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SUMMARY:Verónica Di Toro - Estética del azar
DESCRIPTION:Gachi Prieto Arte Contemporáneo se complace en inaugurar Estética del azar\, una nueva exposición de pinturas de la artista Verónica Di Toro\, acompañada de un texto curatorial a cargo de Guillermina Mongan. La exhibición comprende la última serie de experimentaciones de Verónica Di Toro dentro de la abstracción geométrica\, con piezas inéditas y de gran formato. \n\nDónde:\nGachi Prieto Arte Contemporáneo / Uriarte 1373\, C1414 / Buenos Aires\, Argentina\n\n\nCuándo:\n20 abr de 2023 – 27 may de 2023\n\n\nInauguración:\n20 abr de 2023 / 18h\n\n\nHorario:\nLunes a viernes de 14 a 19h y sábado de 15 a 19h\n\n\nArtista:\nVerónica Di Toro\n\n    Entrada gratuita
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SUMMARY:Duilio De Gennaro - Observa 2
DESCRIPTION:Artista Internacional : Duilio De Gennaro en Puig Arte Gallery & Jisu. Estaremos presentando OBSERVA2 Gran muestra individual del artista español.\n\n\n\nPuig Arte Gallery\nVernissage JUEVES 30 a las 19hs\n\nEntrada libre con lista/ Reservas vía WhatsApp.\n\n\n\n\nM.S. de Thompson 367\nPuerto Madero\nBuenos Aires
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SUMMARY:Silvina Baz - Indivisibles
DESCRIPTION:INAUGURACIÓN! Indivisibles en el Camarín de las Musas | Jueves 30.03 19hs \nSerie: Indivisibles \n«La manera de ver es una forma de abordar la realidad»\nCarlos Arcidiacono \nEsta serie nace en la Pandemia. Buscando representar al ser humano en múltiples aspectos y situaciones. Así\, el amor\, la esperanza\, la unidad y vida van guiando a que las personas surjan con sentido mágico en las superficies; rodeadas de horizontes\, unidas entre ellas\, a veces con conflictos a resolver\, otras con un fuerte vínculo con la naturaleza y nuestro ser interior. Me interesa destacar al individuo como todo aquello que no se puede dividir\, al ser humano considerado como unidad. De allí el nombre de la serie «Indivisibles»\, palabra que deriva del latín Individuus. Manifestándose desde el grabado\, que me ofrece un abanico de posibilidades\, utilizo diversidad de materiales como madera\, plástico\, metal\, papel para dejar su huella de impresión en distintos soportes combinando técnicas tradicionales y experimentales.\nSilvina Baz \n  \nEl Camarín de las Musas \nMario Bravo 960
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SUMMARY:AIDA CARBALLO "La gracia extrañada"
DESCRIPTION:“Mi mundo tiene contactos tangenciales con el de Aída Carballo\, que fue una de las artistas que me apuntaló cuando yo empezaba. Ella me largó al ruedo. Con Aída tuve una relación muy especial; me protegió y yo tenía la sensación de que me quería salvar de algo”.\nMildred Burton \nDesde el miércoles 22 de marzo Ruth Benzacar Galería de Arte presenta “La monarca”\, de Mildred Burton y “La gracia extrañada” de Aída Carballo\, que se desplegarán en la Sala 2 acompañadas con textos de María Gainza y una entrevista a Mildred con Analía Couceyro y Albertina Carri\, filmada hace 12 años.\n_\nLA GRACIA EXTRAÑADA \nDos veces al mes tengo migrañas. Suelo darme cuenta cuando están por llegar porque una ligera presión se instala del lado derecho de la sien\, el hueso frontal del cráneo se inflama levemente como si una tubería auxiliar se hubiera tapado. A veces es tan sutil que una lo niega\, piensa que está imaginando\, que esa presión no es suficiente indicio del advenimiento\, que quizás es solo la fantasía paranoide y que el ibupirac puede esperar\, y ahí viene el error\, porque una vez que el ataque de migraña se desencadena\, ya no hay vuelta atrás. Es como si un tornado te agarrara en medio del campo sin techo ni árbol bajo el cual refugiarse. Oliver Sacks\, el neurólogo\, las llamaba “tormentas psíquicas”. Yo he aprendido a vivir con estos dolores de cabeza porque los míos no me inhabilitan del todo\, sé de otras personas que no pueden levantarse de la cama por cuarenta y ocho horas. Yo ando un poco mareada\, un poco con ganas de vomitar y bastante irritada\, pero ando. \nDe los múltiples síntomas de la migraña\, al único que tengo entre ceja y ceja es al aura. Es por lejos el que mejor nombre tiene\, AURA\, pero así como los floripondios suenan y se ven como campanitas encantadas pero son tóxicos\, yo creo que al aura la llaman así para camuflar el terror que conlleva\, algo que\, si te sucede por primera vez\, parece la llegada de un accidente cerebro vascular. Generalmente se presenta tras un disgusto\, cuando por fin me he relajado. Unas horas antes mi corriente eléctrica cerebral se sobresaturó\, tuve lo que comúnmente se llama un estresazo o\, en su versión más porteña\, fundí biela. Por ejemplo\, ayer estaba lavando los platos del mediodía\, el agua me corría tibia por las manos\, había hecho una tarta de brócoli salida de una pintura flamenca del siglo XVII\, y todo parecía en paz\, cuando sobre los azulejos de la cocina empecé a ver los rayitos locos. Centelleos intermitentes en el campo de visión\, diría el manual. El día anterior había tenido una pelea familiar de las fuertes. \nCuando el aura pase\, el mundo no será igual. Y es acá donde me gustaría detenerme. Convivo con veinte primas del lado paterno en un chat de whatsapp\, siete de ellas sufren migrañas con aura y tienen relatos de tías y abuelas con los mismos síntomas\, lo que evidencia que la propensión a la migraña es hereditaria. Una de ellas me dijo que al salir de un aura “sentía el cuerpo completamente blando como si no tuviera huesos”. ¡Es así! Pasados los rayos locos\, mi cuerpo se siente blandengue y amorfo y a eso se le suma la extrañeza. Pos aura miro al mundo como si no lo reconociera del todo. He leído un poco sobre el asunto. Se sabe que antes de los ataques de migraña o epilepsia se revela un mundo etéreo. Hay quienes ven ahí una fuente de mitopoiesis pero lo que yo veo y siento todavía no me ha sido útil como material artístico: los brazos y el cuello se me alargan como palitos de la selva\, mis pies se sienten hinchados\, esta habitación donde duermo hace veinte años no parece del todo mía y los listones de madera del piso\, algo novedosamente siniestro. \nNo cometeré la burrada de decir que Aída Carballo dibujaba como lo hacía porque tenía migrañas\, no hay referencia alguna a ellas en sus diarios de internación en el Hospital Vieytes y no puedo inferir\, como se ha hecho con Lewis Carroll\, que sus distorsiones perceptivas fueran producto de alucinaciones visuales. Pero sí quiero dejar asentado que tras el aura mi cuerpo se siente como habitando el mundo de Aída Carballo. Un mundo que ha atravesado algún tipo de espejo o superficie gelatinosa. Estamos en la ciudad del tiempo detenido y en su plasticidad me recuerda a la Serie de Los Locos o a la de Los Levitantes\, incluso a la de Los Amantes. \nSalgo a la vereda\, los fresnos de la cuadra como centinelas bien erguidos me vigilan\, la banda del taller mecánico toma cerveza desde temprano\, el linyera se sienta sobre el capot de su auto-casa y habla con un perro zaparrastroso\, una pareja chapa en la esquina. Todo lo que conozco de memoria\, me parece que sucede en otro plano\, un poco caricaturesco\, un poco perturbador. Estoy hipersensible y a la vez\, abstraída. Un burril parece haber dibujado las cosas\, las nervaduras de las hojitas de la hiedra\, por ejemplo\, se ven con nitidez enceguecedora y las personas y los objetos\, de golpe\, parecen dispuestos ordenadamente en el plano rebatido de la calle como en un ajedrez\, o en una pintura de Uccello que\, en lugar de suceder en un campo de batalla\, ocurre en un barrio porteño a las tres de la tarde de un día laboral. Una mezcla de tristeza y grisalla hay en todo esto y que mencione que es día laboral no es baladí. El silencio que creo escuchar en las imágenes de Aída (y que en ella viene de tanto mirar a Piero de la Francesca) también lo siento yo en mi estado pos aurático\, por más que sea un martes y los colectivos pasen desaforados por la esquina. Hoy me son indiferentes\, porque en esta frecuencia fuera de dial\, todo el barrio me resulta poesía coloquial de la existencia a lo Brueghel. Y ya no sé si estoy hablando de mi o de Aída\, eso pasa con las artistas potentes\, se te meten adentro y a través de ella ahora todo adquiere una falta de ansiedad notable\, una calma chicha\, la gracia extrañada. La vecina me pregunta si la noche antes tuve un corte de luz —es verano y ya vamos por la novena ola de calor— le contesto en cámara lenta y mientras lo hago\, lo que sale de mi boca no se escucha pero ella parece entenderlo y ahora que la miro bien\, con su pañuelo en la cabeza y nariz ganchuda y la pupila de los ojos dilatada como en los gatos nocturnos\, está muy similar a un grabado de Carballo pero me cuido de no exteriorizar mis sentimientos\, y además\, no me engaño\, sé que en ese momento el personaje de Aída Carballo soy yo. Aída\, defensora como nadie de lo propio: “Antes que una copia de algo que no es nuestro\, prefiero el arte de alguien que hace un barrilete para su hijo”. \nDurante esos minutos que el mundo se enrarece\, más que nunca entiendo el título de su grabado “La lombriz es un pariente leve de la locura”. No sé si entender sería la palabra\, lo experimento físicoquímicamente\, que es una forma de percibir con el intelecto pero de manera subrogada. El aura tarda en irse una hora o dos. Y después sobreviene una calma y una lucidez y un alivio\, como si en la Central Atucha después de un desperfecto técnico\, se hubiera por fin\, restablecido la corriente normal de electricidad. En la sala de espera de mi neurólogo conocí a una chica que me dijo que prefería no tomar la medicación para poder “ver los rayos y que el mundo se le volviera más misterioso”. Eso es lo que llaman hacerse amiga de tu enfermedad\, supongo. Yo aún no estoy ahí\, pero voy en camino. \nPor María Gainza \nLa gracia extrañada se puede visitar en la galería Ruth Benzacar\, Juan Ramírez de Velasco 1287. De martes a sábado\, de 14 a 19. Hasta el 6 de mayo. Gratis. 
