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SUMMARY:Memoria Una exposición retrospectiva de Boris Lurie
DESCRIPTION:La muestra se exhibirá en dos sedes: el Museo Judío de Buenos Aires ubicado en Libertad 769 y en el Centro Cultural Borges. La Boris Lurie Art Foundation (BLAF) imprimió un catálogo bilingüe que se presentará en el marco de las exposiciones. En ambas sedes la entrada es gratuita. \nEl título de la exposición\, Memoria\, abre la mirada hacia nuestra propia historia. Este artista nos deja el legado de su lucha por la verdad y la justicia. Su arma fue mostrar y no ocultar\, con la esperanza que estos actos de horror y violencia no se vuelvan a repetir jamás. \nInauguración: miércoles 11 de octubre\, 18 h\nCierre: 26 de noviembre \nSobre Boris Lurie (1924 – 2008) \nNació en Leningrado\, en el seno de una familia judía. Con el crecimiento del Estalinismo\, su familia se mudó a Riga\, capital de Letonia. Tras la ocupación nazi en 1941\, la familia fue dividida por género y reubicada en dos guetos diferentes. Su abuela\, su madre\, su hermana y su novia fueron víctimas de la masacre de los bosques de Rumbula junto a 36.000 mujeres y niños. Boris y su padre fueron trasladados a los campos de Lenta\, Salapils y Stutthof en Alemania donde\, obligados a realizar trabajos forzados\, lograron sobrevivir. En 1945\, las tropas americanas concretaron su liberación. Su conocimiento del alemán y el inglés le permitió traducir documentos para las tropas aliadas\, lo que le valió el visado para emigrar a Estados Unidos en 1946. Junto a su padre se instalaron en Nueva York\, ciudad donde su otra hermana vivía desde antes del Holocausto. Ese mismo año comenzó su carrera como artista. El arte para él fue su vida\, su terapia y un modo de protestar contra el racismo\, el antisemitismo y la hipocresía social que encontró en los Estados Unidos durante la guerra fría. El trauma del Holocausto lo llevó a canalizar su duelo a través del arte. \nJunto a los artistas Sam Goodman y Stanley Fischer fundaron el “NO! Art Movement”\, un movimiento artístico de vanguardia cuyo período más activo fue entre 1959 y 1964. Esta corriente fue creada con el objetivo de abordar temas como el imperialismo\, la sociedad de consumo\, el sexismo\, el mercado del arte\, la vulgaridad y la depravación. El Movimiento NO! Art buscaba la autoexpresión de las personas que condujera a la acción social\, así como visibilizar los mecanismos de poder y criticar la creciente cultura del consumismo y el entretenimiento. Algunas de las obras de este período se caracterizan por la fusión del erotismo comercial con el holocausto dejando al desnudo la frivolidad del ambiente de la época y la ignorancia histórica. Esta es una de las razones por las cuales sus trabajos se encontraron con la indignación y el rechazo de los críticos\, coleccionistas y los actores del mercado del arte establecido. \nSe sumaron a este movimiento artistas como Rocco Armento\, Isser Aranovici\, Yayoi Kusama\, Enrico Baj\, Herb Brown\, Allan D´Arcangelo\, Erró\, Dorothy Guillespie\, Esther Morgestern Gilman\, Allan Krapow\, Jean-Jacques Lebel\, Suzanne Long\, Michelle Stuart\, Aldo Tambellini y su gran amigo Wolf Vostell\, entre otros. Si bien el NO! Art muestra similitudes con el Pop Art\, el grupo disentía y condenaba al «Arte Pop» porque lo percibían como banal\, como un arte de moda que buscaba aturdir en vez de hablar de temas importantes. El Movimiento se reflejó originalmente en la Galería de Gertrude Stein de Nueva York\, y se manifestó en otras numerosas salas y museos de Estados Unidos\, Europa e Israel.
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LOCATION:Centro Cultural Borges\, Viamonte 525\, esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Premio Nacional de Pintura del Banco Central. 15 años En Centro Cultural Kirchner
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner y el Banco Central de la República Argentina (BCRA) presentan el Premio Nacional de Pintura Banco Central. 15 años. La exposición reúne 41 obras pertenecientes al acervo del Banco Central de la República Argentina (BCRA) obtenidas a través del Premio Nacional de Pintura. El certamen comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino e incentivar la participación de artistas locales y aumentar la colección pictórica a través de una política de adquisición de obras. \nCon curaduría de Rodrigo Alonso\, las obras seleccionadas configuran un corpus representativo de la historia reciente de la pintura local\, así como de la actualidad de la pintura en el panorama contemporáneo. En la colección dialogan obras de artistas históricxs como Josefina Robirosa y Liliana Porter con piezas de nuevas generaciones de artistas que investigan lo pictórico desde el presente y que exploran las amplias posibilidades que se despliegan entre la figuración y la abstracción\, dando cuenta así de la diversidad de la escena artística argentina. \nLa exhibición está integrada por obras adquiridas durante los quince años de existencia del concurso\, bajo las categorías de Gran Premio Homenaje\, Primer Premio\, Primera Mención Jóvenes Artistas\, Premio Jóvenes Artistas y Primer Premio Jóvenes Artistas. De este modo\, el Premio Nacional de Pintura Banco Central de la República Argentina\, se configura como un certamen imprescindible para el incentivo del arte contemporáneo argentino y la promoción del acceso a la producción visual de nuestro país. \n\nArtistas en exhibición\nCarlos Alonso\, Julia Andreasevich\, Valentina Ansaldi\, Delfina Bourse\, Celina Eceiza\, Diana Dowek\, Alfredo Dufour\, Sara Facio\, Guadalupe Fernández Santamaría\, León Ferrari\, Alfredo Frías\, Jorge González Perrin\, Agustín González Goytía\, Silvia Gurfein\, María Gimena Herrera\, Magdalena Jitrik\, Gyula Kosice\, Silvana Lacarra\, Alfredo Londaibere\, Valeria Maggi\, Gustavo Marrone\, Ad Minolitti\, Luis Felipe Noé\, Paula Otegui\, Margarita Paksa\, Diego Perrotta\, Liliana Porter\, Alfredo Prior\, Alejandro Puente\, Agustina Quiles\, Josefina Robirosa\, Tulio de Sagastizábal\, Hernán Salamanco\, Jorge Sarsale\, Marcia Schvartz\, Agustín Sirai\, Elsa Soibelman\, Clorindo Testa\, Diego Vergara\, Luis Wells\, Ana Won. \n\n\nLa exhibición se puede visitar a partir de su inauguración\, el 4 de octubre a las 18 h\, y hasta el 19 de noviembre\, de miércoles a domingos de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas. \nSobre el Premio de Pintura del Banco Central\nEl Premio Nacional de Pintura del Banco Central comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino\, incentivar la participación de artistas locales y aumentar el acervo pictórico del Banco Central a través de la adquisición de obras. \nA través de una muestra itinerante de la colección premiada\, las obras del acervo pictórico del Banco Central han recorrido la mayoría de las provincias estimulando el contacto con la comunidad y democratizando el acceso a la cultura visual. \nEn 2018 la iniciativa recibió la distinción “Mecenazgo en el siglo XXI” de pptArt por la promoción sostenida del arte visual argentino desde 2007\, galardón que reconoce a las instituciones que participan activamente en el desarrollo de las artes y la sociedad en más de 28 países. También\, en 2017\, fue declarada de interés por el Ministerio de Cultura de la Nación y en 2010 obtuvo el Premio Eikon en la categoría Campaña Patrocinio o Sponsoring Cultural. \nEl centenar de obras que conforman el acervo pictórico del Banco Central son patrimonio de todas y todos los argentinos y representan el entramado de cultura e identidad del país. \nRodrigo Alonso es licenciado en Artes\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico\, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 publicó una recopilación de sus principales textos titulada Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina. \nComo curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes ciudades del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum\, Fundación Proa\, Buenos Aires\, 2018); Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo\, Buenos Aires\, 2017); Pop\, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa\, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer\, Curitiba; GAMEC\, Bérgamo; Museo de Arte Moderno\, Río de Janeiro\, 2012-2013\, con Paulo Herkenhoff); Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda\, México\, 2013\, con Sarah Cook); Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral\, Chile\, 2013); Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein\, Fráncfort\, 2010). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado y asesor de fundaciones artísticas internacionales.
