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SUMMARY:Lado B | Horacio Butler
DESCRIPTION:Desde el 07 abril 2017 hasta el 30 mayo 2017 \nLado B es un espacio de indagación sobre las obras de la colección del Museo Franklin Rawson que no se encuentran exhibidas en sala. Se busca descubrir y redescubrir aspectos peculiares de las mismas que\, en proceso de investigación\, van acrecentando su biografía. Nos interesa poner en valor las piezas y sus características históricas\, teóricas y estéticas. \nPintura\, escultura\, objetos y arte gráfico son algunos de los géneros que se exhibirán\, mes a mes\, acompañados de un completo análisis y rigor investigativo para compartir con los visitantes\, estudiantes\, investigadores y curiosos de las bellas artes y las artes visuales. \nLado B es el otro lado de la colección y una manera distinta de dialogar con el arte\, la historia y el museo.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:«Diálogos y desobediencias»
DESCRIPTION:Primera retrospectiva en España de una de las artistas americanas de mayor reconocimiento internacional\n\nLa artista argentina Liliana Porter es una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. Jugando con las subversiones espaciales\, los diálogos inesperados y los trastocamientos de las proporciones\, desde los años 70 del XX ha ido creando un universo propio y unas sólidas y fascinantes propuestas de revisión de lo establecido. \nSu amplísimo espectro creativo —pintura\, instalaciones\, estampas\, video\, dibujos\, esculturas\, teatro…— describe un mundo particular y asombroso\, que en cada momento hace gala de un finísimo sentido del humor\, una ironía inteligente y una sutileza muy personal. De hecho\, la artista plantea propuestas estimulantes para un mundo y sobre un mundo que necesita ser narrado de nuevo. Por eso Porter lo quiebra\, lo desordena\, lo asalta incluso\, haciendo a cada paso gala de una extraordinaria agudeza. \n  \n\nEn su obra se hace patente la necesidad de que volver a nombrar cada acontecimiento y trazar nuevamente las fronteras solo para trastocarlas. Hay que perseguir el espacio\, correr tras él y habitar al filo de un relato donde todo se trastorna bajo la apariencia de infinita cotidianidad. Es el mundo dibujado con un orden interno que se escapa y exaspera; poderes del lenguaje capaces de evocar un lugar que se construye en torno a ese desdoblamiento poderoso e irreductible\, capaz de evocar nuevas formas de acercarse al espacio y al tiempo que se quiebran y se rasgan. \nPese a todo\, en Porter\, las asociaciones son siempre buscadas\, por eso nunca estamos a salvo en sus obras\, en sus territorios rescritos: siempre estamos expuestos. En sus brillantes juegos narrativos\, en ese mundo de aparentes menudencias\, subyace sin tregua una línea subversiva que quiebra la mirada y la calma\, que anuncia a cada paso cierta posibilidad luminosa de desobediencia en los espectadores también. \nEs un asalto incesante a la zona de confort tras la cual con frecuencia se camufla Porter cuando alerta al visitante alerta sobre lo escurridizo de la línea —y\, por tanto\, del rigor de la geometría como ciencia. Lo da a entender Kandisnky también en su libro clásico: la línea nunca se queda quieta y acaba por transformarse en punto. Ese punto es en Porter una fascinante contusión al orden que lejos de nacer del azar forma parte de un plan preciso\, minucioso… \nDe igual modo\, los protagonistas de sus relatos —figurillas que adquieren vida propia y andan siempre en busca de una casa dislocada\, la casa del otro lado\, trampa y disfraz— plantean a los espectadores un pregunta reiterada que los devuelve a un espejo que no refleja\, sino que distorsiona en una operación cercana a lo «siniestro» freudiano. Fotografías\, cuadros\, estampas\, vídeos o instalaciones son una especie de territorio de resistencia para el mundo al revés; un mundo en el cual todo —en especial uno mismo— es justo lo contrario de lo que debería haber sido. Lo que parecía una historia inocua acaba por develar su estrategia última: tambalear la mirada. \nEsa es la formulación narrativa que Porter\, buena relatora\, despliega en sus escenas ambiguas de objetos y situaciones inesperadas: aquello no debería haber estado allí. Las obras nos miran desde los personajes y nos hacen añicos: la línea se sale de marco —escultura o desbordamiento de la superficie fotográfica— y nos obliga a pensar\, por un momento\, cómo las fronteras entre dentro y fuera\, realidad y ficción\, lo familiar y lo extraño no eran tan inamovibles como hubiéramos podido pensar en esa reunión de los seres inanimados\, humanos o animales\, que conforman el rico universo de Porter. Hacia ellos muestra un infinito respeto que hace a sus personajes tan humanos; compasión; sobre todo\, reconocimiento de las diferencias frente a lo construido en serie. Ya se decía que nada en Porter es casual. \nPartiendo de algunos de estos presupuestos\, la presente muestra\, que reunirá cerca de un centenar de piezas de entre 1969 y 2016\, de colecciones tanto públicas como privadas —–vídeos\, instalaciones\, fotografías\, dibujos\, pinturas….—\, se plantea como una retrospectiva de Liliana Porter que permita ofrecer un panorama del desarrollo de la artista\, quien con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo\, es capaz de construir un universo paralelo donde las líneas se quiebran\, los diálogos se desbordan\, las proporciones se desbaratan y las cosas nunca son lo que parecen. \nDicha muestra consta de tres secciones que\, de alguna manera\, resumen algunas de las cuestiones esenciales en la obra de la artista: Rasgones y tareas —que comienza con las primeras instalaciones de papeles arrugados y sigue con sus Trabajos forzados o las roturas y reparaciones—; El recorrido y la línea —que recoge su fascinación por las líneas como territorio de los desplazamientos y formas de desbordar espacios y realidades—; y Conversiones y dobles\, donde los personajes dialogan y se duplican\, se contestan y se clausuran.