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SUMMARY:133° Aniversario del Nacimiento de Benito Quinquela Martín
DESCRIPTION: El Museo Benito Quinquela Martín se prepara para celebrar el 133° aniversario del nacimiento de su fundador. El festejo tendrá lugar el sábado 18 de marzo a partir de las 15 horas.  Durante la tarde\, habrá actividades y propuestas para disfrutar en familia\, comenzando  con Intervenciones teatrales\, un grupo de actores darán vida a distintas obras de la colección.Seguidamente  la Agrupación Carnavalera Porteña Fandango nos brindará su música. Además se realizará la presentación del catálogo «Los 50 imperdibles del Museo Benito Quinquela Martín»\, una nueva publicación del Museo. Culminando el día de festejos en las terrazas de Esculturas\, se presentará la Orquesta Romántica Milonguera\, al compás del 2×4.\n\n\n👉 Cronograma\n\n15 a 17 horas: Intervenciones teatrales. Un grupo de actores dará vida a distintas obras de la colección\n18 horas: Presentación de Fandango\, agrupación carnavalera porteña\n19 horas: Presentación del catálogo «Los 50 imperdibles del Museo Benito Quinquela Martín»\, una nueva publicación del Museo\n19:30 horas: Orquesta Romántica Milonguera en las Terrazas de Escultura para cerrar la noche al compás del 2×4.\n\n\n\n📌 Sábado 18 de Marzo de 15 a 19:30 horas | Museo Benito Quinquela Martín (Av. Don Pedro de Mendoza 1835)\n\n🎫 Entrada libre y gratuita
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SUMMARY:LÍNEA Y VIBRACIÓN | JOSEFINA ROBIROSA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar la primera exhibición del año:  LÍNEA Y VIBRACIÓN |Josefina ROBIROSA (1932-2022\, Argentina)\, curada por Rodrigo ALONSO.  \nLa exhibición reúne obras de una etapa de su producción en diálogo con artistas mujeres presentes en la colección permanente de MACBA. \nSOBRE LA ARTISTA\nJOSEFINA ROBIROSA\nJosefina Robirosa (1932-2022\, Buenos aires) inicia su actividad artística siendo todavía muy joven\, en los años cincuenta\, cuando la escena de Buenos Aires es animada por diferentes versiones de la abstracción. Superados los rigores del arte concreto\, es la vertiente lírica la que se impone en estos tiempos\, una variante que enfatiza el subjetivismo y la sensibilidad. \nLas primeras obras de Robirosa consiguen atención de inmediato: en 1956 inaugura su primera exposición en la Galería Bonino (la más importante del circuito porteño)\, y al año siguiente\, integra la delegación que representa a la Argentina en la IV Bienal Internacional de Arte de San Pablo (junto a José Antonio Fernández Muro\, Sara Grilo y Miguel Ocampo). \nIntegró el grupo de artistas del Instituto Di Tella que revolucionó la percepción artística de la Argentina en los años ’60. Hacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo. Hacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa. \nSus obras son parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes\,  MACBA\, Arte Moderno\, Buenos Aires\, Genaro Pérez\, Córdoba y Tres Arroyos. También forman parte de la Colección ITT\, Nueva York\, Albright Knox\, Búfalo\, EE.UU\, Neiman Marcus y Chase\, Manhattan\, EE.UU y Thyssen\, Suiza. En 1997 el Museo Nacional de Bellas Artes organizó una retrospectiva de su pintura y en el 2001 fue el turno de la Sala Cronopio del Centro Cultural Recoleta. \nSOBRE EL CURADOR\nRODRIGO ALONSO\nProfesor y curador independiente. \nLicenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Argentina\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). \nProfesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Universidad del Salvador (USAL) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)\, Buenos Aires\, Argentina. Profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios\, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD)\, Barcelona\, España.  Profesor invitado en importantes universidades\, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. \nEscritor\, crítico y colaborador en libros\, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires\, 2002)\, Ansia y Devoción (Buenos Aires\, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York\, 2004). \nCurador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina\, y en prestigiosas instituciones europeas. \nVive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona.
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Martha Zuik | Muestra homenaje
DESCRIPTION:La Pinacoteca del Ministerio de Educación tiene el agrado de celebrar esta muestra homenaje a la artista plástica argentina\, Martha Zuik por la tenacidad en su trabajo y su búsqueda constante de la calidad a través de la investigación y el aprendizaje.\n\nEn este conjunto se observará el detalle insistente en su pincelada\, su exquisito trabajo pictórico\, el uso de la luz y de la materia\, la vinculación de las formas y los anudamientos de espacios que ofrecen nuevos paisajes.\n\nMartha Zuik se zambulle en la tela donde con una imagen simple nos transmite lo complejo\, buscando el punto justo en donde todas las partes estén de acuerdo como en una sinfonía.\n\nUna mezcla de impulso y cautela\, una mirada educada para ver la armonía de los colores en la naturaleza donde todas las combinaciones son posibles.\n\n\n  \nMartha Zuik | Muestra homenaje \nDel 09 de Marzo al 04 de Mayo de 2023 – Inaugura: 18hs  – Entrada: libre y gratuita
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SUMMARY:Oswaldo Vigas: Pinturas entre América Latina\, África y Europa
DESCRIPTION:El Museo de Arte de Boca Raton presenta Oswaldo Vigas: Pinturas entre América Latina\, África y Europa (en exhibición hasta el 21 de mayo)\, una colección de obras creadas por el artista Oswaldo Vigas (1923-2014)\, que el artista pintó en París en la década de 1950\, y en Venezuela de 1969 a 1976. El museo está ubicado entre Miami y Palm Beach. \nEsta exposición forma parte de una serie de homenajes en varias cuidades y continentes\, para conmemorar los 100 años del natalicio de Oswaldo Vigas (1923-2014)\, reconocido como uno de los pintores latinoamericanos más prolíficos e influyentes del mundo. \nLa exposición en el sur de la Florida dará inicio a un cronograma extensivo de actividades a nivel internacional durante los próximos 12 meses\, en colaboración con varias instituciones y museos. Las celebraciones mundiales serán organizadas por la Fundación Oswaldo Vigas (presidida por su hijo Lorenzo Vigas\, y por la directora operativa\, Dilia Hernández). \nLa exposición presenta varias obras nunca exhibidas anteriormente en los Estados Unidos. Las pinturas provienen de la Fundación Oswaldo Vigas. \nEsta nueva exposición es un homenaje al artista por parte de su hijo\, el galardonado cineasta Lorenzo Vigas\, vista a través del lente fraternal de su relación padre-hijo y en honor al lanzamiento del nuevo catalogue raisonné de la obra de su padre. \nUno de los pintores venezolanos más prolíficos e influyentes del siglo XX\, Oswaldo Vigas (1923-2014) fue reconocido por su visión de las Américas. Cuando fue entrevistado en las décadas de 1950 y 1960\, Vigas comparó su arte a su tierra natal: \n“América es un cosmos. Nuestro continente está lleno de señales oscuras e indicios: signos telúricos y magia que son componentes recónditos de nuestra condición. Al mismo tiempo que nos revelan algo\, estos símbolos también nos comprometen en un mundo inquietante de efervescencia. La intención de mi pintura es alcanzarlos\, interpretarlos y traducirlos en nuevas alertas. Mis pinturas están a medio camino entre América Latina\, África y Europa”. \nVigas es conocido por su singular visión inspirada en el orgullo por su identidad mestiza\, junto con la historia\, la mitología y el arte antiguo de Venezuela\, mezclados con influencias del modernismo europeo. \nVigas es considerado una figura imponente del modernismo en Latinoamérica\, con una carrera que abarca siete décadas. Su primera exposición individual en los Estados Unidos fue en 1958 en Washington\, D.C. Vigas fue galardonado dos veces con el premio de la International Association of Art Critics (en 2008 y 2014) y recibió el Latin Union Award en Washington\, DC en 2004. \n“Para el público del sur de la Florida\, en la encrucijada de la experiencia latinoamericana contemporánea\, esta nueva exposición de la obra de Oswaldo Vigas adquiere un significado completamente nuevo en este momento de la cultura estadounidense”\, dice Irvin Lippman\, director ejecutivo del Museo de Arte de Boca Ratón. \n“Nos complace inmensamente este nexo con la Fundación Oswaldo Vigas\, y le damos la bienvenida a su viuda e hijo para celebrar la inauguración de esta poderosa exposición”\, añade Lippman. \nEl nuevo catalogue raisonné de Oswaldo Vigas puede consultarse en línea en catalogue.oswaldovigas.com. El trabajo de investigación del catálogo fue realizado por la fundación Oswaldo Vigas con el apoyo de Axel Stein\, ex jefe del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby’s. \nEste es el primer catalogue raisonné en línea de un artista venezolano\, y un valioso recurso que le permitirá a académicos\, curadores\, coleccionistas y al público tener acceso a información sobre el artista. El catálogo incluye más de 3.000 pinturas\, reseñas de galerías y museos\, y publicaciones que detallan la trayectoria del artista. \nEl catálogo es una recopilación de las primeras obras de Vigas con respecto a su visión de América\, y de la época que vivió en París\, origen de sus famosos murales en la Universidad Central de Venezuela (UCV) (designados como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO)\, y de las numerosas obras que creó antes de su muerte en Venezuela 2014. \nVigas fue contemporáneo de Picasso\, Ernst\, Léger\, Calder\, y Lam\, y convivió con estos artistas mientras vivía en París durante los años 1950 y 1960 (especialmente Picasso\, quien alentó a Vigas a reflexionar sobre su origen ancestral en su obra). \nVigas fue el primer artista en representar a Venezuela en la Bienal de Venecia cuando se inauguró su pabellón nacional en 1954\, y nuevamente en 1962 al organizar la sección venezolana. Alcanzó éxito en Francia dónde sus obras fueron expuestas junto a artistas como Jean Arp\, Chagall\, Giacometti\, Laurens\, Magritte\, Matisse y otros. \nEsta nueva exposición en el Museo de Arte de Boca Ratón es un homenaje al artista por parte de su hijo\, Lorenzo Vigas\, ganador del prestigioso León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 2015. Lorenzo Vigas posteriormente dirigió un documental en 2016 sobre la vida de su padre titulado El Vendedor de Orquídeas\, y recientemente se dedicó a la creación del catalogue raisonné de su padre. \n“La película sobre mi padre nos incita a reflexionar sobre el paso del tiempo\, la importancia de los recuerdos y\, sobre todo\, sobre el origen del impulso de crear”\, dice Lorenzo Vigas. “El arte de mi padre siempre estuvo entretejido con las raíces primitivas de la cultura latinoamericana\, sin embargo\, ya no es visto simplemente como un ‘artista latinoamericano’\, ahora es reconocido como un artista moderno universal.” \n“A través de su obra\, restableció las raíces precolombinas de nuestro continente y la herencia africana con un vibrante modernismo europeo y norteamericano. Dedicó toda su vida a crear arte\, y nunca dejó de pintar hasta el último día de su vida”\, añade Lorenzo Vigas.