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LOCATION:Centro Cultural Kirchner\, Sarmiento 151\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Pinta BAphoto
DESCRIPTION:Pinta BAphoto\, la feria de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica\, anuncia su 19ª edición\, que se llevará a cabo del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2023. Este año\, el encuentro artístico dedicado a la promoción\, difusión y comercialización de fotografías vuelve a La Rural\, un espacio emblemático para la cultura en la ciudad de Buenos Aires\, ubicado en Av. Sarmiento 2704\, CABA. \nDiego Costa Peuser\, director de Pinta BAphoto\, compartió su entusiasmo por esta edición: “Será un encuentro imperdible que reunirá a más de 100 fotógrafos\, proporcionando un viaje inmersivo a través del fascinante mundo del arte. En esta edición\, decidimos homenajear a Boleslaw Senderowicz por su destacada trayectoria y su gran trabajo de registro y documentación a través de icónicas fotografías que han capturado momentos cruciales tanto en la cultura argentina como en el mundo. Esta distinción es nuestro tributo a su influencia y dedicación\, que han dejado una huella imborrable en el mundo de la fotografía”. \nDesde su creación en 2005 con la inauguración de BAphoto\, pasando por Pinta en 2007 y PArC en 2013\, las ferias de Pinta Group han sido testigos de la evolución de los paradigmas artísticos en América. Estas ferias han crecido en experiencia y se han convertido en un faro para artistas\, curadores\, coleccionistas\, galeristas\, instituciones públicas y privadas\, así como amantes del arte en general. Este universo conecta\, convoca y atrae a todos aquellos que valoran el talento y la gestión en el mundo del arte. \nhttps://baphoto.pinta.art/ \n 
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SUMMARY:Al rojo vivo
DESCRIPTION:Al rojo vivo no es una retrospectiva: es la apertura de “los archivos” que contienen el imaginario de una mujer pionera y multifacética\, que en esta exposición montada en tres salas vinculadas entre sí\, abre el cuerpo de su obra para presentarlo desde una mirada contemporánea\, invitando a un viaje con ideas convocantes\, sentido del humor\, sugestión y poesía. \nUn cosmos construído por el cruce de artes plásticas\, escénicas y visuales\, la música y el rock. Nuevas y viejas tecnologías al servicio de estas prácticas\, funcionan como herramientas junto a la iluminación y la banda sonora\, creando situaciones teatrales que Renata Schussheim utiliza para construir esta obra nueva. \nAlgunos hitos de su producción vinculada al rock y al arte colaborativo que realizó junto a Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura\, con fotos de Jorge Fisbein\, Eduardo Martí\, Gianni Mestichelli\, Martin Gurfein\, José Luis Perotta y Gabriel Rocca\, estarán exhibidos en distintos formatos y soportes. \nHabrá además vídeos\, dibujos\, animaciones\, gigantografías\, collages\, esculturas\, elementos corpóreos y dispositivos escenográficos\, vestuarios y figurines de toda su trayectoria. \n  \nSala Cronopios \nContiene obra plástica donde se exhiben imágenes proyectadas que conviven con dos mitos teatrales: la Reina Roja\, personaje de “Alicia”\, un espectáculo de Oscar Araiz inspirado en el cuento de Lewis Carroll; y la Reina de la Noche de la ópera de Mozart “La Flauta Mágica”\, con puesta de Sergio Renán. \nSala C  \nDedicada al teatro\, la ópera\, el musical y el ballet\, exhibe vestuarios y figurines que dieron vida a cientos de personajes de varios de los espectáculos en los que Renata participó. Una docena de trajes de distintos estilos\, realizados a lo largo de su trabajo\, forman un impactante ejército rojo. En el pasillo lateral veremos diseños de diferentes producciones. \nSala J  \nDedicada a la música\, particularmente el rock\, al trabajo que Renata realizó con Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura. Alberga una gigantografía del dibujo creado para la tapa del álbum “Música del alma”\, de García\, y una deconstrucción de esa obra que presenta extractos de la misma. También se verá un cortometraje documental inédito\, hecho con fragmentos de recitales\, entrevistas y videoclips. \n\nSOBRE LA ARTISTA Y LA CURADORA \n\nSobre la artista\, Renata Schussheim  \nEs una artista plástica que desarrolla su obra como dibujante\, pintora\, escultora\, directora de arte y diseñadora de vestuario\, considerada un ícono de la cultura en nuestro país y con reconocimiento internacional. \nDesde 1969 expone en forma individual en las galerías de arte más importantes de Argentina y muchos de sus trabajos han sido exhibidos en Ciudad de México\, Rio de Janeiro\, Sao Paulo\, París\, Lille\, Nápoles\, Torino y Ginebra. \nIlustra libros y realiza publicaciones en revistas de Buenos Aires y Nueva York. Ha sido invitada al Festival de Nantes donde presentó su instalación “Homenaje a Carlos Gardel” y al Festival de Teatro de Caracas con su exposición “Confidencial”. Otros trabajos de similar envergadura fueron “Travesía”\, “Nave” y “Epifanía”\, expuestos en el Centro Cultural Recoleta y en el Museo Nacional de Bellas Artes. \nTambién trabajó en muchas de las óperas dirigidas por el español Emilio Sagi en España\, Francia\, Portugal y Rusia. En 2023 fue declarada ¨Personalidad destacada en la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires¨. \nSobre la curadora\, Romina Del Prete  \nEs escenógrafa y licenciada en Artes del Teatro. Estudió pintura\, fotografía y guión. Cuenta con un Posgrado Internacional sobre Gestión y Política en Cultura y Comunicación. \nComo Diseñadora de producción y Directora de arte\, realiza proyectos de cine\, publicidad\, teatro\, tv\, contenido y espectáculos. \nHa trabajado en España\, Italia\, Perú\, Brasil\, Uruguay\, Chile\, Paraguay y Venezuela\, además de recorrer Argentina\, diseñando espacios y filmando. Como gestora produce y cura muestras e instalaciones en museos y centros culturales. Es docente titular de la carrera Dirección de arte\, en ENERC. Se dedica al dibujo como práctica artística. \nLa exposición «Al rojo vivo» de Renata Schussheim es organizada con el apoyo de Fundación Medifé.
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires
DESCRIPTION:Hasta el 4 de febrero puede visitarse la primera muestra antológica que el Bellas Artes dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 28 de septiembre a las 19\, en el Pabellón de exposiciones temporarias\, “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires”\, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \n“Esta exposición es producto de la exhaustiva investigación de un equipo interdisciplinario coordinado por las curadoras del proyecto ‒afirma el director del Museo\, Andrés Duprat‒. La labor de Malosetti Costa y Vanegas Carrasco\, comprometida con echar luz sobre los relatos y los sucesos que fundamentaron un incipiente arte moderno nacional\, ha hecho posible que el Bellas Artes presente al público esta retrospectiva de Sívori\, la primera que tiene lugar en nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a su figura en 1919”. \n“En esta muestra ‒explican las curadoras‒ nos hemos propuesto reunir la obra pictórica y gráfica de Eduardo Sívori (1847-1918)\, toda la que hemos hallado hasta ahora\, con el propósito de dar inicio a una catalogación razonada de la vasta producción de esta destacada figura\, a quien se conoce apenas por algunos grandes cuadros como ‘Le lever de la bonne’ (El despertar de la criada)\, con el cual suscitó el primer escándalo artístico en Buenos Aires\, en 1887”. \nSegún las especialistas\, Sívori fue quien desplegó una producción artística más amplia y sostenida entre los primeros modernos argentinos. Era el único que había viajado a Europa a comienzos de la década de 1870 y que\, al regresar\, compartió con sus jóvenes amigos las ideas acerca de la modernidad artística francesa y la pintura al aire libre. Constante y profesional\, envió obras a todos los salones parisinos durante su estadía en la capital de Francia y expuso en cada salón argentino\, desde su regreso a Buenos Aires hasta su muerte. \nDedicó su vida no solo a la creación de un arte nacional\, sino también a la enseñanza\, la conformación y el sostén de instituciones artísticas. Además de fundar la Sociedad Estímulo\, participó en la organización de las exposiciones del Ateneo\, y fue un actor clave en la creación del Museo Nacional de Bellas Artes\, la nacionalización de la Academia de Bellas Artes y la organización de los Salones Nacionales de Artistas desde 1911. Fue también pionero en la introducción del grabado al universo de las bellas artes y de su inclusión en los programas de enseñanza artística en el país. \n“Hemos dividido esta amplia exposición en cinco secciones con un orden que\, si bien no es estrictamente cronológico\, permite seguir el hilo de los intereses\, las líneas de reflexión\, los ideales estéticos\, las redes de afectos y la trascendencia de este pintor singular de la historia del arte en la Argentina”\, agregan Malosetti Costa y Vanegas. \nIntegran la muestra cerca de 200 obras\, fotografías\, documentos y objetos personales provenientes de colecciones públicas y privadas\, entre los que se cuentan pinturas\, dibujos\, acuarelas\, gouaches\, grabados y afiches creados por Sívori y algunos de sus discípulos. \n“Entre las piezas reunidas\, pueden verse los paisajes que realizó tempranamente\, las pinturas naturalistas y de crítica social del período parisino\, las numerosas representaciones de la pampa argentina y los retratos que dedicó a sus afectos”\, detalla Duprat. \n“Otra sección de esta muestra se propone destacar el modo en que Sívori ejerció de maestro de la generación siguiente\, así como su rol de pionero en la revitalización del arte nacional a través de la introducción de técnicas en ese momento ausentes en nuestro medio”\, completa el director del Museo. \n“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” podrá visitarse hasta el 4 de febrero de 2024 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo\, de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20\, con entrada libre y gratuita.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Pan y Trabajo de Alejandro Kuropatwa