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LOCATION:Museo Artium de Vitoria\, Francia Kalea\, 24\, Gasteiz\, Araba\, España
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SUMMARY:TOMÁS SARACENO: CÓMO ATRAPAR EL UNIVERSO EN UNA TELARAÑA
DESCRIPTION:Esta exposición consiste en dos grandes instalaciones que combinan el interés de Tomás Saraceno (n. San Miguel de Tucumán\, 1973) por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales y nos invitan a un “concierto cósmico”. \nEn la instalación The Cosmic Dust Spider Web Orchestra [Orquesta aracnocósmica]\, ubicada en el segundo subsuelo\, una araña suspendida en medio de la sala teje sus telas. Las vibraciones que producen sus movimientos en la tela son amplificadas generando ondas de sonido que invaden el espacio\, mientras partículas de polvo cósmico flotan a su alrededor. En sintonía con la cadencia de las ondas sonoras producidas por la araña\, un algoritmo traduce los movimientos del polvo cósmico a sonidos\, que se reproducen en decenas de parlantes y vuelven audible los vaivenes del polvo en el espacio. Al mismo tiempo\, las partículas son captadas por un sistema de video que las proyecta amplificadas en una gran pantalla\, creando la ilusión de inmensas partículas que\, en realidad\, son casi imperceptibles. \nEn la sala del segundo piso se presenta la instalación Instrumento Musical Cuasi-Social IC 342 construido por 7000 arañas Parawixia bistriata\, que fue construida entre octubre de 2016 y enero de 2017 por 18 colonias de arañas de la especie Parawixia bistriata que tejieron de noche la telaraña de mayor tamaño con la que hayamos convivido en nuestros hogares. Esta estructura comunitaria\, que se remonta a 140 millones de años de presencia arácnida en la tierra\, es una fracción microscópica y\, a la vez\, un fiel reflejo de la red infinitamente compleja de individuos\, especies y elementos que compone el universo. \nBio\nTras recibirse como arquitecto en la UBA\, Saraceno realizó posgrados en Arte y Arquitectura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y en la Städelschule\, Frankfurt am Main\, Alemania. En 2009 asistió al International Space Studies Program de la NASA. Realizó numerosas exposiciones individuales en importantes instituciones internacionales\, entre ellas: Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce\, Génova (2014); K21\, Düsseldorf (2013-2015); Metropolitan Museum of Art\, Nueva York (2012); Maison Hermès\, Tokio (2012); Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart\, Berlin (2011MACRO\, Museo d’Arte Contemporanea\, Roma (2011); Walker Art Center\, Minneapolis\, EE.UU. (2009). En 2013 participó de la exposición central de la 53⁰ Bienal de Venecia\, curada por Daniel Birnbaum.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno\, Av. San Juan 350\, CABA\, San Telmo\, Argentina
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SUMMARY:Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:Una selección de artistas argentinos participan en la Gran Muestra Internacional de arte contemporáneo que la Galería Eclettica World inaugura en Italia. Claudia Fernández Farjat estará exhibiendo sus obras en Roma y en Venecia durante el mes de abril.