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LOCATION:Museo de Arte de Boca Raton\, 501 Plaza Real\, Boca Raton FL 33432\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Dante x Alonso”
DESCRIPTION:Organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes\, la muestra itinerante se exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo de Unquillo. \n¿Qué es?\nLa exposición itinerante presenta más de 40 trabajos en papel del maestro argentino inspirados en la vida del gran poeta florentino y su máxima obra\, la “Divina Comedia”. Con curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, es organizada por el Museo y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires para conmemorar los 700 años del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \n¿Cuándo?\nDesde el  17 de diciembre al 12 de febrero de 2023 \n¿Dónde?\nMuseo de Arte Contemporáneo de Unquillo (Fundación MACU)\, Córdoba
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Unquillo\, Av. San Martín 588 Unquillo\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:AL SUR DEL SUR de Alberto Morales
DESCRIPTION:Prólogo:\n\n\nDebemos estar orgullosos de que nuestro Programa Antártico haya dado cabida a artistas nacionales y extranjeros que testimonien\, desde el arte\, esa parte de nuestra Argentina. La magnífica obra de Alberto Morales\, compilada en «Al sur del Sur» es fruto de tal sabia decisión.\nLa obra de Alberto nos acerca a la Antártida desde el sentimiento. Glaciares\, icebergs\, proas de buques pueden ser vistas como obras abstractas o figurativas pero que sin duda expresan esa desolación y belleza que se reFleja en todo relato Antártico. Desde una monótona bitácora de navegación a las voces de Edgard Allan Poe HP. Lovecraft.\nMares y cielos grises cruzados por rojos\, variaciones de azules que desmienten la idea de un blanco monótono. Alberto nos acerca la luz Antártica con sus matices\, dramatismo e intensidad.\nAlberto Morales nos hace un lugar a la belleza para comprender y amar a una parte de nuestra querida Argentina.\n\n\nEmbajador Javier Figueroa\n\n\nAbogado y diplomático de carrera. En el los últimos años Subsecretario de Malvinas e Islas del Atlántico Sur. Embajador ante Sudáfrica\, Cuba y Reino Unido. Padre y fanático del buceo y del mar en general.
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SUMMARY:JORGE DAGER "El Silencio del Detalle"
DESCRIPTION:El artista retoma el tema que lo apasiona y nos ofrece una nueva serie de bodegones donde se refleja la pasión por su oficio\n\n\nCuando una idea surge\, se transforma en un lienzo en blanco dispuesto a reflejar todo aquello que se busca expresar. Es así como una vez más Jorge Dager retoma el tema que lo apasiona y nos ofrece una nueva serie de bodegones\, que han sido parte de su vida cotidiana desde que comenzó su carrera artística. Con dedicación exclusiva al trabajo y al estudio\, el artista se adentra de manera integral en las más profundas nociones de la cultura como una rigurosa necesidad de ilustrarse para finalmente crear.\nUngido por un talento\, dominado por una pasión y privilegiado por un oficio\, el pintor logra dar rienda suelta a su necesidad de reproducir de la manera más fiel posible aquello que imagina\, realizando composiciones que siempre están amparadas por su interpretación de la historia.\nNaturaleza muerta es un término que podría no tener cabida en estas imágenes tan hiperreales que de la fruta casi brota el jugo\, que el libro se insinúa para ser asido y donde se advierte la delicadeza requerida para tocar las piezas de vajillas y vasijas exquisitas procedentes tal vez de culturas legadas que\nle pertenecen y que inconscientemente lo persiguen. El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas\, sino su significado interior\, así como lo plasma el artista en cada una de sus representaciones artísticas.\nCon una disciplina férrea y un fervor casi religioso\, cuadro y artista se fusionan en un vínculo donde el formato\, la distancia visual y el encuadre deliberadamente reducido esperan que la luz ilumine los elementos para dar más realidad al resultado final.\nEl artista busca alertar nuestro ojo para que no perdamos el mensaje que nos quiere hacer llegar. Su característico acercamiento a las escenas que concibe se hace esta vez más evidente al llevar el objeto al borde del lienzo disminuyendo voluntariamente los límites pictóricos para dar al espectador el placer de imaginar el entorno y observar bien los detalles para hacernos sentir frente a una naturaleza viva.\nIdentificado siempre con el bodegón\, el artista desarrolla en esta serie su respeto por la vida de las frutas y se apresura a pintarlas ante la certeza del inevitable destino de su ciclo vital. Juega con\ncontenerlas en vasijas diversas invitando a no tocarlas\, a protegerlas buscando que el foco sea la transparencia del vidrio\, el brillo del metal o el decorado de los jarrones de exquisita porcelana.\nUna pintura es un poema sin palabras y así quedamos atrapados con las obras de Jorge Dager\, en una mirada inmóvil a través de cuadrados\, iguales\, como si sólo se nos permitiera ver por el vacío de un postigo\, enmarcando la presencia de una memoria con telas espléndidas y tapetes que sirven de escenario a frutas frescas de origen foráneo\, finamente colocadas en fuentes que denotan una fuerte carga de historia personal.\n\n\nEn esta muestra el pincel de Dager vuelve a penetrar “El Silencio del Detalle”.\n\n\nLa exposición abrirá sus puertas para cautivar tus sentidos desde el 12 de noviembre en los espacios de la Galería Mochuelo Art\, Centro Comercial Concresa\, Piso 1\, local 324.\n\n\nHorarios : Martes a sábado de 10 am a 4 pm ó previa cita a través de sus redes sociales @mochueloart.\n\n\nTexto curatorial : Mariela Provenzali (Miembro AICA Internacional)\n\n\nGalería Mochuelo Art\n\n\nLos esperamos.!