DESCRIPTION:“Pan y Trabajo”es el título de la serie de fotografías inéditas que tomó Alejandro Kuropatwa cerca de 1984 a unas amigas\, una de ellas con sus hijos\, una propuesta que juguetea con la solemnidad de estos motivos\, a la vez que plantea un escenario de “familia\, propiedad\, trabajo\, sociedad” diverso. Subvertido. Este material de archivo se completa con la pieza de video“Aurora e Himno Nacional Argentino”\, producido por Kuropatwa Producciones en 1988\, en el que aparecen Divina Gloria y Peter Pirello\, del grupo Caviar\, en una parodia de la escuela\, los símbolos patrios y las instituciones\, cantando el Himno Nacional sobre un fondo de asados a la cruz. La pieza fue exhibida en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) hasta que un vendedor de pulóveres de la calle Florida lo denunciara por considerarlo “pornográfico” y tuvieran que retirarlo de la exposición. La censura sobre las libertades artísticas y el modo en que el humor o la ironía en el arte es abordado y cancelado es un tema que al día de hoy sigue siendo tema de debate y reflexión. \nAlejandro Kuropatwa\nPan y Trabajo\, c. 1984. Aurora e Himno Nacional Argentino\, 1988 en Casa Nacional del Bicentenario\n\n28/09/2023 – 28/10/2023\n\nLa muestra se podrá visitar hasta el 29 de octubre en la sala 302\, en el tercer piso de la Casa Nacional del Bicentenario en Riobamba 985. \nDe miércoles a domingos de 15 a 20hs. \nEntrada libre y gratuita
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LOCATION:Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner continúa rindiendo homenaje a los artistas más relevantes del país y presenta la exhibición Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo. Con curaduría de Federico Ruvituso –director del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti– y Viviana Mallol –directora del Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo–\, la exposición recupera parte fundamental de la obra de Florencio Molina Campos\, uno de los pintores más populares del país. Reúne trabajos que recorren la vida del artista\, desde su infancia y obra gráfica\, hasta sus reconocidas ilustraciones en almanaques de Alpargatas y de Estados Unidos\, a sus últimas creaciones.\n\n\nSe trata de un hecho histórico que reimagina el porvenir de este fundamental creador\, reconocido por todas y todos como un artista del pueblo. Las representaciones más celebradas de nuestro campo\, el humor y la ternura de sus paisanos y chinas\, ombúes\, caballos\, llanos\, pulperías\, fiestas y payadas se rescatan en su pintura humorística y poética\, que cuenta sobre una visión única del territorio nacional y del pueblo argentino.\n\n\nEsta colección que hoy se expone estuvo a punto de extraviarse para siempre\, debido al manejo poco claro de quienes eran responsables de resguardarla. Pudo recuperarse y exhibirse de forma itinerante en la Provincia de Buenos Aires a partir de la intervención de la Fundación Florencio Molina Campos y del trabajo interinstitucional del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires\, el Municipio de Moreno\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti de La Plata\, el Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo de Luján\, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y los aportes de la familia del artista.\n\n\nFlorencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo forma parte de una política cuyo fin es recuperar\, reparar y revalorizar nuestra historia\, para poder garantizar el acceso y el disfrute del patrimonio de los artistas\, para que los habitantes de nuestro territorio puedan visualizar\, compartir y hacer cultura.\n\n\nCuraduría: Viviana Mallol y Federico Ruvituso\nProducción: Centro Cultural Kirchner\n\n\nAgradecimientos\nFlorencia Saintout\, Mariel Fernández\, Denis Turnes\, Paloma Sánchez\, Gonzalo Giménez Molina\, Fernanda Brigues\, Ernesto Bauer\, Federico Aliaga\, Cintia Muñoz\, Hernan Tulisi\, Juan Carlos Malpeli\, Juan Carlos Alba Posse\, Tomás Viviani\, Victoria Onetto\, Pedro Delheye\, Mariana Ortiz Losada\, Vicente Linares\, Sofía Ampugnani\, Eduardo Aller\, Lisandro Novak\, Giuliana Pates\, Alberto Orsetti\, Celina Yusso\, Maite Pelaez\, Paula San Cristobal\, Analía Santangelo\, Ayelen Nievas\, Angélica Rodríguez\, Paula Illarregui\, Gustavo Pérez\, Elizabeth Fernández y Lucrecia Giménez\n\n\nLa exhibición puede visitarse hasta el 29 de octubre\, de miércoles a domingos\, de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas..\n\n\nhttps://www.cck.gob.ar/…/florencio-molina-campos…/
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SUMMARY:Premio Adquisición 8M Ediciones 2021-2022-2023 en Casa Nacional del Bicentenario 23/09/2023 - 31/03/2024
DESCRIPTION:La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la exposición PREMIO ADQUISICIÓN 8M. Ediciones 2021-2022-2023\, con los trabajos premiados en las tres ediciones de este certamen: 48 nuevas obras de arte contemporáneo que han sido incorporadas al patrimonio nacional.Se exhiben pinturas\, esculturas\, fotografías\, videos\, cerámicas\, textiles e instalaciones que dan cuenta del trabajo de artistas argentinas provenientes de Mendoza\, Santa Fe\, Tucumán\, Misiones\, Corrientes\, Córdoba\, San Juan\, Salta\, Neuquén\, la Provincia de Buenos Aires y CABA\, en un recorrido sensible y material por temáticas y preocupaciones que las atraviesan de manera transversal: la sexualidad\, la identidad\, la maternidad\, las tareas de cuidado\, la educación\, la religión\, el cuerpo\, la violencia\, la poesía\, los miedos\, las ilusiones\, los vínculos\, las tradiciones. \nEl Premio Adquisición 8M\, destinado a artistas mujeres\, lesbianas\, travestis\, trans y no binarias/os\, es la primera convocatoria impulsada desde el Estado nacional\, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación\, con el apoyo del Ministerio de las Mujeres\, Géneros y Diversidad. Se enmarca en las múltiples acciones para conmemorar el Día Internacional de la Mujer Trabajadora y desarrollar políticas tendientes a revertir la desigualdad de género en todos los campos del arte y de la cultura. Se lleva adelante desde 2021\, con el objetivo principal de revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas. \nSe podrá visitar hasta el 31 de marzo de 2024 en el primer piso de la Casa de miércoles a domingo de 15 a 20hs en Riobamba 985. \nPor Valeria Roberta González\nSecretaria de Patrimonio Cultural\nMinisterio de Cultura de la Nación
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SUMMARY:Leonel Luna Palimpsestos\, la memoria de las imágenes
DESCRIPTION:Las imágenes que utilizamos para reflejar nuestro mundo\, desde la invención de la fotografía digital hasta nuestros días\, adquieren hoy mediante las redes sociales\, una superposición infinita de visualizaciones que se multiplican\, conformando así\, información inconclusa. Son fragmentos de un todo y efímeros aspectos de nuestro presente\, llegando incluso a reinterpretar imágenes del pasado.Estas obras que expongo exploran esta superposición y el poder de las imágenes en constituirse y cobrar sentido para nuestra percepción\, más allá de su fragmentación. Lo visible adquiere forma según el contexto en el que vivimos y se convierte en representación de las cosas que reconocemos.El poder iconográfico de las imágenes va más allá de la noción de verdad y se convierte en una ilusión compartida\, en un subtexto que visibiliza lo que deseamos. La tecnología viene en nuestra ayuda para completar el círculo de creación y reproducción.El autor-creador asistido\, inmerso en la vida cotidiana\, se encuentra en la encrucijada entre el acto ético y estético. La diferencia radica en el diálogo de lenguajes que permita explorar nuevas posibilidades y significados. \n\nLa exposición participó de la Semana del Arte 2023 que se desarrolla del 27 de agosto al 3 de septiembre y nuclea diversas instituciones de la ciudad de Buenos. Aires. \n\n  \nLeonel Luna es artista y profesor en la UNA y la UNDAV estudió Bellas Artes. Fue investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM México. Cofundador del Programa TRAMA de cooperación entre artistas (2000). Obtuvo la Beca Antorchas para participar del Taller de Barracas con Luis Benedit y Pablo Suarez (1994-95). Y fue seleccionado para la Beca Kuitka (1994). Su producción artística se centró en la recreación de imágenes fotográficas con tratamientos digitales con un enfoque irónico y reflexivo para mostrar eventos particulares tanto del pasado como del presente histórico\, apropiándose de destacadas obras de artistas rioplatenses. Entre sus proyectos se destacan los que exploraron el terreno de la ficción\, dando vida a personajes como Natalio Artigas Pujol en «Itinerarios de un desconocido»\, Koczy LLojevo en «Cuadros de Situación»\, August Guinard en «Tres años en cautiverio» y la reconstrucción de «Naufragio» en el Patio de Maniobras de la Vieja Aduana de Buenos Aires. Fue seleccionado para el envío argentino a la Décima Edición de la Bienal de la Habana (2009). Obtuvo el 3er Premio Categoría Pintura\, Salón Nacional de Artes Visuales (2022)\, 2do Premio ArtexArte (2017)\, Mención Honorífica en Fotografía\, Premio Banco Nación de Artes Visuales (2016)\, 1er Premio Homenaje al Pueblo Ranquel (2009)\, 2do Premio Roggio Museo Emilio Caraffa (2008)\, 3er Premio Salón Nacional de Rosario (2008/2001)\, Premio Leonardo en Arte Digital MNBA (2003)\, Premio Konex Diploma al Mérito en Arte Digital (2002)\, Premio Artista Joven del Año Asociación Argentina de Críticos (2002). Su obra integra las colecciones de los museos MAMBA\, MEC\, Castagnino+MACRO\, MUMA\, Ñandé Mac\, Banco Central de la Nación Argentina\, Fundación Arte x Arte y de las principales colecciones privadas del país y el extranjero \nRodrigo Alonso es profesor y curador independiente. Licenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Argentina\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). Profesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Universidad del Salvador (USal) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)\, Buenos Aires\, Argentina. Es también profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios\, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD)\, Barcelona\, España.  Profesor invitado en importantes universidades\, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. Escritor\, crítico y colaborador en libros\, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires\, 2002)\, Ansia y Devoción (Buenos Aires\, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York\, 2004). Se desempeña asimismo como curador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina\, y en prestigiosas instituciones europeas. Vive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona. \n\n\n\n\n\n\nPalimpsestos | Leonel Luna\nDel 29 de agosto al 17 de octubre\nLunes a sábados de 10 a 20 h\nEspacio de Arte\nEntrada Gratuita
