTA MADRE\, LOS ADOPTANTES\, UN LUGAR EN EL TIEMPO y LOS QUE VIENEN. En 2017 fue reconocido con el premio “Hacedores de la Memoria” otorgado por los organismos de DDHH nucleados en la ExESMA. Codirigió con Guido De Paula el film LAS INTEMPERIES. \nCristina Santander\n(Buenos Aires\, 1939)\nNació en la Ciudad de Buenos Aires – Argentina A la edad de 12 años su vocación estaba definida en el grabado y el dibujo. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artesy luego de 2 años siguió los cursos de grabado con Aída Carballo\, Cristina descubre por ese entonces su pasión por el buril. Con el correr del tiempo es consagrada como una de las figuras del Arte Nacional. Desde su llegada a España en el año 1969\, sus viajes son permanentes para presentarse en exposiciones tanto en lo de Josefa Seiquer\, como en muchas galerías y entidades culturales. Trabaja y estudia en Madrid en la casa de Velázquez y años después trabaja con Stanley W. Hayter\, en el Atelier 17 de París. Premios; En su país obtuvo los grandes premios del Salón Nacional y Municipal de Grabado\, y el importante Premio Facio Hebequer que otorga la Academia Nacional de Bellas Artes. Durante el año 2000 recibió el Premio Bienal Internacional de Gráfica\, Francavilla al Mare\, Italia. Su obra integra las más importantes colecciones de museos de Corea\, Estados Unidos\, Egipto\, España\, Japón\, Paraguay y Uruguay; en Argentina en los museos de Olavarría\, Tandil\, Coronel Pringles\, Necochea\, Resistencia\, Chaco; Genaro Pérez\, Emilio A. Caraffa\, Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras de Córdoba; Ushuaia\, Tierra del Fuego y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires. \nAndres Riva y Cristina Santander\nEscapes\nDesde el 17 de marzo al 29 de abril de 2022\nInaugura: 19hs.\nDe lunes a viernes de 15 a 19hs. \nBuenos Aires Fine Arts\nCuba 1930\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
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SUMMARY:Yente – Del Prete. Vida venturosa
DESCRIPTION:Malba abre su calendario 2022 con Vida venturosa\, exposición de Yente (Eugenia Crenovich\, Buenos Aires 1905 – 1990) y Juan Del Prete (Vasto\, 1897 – Buenos Aires\, 1987)\, que hace foco en la sinergia creativa de la pareja y en el vínculo amoroso como un modo de abordaje de lo artístico. \nDurante más de 50 años\, Yente y Juan Del Prete no solo compartieron su vida como pareja\, sino que además intercambiaron cotidianamente ideas en torno al arte. Realizaron numerosas muestras individuales y participaron en diferentes colectivas\, sin embargo nunca exhibieron juntos. Esta exposición los reúne por primera vez con una selección de más de 150 obras\, entre pinturas\, esculturas\, tapices\, dibujos y libros de artistas; y abarca el amplio rango de sus trayectorias\, desde los años 30 hasta los 80. \nEn palabras de la curadora Marita García: “Fue una constante en la pareja el tránsito entre figuración y abstracción abarcando diversos estilos (entre otros\, cubismo\, surrealismo\, abstracción\, expresionismo)\, así como una experimentación matérica acusada\, tanto con los materiales del arte (diversos soportes\, temperas\, tintas\, óleos trabajados a pincel y espátula; acusados empastes y chorreados) como con un amplísimo abanico de elementos propios del bricolaje y materiales de descarte. Yente y Del Prete\, en su incontenible pasión por el hacer\, se apropiaron del canon del arte moderno a través de diversos referentes\, corrientes y representaciones”\, destaca la curadora en jefe de Malba. \nLas piezas en la exposición provienen principalmente del Acervo Yente – Del Prete\, a cargo de Liliana Crenovich (sobrina de la artista) y de importantes colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes\, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, el Museo Castagnino +Macro de Rosario\, Colección Ministerio de Relaciones Exteriores\, Comercio Internacional y Culto y la Colección Amalita\, entre otras. \nYente\nBuenos Aires\, 1905–1990\nEugenia Crenovich\, conocida por el seudónimo Yente\, fue la menor de cinco hijos de una familia judía originaria de Rusia. Pintora\, escultora e ilustradora estudió filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Asistió al taller de Vicente Puig en Buenos Aires y\, a partir de 1932\, a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Santiago de Chile\, donde tomó clases de pintura y composición. En 1935 realizó su primera muestra individual en Amigos del Arte donde presentó dibujos figurativos; este mismo año comenzó a relacionarse con Juan Del Prete. Desde 1937 –sin desdeñar la figuración que cultivó a lo largo de toda su vida– participó