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LOCATION:Galería Mochuelo Art\, Centro Comercial Concresa\, Piso 1\, local 324.\, Caracas\, Venezuela
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SUMMARY:PRESENCIA DE AYERES de Andrés Bestard
DESCRIPTION:Hay en Andrés Bestard realidad consciente de la creación. La vigencia del trazo linda con la eternidad. Discípulo de aquel primer artista\, enseña que con el arte el hombre ha pasado de la muerte de sus vidas a permanecer vivos en la muerte. La ceremonia del arte sigue entregando al ser las utopías para poder soportar su vigencia\, exonerando las ilusiones metafísicas fracasadas. Desde sus obras sorprendentes Andrés Bestard diserta sobre el destino humano sin promesas\, con la presencia más original que puede entregarle el testimonio real. Enseña que el arte emerge como acto poético\, previo e intuitivo al desarrollo moral y ético del hombre\, aún antes del mismo conocimiento. \nJorge C. Trainini
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LOCATION:Espacio Lezama Arte\, Martín García 346\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Cooperación\, esfuerzo\, porvenir. Diálogos y conjeturas en torno a ‘Canto al Trabajo’ de Rogelio Yrurtia”
DESCRIPTION:El Museo de la Cárcova de la UNA junto con el Museo Casa de Yrurtia presentan la exposición “Cooperación\, esfuerzo\, porvenir. Diálogos y conjeturas en torno a ‘Canto al Trabajo’ de Rogelio Yrurtia”\, a 100 años de su inauguración. \nLa exhibición\, con curaduría de Marcelo de la Fuente\, presenta los torsos que realizó Rogelio Yrurtia como estudios para el monumento “Canto al Trabajo”. Estos torsos\, la mayoría pasados a bronce\, se confrontan y dialogan con obras de Grete Stern y Leonel Luna. \n“Cooperación\, esfuerzo\, porvenir” integra también un conjunto de material gráfico y documental relativo al proceso de trabajo de la obra y una cabeza en yeso perteneciente al grupo escultórico “Las Pecadoras”. \nDentro de la muestra se destaca una biografía de Geertruida Radersma\, crítica de arte y literatura\, primera esposa del escultor y a quien dedica su monumento. \nDónde: Museo de la Cárcova. Av. España 1701 (esquina Dellepiane)\, CABA. \nCuándo: Del 17 de septiembre al 27 de noviembre de 2022 \nInauguración: sábado 17 de septiembre\, 13 h \nHorario de visita: martes a domingos de 11 a 18 h (feriados cerrado) \nhttps://una.edu.ar/muestras/la-carcova/yrurtia/
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SUMMARY:“Ese día” de Alejandra López
DESCRIPTION:Luego de su recorrido por diferentes ciudades de los Estados Unidos\, quedó oficialmente inaugurada en la galería “Tomás Redrado Art Gallery”\, en Miami\, la muestra “Ese día”\, integrada por 26 retratos que la reconocida fotógrafa Alejandra López realizó a sobrevivientes del ataque terrorista contra la AMIA. \nEl acto de apertura se realizó el martes 13 de septiembre y contó con la participación del embajador argentino en los Estados Unidos\, Jorge Argüello\, y el cónsul general en Miami\, Leandro Fernández Suárez. En representación de AMIA\, estuvo presente el director de Arte y Producción de la institución\, Elio Kapszuk. También concurrieron artistas locales y miembros de la comunidad judía del lugar. \nAl momento de inaugurar la muestra\, el embajador argentino instó a no olvidar y a no naturalizar el horror que despliega el accionar terrorista. “El ataque a la AMIA fue un ataque contra todos los argentinos\, contra nuestra democracia\, contra nuestra libertad\, golpeando el corazón de la comunidad judía argentina”\, remarcó. “Le decimos al mundo que quienes quieran sembrar el terror nunca más van a triunfar. No lo vamos a permitir”\, advirtió Argüello. “No dejaremos de reclamar por la memoria\, verdad y justicia”. \nA su turno\, Elio Kapszuk expresó: “Recordar a las 85 víctimas fatales a través de este testimonio es una tarea que reúne a la memoria con el arte\, produciendo permanentes recordatorios. En tiempos de impunidad\, el ejercicio de memoria tiene que implicar el reclamo de justicia. La fotografía construye memoria desde un recorte de la historia. Y cuando el olvido quiera hacer su trabajo\, aquí estarán estos retratos testigo para impedírselo”\, agregó Kapszuk. \nPara esta exhibición\, que busca promover el ejercicio de la memoria y renovar el reclamo de justicia\, se dispuso además de un espacio dedicado a las fotos históricas que realizó Julio Menajovsky\, uno de los primeros reporteros gráficos en llegar al lugar de la explosión en la mañana del 18 de julio de 1994\, y cuyas imágenes fueron reproducidas en los medios de comunicación a lo largo de estos años. \nLos asistentes también podrán ver los afiches que realizó el artista Tano Verón\, a pedido de la institución para el 26º aniversario del atentado\, para denunciar\, a través del arte\, la impunidad vigente en la causa\, y rendir homenaje a las 85 personas que fueron asesinadas en el ataque terrorista\, del que ya se cumplieron 28 años. \nLos retratos que integran la muestra “Ese día” ya fueron exhibidos en diferentes consulados argentinos en los Estados Unidos\, incluyendo la sede de la embajada de nuestro país en Washington y Nueva York. En Miami la muestra podrá visitarse hasta el viernes 30 de septiembre. \nCon imágenes austeras\, pero de gran contundencia\, las fotografías que realizó Alejandra López\, a pedido de AMIA\, corroboran\, en toda su dimensión\, el momento bisagra que representó en la vida de cada sobreviviente el ataque terrorista perpetrado el 18 de julio de 1994. \nLas fotos fueron tomadas por la artista\, en su estudio\, durante la pandemia. Antes de realizar los retratos\, cada sesión contó con un encuentro previo\, en el que cada persona pudo contar su historia. “Creo en la comunicación y en el poder de la escucha. Esa charla formó parte del proceso creativo. Creo que para todos fue importante contar con ese espacio de conexión con lo que pasó aquel día\, para que el momento de la foto no fuera difícil de atravesar”\, recordó la fotógrafa. \nPara su exhibición\, las imágenes fueron impresas en papel artesanal\, especialmente confeccionado por Alejandro Geiler y Julio Mroue\, a partir de hojas de diario y fotocopias de recortes de noticias de los días posteriores al atentado terrorista contra la AMIA. \n“Ese día” cuenta con un catálogo virtual\, que puede recorrerse en http://esedia.amia.org.ar/.  Bilingüe e interactivo\, desde el sitio web se pueden conocer más datos sobre las historias de las personas que fueron retratadas (con solo tocar una de las imágenes)\, acceder a testimonios audiovisuales\, y realizar un recorrido virtual en una sala expositiva 3D. \nDesde el 19 de agosto\, los retratos de la muestra “Ese día” se exhiben en el segundo subsuelo de la sede de AMIA\, Pasteur 633\, de manera permanente\, y puede visitarse gratuitamente. \nFuente: Prensa AMIA \nImagen: Guido Cohen\, rabino en el Aventura Turnberry Jewish Center\, de la ciudad de Aventura\, Florida\, Tomás Redrado\, Elio Kapszuk\, director del departamento de Arte y Producción de AMIA\, Leandro Fernández Suárez\, Cónsul General argentino en Miami\, Jorge Argüello\, embajador argentino en Estados Unidos y el rabino Mario Rojzman. (Chule Valerga) \n 
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SUMMARY:LA PRÁCTICA DE LA PINTURA de VERÓNICA DI TORO
DESCRIPTION:El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se complace en presentar la primera muestra individual de Verónica Di Toro en nuestra ciudad. La práctica de la pintura presenta una selección de pinturas recientes en diálogo con obras de anterior realización\, emplazadas en la Sala Azul\, en el 1º piso del CMA. \nLa obra de Verónica Di Toro se desarrolla dentro del marco de la abstracción geométrica de bordes duros\, priorizando las exploraciones sobre el color\, y la relación con el espacio y la arquitectura. La Serie Cuadrículas (2017-2022) explora las variaciones de tonos\, las alternancias y los ritmos\, en la búsqueda de repeticiones que transporten el ojo de un extremo al otro de la tela. La Serie Modular (2002-2005) presenta diseños combinables entre sí\, que juntos forman una totalidad que resignifica las pinturas como módulos\, e incluso como módulos intercambiables. \nTexto Curatorial \nEl misterio del mundo \nContra la interpretación[1] es un ensayo icónico de Susan Sontag que abrió la conversación a mediados de los años sesenta sobre la apreciación del arte en el momento en que las nuevas vanguardias ponían en tensión los cánones tradicionales. \nAl mismo tiempo -y en completa sintonía con Sontag- desde Europa un joven Gerhard Richter señala que la teoría no tiene nada que ver con una obra de arte[2] poniendo así sobre la mesa una arista sumamente interesante: la infinita multiplicidad de aspectos de la imagen quitándonos la certeza sobre un único significado y un único punto de vista. \nCon esta mirada amplia y despojada nos proponemos recorrer las obras de Verónica Di Toro: un conjunto de pinturas de impecable manufactura que exploran las posibilidades y los límites de su materialidad. A través de un uso preciso del color\, Di Toro construye texturas\, volúmenes y contrapuntos que en sus diversas extensiones gravitan sobre los planos. \nPodríamos señalar que del mismo modo que la geometría ha tenido desde sus inicios la intención de constituir un cuerpo de conocimientos prácticos en relación a las formas\, el trabajo de exploración que Di Toro realiza con la pintura nos permite descubrir -a través de las alternancias y de las intersecciones de colores- nuevos modos de apreciar las imágenes. Imágenes que al ser contempladas nos llevan entre líneas y formas desde un extremo hasta el otro\, para volver a ingresar dentro de ellas. Una suerte de loop que nos deleita. \nSontag nos convocaba a recuperar nuestros sentidos\, a aprender más\, a oír más\, a sentir más. Una invitación que permanece vigente. Lo insondable de la obra de arte\, lo inasible de la pintura\, lejos de desalentarnos\, nos desafía. \nNos desprendemos entonces del contexto que nos rodea -de sus ruidos\, de sus distracciones y de sus incertidumbres- para adentrarnos en el mundo que la artista nos presenta -aquel que con destreza y disciplina ha construido a través de la