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LOCATION:Centro Cultural Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Luces y sombras de lo humano de Arturo Aguiar
DESCRIPTION:Luces y sombras de lo humano \n«A través de una estética única Arturo Aguiar nos invita a sumergirnos en un universo visualmente cautivador y profundamente reflexivo. En cada una de sus obras\, Aguiar aborda problemáticas como la inequidad social\, la desaparición de ecosistemas donde naturaleza y humanidad convivan en equilibrio\, la soledad\, la vanidad\, el tránsito hacia lo desconocido\, el destino\, la adicción a lo tóxico y la creación en el arte. Sus imágenes -sublimadas en seda- desafían los límites tradicionales de la fotografía\, capturando sus escenas con una técnica innovadora que fusiona la fotografía y la pintura\, donde la luz se convierte en metáfora y el espectador es llevado a reflexionar sobre cuestiones fundamentales al contemplar la belleza y complejidad de estas imágenes como un reflejo de la existencia». \nCuraduría: I.A.Gala Pandora Torrent
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LOCATION:Centro Cultural Ricardo Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Conjeturas. Explorando el arte hoy"
DESCRIPTION:Desde el 26 de agosto y hasta noviembre próximo se presenta en Fundación Proa un conjunto de obras de destacados artistas contemporáneos argentinos. Con la curaduría del crítico e historiador Rodrigo Alonso\, reúne piezas de Andrés Aizicovich\, Sergio Avello\, Elena Dahn\, Iara Freiberg\, Mauro Giaconi\, Silvia Gurfein\, Alicia Herrero\, La Chola Poblete\, Analía Sabán\, Mariela Scafati\, Alan Martín Segal\, Juan Sorrentino\, Amparo Viau y Dolores Zinny & Juan Maidagan. \n“Conjeturas. Explorando el arte hoy” es una invitación a adentrarse en la especulación artística y el descubrimiento visual. Mediante una variedad de medios y estilos\, los trabajos que conforman la exhibición ofrecen una interpretación del presente\, explorando temas que van desde la identidad y la política hasta el medio ambiente\, la cultura y la tradición. “La exposición plantea interacciones entre los trabajos de diferentes artistas argentinos contemporáneos\, trazando un posible panorama. Se presentan obras de artistas argentinos radicados en el exterior – que crean en otros entornos culturales-  junto a artistas que producen en el contexto local. La apuesta ‘conjetural’ propone verificar hasta qué punto nos reconocemos en esta variedad de realizaciones”\, explica Alonso. \nDispuestas en el espacio expositivo\, las obras seleccionadas mantienen un diálogo fluido y transversal al tiempo que\, sin proponérselo (o sí)\, sintonizan con las complejidades de un mundo en permanente estado de conjetura. A lo largo del recorrido por las salas\, artistas y espectadores se encuentran invariablemente con cuestionamientos e incertidumbres\, sin certezas acerca del futuro. \nCon el auspicio de Tenaris – Ternium la exhibición “Conjeturas. Explorando el arte hoy” se completa con herramientas didácticas como videos de sala\, textos y un extenso programa público con actividades pedagógicas organizadas por el Departamento de Educación de Fundación Proa con el objetivo de profundizar en las temáticas propuestas en la exhibición\, y en la producción artística contemporánea. \n\n\n\n\nCréditos \nCurador\nRodrigo Alonso \nCoordinación general\nCecilia Jaime – Mayra Zolezzi \nOrganiza\nFundación Proa \nAuspician\nTenaris – Ternium \nDiseño de imagen\nMila Fiuza – Guillermo Goldschmidt \nDiseño expositivo\nPablo Zaefferer \nConservación\nTeresa Gowland \nIluminación\nJorge Pastorino \nVideos\nAnanda Rigoni Aller \nPrensa\nMarina Gambier – Ana Clara Giannini – Alba Rodríguez Arranz \nProgramas Públicos\nRosario García Martínez \nEducación\nNoemí Aira \nEducadoras\nSonia Gugolj – Melina Herrero – Pilar Victorio \nEquipo de montaje\nFlorencia Cassini – Javier Ferrante – Santiago Migliavacca – David Pinzón Müller – Leonardo Toresín – Nicolás Valverde – Paula Varetti \n\n\nArtistas \nAndrés Aizicovich\nSergio Avello\nElena Dahn\nIara Freiberg\nMauro Giaconi\nSilvia Gurfein\nAlicia Herrero\nLa Chola Poblete\nAnalía Sabán\nMariela Scafati\nAlan Martín Segal\nJuan Sorrentino\nAmparo Viau\nDolores Zinny & Juan Maidagán \nPrestadores\nLos artistas y Familia Avello\nSprüth Magers\, Berlín \nAgradecimientos\nVictoria Bassetti\nMacarena Boiani\nMagui Castaño\nCarla Colombo\nGalería Arróniz Arte Contemporáneo\, México\nGalería Nora Fisch\, Buenos Aires\nGalería Grasa\, Buenos Aires\nGalería Tanya Bonakdar\, Nueva York\nCamilo Guinot\nLola González\nDiana Grieco\nHerlitzka & Co.\, Buenos Aires\nBenjamín Lallier\nElías Leiro\nMatías Miranda\nEmiliano Miliyo\nSol Mollo\nLeopoldo Mones Cazón\nMuseo de Arte Moderno de Buenos Aires\nPasto Galería\, Buenos Aires\nRevolver Galería\, Buenos Aires\nSantiago Rey\nSMOL. Cámara de proyectos\nEric Sauerhering\nJordan Strafer\nFrancisco Tripodi\nTaller Yerua\nMateo van Thienen Lalys \n 
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LOCATION:FUNDACIÓN PROA\, Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Bárcena\, Cascón\, Castañeda\, Larrecochea\, Mantegani\, Perrotta Historias circulares
DESCRIPTION:Esta propuesta es resultado del encuentro de 6 miradas profundamente vitales\, apasionadas y de alto vuelo plástico y creativo en torno al concepto de lo no lineal. \nEn dicho encuentro con las diferentes historias de vida\, cruzadas por la fuerza transformadora del arte de cada uno\, se abrieron\, dejando a la vista una compleja red de vasos comunicantes con su nutritiva carga. De esa intimidad atravesada partieron las obras.\nDesde diferentes disciplinas (pintura\, escultura\, cerámica\, dibujo y objeto) ésta muestra colectiva se presenta como un escenario que pone en cuestión nuestra propia naturaleza. \nResulta muy adecuado interpretar el arte como lugar de encuentro o cruce de caminos que permite establecer múltiples niveles de lectura. \nNo se trata de acumular elementos sin más\, ni de generar categorías huecas\, sino de ofrecer un destilado o un mínimo común denominador que ayude a entender mejor la entraña misma del ser humano en diálogo con nuestras historias circulares. \nArtistas\nGabriela Bárcena / Gonzalo Cascón / Mariano Castañeda Javier Larrecochea / Roger Mantegani / Claudia Perrotta \nDel 24 de agosto al 20 de octubre de 2023\nLun. a vie. de 10 a 17 hs.\nGalería Francisco Vidal • Casa de Córdoba\nCABA • Argentina.
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LOCATION:Galería Francisco Vidal • Casa de Córdoba\, Callao 332\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Diomede. Desmaterializar la pintura
DESCRIPTION:El Museo Benito Quinquela Martín presenta la exposición antológica de Miguel Diomede\, “Desmaterializar la pintura”. \nEmblema del siglo de oro de La Boca\, Diomede dedicó su vida a la búsqueda de la quintaesencia del arte. La exposición contará con préstamos provenientes de 15 colecciones privadas y públicas\, en un esfuerzo por reunir un corpus de obra de lo más variado y nutrido. Paisajes\, bodegones y retratos atraviesan la totalidad de su carrera y dan cuenta de su comprometida actitud frente al oficio pictórico. \nLa muestra podrá visitarse hasta el 22 de octubre en las salas del museo. \n\n\n\n\nYamila Valeiras. Curadora MBQM \n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Retrospectiva” -  Homenaje a Celia “Chela” Sarobe
DESCRIPTION:La muestra que honra el legado artístico de Celia “Chela” Sarobe llegará este sábado\, 15 de julio\, al Museo Municipal de Bellas Artes “Manuel Balarino” (ubicado en la calle Alvear 125 de Lincoln). \n“En esta emocionante muestra celebraremos su vida y su talento a través de una selección de sus obras más emblemáticas”\, anticiparon desde la organización del evento. \nLa exposición\, denominada “Retrospectiva”\, abrirá sus puertas este sábado\, a las 19:00 horas\, y podrá ser visitada hasta el 6 de agosto. \n“Las obras de Celia dan fe de una opción decisiva por los trazos gruesos\, vigorosos y aparentemente caóticos\, energía y sentimientos que deliberadamente confunden situaciones y referencias. Estas líneas imprimen el ritmo de su inspiración con temas\, situando a la entidad humana como protagonista absoluta”\, describió su curador\, Tomás Langan.
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LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes “Manuel Balarino”\, Alvear 125\, Lincoln\, Argentina
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SUMMARY:El margen de las horas - Nicolás Menza
DESCRIPTION:DIBUJOS – PINTURAS – TÉCNICAS MIXTAS – LITOGRAFÍAS \nEL MARGEN DE LA HORAS; el concepto curatorial del grupo de obras que reúne esta muestra\, en las diversas técnicas dejan testimonio de como el ritual espiritual\, metafísico y emocional del proceso creativo\, las horas\, sus márgenes atraviesan sutilmente de forma intuitiva inconsciente el territorio expresivo y otras con un sesgo de conciencia para el momento de la celebración del rito\, desde donde el camino interior a través del lenguaje visual el deseo se desborda\, se excita penetra y modifica el territorio del cuerpo del lenguaje pictórico\, en su desarrollo; tanto en las formas como su relación con los espacios habitando la composición poética; a veces de manera subliminal imperceptible\, otras cargada de significados nuevos\, que develan su misterio lentamente en cada nueva exploración donde el carácter psicológico tensa el espacio relacional entre la luz\, los valores \, el color.