en los inicios de la abstracción en la Argentina\, siendo la primera artista mujer de nuestro país en practicarla. En 1945\, inició una serie de relieves y objetos constructivos en celotex\, un material blando que le permitía tallar sin dificultad\, y expuso pinturas y relieves abstractos en la galería Müller. En los años siguientes su obra también fue presentada en las galerías Viau\, Van Riel\, Yumar y Witcomb. De 1956 a 1959 realizó tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura; y\, en paralelo\, a partir de 1957 se volcó hacia lo que denominó “impresionismo abstracto”\, una pintura no figurativa de conformación libre\, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro. En 1958 realizó una retrospectiva de obras abstractas en la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, integrada por 80 piezas. A lo largo de su carrera confeccionó más de veinte libros ilustrados\, todos inéditos\, desarrollados a partir de narraciones preexistentes o propias\, algunas autobiográficas. Obtuvo premios en el Salón Viña del Mar en 1934 y 1936\, en el del Centenario de Valparaíso en 1937; en el Salón de Acuarelistas en 1940 y 1950\, y en la Exposición Internacional de Bruselas en 1958\, entre otros. Sus trabajos integran la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Arte Moderno de Nueva York\, así como del Museo Eduardo Sívori\, del Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe “Rosa Galisteo de Rodríguez”\, del Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” de Rosario\, además de formar parte de colecciones particulares de la Argentina\, Chile\, Italia\, Alemania\, Israel y los Estados Unidos. \nJuan Del Prete\nVasto\, Italia\, 1897–Buenos Aires\, 1987\nDurante su infancia\, emigró junto a su familia desde Italia y se radicó en el barrio de La Boca\, en Buenos Aires. De formación autodidacta\, en 1925 realizó un primer envío al Salón Nacional\, que tuvo gran repercusión\, y al año siguiente\, presentó su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte. Gracias a una gestión de esa institución\, en 1929 obtuvo una beca para viajar a París\, donde tomó contacto con la obra de los grandes maestros clásicos y de los pioneros de las vanguardias. Allí se interesó particularmente por el tratamiento del color de Henri Matisse y por las resoluciones formales de Pablo Picasso. En paralelo\, se relacionó con Joaquín Torres-García\, Hans Arp y Enrico Prampolini\, entre otros miembros de los círculos vanguardistas. En 1933\, integró el grupo Abstraction Creation Art non Figuratif y participó en el número 2 de la revista Abstraction Création\, junto a un elenco de artistas abstractos europeos como Bill\, Calder\, Kupka\, Mondrian y Moholy-Nagy\, entre otros. Ese mismo año regresó a Buenos Aires\, donde presentó pinturas y collages abstractos en Amigos del Arte. A esta exposición\, considerada la primera muestra de arte no figurativo realizada en el país\, le siguió otra donde exhibió esculturas abstractas realizadas con alambre\, planchas de hierro y yeso tallado. En 1935 comenzó a relacionarse con Yente. Durante la década del 40 produjo tanto obra figurativa de colores saturados y fuerte presencia matérica como obras abstractas. En 1954 regresó a Europa y expuso en París y en Génova\, Milán y Como (Italia). En esos años presidió\, además\, la Agrupación de Artistas no Figurativos. En esa dirección trabajó sobre obras informalistas con chorreados\, manchas y salpicaduras. En 1957 fue invitado a la IV Bienal Internacional de San Pablo y\, dos años más tarde\, participó con un envío especial en el mismo evento. Al año siguiente integró los envíos a las bienales internacionales de Venecia y México. Recibió el Primer Premio del Salón de Acuarelistas y el Gran Premio del Salón Municipal en 1957; el Premio Palanza y el Gran Premio Internacional de Bruselas en 1958; y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1963. Distintas instituciones presentaron exposiciones retrospectivas de su carrera: Secretaría de Cultura de la Nación\, Buenos Aires (1950); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (1961); Museos de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y de Lima (1963) y en la Fundación Lorenzutti (1974). \nConferencia inaugural\nMiércoles 9 de marzo\, 18:00. Auditorio + YouTube Malba.\nParticipan: María Amalia García y Liliana Crenovich. Modera: Agustina Muñoz. \nYente – Del Prete\nVida venturosa\nDesde el 11 de marzo al 27 de junio de 2022\nInaugura: Jueves 10 de marzo\, 19:00\nCuradora: María Amalia García \nMALBA | Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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