pintura- aquel que esconde el misterio que con su pincel nos revela. \nCecilia Medina\, agosto de 2022. \n[1] Contra la interpretación\, Susan Sontag\, Editorial seix Barral\, Barcelona\, 1969 \n[2] http://simonzabell.com/blog/artist-quote-gerhard-richter/ \n  \nSOBRE LA ARTISTA \nVerónica Di Toro \nNació en la Ciudad de Buenos Aires en 1974. Se inició en la pintura en el taller de Mabel Deppiaggi y Raúl Rébora. En 1990 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y más tarde a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyredón\, egresando en 1997 con el título de Profesora Nacional de Pintura. Comenzó a transitar el camino de la abstracción geométrica\, el cual nunca abandonó hasta el día de hoy\, en el taller de Sergio Bazán donde completó su formación entre 2001 y 2004. \nSus primeras exhibiciones individuales se realizaron en el Centro Cultural Recoleta en 2003 y en la Galería Alberto Sendrós en 2005. Ese mismo año\, obtuvo la Beca a la Creación del Fondo Nacional de las Artes y participó con una instalación de pinturas de gran formato en Mix 05 en la Fundación Proa. \nSu obra fue seleccionada para formar parte de exhibiciones de arte geométrico junto a artistas internacionales\, siendo algunas de las más importantes la invitación en 2007 de Philippe Cyroulnick para participar en la inauguración de Orthodoxes-hétérodoxes: choisir sa ligne en Le 19’ Centre Regional D’Art Contemporain en la ciudad de Montbéliard (Francia) y en 2013 para la exposición celebratoria del centenario de la abstracción geométrica\, Geometría: desvíos y desmesuras en la Fundación OSDE de Buenos Aires\, curada por la historiadora de arte Danielle Perret (Université de Genève – Suiza). \nNumerosas muestras individuales se desarrollaron en distintas instituciones del país en el transcurso de los últimos diez años\, entre las que se destacan en 2011 Lo que persiste en el Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Santa Fe\, en 2014 Presente Continuo en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta y en 2020 El color es una línea en el tiempo en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata. \nEn la actualidad forma parte del staff de artistas de la galería Gachi Pietro Arte Contemporáneo Latinoamericano\, en donde presentó su exposición individual Piedra y consciencia en 2018. Ejerce la docencia en el Instituto Municipal Superior de Artes Plásticas de Avellaneda y en su taller en la Ciudad de Buenos Aires. \nWeb: www.veronicaditoro.com.ar \nMail: veronicaditoro@gmail.com \nIG: www.instagram.com/veronicaditoro/ \nLA PRÁCTICA DE LA PINTURA \nExhibición individual de VERÓNICA DI TORO \nTexto curatorial: Cecilia Medina \nInauguración: viernes 9 de septiembre 19\,30hs. Música en vivo La Listéylor Jazz Band. \nCierre: sábado 1 de octubre\, recorrido guiado por la artista 17.30hs. \nCentro Municipal de Arte. San Martín 797. Avellaneda \nEntrada libre y gratuita \nHorario: Martes a sábados de 10 a 20hs. \n  \n 
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SUMMARY:Cristina Santander. Re Nacer
DESCRIPTION:La pandemia supo trazar en nosotros un antes y un después. Nos hizo ver las cosas con cierta perspectiva\, para que podamos tomar conciencia entre lo que realmente vale la pena\, de lo que no. \nRE NACER\, como Cristina decidió titular esta exposición\, nos habla de eso\, de empezar de cero con la experiencia de lo ya vivido. \nLa muestra se compone principalmente por óleos que nos llevan al renacimiento\, puesto que muchas de ellos evocan a la obra de Botticelli. Son cuadros planteados autonómicamente. No son dípticos ni trípticos\, no se continúan en unos a otros\, son obras individuales que conviven entre sí. \nLos invito a visitar la muestra de una artista que\, por su incansable búsqueda de un lenguaje nuevo\, siempre sentí fascinación. Abordó el dibujo\, el grabado\, la pintura y hasta el acrílico. En todas sus facetas encuentro una línea personal\, todo le pertenece a ella y a nadie más\, siendo está\, una de las cualidades que más valoro en los artistas\, cualidad que cada vez es más difícil de encontrar. \nJavier Zenteno \n  \nRE NACER\n-Santander ‘22-\nEsta serie\, realizada durante y mientras y hasta hoy\, etapa de la humanidad por la cual\, todos\, atravesamos\, nace con un espíritu renovado y esperanzado\, con un mensaje inspirado en aquello que fue el mensaje a Nicodemo: ES NECESARIO NACER DE NUEVO. \n  \nCristina Santander\nRe Nacer\nDesde el 8 de Septiembre de 2022\nInaugura: 8 de Septiembre\, 18hs\nLunes a viernes de 12 a 20 hs. \nZurbarán\nCerrito 1522\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:SILVINA BAZ - Indivisibles
DESCRIPTION:El jueves 18.08 19:30hs inaugura la muestra «Indivisibles» en la Sala Molina Campos de E.S.B.A Manuel Belgrano – W. Villafañe 1342 CABA \nSilvina Baz\nEs una artista completa\, tanto en sus grabados resueltos con una rica variedad de recursos\, como en sus dibujos\, con soluciones tanto de la gráfica como pictóricos y por momentos utilizando elementos del grabado. También en sus pinturas\, donde el color se impone por encima de otros planteos. Se podría decir que las técnicas utilizadas\, si bien tienen su impronta propia\, funcionan de forma inseparable. Esto es así también\, debido a las temáticas que se afirman en la búsqueda de la artista. Las imágenes semiocultas en el lenguaje\, se muestran y se ven en una doble representación\, donde las realidades se multiplican en juegos de espejos\, donde el yo y el otro se amalgaman y son la misma cosa. Nada es lo que parece\, todo es el reflejo de un mundo oculto\, misterioso y mágico. Por todo ello trasunta una fuerte espiritualidad\, donde se pierden los límites entre el yo y el otro\, entre lo visible y el sujeto que vivencia\, aproximándose a la esencia del origen\, donde la individualidad todavía no se ha manifestado. El clima conseguido\, sugestivo y atrayente\, hacen de sus obras un mundo personal\, rico en resonancias. Creo que Silvina trasciende la categoría de una técnica y como artista que es\, puede desarrollar su mundo más allá de las técnicas utilizadas.\n\nJesús Marcos
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SUMMARY:Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina
DESCRIPTION:El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y el Consello de Cultura Galega presentan la inauguración de la exhibición MATERIALES SEOANE. Entre Galicia y Argentina\, el jueves 21 de julio a las 18\, en el Museo de arte español Enrique Larreta ubicado en Av. Juramento 2291\, C.A.B.A.\nEste año se cumple el sexagésimo aniversario de la fundación del Museo ocurrida el 12 de octubre de 1962. Dentro de los festejos se presenta la exposición Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina\, una selección retrospectiva del artista argentino-gallego Luis Seoane\, nacido en Buenos Aires en 1910. \nSeoane fue una figura versátil: pintor\, grabador\, muralista\, diseñador gráfico\, escritor y ensayista\, entre otras actividades culturales. Fue un nombre central de la cultura moderna en la Argentina\, a la vez que se convierte en uno de los artistas más completos de Galicia y en el primero en dedicarse a diferentes medios de expresión de una manera abierta. \nEl objetivo principal de Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina es evidenciar\, a través de diversos tipos de obras- xilografías\, óleos\, cerámicas\, serigrafías\, esténciles\, obra textil\, objeto múltiple\, revistas\, libros\, afiches y tapas de discos\, la diversidad experimental de la producción moderna de Luis Seoane y sus recorridos intelectuales\, considerando en particular su afán por fomentar el acceso amplio al arte y a la cultura.\nLa muestra estará acompañada por un programa de actividades públicas que relacionará la obra del artista exhibida en el museo y su entorno\, e invitará a chicos y jóvenes a conectarse con un artista muy activo y multidisciplinario. \n“Esta exhibición muestra el gran trabajo en equipo entre el museo Larreta y el Consejo de Cultura de Galicia\, junto con instituciones públicas\, y colecciones privadas. Y es\,  al mismo tiempo\, el reflejo del puente cultural que une a la ciudad de Buenos Aires con Galicia a través de un artista que fomentó el acceso a la cultura de distintas maneras. Es un orgullo que vecinos y turistas puedan disfrutarla”.- Enrique Avogadro\, ministro de cultura de la ciudad de Buenos Aires. \n“Nos hace muy felices contar con esta muestra en el Museo Larreta\, que subraya el contacto cultural entre Galicia y Argentina a través del quehacer de este gran artista que abordó múltiples soportes y disciplinas\, tanto en nuestro país como en España. Se realizó un trabajo colaborativo entre diversas instituciones y colecciones para llegar a esta exposición\, que se irá activando entre julio y noviembre con un programa público destinado a grandes y chicos”.- Martina Magaldi\, directora general de Patrimonio\, Museos y Casco Histórico. \nLa exposición está dividida en tres bloques temáticos y cronológicos que se articulan en función de las más de 90 producciones del artista\, que incluyen óleos\, grabados\, revistas y libros.  Además se exhibirá una selección de registros fotográficos de los murales del artista en la Ciudad de Buenos Aires tanto en edificios de departamentos como en galerías comerciales.\nCada bloque temático corresponde a una época en la producción de Seoane: \n-Expresionismo ácido\nLos materiales agrupados en este núcleo muestran la tensión entre los diferentes abordajes de la figura humana que Seoane desarrolla en su respuesta a los contextos de las décadas de 1930 y 1940. Se exhibirán publicaciones como Trece estampas de la traición (1937) y otras intervenciones en  revistas de la época remarcando su postura antifascista. Asimismo\, las tintas realizadas para tapas e ilustraciones de libros\, como los de Homenaje a la Torre de Hércules (1944) en los que el artista expresa una figuración de inspiración clasicista\, entre otras obras destacadas de este período. \n-Imágenes modernas\nLa obra de Seoane puede situarse con claridad dentro de la amplia modernidad del siglo XX. En las producciones que desarrolló desde los años cincuenta\, como las que se exhiben en este eje\, dominan las relaciones de formas\, colores y líneas para concretar una imagen sintética y de impacto visual. Conocedor de las vanguardias históricas y de los movimientos europeos y latinoamericanos contemporáneos\, el artista fue un importante activador de discursos modernos en múltiples instancias y dispositivos de enunciación.