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LOCATION:Universidad Nacional de La Matanza Sede Posgrado\, Moreno 1623\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:EscenaLab 4.0 Arte\, tecnología y futuro Relanzamiento en el Rojas
DESCRIPTION:El Centro Cultural Rojas dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales\, Cultura y Comunicación de la UBA\, relanza el programa EscenaLab en clave 4.0. y transforma su programación desde una óptica de nuevas tecnologías y sus vínculos con el arte visual\, arte sonoro\, instalaciones interactivas y experiencias inmersivas. El primer encuentro\, tiene el foco puesto en el arte digital y la inteligencia artificial. Consta del conversatorio «IA flecha al corazón del Arte Digital«\, donde en un panel\, expertos/as reflexionan e intercambian ideas sobre el impacto de esta tecnología en el proceso de creación artística. Participan de la charla Celina Pla – productora y gestora cultural de arte digital electrónico -\, Rodrigo Alonso – curador\, crítico y escritor de arte y nuevos medios -\, Fabiana Barreda -performer\, instalacionista y artista multimedia- y Diego Alberti – artista que desarrolla su obra mediante computadoras-. Asimismo\, se inaugura e/pxl\, el espacio de arte digital permanente en el entre piso del Rojas\, con una muestra\, curada por Guillermo wili Peloche\, que presenta la obra de Lolo Armendáriz. Además\, en búsqueda del cruce interdisciplinario de las artes\, y con la intención de fomentar la participación de las mujeres en la escena del arte y las nuevas tecnologías\, se presenta en cooperación con el programa Amplify D.A.I. \, Artlab\, Fundación Williams y el British Council un DJ SET a cargo de Jennitza\, música\, clarinetista\, live performer\, investigadora y docente. \nLas actividades de la nueva programación de EscenaLab 4.0. tienen previsto su desarrollo durante todo el segundo semestre\, ofreciendo cursos\, masterclass\, laboratorios de experimentación\, y eventos presenciales con artistas\, curadores/as\, investigadores/as\, y referentes del arte y la tecnología.
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LOCATION:Centro Cultural Ricardo Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen
DESCRIPTION:Hasta el 6 de agosto\, el Paseo de las Artes Duhau exhibe más de 40 pinturas de la longeva y activa artista santafesina. “Pinta por el solo placer de hacer la obra”\, dice la historiadora de arte Andrea Giunta \nLas pinturas más recientes de la longeva artista Ides Kihlen\, quien a sus 106 años sigue pintando cada mañana de manera prolífica\, y que ha trabajado secreta y silenciosamente durante décadas\, a espaldas de las modas\, las escuelas o los movimientos artísticos locales\, se exhiben en el Paseo de las Artes Duhau\, la galería ubicada en el subsuelo de este antiguo palacio del barrio porteño de Recoleta que se puede visitar las 24 horas del día. \nSi bien en los últimos años Kihlen ha recibido numerosos homenajes –incluida una gran exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes–\, su historia no deja de sorprender: en el año 1999\, un galerista entró a la casa de Ides interesado en comprar una obra que había heredado la familia –de otro artista–\, y de casualidad vio detrás de una puerta entreabierta las pinturas de esta santafesina nacida en 1917\, así que se ofreció a llevarlas a la feria arteBA\, donde al año siguiente se vendieron todas con gran éxito. \nDesde entonces\, esta mujer nacida el 10 de julio de 1917 –que además toca el piano– ha escrito las líneas de una de las carreras más atípicas e interesantes en la historia del arte local: luego de la primera exposición de su vida\, a los 84 años\, no ha dejado de exhibir en diferentes museos\, espacios y galerías de todo el mundo\, pero su pasión no tiene nada que ver con entregas\, encargos ni ventas de obras; lo suyo es pintar cada mañana\, desde bien temprano\, tal como lo hace desde que tiene 6. \n”Ella pinta todas las mañanas\, se levanta bien temprano y empieza. Después se tira a dormir un rato. Luego se levanta\, va a la cocina y se queda ahí sentada\, sola. Le digo ‘Mamá\, ¿qué hacés? ¿Estás aburrida?’\, y ella me responde ‘No\, estoy pensando qué es lo que voy a pintar’”\, cuenta Ingrid\, la hija de Ides\, durante la recorrida por la flamante exposición. Son más de 40 obras\, en diferentes tamaños\, que se pueden ver a lo largo del Paseo de las Artes –ubicado en este clásico palacio francés de la Belle Époque de Buenos Aires–\, un derrotero visual que permite acercarse a la producción más reciente\, realizada entre 2022 y 2023\, de esta pintora hija de padre sueco y madre suiza\, quien fuera alumna de Juan Batlle Planas\, Benito Quinquela Martín y Emilio Pettoruti\, luego de estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Escuela Ernesto de la Cárcova. \n  \n”Mamá hace por los menos una obra por día. No tengo idea cuántas obras llevas hechas\, porque por ejemplo ella toda su primera etapa\, que tenía unos cuadros divinos\, los rompió\, los quemó\, prácticamente los destruyó a todos. Pero deben ser miles. Yo suelo envolver sus cuadros cuando los termina. El otro día vio uno envuelto en papel transparente\, de seda\, y enseguida lo desenvolvió y se puso a pintarlo encima. ‘Le faltaban cosas. Lo que estoy haciendo ahora’\, me dijo cuando la encontré”\, contó sonriente su hija Ingrid. \nDesde aquella primera exposición\, en el año 2000\, la artista que cumplirá 107 años en julio próximo ha exhibido en Argentina\, Brasil\, Madrid\, Estados Unidos\, y sus obras fueron adquiridas por colecciones de Nueva York\, Venezuela\, Guatemala\, México\, Costa Rica\, París\, Londres\, España\, Italia\, Suecia\, entre otros lugares. ”Ides es la expresión superlativa de lo que es un artista\, pinta más allá de que se exponga\, venda\, pinta todos los días\, lo demás sucede o no sucede. Es la personalidad de artista que trabaja\, trabaja\, al margen de lo que opinen. Pinta por el solo placer de hacer la obra. Lo único que quiere es pintar. Y económicamente no ha necesitado vender su obra para poder comer”\, señala la historiadora de arte Andrea Giunta\, quien se encuentra trabajando en un libro dedicado a la longeva pintora\, pronto a publicarse. \nLa muestra en el Paseo de las Artes –que se puede visitar en avenida Alvear 1661 con entrada gratuita\, las 24 horas del día– recorre los últimos dos años de su prolífica producción\, a través de 42 pinturas y collages sobre acrílico\, en su mayoría “Sin título”\, pero en las que es posible adivinar las series que fueron guiando: algunos recortes sobre la tela\, en otras manchas y líneas que se deslizan de arriba hacia abajo\, colores predominantes a veces en rojos y otras en ocre\, grises o negros\, una paleta de colores donde reinan por momentos las figuras geométricas de lo más variadas. \n”No sé si hay algo que se pueda sistematizar definitivamente sobre su obra. Sí es claro que el rojo es un color importante en su paleta. Ella usa el collage\, usa los contrastes\, no es una artista del claroscuro. El fondo puede ser gris pero siempre está ahí la presencia del color\, y otras veces no tanto. También ella tiene una propuesta de correspondencia entre notas y colores\, entre sonidos y colores. Se pueden ver los ritmos visuales presentes en su trabajo pero no es necesariamente una transposición de la música en la obra”\, detalla Giunta sobre la mujer que además de pintar toca el piano siempre que puede. \nEl gran motor de Ides es\, en definitiva\, la creación artística: “Pio Collivadino fue mi mejor maestro y con Battle Planas estudié muchos años. Me encantaba cómo enseñaba. Cada uno tenía su modo de pintar. Pettoruti también fue mi profesor aunque todavía él no era conocido”\, había contado a Télam esta pintora\, en una entrevista realizada en este mismo espacio de arte en 2013\, con motivo de otra exposición. ”Yo le hacía caso a los maestros siempre. Era una buena alumna”\, repetía con calidez la artista que estudió tres meses en París\, en 1957\, en los talleres del cubista André Lothe\, y que desde pequeña se hizo llamar Ides\, aunque su nombre real no lo quiso dar a conocer ya que es sueco y no tiene traducción directa al español. \nLa creación de la artista es una labor continua de más de ocho décadas aunque sea recién en los últimos años que haya logrado visibilidad entre el público\, que pudo conocer sus diversas producciones como por ejemplo la “Serie del Tigre”\, con tiras que simulan las teclas del piano; la “Serie Blanca”\, donde los fondos se iluminan y toman protagonismo; o la “Serie Negra”\, en la que hay un juego de colores contrastantes muy potentes sobre fondos oscuros”. ”Yo pinto todo el día”\, había dicho la artista durante aquella entrevista que la concluyó agregando: “Ahora voy a casa\, tengo la tela en el piso\, me pongo el delantal todo sucio y empiezo a pintar”. \n*La muestra Ides Kihlen se puede visitar hasta el 6 de agosto en el Paseo de las Artes Duhau (Avenida Alvear 1661)\, el espacio cultural de Palacio Duhau – Park Hyatt. \nPor Mercedes Ezquiaga \nFuente: Télam S.E.
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SUMMARY:A 18 Minutos del Sol
DESCRIPTION:La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia\, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.  En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo\, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino\, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia\, y toda la historia del arte de nuestro país\, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos\, para entender cómo es el mapa que creamos\, desde el sur\, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos. \nLa exhibición subraya los lazos populares\, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior\, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local\, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa\, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos. \nCuraduría: Javier Villa y Marcos Krämer \nArtistas participantes: Erik Arazi\, Nicolás Bacal\, Gonzalo Beccar Varela\, Antonio Berni\, Diego Bianchi\, Erica Bohm\, Martha Boto\, Manuel Brandazza\, Adriana Bustos\, Colectivo Cabezudxs\, Feliciano Centurión\, Mauricio Cerbellera\, Elda Cerrato\, Germaine Derbecq\, Sebastián Diaz Morales\, Diana Dowek\, Faivovich & Goldberg\, Beatriz Ferreyra\, Pauline Fondevila\, Lucio Fontana\, Raquel Forner\, Gertrudis Frischenschlager\, Daniel García\, Carlos Luis García Bes\, Maia Gattás Vargas\, Noemí Gerstein\, Sebastián Gordín\, Víctor Grippo\, Diego Gravinese\, Alberto Greco\, Silvia Gurfein\, Miguel Harte\, Alberto Heredia\, Alicia Herrero\, Alfredo Hlito\, Agustín Inchausti\, Enio Iommi\, Gyula Kosice\, Fernanda Laguna\, José Luis Landet\, Benito Laren\, Daniel Leber\, Lux Lindner\, Raúl Lozza\, Lea Lublin\, Víctor Magariños D.\, Liliana Maresca\, Juan Melé\, Sebastián Mercado\, Estanislao Mijalichen\, Mauro Millán\, Emiliano Miliyo\, Ad Minoliti\, Eduardo Molinari\, Eduardo Navarro\, Héctor G. Oesterheld\, Ogwa\, Martha Peluffo\, Alicia Penalba\, Andrés Pereira Paz\, Emilio Pettoruti\, Duilio Pierri\, Alberto Pilone\, Micaela Piñero\, Rogelio Polesello\, Marcelo Pombo\, Emilio Renart\, Francisca de los Reyes\, Ingrid Roddick\, Federico Roldán Vukonich\, Christian Román\, Hernán Salvo\, Damián Santa Cruz\, Rubén Santantonín\, Mario Scorzelli\, Francisco Solano López\, Xul Solar\, Cecilia Sosa\, Grete Stern\, Axel Strachnoy\, Diana Teira\, Julián Terán\, Colectivo Thañí/Viene del monte\, Andrés Toro\, Joaquín Torres García\, Rodrigo Túnica\, Adrián Unger\, Georges Vantongerloo\, Gregorio Vardánega\, Mariano dal Verme\, José Villalonga\, Adrián Villar Rojas\, Wüsüwül Wirka A Pana\, Osías Yanov\, Yente. \nA 18 Minutos del Sol\n100 Artistas Argentinos en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350. Buenos Aires\n\n03/06/2023 – 31/12/2023
URL:https://fadla.org/calendario/a-18-minutos-del-sol/
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SUMMARY:“El universo en un trazo” de Jorge Ludueña
DESCRIPTION:Jorge Ludueña\, pintor influyente del arte argentino. \nLa muestra consta de 19 obras\, 18 de las cuales están realizadas en óleo y acrílico sobre tela\, tabla o corpóreo de madera; habiendo también algunas piezas en técnica mixta y algunas serigrafías. Todas ellas corresponden a la última etapa de su vida y –en su gran mayoría- constituyen un conjunto de obras en las que venía trabajando al momento de su muerte\, cuando volvía a radicarse en Argentina.\n\nA través de la muestra se busca\, de acuerdo a su esposa y compañera durante los últimos 30 años\, Onés Ludueña\, “resguardar y preservar el legado del artista”\, así como también mantener viva la presencia de su obra en nuestro país\, que se había visto\, por última vez\, en 2013\, cuando se realizó una muestra antológica en el Museo Sívori.“Sus meninas e infantas\, retratos ecuestres\, bodegones y guapos toreros dan ganas de tocarlos. La expresión está intacta: la mirada –la emoción– es vívida. Sus flores tienen aromas\, las manzanas son jugosas. Ese mundo es dulce y carnoso. Tiene picardía. Como se dice en teatro\, tiene duende”\, señala la periodista y crítica de arte María Paula Zacharías en el texto curatorial.\n\nLa muestra se puede visitar\, con entrada libre y gratuita\, de lunes a viernes de 11:30 a 19:00 hs en Roldán José María (Libertad 1033\, CABA) hasta el 14 de junio.
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SUMMARY:Entre las flores del Bien y del Mal - Francisco Hernández\, Zulma Asla Etcheverry
DESCRIPTION:Es probable que una mañana de sol Zulma haya salido a su jardín como cualquier otro día y con una mirada liviana y pensativa decidió: hoy pinto un cardo. Flor despreciada por ser poco amable\, pero ella la aprecia como a la rosa más suave que de solo mirarla fijamente se deshace en pétalos. Zulma es noctámbula y pinta de noche\, es algo que ella no controla. La inspiración baja cuando quiere y en su caso coincide con el atardecer.\nLas obras que hoy expone ante nosotros son eso: producto de esas noches donde con pincel en mano hizo que cobraran vida. Aunque también es probable que en esos horarios -para ella habituales- mande algunos mensajes en algún descanso que se tome. ¡Francisco está en línea! Mensajes\, fotos\, comentarios y charlas constantes hicieron a esta amistad y que esta muestra hoy sea una realidad.\nEn la obra de Francisco la oscuridad es una de las protagonistas. En sus “dibugrafías”\, como él las denomina\, emparentadas con el grabado esparce la tinta sobre los soportes y de las manchas producidas crea personajes que va delimitando\, creado un clima envolvente y escenas escenográficas que nos dejan entrever sus mundos\, sus pensamientos y hasta sus silencios.\nZulma presenta obras con su impronta ya propia. Oleos intervenidos con carbonilla\, lápiz\, birome y hasta quizás se encuentren con algún pétalo\, tallo u hoja de su propio jardín pegados en los lienzos.\nAmbos nos invitan a un viaje “(…) a dejarse llevar\, dejarse ser\, ser tan solo un nexo o puente (…)” y ser receptor de lo creado para este encuentro. Porque su trabajo ya está hecho y “(…) es poner en el mundo algo que antes no estaba (…)”\n¡Deseamos viajar sin vapor y sin velas!\nPara ahuyentar el tedio de nuestras prisiones\,\nHaced desfilar nuestros espíritus\, tensos como un lienzo\,\nVuestros recuerdos enmarcados por horizontes.\nDecid\, ¿qué habéis visto?\nEl viaje III (1861) extracto- Charles Baudelaire\nTexto Francisco Salerno\n\n\n\nFRANCISCO HERNÁNDEZ – ZULMA ASLA ETCHEVERRY\n\n\nEntre las flores del Bien y del Mal\n\n\nDónde:\nIsidro Espacio de Arte / Av Casey 1052. Coronel Suárez / Buenos Aires\, Argentina\n\n\nCuándo:\n22 abril de 2023 – 22 mayo de 2023\n\n\nHorario:\nLunes a sábado de 16 a 21hs\n\n\nArtistas:\nFrancisco Hernández\, Zulma Asla Etcheverry.\n\n\nEntrada gratuita
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SUMMARY:Verónica Di Toro - Estética del azar
DESCRIPTION:Gachi Prieto Arte Contemporáneo se complace en inaugurar Estética del azar\, una nueva exposición de pinturas de la artista Verónica Di Toro\, acompañada de un texto curatorial a cargo de Guillermina Mongan. La exhibición comprende la última serie de experimentaciones de Verónica Di Toro dentro de la abstracción geométrica\, con piezas inéditas y de gran formato. \n\nDónde:\nGachi Prieto Arte Contemporáneo / Uriarte 1373\, C1414 / Buenos Aires\, Argentina\n\n\nCuándo:\n20 abr de 2023 – 27 may de 2023\n\n\nInauguración:\n20 abr de 2023 / 18h\n\n\nHorario:\nLunes a viernes de 14 a 19h y sábado de 15 a 19h\n\n\nArtista:\nVerónica Di Toro\n\n    Entrada gratuita
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SUMMARY:Duilio De Gennaro - Observa 2
DESCRIPTION:Artista Internacional : Duilio De Gennaro en Puig Arte Gallery & Jisu. Estaremos presentando OBSERVA2 Gran muestra individual del artista español.\n\n\n\nPuig Arte Gallery\nVernissage JUEVES 30 a las 19hs\n\nEntrada libre con lista/ Reservas vía WhatsApp.\n\n\n\n\nM.S. de Thompson 367\nPuerto Madero\nBuenos Aires
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SUMMARY:Silvina Baz - Indivisibles
DESCRIPTION:INAUGURACIÓN! Indivisibles en el Camarín de las Musas | Jueves 30.03 19hs \nSerie: Indivisibles \n«La manera de ver es una forma de abordar la realidad»\nCarlos Arcidiacono \nEsta serie nace en la Pandemia. Buscando representar al ser humano en múltiples aspectos y situaciones. Así\, el amor\, la esperanza\, la unidad y vida van guiando a que las personas surjan con sentido mágico en las superficies; rodeadas de horizontes\, unidas entre ellas\, a veces con conflictos a resolver\, otras con un fuerte vínculo con la naturaleza y nuestro ser interior. Me interesa destacar al individuo como todo aquello que no se puede dividir\, al ser humano considerado como unidad. De allí el nombre de la serie «Indivisibles»\, palabra que deriva del latín Individuus. Manifestándose desde el grabado\, que me ofrece un abanico de posibilidades\, utilizo diversidad de materiales como madera\, plástico\, metal\, papel para dejar su huella de impresión en distintos soportes combinando técnicas tradicionales y experimentales.\nSilvina Baz \n  \nEl Camarín de las Musas \nMario Bravo 960
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SUMMARY:AIDA CARBALLO "La gracia extrañada"