\nSe reúnen aquí producciones pictóricas y gráficas: afiches\, estampas\, pinturas\, libros y revistas son algunos de los trabajos donde materializó su constante imaginario sobre tipos populares. En paralelo\, llevó adelante exploraciones en diálogo con las corrientes no figurativas de la época. \n-Obra múltiple\nEste eje da cuenta de las vías en las que\, en los años sesenta\, Seoane profundizó en su indagación respecto de las relaciones entre imagen\, forma\, técnica y materia\, trasladando a veces sus representaciones de uno a otro tipo de soporte. A su histórico interés en la edición de obra gráfica y la ilustración de libros con xilografías originales\, sumó en esos años nuevas exploraciones con otras modalidades de producción multi ejemplar o seriada: tapices\, cerámicas\, tapas de discos y objeto múltiple. Entre el anclaje artesanal\, la vocación editorial y la multiplicación industrial\, el artista retomó técnicas y materiales tradicionales para concretar una producción moderna.\nSi el interés por democratizar el acceso a la cultura signó las búsquedas de Seoane\, la circulación de esta obra múltiple contribuyó a permitir que\, más allá del coleccionismo de élite\, nuevos públicos pudieran adquirir piezas artísticas. \nLa exhibición es co-curada por Silvia Dolinko y Pablo García Martínez\, especialistas en la obra de Seoane\, quienes seleccionaron obras de instituciones y colecciones nacionales y españolas. Dolinko manifiesta: “Si bien ha sido un gran desafío proponer un recorte dentro de la vasta producción de Seoane\, considero que esta exposición da cuenta de lo polifacético y multidisciplinar de la obra de este artista argentino-gallego; sus estampas\, pinturas\, publicaciones\, cerámicas y otros materiales que se incluyen en la exposición\, son claves para comprender aspectos centrales de su programa cultural\, su compromiso intelectual\, su voluntad democratizadora del arte y su afán experimental dentro de algunas líneas de la amplia modernidad del siglo XX”.\nMientras que García Martínez sostiene: “Las cuatro décadas de su trayectoria artística posterior al exilio a su país de origen están definidas en Seoane por una constante tensión entre los lenguajes modernos a los que tenía acceso en la trepidante Buenos Aires y la voluntad de diálogo con una tradición que pensaba inestable\, abierta siempre a renovación y orientada su utilidad hacia la construcción del futuro. El resultado\, tal y como muestra Materiales Seoane. Entre Galicia y Argentina\, es una obra plural\, atrevida y marcada por la energía de búsqueda de quien —por usar sus propias palabras—  “estou ao día\, penso\, non por moda nin afán de novedade\, sinón porque vivo a miña época”. A la altura de 2022\, el Museo Larreta le ofrece a Buenos Aires la ocasión de evaluar la vigencia de las búsquedas que plasmó en papeles\, lienzos\, maderas\, paredes\, cerámicas o libros un ciudadano insigne de esa parte de la ciudad moderna definida por el tránsito y el forzoso intercambio” .\nEsta exhibición es el resultado de la colaboración entre el Museo de arte español Enrique Larreta y el Consello da Cultura Galega\, así como la participación de instituciones gallegas y argentinas y colecciones privadas. \nSilvia Dolinko es Doctora en Historia del arte por la Universidad de Buenos Aires\, investigadora del Conicet con radicación en el CIAP-UNSAM\, Directora de la Maestría en Historia del arte argentino y latinoamericano de la EIDAES-UNSAM\, Secretaría de Investigación de la EAyP-UNSAM.\nPablo García Martínez es doctor en Culturas Latinoamericanas\, Ibéricas y Latinas por la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY) y actualmente trabaja en la Universidad de Santiago  de Compostela como investigador postdoctoral.\nColaboran:\nXunta de Galicia\, Embajada de España/ AECID/ Cooperación española. Cultura Buenos Aires\, Universidad de San Martín  e Instituciones Participantes en el Proyecto.\nPor Galicia: Fundación Luis Seoane\, Fundación Penzol\, Biblioteca Cidade da Cultura de Galicia.\nPor Argentina: Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Museo de la Emigración Gallega\, Museo Nacional del Grabado\, Colección Centro de Estudios Espigas – Fundación Espigas y Colección Archivo Taller Albino Fernández.
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SUMMARY:CRISTINA SANTANDER en el Palacio Paz
DESCRIPTION:Con la curaduría de Alicia Cunto\, la multifacética Cristina Santander presenta una serie de trabajos realizados en los últimos tiempos. Una vez\, escribió sobre ella Julieta Gargiulo: «Con una energía creadora que la lleva hacia diversas expresiones\, ha logrado el reconocimiento internacional por su importante trayectoria. \nSantander nos invita a recorrer junto a ella ese puente atemporal que transita entre la España clásica del ayer y su mirada contemporánea del hoy. Sus trabajos nos remiten\, a través de una relectura y recreación contemporánea\, a los grandes maestros Velázquez o Goya\, o bien transitan los caminos del Minotauro\, nos sumerge en aquellas selvas tropicales o nos sorprende con sus festivos jardines en acrílico». \n  \nDel 21 de julio a las 18 al 4 de agosto. Entrada libre y gratuita. \nSalón Centanario del Palacio Paz (Santa Fe 750).
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SUMMARY:SILVINA BAZ - Bitácora del Artista
DESCRIPTION:La Coordinación de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural a través de la Subsecretaria de Relaciones Institucionales del Ministerio de Economía de la Nación invita al público a reunirse con una expresión de líneas\, formas\, color y texturas únicas.\n\n\n\nA lo largo de la muestra\, Silvina Baz va construyendo una mirada personal “…presentando una oda a lo cotidiano\, a los referentes\, a la vida..” La muestra se presenta de manera interdisciplinaria. Su concepción polifacética se refleja en las obras que la componen. Grabados\, pinturas\, dibujos\, collages\, bocetos y matrices policromadas inundan de color\, líneas y formas el ámbito del Salón de Exhibiciones mas importante del Palacio de Hacienda.\n\n\n\n“…Los materiales que utilizo me engendran\, en ellos encuentro el punto de unión\, de trasmutación\, donde cada uno me ofrece sus cualidades. Ante todo soy grabadora. La matriz es la madre\, ese útero que alberga y genera. En el momento mágico de la edición\, del nacimiento de estampas múltiples o únicas\, todo puede ocurrir. Allí reside la pasión de mi crear…” nos aclara la artista.\n\n\n\nSobre la artista (Bio resumida)\n\n\nBuenos Aires\, 1976. Es Profesora Nacional de grabado (I.S.S.A. Bellas Artes); con postgrados en: Gráfica Artística; Práctica Reflexiva; Conservación Litográfica y Monotipos Gráficos (Escuela Superior de Bellas Artes «Ernesto de la Cárcova»). Se capacita en grabado calcográfico (Fundación Il bisonte\, Italia\, 2017)\, Workshop de punta seca y Workshop Gráfico (Grafisch Atelier Haarlem y De Grafiekdrukkerij\, Holanda\, 2017).\n\n\nEjerce como profesora de grabado y arte impreso I y II en la Escuela Superior de Bellas Artes REA. Gestiona Artebaz. Su proceso creativo sigue la línea de la poética intuitiva\, con una visión inspirada en lo social y espiritual que se manifiesta en sus obras a través de la abstracción conviviendo en armonía con una insinuante figuración.\n\n\n\n\n\nFecha: Desde el Lunes 18/07/2022 hasta el Viernes 14/10/2022\nLugar: Espacio Cultural Corredor Artístico del 2º Piso Hipólito Yrigoyen 250\, Ciudad de Buenos Aires.\nHorario: 10 a 16 hs (ingreso con DNI) y con aviso previo a 4349\,8164 (según protocolo)
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SUMMARY:HERNÁN SOSA "Paisajes interiores"
DESCRIPTION:Es un creador asediado por las artes. No exageramos si decimos que\, más bien\, es acosado sin descanso por sus temas y sus personajes. Solo tiene que buscar las formas\, los colores\, el lenguaje. Y\, por supuesto\, elegir el soporte en el que sus criaturas empiecen a existir en este mundo. Por eso\, el artista Hernán Sosa (Lima\, 1965) pinta\, trabaja esculturas\, escribe poemas\, cuentos y también escribe letras de canciones.Con todo ese hervor creativo\, Sosa ha creado un universo artístico múltiple\, diverso. \nY ese es el universo que Hernán Sosa muestra en ‘Paisajes interiores’\, una exposición de más de cuarenta piezas que exhibe en la galería Índigo\, en San Isidro. Allí presenta\, como un ofertorio\, lo que su imaginación ha creado: óleos\, acuarelas\, acrílicos\, esculturas\, trabajos de distintas épocas y técnicas. \nSi bien el arte también es un medio para revelar el alma\, las entrañas del artista\, ‘Paisajes interiores’ tiene que ver\, más bien\, sin dejar de lado lo íntimo\, con los alrededores cotidianos de Sosa. \n“Esta muestra es un poco de lo que yo veo todos los días en mi taller. O sea\, el producto de mis obras\, tenerlas a mí alrededor\, la cantidad de ellas\, porque son muchas\, se convierte en el paisaje que yo veo todos los días. Este paisaje no lo conoce mucha gente y ahora quiero que vean”\, explica el artista. \nHernán Sosa tiene una trayectoria reconocida. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, en Arequipa. Se inició con la acuarela y se convirtió en uno de los más altos exponentes de la acuarela arequipeña. Y ha ganado no pocos concursos\, entre ellos el primer puesto en acuarela del Peruano Británico\, el primer puesto en óleo en el concurso de pintura de la Southern Perú Copper Corporation\, el primer puesto en el concurso Banco de Lima en la Alianza Francesa\, Artista Ilustre en la Municipalidad de Arequipa\, entre otros. \n\nHa expuesto en Ecuador\, Santo Domingo\, Puerto Rico\, México\, EE. UU. y Holanda. Y recientemente en el Museo Metropolitano de Monterrey en México y en el MIFA Gallery en la ciudad de Miami\, EE. UU.\n\n\n\n‘Paisajes interiores’. Muestra. Se exhibe en la galería Índigo: av. El Bosque 263\, San Isidro. Visita: lunes a sábado: de 10:30 a.m. a 7:30 p.m. Domingo de 11 a.m. a 7 p.m.