DESCRIPTION:“Mi mundo tiene contactos tangenciales con el de Aída Carballo\, que fue una de las artistas que me apuntaló cuando yo empezaba. Ella me largó al ruedo. Con Aída tuve una relación muy especial; me protegió y yo tenía la sensación de que me quería salvar de algo”.\nMildred Burton \nDesde el miércoles 22 de marzo Ruth Benzacar Galería de Arte presenta “La monarca”\, de Mildred Burton y “La gracia extrañada” de Aída Carballo\, que se desplegarán en la Sala 2 acompañadas con textos de María Gainza y una entrevista a Mildred con Analía Couceyro y Albertina Carri\, filmada hace 12 años.\n_\nLA GRACIA EXTRAÑADA \nDos veces al mes tengo migrañas. Suelo darme cuenta cuando están por llegar porque una ligera presión se instala del lado derecho de la sien\, el hueso frontal del cráneo se inflama levemente como si una tubería auxiliar se hubiera tapado. A veces es tan sutil que una lo niega\, piensa que está imaginando\, que esa presión no es suficiente indicio del advenimiento\, que quizás es solo la fantasía paranoide y que el ibupirac puede esperar\, y ahí viene el error\, porque una vez que el ataque de migraña se desencadena\, ya no hay vuelta atrás. Es como si un tornado te agarrara en medio del campo sin techo ni árbol bajo el cual refugiarse. Oliver Sacks\, el neurólogo\, las llamaba “tormentas psíquicas”. Yo he aprendido a vivir con estos dolores de cabeza porque los míos no me inhabilitan del todo\, sé de otras personas que no pueden levantarse de la cama por cuarenta y ocho horas. Yo ando un poco mareada\, un poco con ganas de vomitar y bastante irritada\, pero ando. \nDe los múltiples síntomas de la migraña\, al único que tengo entre ceja y ceja es al aura. Es por lejos el que mejor nombre tiene\, AURA\, pero así como los floripondios suenan y se ven como campanitas encantadas pero son tóxicos\, yo creo que al aura la llaman así para camuflar el terror que conlleva\, algo que\, si te sucede por primera vez\, parece la llegada de un accidente cerebro vascular. Generalmente se presenta tras un disgusto\, cuando por fin me he relajado. Unas horas antes mi corriente eléctrica cerebral se sobresaturó\, tuve lo que comúnmente se llama un estresazo o\, en su versión más porteña\, fundí biela. Por ejemplo\, ayer estaba lavando los platos del mediodía\, el agua me corría tibia por las manos\, había hecho una tarta de brócoli salida de una pintura flamenca del siglo XVII\, y todo parecía en paz\, cuando sobre los azulejos de la cocina empecé a ver los rayitos locos. Centelleos intermitentes en el campo de visión\, diría el manual. El día anterior había tenido una pelea familiar de las fuertes. \nCuando el aura pase\, el mundo no será igual. Y es acá donde me gustaría detenerme. Convivo con veinte primas del lado paterno en un chat de whatsapp\, siete de ellas sufren migrañas con aura y tienen relatos de tías y abuelas con los mismos síntomas\, lo que evidencia que la propensión a la migraña es hereditaria. Una de ellas me dijo que al salir de un aura “sentía el cuerpo completamente blando como si no tuviera huesos”. ¡Es así! Pasados los rayos locos\, mi cuerpo se siente blandengue y amorfo y a eso se le suma la extrañeza. Pos aura miro al mundo como si no lo reconociera del todo. He leído un poco sobre el asunto. Se sabe que antes de los ataques de migraña o epilepsia se revela un mundo etéreo. Hay quienes ven ahí una fuente de mitopoiesis pero lo que yo veo y siento todavía no me ha sido útil como material artístico: los brazos y el cuello se me alargan como palitos de la selva\, mis pies se sienten hinchados\, esta habitación donde duermo hace veinte años no parece del todo mía y los listones de madera del piso\, algo novedosamente siniestro. \nNo cometeré la burrada de decir que Aída Carballo dibujaba como lo hacía porque tenía migrañas\, no hay referencia alguna a ellas en sus diarios de internación en el Hospital Vieytes y no puedo inferir\, como se ha hecho con Lewis Carroll\, que sus distorsiones perceptivas fueran producto de alucinaciones visuales. Pero sí quiero dejar asentado que tras el aura mi cuerpo se siente como habitando el mundo de Aída Carballo. Un mundo que ha atravesado algún tipo de espejo o superficie gelatinosa. Estamos en la ciudad del tiempo detenido y en su plasticidad me recuerda a la Serie de Los Locos o a la de Los Levitantes\, incluso a la de Los Amantes. \nSalgo a la vereda\, los fresnos de la cuadra como centinelas bien erguidos me vigilan\, la banda del taller mecánico toma cerveza desde temprano\, el linyera se sienta sobre el capot de su auto-casa y habla con un perro zaparrastroso\, una pareja chapa en la esquina. Todo lo que conozco de memoria\, me parece que sucede en otro plano\, un poco caricaturesco\, un poco perturbador. Estoy hipersensible y a la vez\, abstraída. Un burril parece haber dibujado las cosas\, las nervaduras de las hojitas de la hiedra\, por ejemplo\, se ven con nitidez enceguecedora y las personas y los objetos\, de golpe\, parecen dispuestos ordenadamente en el plano rebatido de la calle como en un ajedrez\, o en una pintura de Uccello que\, en lugar de suceder en un campo de batalla\, ocurre en un barrio porteño a las tres de la tarde de un día laboral. Una mezcla de tristeza y grisalla hay en todo esto y que mencione que es día laboral no es baladí. El silencio que creo escuchar en las imágenes de Aída (y que en ella viene de tanto mirar a Piero de la Francesca) también lo siento yo en mi estado pos aurático\, por más que sea un martes y los colectivos pasen desaforados por la esquina. Hoy me son indiferentes\, porque en esta frecuencia fuera de dial\, todo el barrio me resulta poesía coloquial de la existencia a lo Brueghel. Y ya no sé si estoy hablando de mi o de Aída\, eso pasa con las artistas potentes\, se te meten adentro y a través de ella ahora todo adquiere una falta de ansiedad notable\, una calma chicha\, la gracia extrañada. La vecina me pregunta si la noche antes tuve un corte de luz —es verano y ya vamos por la novena ola de calor— le contesto en cámara lenta y mientras lo hago\, lo que sale de mi boca no se escucha pero ella parece entenderlo y ahora que la miro bien\, con su pañuelo en la cabeza y nariz ganchuda y la pupila de los ojos dilatada como en los gatos nocturnos\, está muy similar a un grabado de Carballo pero me cuido de no exteriorizar mis sentimientos\, y además\, no me engaño\, sé que en ese momento el personaje de Aída Carballo soy yo. Aída\, defensora como nadie de lo propio: “Antes que una copia de algo que no es nuestro\, prefiero el arte de alguien que hace un barrilete para su hijo”. \nDurante esos minutos que el mundo se enrarece\, más que nunca entiendo el título de su grabado “La lombriz es un pariente leve de la locura”. No sé si entender sería la palabra\, lo experimento físicoquímicamente\, que es una forma de percibir con el intelecto pero de manera subrogada. El aura tarda en irse una hora o dos. Y después sobreviene una calma y una lucidez y un alivio\, como si en la Central Atucha después de un desperfecto técnico\, se hubiera por fin\, restablecido la corriente normal de electricidad. En la sala de espera de mi neurólogo conocí a una chica que me dijo que prefería no tomar la medicación para poder “ver los rayos y que el mundo se le volviera más misterioso”. Eso es lo que llaman hacerse amiga de tu enfermedad\, supongo. Yo aún no estoy ahí\, pero voy en camino. \nPor María Gainza \nLa gracia extrañada se puede visitar en la galería Ruth Benzacar\, Juan Ramírez de Velasco 1287. De martes a sábado\, de 14 a 19. Hasta el 6 de mayo. Gratis. 
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SUMMARY:133° Aniversario del Nacimiento de Benito Quinquela Martín
DESCRIPTION: El Museo Benito Quinquela Martín se prepara para celebrar el 133° aniversario del nacimiento de su fundador. El festejo tendrá lugar el sábado 18 de marzo a partir de las 15 horas.  Durante la tarde\, habrá actividades y propuestas para disfrutar en familia\, comenzando  con Intervenciones teatrales\, un grupo de actores darán vida a distintas obras de la colección.Seguidamente  la Agrupación Carnavalera Porteña Fandango nos brindará su música. Además se realizará la presentación del catálogo «Los 50 imperdibles del Museo Benito Quinquela Martín»\, una nueva publicación del Museo. Culminando el día de festejos en las terrazas de Esculturas\, se presentará la Orquesta Romántica Milonguera\, al compás del 2×4.\n\n\n👉 Cronograma\n\n15 a 17 horas: Intervenciones teatrales. Un grupo de actores dará vida a distintas obras de la colección\n18 horas: Presentación de Fandango\, agrupación carnavalera porteña\n19 horas: Presentación del catálogo «Los 50 imperdibles del Museo Benito Quinquela Martín»\, una nueva publicación del Museo\n19:30 horas: Orquesta Romántica Milonguera en las Terrazas de Escultura para cerrar la noche al compás del 2×4.\n\n\n\n📌 Sábado 18 de Marzo de 15 a 19:30 horas | Museo Benito Quinquela Martín (Av. Don Pedro de Mendoza 1835)\n\n🎫 Entrada libre y gratuita
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SUMMARY:LÍNEA Y VIBRACIÓN | JOSEFINA ROBIROSA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar la primera exhibición del año:  LÍNEA Y VIBRACIÓN |Josefina ROBIROSA (1932-2022\, Argentina)\, curada por Rodrigo ALONSO.  \nLa exhibición reúne obras de una etapa de su producción en diálogo con artistas mujeres presentes en la colección permanente de MACBA. \nSOBRE LA ARTISTA\nJOSEFINA ROBIROSA\nJosefina Robirosa (1932-2022\, Buenos aires) inicia su actividad artística siendo todavía muy joven\, en los años cincuenta\, cuando la escena de Buenos Aires es animada por diferentes versiones de la abstracción. Superados los rigores del arte concreto\, es la vertiente lírica la que se impone en estos tiempos\, una variante que enfatiza el subjetivismo y la sensibilidad. \nLas primeras obras de Robirosa consiguen atención de inmediato: en 1956 inaugura su primera exposición en la Galería Bonino (la más importante del circuito porteño)\, y al año siguiente\, integra la delegación que representa a la Argentina en la IV Bienal Internacional de Arte de San Pablo (junto a José Antonio Fernández Muro\, Sara Grilo y Miguel Ocampo). \nIntegró el grupo de artistas del Instituto Di Tella que revolucionó la percepción artística de la Argentina en los años ’60. Hacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo. Hacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa. \nSus obras son parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes\,  MACBA\, Arte Moderno\, Buenos Aires\, Genaro Pérez\, Córdoba y Tres Arroyos. También forman parte de la Colección ITT\, Nueva York\, Albright Knox\, Búfalo\, EE.UU\, Neiman Marcus y Chase\, Manhattan\, EE.UU y Thyssen\, Suiza. En 1997 el Museo Nacional de Bellas Artes organizó una retrospectiva de su pintura y en el 2001 fue el turno de la Sala Cronopio del Centro Cultural Recoleta. \nSOBRE EL CURADOR\nRODRIGO ALONSO\nProfesor y curador independiente. \nLicenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Argentina\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). \nProfesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Universidad del Salvador (USAL) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)\, Buenos Aires\, Argentina. Profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios\, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD)\, Barcelona\, España.  Profesor invitado en importantes universidades\, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. \nEscritor\, crítico y colaborador en libros\, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires\, 2002)\, Ansia y Devoción (Buenos Aires\, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York\, 2004). \nCurador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina\, y en prestigiosas instituciones europeas. \nVive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona.
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Martha Zuik | Muestra homenaje
DESCRIPTION:La Pinacoteca del Ministerio de Educación tiene el agrado de celebrar esta muestra homenaje a la artista plástica argentina\, Martha Zuik por la tenacidad en su trabajo y su búsqueda constante de la calidad a través de la investigación y el aprendizaje.\n\nEn este conjunto se observará el detalle insistente en su pincelada\, su exquisito trabajo pictórico\, el uso de la luz y de la materia\, la vinculación de las formas y los anudamientos de espacios que ofrecen nuevos paisajes.\n\nMartha Zuik se zambulle en la tela donde con una imagen simple nos transmite lo complejo\, buscando el punto justo en donde todas las partes estén de acuerdo como en una sinfonía.\n\nUna mezcla de impulso y cautela\, una mirada educada para ver la armonía de los colores en la naturaleza donde todas las combinaciones son posibles.\n\n\n  \nMartha Zuik | Muestra homenaje \nDel 09 de Marzo al 04 de Mayo de 2023 – Inaugura: 18hs  – Entrada: libre y gratuita
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SUMMARY:Oswaldo Vigas: Pinturas entre América Latina\, África y Europa
DESCRIPTION:El Museo de Arte de Boca Raton presenta Oswaldo Vigas: Pinturas entre América Latina\, África y Europa (en exhibición hasta el 21 de mayo)\, una colección de obras creadas por el artista Oswaldo Vigas (1923-2014)\, que el artista pintó en París en la década de 1950\, y en Venezuela de 1969 a 1976. El museo está ubicado entre Miami y Palm Beach. \nEsta exposición forma parte de una serie de homenajes en varias cuidades y continentes\, para conmemorar los 100 años del natalicio de Oswaldo Vigas (1923-2014)\, reconocido como uno de los pintores latinoamericanos más prolíficos e influyentes del mundo. \nLa exposición en el sur de la Florida dará inicio a un cronograma extensivo de actividades a nivel internacional durante los próximos 12 meses\, en colaboración con varias instituciones y museos. Las celebraciones mundiales serán organizadas por la Fundación Oswaldo Vigas (presidida por su hijo Lorenzo Vigas\, y por la directora operativa\, Dilia Hernández). \nLa exposición presenta varias obras nunca exhibidas anteriormente en los Estados Unidos. Las pinturas provienen de la Fundación Oswaldo Vigas. \nEsta nueva exposición es un homenaje al artista por parte de su hijo\, el galardonado cineasta Lorenzo Vigas\, vista a través del lente fraternal de su relación padre-hijo y en honor al lanzamiento del nuevo catalogue raisonné de la obra de su padre. \nUno de los pintores venezolanos más prolíficos e influyentes del siglo XX\, Oswaldo Vigas (1923-2014) fue reconocido por su visión de las Américas. Cuando fue entrevistado en las décadas de 1950 y 1960\, Vigas comparó su arte a su tierra natal: \n“América es un cosmos. Nuestro continente está lleno de señales oscuras e indicios: signos telúricos y magia que son componentes recónditos de nuestra condición. Al mismo tiempo que nos revelan algo\, estos símbolos también nos comprometen en un mundo inquietante de efervescencia. La intención de mi pintura es alcanzarlos\, interpretarlos y traducirlos en nuevas alertas. Mis pinturas están a medio camino entre América Latina\, África y Europa”. \nVigas es conocido por su singular visión inspirada en el orgullo por su identidad mestiza\, junto con la historia\, la mitología y el arte antiguo de Venezuela\, mezclados con influencias del modernismo europeo. \nVigas es considerado una figura imponente del modernismo en Latinoamérica\, con una carrera que abarca siete décadas. Su primera exposición individual en los Estados Unidos fue en 1958 en Washington\, D.C. Vigas fue galardonado dos veces con el premio de la International Association of Art Critics (en 2008 y 2014) y recibió el Latin Union Award en Washington\, DC en 2004. \n“Para el público del sur de la Florida\, en la encrucijada de la experiencia latinoamericana contemporánea\, esta nueva exposición de la obra de Oswaldo Vigas adquiere un significado completamente nuevo en este momento de la cultura estadounidense”\, dice Irvin Lippman\, director ejecutivo del Museo de Arte de Boca Ratón. \n“Nos complace inmensamente este nexo con la Fundación Oswaldo Vigas\, y le damos la bienvenida a su viuda e hijo para celebrar la inauguración de esta poderosa exposición”\, añade Lippman. \nEl nuevo catalogue raisonné de Oswaldo Vigas puede consultarse en línea en catalogue.oswaldovigas.com. El trabajo de investigación del catálogo fue realizado por la fundación Oswaldo Vigas con el apoyo de Axel Stein\, ex jefe del Departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby’s. \nEste es el primer catalogue raisonné en línea de un artista venezolano\, y un valioso recurso que le permitirá a académicos\, curadores\, coleccionistas y al público tener acceso a información sobre el artista. El catálogo incluye más de 3.000 pinturas\, reseñas de galerías y museos\, y publicaciones que detallan la trayectoria del artista. \nEl catálogo es una recopilación de las primeras obras de Vigas con respecto a su visión de América\, y de la época que vivió en París\, origen de sus famosos murales en la Universidad Central de Venezuela (UCV) (designados como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO)\, y de las numerosas obras que creó antes de su muerte en Venezuela 2014. \nVigas fue contemporáneo de Picasso\, Ernst\, Léger\, Calder\, y Lam\, y convivió con estos artistas mientras vivía en París durante los años 1950 y 1960 (especialmente Picasso\, quien alentó a Vigas a reflexionar sobre su origen ancestral en su obra). \nVigas fue el primer artista en representar a Venezuela en la Bienal de Venecia cuando se inauguró su pabellón nacional en 1954\, y nuevamente en 1962 al organizar la sección venezolana. Alcanzó éxito en Francia dónde sus obras fueron expuestas junto a artistas como Jean Arp\, Chagall\, Giacometti\, Laurens\, Magritte\, Matisse y otros. \nEsta nueva exposición en el Museo de Arte de Boca Ratón es un homenaje al artista por parte de su hijo\, Lorenzo Vigas\, ganador del prestigioso León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 2015. Lorenzo Vigas posteriormente dirigió un documental en 2016 sobre la vida de su padre titulado El Vendedor de Orquídeas\, y recientemente se dedicó a la creación del catalogue raisonné de su padre. \n“La película sobre mi padre nos incita a reflexionar sobre el paso del tiempo\, la importancia de los recuerdos y\, sobre todo\, sobre el origen del impulso de crear”\, dice Lorenzo Vigas. “El arte de mi padre siempre estuvo entretejido con las raíces primitivas de la cultura latinoamericana\, sin embargo\, ya no es visto simplemente como un ‘artista latinoamericano’\, ahora es reconocido como un artista moderno universal.” \n“A través de su obra\, restableció las raíces precolombinas de nuestro continente y la herencia africana con un vibrante modernismo europeo y norteamericano. Dedicó toda su vida a crear arte\, y nunca dejó de pintar hasta el último día de su vida”\, añade Lorenzo Vigas.
URL:https://fadla.org/calendario/oswaldo-vigas-pinturas-entre-america-latina-africa-y-europa/
LOCATION:Museo de Arte de Boca Raton\, 501 Plaza Real\, Boca Raton FL 33432\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Dante x Alonso”
DESCRIPTION:Organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes\, la muestra itinerante se exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo de Unquillo. \n¿Qué es?\nLa exposición itinerante presenta más de 40 trabajos en papel del maestro argentino inspirados en la vida del gran poeta florentino y su máxima obra\, la “Divina Comedia”. Con curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, es organizada por el Museo y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires para conmemorar los 700 años del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \n¿Cuándo?\nDesde el  17 de diciembre al 12 de febrero de 2023 \n¿Dónde?\nMuseo de Arte Contemporáneo de Unquillo (Fundación MACU)\, Córdoba
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Unquillo\, Av. San Martín 588 Unquillo\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:AL SUR DEL SUR de Alberto Morales
DESCRIPTION:Prólogo:\n\n\nDebemos estar orgullosos de que nuestro Programa Antártico haya dado cabida a artistas nacionales y extranjeros que testimonien\, desde el arte\, esa parte de nuestra Argentina. La magnífica obra de Alberto Morales\, compilada en «Al sur del Sur» es fruto de tal sabia decisión.\nLa obra de Alberto nos acerca a la Antártida desde el sentimiento. Glaciares\, icebergs\, proas de buques pueden ser vistas como obras abstractas o figurativas pero que sin duda expresan esa desolación y belleza que se reFleja en todo relato Antártico. Desde una monótona bitácora de navegación a las voces de Edgard Allan Poe HP. Lovecraft.\nMares y cielos grises cruzados por rojos\, variaciones de azules que desmienten la idea de un blanco monótono. Alberto nos acerca la luz Antártica con sus matices\, dramatismo e intensidad.\nAlberto Morales nos hace un lugar a la belleza para comprender y amar a una parte de nuestra querida Argentina.\n\n\nEmbajador Javier Figueroa\n\n\nAbogado y diplomático de carrera. En el los últimos años Subsecretario de Malvinas e Islas del Atlántico Sur. Embajador ante Sudáfrica\, Cuba y Reino Unido. Padre y fanático del buceo y del mar en general.
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LOCATION:Museo de la Carcova-UNA\, Av. España 1701 - Costanera Sur\, CABA\, Argentina
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