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SUMMARY:Homenaje a Ides Kihlen
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 5 de julio\, a las 19\, “Homenaje a Ides Kihlen”\, una exposición que celebra a la artista argentina\, a 105 años de su nacimiento\, en un recorrido por cinco décadas de su trayectoria. \nCon curaduría de María Florencia Galesio\, investigadora del Bellas Artes\, la exposición –que podrá visitarse en la sala 42 del segundo piso hasta el 7 de agosto– incluye una selección de 25 piezas de Kihlen\, desde las creaciones automáticas que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta los trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nNacida en Santa Fe el 10 de julio de 1917\, Kihlen inició su formación a los 14 años en la Escuela de Artes Decorativas de Buenos Aires\, dirigida por Pío Collivadino. Fue también alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. En París\, se formó con André Lhote. A partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro. \nPero recién a comienzos del siglo XXI\, a sus 85 años\, sus pinturas salieron a la luz pública. En 2002\, realizó su primera muestra individual\, una retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Desde entonces\, ha exhibido su trabajo en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. \n—- \nEl Museo Nacional de Bellas Artes celebra a la artista Ides Kihlen\, a 105 años de su nacimiento\, con una muestra que recorre cinco décadas de trayectoria\, desde sus creaciones automáticas\, que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta sus trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nDueña de una carrera tan extensa como secreta\, durante ocho décadas Kihlen trabajó en su taller\, indiferente a las modas\, a los movimientos y\, sobre todo\, al sistema del arte. Su interés se centraba en la creación misma\, sin preocuparse por cumplir con los mandatos y las estrategias que suponen la construcción de una carrera artística. Su pulsión por crear la impulsó a soslayar la idea de atesorar y conservar su propia producción\, por lo que incluso llegó a destruir sus telas o a reutilizarlas como soporte de nuevas piezas\, como si la pintura fuera pura expansión\, puro porvenir\, un eterno work in progress. \nHasta fines del siglo pasado\, su obra constituyó uno de los secretos mejor guardados de la escena de las artes visuales en la Argentina. Fue recién en el inicio del siglo XXI cuando sus pinturas abandonaron su taller y salieron a la luz pública. En 2002\, el Museo Nacional de Arte Decorativo organizó una gran retrospectiva que\, a la vez\, fue su primera muestra individual. Ides tenía 85 años. \nA partir de entonces\, su producción comenzó a circular y a suscitar gran interés\, lo que la llevó a exhibir en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. Rápidamente las instituciones públicas se hicieron eco de su trabajo\, y fue invitada a participar de exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata (MACLA)\, el Museo Caraffa de Córdoba y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. \nHoy\, el Museo Nacional de Bellas Artes se suma a esa historia de reconocimientos con esta muestra\, que da cuenta de su enorme labor y de la originalidad y libertad de la poética de Ides Kihlen en el campo de las artes visuales. \nAndrés Duprat \nDirector \nMuseo Nacional de Bellas Artes \n—- \nIdes Kihlen nació en Santa Fe el 10 de julio de 1917. El río Paraná\, en su paso por Corrientes y Chaco\, formó parte de su geografía infantil. El contexto familiar ‒un padre aficionado a las artes plásticas y una madre entusiasta del piano‒ acompañó desde pequeña la inclinación de Ides hacia la pintura y la música. \nYa en Buenos Aires\, y con 14 años\, ingresó en la Escuela de Artes Decorativas\, dirigida en aquel momento por Pío Collivadino. Desde entonces\, no dejó de perfeccionarse. Fue alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. Durante una estadía en Europa\, conoció las colecciones de los grandes museos y\, en París\, asistió al taller del reconocido maestro André Lhote. \nA partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro\, a quien decidió mostrar por primera vez sus trabajos. Completó su formación profundizando el estudio de la historia del arte para comprender los contextos de producción. \nTodo este bagaje constituyó el germen de una obra original desplegada a lo largo de más de 90 años de carrera\, fuera del circuito de galerías y museos. Su espíritu inquieto se intuye al entrar en el taller. Allí se advierten los rastros de su incesante labor: pinceles\, pomos de pintura\, tijeras\, papeles cortados y trapos cubren el espacio circundante. Un piano\, atriles\, tableros y una mesa ratona\, sobre la que trabaja cuando no lo hace directamente sobre el piso\, forman el ámbito donde emprende a diario la tarea de pintar. En la intimidad de ese lugar “cuasi sagrado”\, y de manera incansable\, ha seguido una rutina que alterna momentos dedicados a la pintura con otros destinados a la música\, en los que suele interpretar al piano sus propias composiciones. \nLa producción de Kihlen atravesó una primera etapa dominada por el lenguaje figurativo\, que comenzó a dejar atrás en la década de 1960. “La figuración se me fue como diluyendo”\, explica la artista. Ese giro implicó un proceso que llega hasta la actualidad\, en el que exploró los caminos de la abstracción\, siempre dentro de una práctica personal. \nEste primer período de cambios se caracterizó por imágenes con las que insinúa formas rectangulares sobre fondos texturados. Al mismo tiempo\, comenzó a incorporar manchas\, líneas\, círculos y triángulos\, elementos que continúan habitando sus composiciones\, en ocasiones como resultado de tratamientos automáticos. Luego irrumpen los números y las letras trabajados sobre fondos a manera de pizarras\, que intercala con líneas y formas de color. \nHacia el final del siglo XX y el comienzo del nuevo milenio\, se hicieron presentes los fondos negros interrumpidos por un juego de arabescos de líneas blancas que interactúan libremente con formas de colores. Utiliza también tiras de papeles pintadas de blanco y negro\, como el teclado de un piano o la piel de un tigre\, que modulan la superficie de sus obras. Desde este momento\, su obra puede organizarse en las series “Negra”\, “Blanca”\, “Del Tigre” y “Roja”. En los últimos años\, esos fondos se iluminaron hasta alcanzar el blanco \nParalelamente\, creció su afán de experimentación con la materia y las texturas\, que la llevó a incursionar con más fuerza en las posibilidades expresivas del collage. La artista también recurre a hilos y papeles de colores. Distribuidos rítmicamente sobre el espacio del soporte\, generan movimientos que parecen acompañar la música interna de la pintora en el acto de crear. En ocasiones\, frente y fondo juegan con la superposición de los papeles yuxtapuestos y se exaltan mutuamente por acción del color\, donde además lo táctil cobra valor. \nEl predominio de los fondos blancos cede en algunas piezas ante el rojo vibrante\, que dialoga con zonas trabajadas con collage. En otras obras\, la gestualidad de la línea dinamiza los fondos\, que asumen un fuerte protagonismo. Para la serie que dedica a las “Partituras”\, presenta una suerte de sinestesia: la artista acude a partituras impresas y a notaciones musicales interrumpidas por un colorido collage. \nAnte la producción de Kihlen\, es posible pensar en su proximidad a la abstracción de artistas como Paul Klee\, Vasily Kandinsky y Joan Miró. Sin embargo\, su derrotero vital la condujo por un canal independiente y autónomo. \nIdes reivindica lo artesanal en el trabajo del collage\, en el deleite por el color\, la materia y la textura. Sobre su obra sobrevuelan la intuición y el juego como aceleración de la creatividad\, realzados por acentos poéticos. \nMaría Florencia Galesio \nCuradora \n 
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:El Ladrillo - Patrick Hamilton
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino y la Asociación Amigos del MACBA tienen el agrado de presentar El Ladrillo\, selección de obras de Patrick Hamilton (Bélgica\, 1974) realizadas en los últimos 5 años e inspiradas en el estudio y análisis del libro/informe homónimo que a mediados de los años 70s sirvió como base para la política económica de corte neoliberal impuesta en Chile por la dictadura de Augusto Pinochet. En las obras propuestas existen referencias a la historia social y económica\, a la memoria colectiva y a los movimientos artísticos como el constructivismo ruso\, el neoplasticismo\, el arte conceptual latinoamericano de los años setenta y ochenta\, el minimalismo y el arte povera. “Como parte de un acto de coherencia con un discurso de crítica política y económica\, trabajo con materiales sencillos\, elementos propios del sector de la construcción y la albañilería como serruchos\, guantes de trabajo\, espátulas ladrillos y lijas\, para crear —de manera poética— composiciones simples y económicas” Hamilton. La exhibición cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile\, la Galería Casado Santapau y la Galería Patricia Ready.
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SUMMARY:Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato\, edición 2021.
DESCRIPTION:En el marco del programa Agenda Abierta*\, quedo inaugurada el 23 de junio a las 18hs la muestra colectiva de los Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato*\, edición 2021. Muestra en la *sala de exposiciones del Honorable Concejo Deliberante* (Juan Bautista Alberdi 4880\, *Caseros*). \nLuego de dos años se pudo organizar este tradicional certamen\, fruto de la articulación entre la *Subsecretaría de Cultura y SAPI (Sociedad de Artistas Plástico Independientes)*. Esta exhibición está conformada por dibujos\, pinturas y grabados de quienes resultaron ganadores. Ellos son Angélica Alexander\, Silvina Baz\, Carlos Pereyra\, Alejandro Lois y Julián Cheula. Participarán estudiantes de la *Carrera de Violoncello de la EMMU.* \nPodés visitar la muestra *desde el 23 de junio hasta el miércoles 3 de agosto* de lunes a viernes de *9 a 18 hs.*
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LOCATION:Honorable Concejo Deliberante\, Juan Bautista Alberdi 4880\, Caseros\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:II BIGAI - Museo Emilio Caraffa
DESCRIPTION:II Bienal Internacional de Grabado y Arte Impreso en Pequeño Formato. En el Museo Emilio Caraffa.\nOrganizado por la Universidad Nacional de Córdoba.\n«Interseccionalidades + Intersecciones» \nObras seleccionadas:\nCimiento y Complementariedad”\nFotolitografia en poliester \n  \nMuseo Emilio Caraffa. \nSala 1 \nMartes a domingos y feriados de 10 a 19 hs. \n 
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LOCATION:Museo Emilio Caraffa\, Av. Poeta Leopoldo Lugones 411\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:Las formas del Arte
DESCRIPTION:MOCHUELO ART INAUGURA LAS FORMAS DEL ARTE \nLas Formas del Arte es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art\, donde se integra el arte de los Maestros Jesús Soto\, Francisco Narváez\, Mateo Manaure\, Gaudi Esté\, Jorge Dager\, Jorge Salas\, José Campos Biscardi\, Eduardo Agelvis y la incorporación de dos nuevos artistas al staff de Mochuelo: Jorge Pallares y Oscar García Seguí. \nEn la exposición quisimos ir más allá de lo antes mostrado. Integramos la propuesta plástica de maestros en diversas épocas y corrientes y las llevamos a una lectura unísona y atractiva para el espectador. Hicimos que el Maestro Jesús Soto en su cinetismo se fusionara con los volúmenes de Francisco Narváez… y entablaran un diálogo fluido… y así sucedió con las columnas policromadas de Mateo Manaure y el maravilloso trabajo de la gran escultora latinoamericana Gaudi Esté.  \nLa exposición reúne más de 30 obras de diversos formatos tanto en pintura como escultura. Algunas incluso\, nunca han sido mostradas al público\, como el caso de las Plakas del Maestro Francisco Narváez. \nEn esta oportunidad\, el Maestro Campos Biscardi nos sorprendió a través de una obra muy particular que decidimos colocar en vitrina\, y se trata de la intervención de una silla de una manera muy especial\, haciendo alusión por supuesto\, a su leve motive El Ávila. La misma decidimos acompañarla con el libro Marisol and Andy Warhol take NY\, haciendo alusión a la exposición de ambos artistas desarrollaron en Miami.  \nEsta exposición que recién inauguramos\, contará con visitas guiadas\, conversatorios y talleres\, por lo que los invitamos a seguirnos por @mochueloart. Dice Soraya Gabaldón Dir de Mochuelo Art. \nLa exposición Las formas del Arte\, estará abierta hasta el 14 de Agosto de 2022 de Martes a Sábado de 10 am a 3 pm en Mochuelo Art ubicada en el Centro Comercial Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla \n Para mayor información  \nSoraya Gabaldón \nDir Mochuelo Art \nTlf + 58 414 12 49 139 \n@mochueloart
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SUMMARY:Silvina Baz y Verónica García. ”PANAL II”
DESCRIPTION:”PANAL II”\n\nSomos «Engranajes del tiempo» le dimos este nombre a nuestro colectivo artístico dado que el tiempo y sus giros nos construyó\, nos generó. Viajes\, encuentros y desencuentros. El arte nos volvió a unir ya como docentes y con andares en el medio artístico. Así\, decidimos conformar un camino juntas.\nPresentamos aquí\, Panal II una muestra conformada por pinturas que van de la acuarela al óleo\, de tintas al agua a tintas gráficas\, de soportes como el papel y el metal\, a la madera y la tela. El dibujo y el grabado también están presentes como aliados de un mundo interior. Así\, trabajadoras\, laboriosas en nuestros panales\, es decir en nuestros talleres\, nos comunicamos a través de nuestro lenguaje: el arte.\n\nPANAL II\, la muestra se puede visitar en el Honorable Concejo Deliberante de San Isidro\, 25 de mayo 459\, de lunes a viernes\, de 9 a 16hs.\, hasta el 22 de junio.
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LOCATION:Honorable Concejo Deliberante de San Isidro\, 25 de Mayo 459\, San Isidro.\, Argentina
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SUMMARY:Nicolás Menza. El Hilo Rojo
DESCRIPTION:El Hilo Rojo\n\nNo es un reordenamiento cronológico a modo de retrospectiva razonada\, la muestra reúne trabajos entre 1982 a 2022\, de los comienzos en la escuelas de bellas artes hasta alguna obras de producción realizadas en el aislamiento de la pandemia covid 19.\n\n\n\nDesde el inicio donde ese hilo empezó a delinear y trazar un camino\, en el lenguaje poético de la pintura\, sin especulación\, ni calculo\, con la curiosidad de investigar lo desconocido\, guiado solo por la pasión y el deseo\, es también un camino hacia uno mismo\, lo trascendente es transitarlo con honestidad\, introspección\, así poder descubrir\, sorprenderse\, y poder traducirlo en ensayos poéticos en el lenguaje visual… ese Hilo Rojo que une todo\, lo externo y lo interno\, es la línea testigo \, es el tránsito hacia un horizonte inasible\, inalcanzable \,en la vida y en el arte ser como decía mi maestro un humilde peregrino.\nNicolás Menza\n\n\n  \nEl Hilo Rojo\nDesde el 2 de Junio al 26 de Junio de 2022\nEntrada libre y gratuita. \nThe Art Gallery – Uruguay 967. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n                                                             
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LOCATION:The Art Gallery\, Uruguay 967\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Mujer Cola de Ballena - Hernán Sosa
DESCRIPTION:La galería de arte Yvonne Sanguineti presenta la exposición Mujer Cola de Ballena\, individual realizada por el artista plástico Hernán Sosa. La muestra está conformada por una selección de pinturas de mediano y gran formato. \nHernán Sosa (1965) siguió la carrera de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor”\, en Arequipa. Posteriormente seguiría una formación en dibujo artístico y publicitario en la Universidad Católica Santa María de Arequipa. Recibió diversas distinciones\, entre las que se encuentran: Medalla de Excelencia al Arte y la Cultura. Municipalidad de Arequipa\, Perú (1997); Diploma de Honor. Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, Arequipa\, Perú (1995); y Primer Premio en el Concurso de Pintura John Constable. Cultural Peruano Británico. Lima\, Perú (1993). \nHa expuesto su obra en muestras individuales y colectivas en el Perú y en el extranjero\, así como en diversas ferias internacionales: Segunda Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, CC Rímac Seguros (Lima\, 2011); Primera Exposición Colectiva de Hernán Sosa\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2010); Mujer Cola de Ballena Vanderbilt Gallery(Massachussets\, 2009); Sex and the City\, Sweet Art Gallery (Florida\, 2008); Mona a la Medida\, Galería Yvonne Sanguineti (Lima\, 2008); Feria Contemporary Art Dubai (2008); Feria Internacional de Shangay (2008); Insondable\, Galería Artana Latin American Art (Holanda\, 2007); Feria de Arte de Colonia Alemania (2007); Alexander and Victor Gallery\, (Miami\, 2006); Galería del Club Empresarial (Lima\, 2005); Artistas Peruanos Contemporáneos\, Museo de Bellas Artes Gravina\, (Alicante\, 2005); Desnudos\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Naturaleza Viva\, Galería Wu Ediciones (Lima\, 2003); Feria de Toronto (2002); Art Miami\, Francisco Nader\, Centro de Convenciones Miami Beach\, (Miami\, 2001); entre otras. \nHernan Sosa retomará en esta muestra la serie Cola de Ballena\, sobre la base de la línea trabajada en sus últimas exposiciones\, línea a la que el artista denominó Proceso Creativo. \nEl proyecto desarrollado en Proceso Creativo intenta dar cuenta de cómo el arte brinda al creador\, en el ejercicio del acto creativo\, un espacio de flexibilización e intercambio con otros ámbitos de lo artístico\, en los que es posible experimentar\, integrar\, producir intersecciones que trasciendan los límites de la propia labor. \nCola de Ballena será entonces una recreación del intercambio entre el artista y su propia obra: tanto con su creación narrativa\, dado que éste es también el nombre de un cuento escrito por Sosa\, y su producción pictográfica\, realizada en una serie anterior. La dinámica transubjetiva que realizará el pintor con sus personajes\, productos de sí pero ahora ajenos a él\,  generará nuevas realidades que pasarán a materializarse en las nuevas experiencias de Cristina –nuestra mujer Cola de Ballena- en el lienzo. \nLa exposición será inaugurada el miércoles 11 de mayo a las 7.00 p.m.; y podrá ser visitada hasta el sábado 11 de junio\, de lunes a sábado de 11.00 a .m. a 8.00 p.m. en Av. Grau 810\, Barranco.
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SUMMARY:León Ferrari L’aimable cruauté
DESCRIPTION:El Centre Pompidou presenta la primera exposición museográfica de la obra de León Ferrari en Francia. Autor de una obra proteica\, por momentos misteriosa y literal\, el rigor formal de León Ferrari (1920-2013) está a la altura de su poder subversivo. \n\n\n\nIngeniero de profesión\, dibuja como artista autodidacta desde 1946\, hasta que en 1952 se traslada con su familia a Italia y crea sus primeras esculturas de cerámica. Golpeado por la violencia de la época\, en particular la guerra de Vietnam\, Ferrari dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental. Su discurso anticolonial va unido a un feroz anticlericalismo\, pues responsabiliza al cristianismo de los fenómenos contemporáneos de tortura y exclusión. Al negarse a adoptar un enfoque puramente formal de su obra\, Ferrari nos advierte constantemente sobre el proceso por el que el arte embellece y trivializa la violencia\, un mecanismo que él denomina «aimable cruauté» (crueldad amable). \nhttps://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/OvW2k6Q \n\n\n\n\nCuando: 20 abr – 29 ago 2022\n11:00 – 21:00\, todos los días excepto martes \n\n\n\nSe recomienda encarecidamente reservar
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\,\, París\, Francia
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