URL:https://fadla.org/calendario/claudia-fernandez-farjat/
LOCATION:Galería Eclettica World\, Campo di San Moise\, Sestriere di San Marco\, Venecia\, Venecia\, Italy
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SUMMARY:Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida: El expresionismo abstracto y cómo suena
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores. \nDatos biográficos \nNace en 1942 en el barrio Cuba Libre de Comerío\, pueblo de la región centro oriental de Puerto Rico\, donde vive hasta los cuatro años de edad. En 1946 su familia se muda a la ciudad de Nueva York\, ciudad en que permanecerá por espacio de doce años. \nTras emprender el regreso a Puerto Rico\, la familia se establece en Santurce. Rivera Rosa\, que entonces tenía dieciséis años\, trabaja a la vez que hace sus estudios secundarios en la Escuela Superior Central. Ya para esa fecha\, la inclinación y aptitud para el arte\, que ha demostrado desde niño\, toma un giro determinante para empezar a definirse como su vocación de vida. \nSu interés en el arte lo lleva a los Talleres de la División de la Educación de la Comunidad\, a los Talleres de Arte del Instituto de Cultura (ICP) y a la Galería Campeche\, ubicados en el Viejo San Juan\, espacios en los que entrará en contacto con un ambiente de rico intercambio artístico y cultural. Es entonces cuando conoce a los maestros que serán figuras clave para su formación en el arte. De 1959 a 1961 estudia serigrafía y xilografía con Lorenzo Homar en el Taller de Gráfica del ICP; mientras que de 1959 a 1964 estudia pintura con Domingo García en la Campeche. En esos mismos años\, realizó estudios de dibujo arquitectónico en el Instituto Comercial de Puerto Rico\, en el que termina su Grado Asociado en 1962. \nYa decidido su rumbo hacia el arte\, siguió desarrollando su obra como pintor y grabador\, y su trabajo empieza a ser incluido en algunos de los portafolios de grabados más representativos de la gráfica del país\, así como en exposiciones colectivas. \nEn 1970 funda\, junto a Nelson Sambolín y René Pietri\, el recordado Taller Bija\, en el Viejo San Juan. Más tarde\, trabaja igualmente como artista gráfico en el Centro de Investigaciones Sociales de la Universidad de Puerto Rico (UPR)\, Recinto de Río Piedras\, en el que tuvo a su cargo el diseño de la Revista de Ciencias Sociales y de otras publicaciones del mismo. Para esos años diseña también innumerables libros de la Editorial de la UPR\, afiches y carátulas de discos\, colaborando también con el semanario Claridad para el que crea el logotipo original del suplemento cultural En Rojo. \nContando ya con una larga trayectoria como artista\, decide continuar sus estudios superiores en la UPR\, a la que ya estaba vinculado por su trabajo\, y completa allí su Bachillerato en Bellas Artes en 1987. \nPoco después regresa a Nueva York\, esta vez a realizar estudios graduados en Pratt Institute en Brooklyn\, donde obtiene su grado de Maestría en Bellas Artes en 1989. \nSiempre dedicado a su trabajo de creación artística\, fue también profesor de arte en el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la UPR en Río Piedras y profesor de pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. \nHa presentado su obra en más de treinta exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico. \nHa participado\, asimismo\, en cientos de exposiciones a nivel internacional en lugares como Nuevo México\, New York\, Orlando\, Washington\, D.C.\, Boston\, Barcelona\, Sevilla\, Madrid\, San Diego\, Toledo\, Brasil\, México\, Venezuela\, Ecuador\, Japón y Cuba\, entre otros. \nA lo largo de su carrera\, ha sido merecedor de numerosos e importantes reconocimientos. Desde 1995\, Rivera Rosa es el Artista Residente de la Colección de Arte Puertorriqueño de la Cooperativa de Seguros Múltiples. Vive y tiene su taller en Río Piedras\, a la vez que mantiene estrechos vínculos con su Comerío natal\, donde colabora activamente en proyectos artísticos. Actualmente\, tras más de cincuenta años de fructífera carrera en los que ha explorado una impresionante diversidad de medios y estilos\, sigue pintando\, fiel a su amplia visión del quehacer artístico. \nPREMIOS Y DISTINCIONES \n\nExposición Individual del Año por la Asociación Puertorriqueña de Críticos de Arte (AICA)\, 2014\nTributo al Artista Rafael Rivera Rosa\, XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe\nMención de Honor en la inauguración del IV Salón de Dibujo de Santo Domingo en 1995\nPremio de Diseño de Cartel Conmemorativo en Certamen por invitación para el Pabellón Nacional de Puerto Rico en EXPO ’92\, Sevilla España\, 1991\nMedalla de Bronce en Dibujo (Pintura sobre Papel) en el Certamen 53 del Salón de Otoño\, Madrid\, España\, 1986\nTítulo honorario de “Popular de Nueva Alcarria” por su destacada participación en el Proyecto Murales de Escariche\, Nueva Alcarria\, Guadalajara\, España\, 1986\nHomenaje a Rafael Rivera Rosa en ocasión del XXX Aniversario de la Fundación Federación de Universitarios Pro Independencia\, 1986\nPrimer Premio Grabado del Certamen Arthur Andersen\, San Juan\, 1979\nMención de Honor en Pintura\, Revista Sin Nombre\, San Juan\, Puerto Rico\, 1976\n\n  \n 
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SUMMARY:Mirada Extendida
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores.
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SUMMARY:YVES KLEIN\, EN PROA
DESCRIPTION:El sábado 18 de marzo se inaugurará la exhibición: Yves Klein (1928 / 1962)\, en conjunto con los Archivos Yves Klein\, la Embajada de Francia en la Argentina y Tenaris. Es la primera retrospectiva del artista francés en la Argentina y se enfoca en los trabajos más emblemáticos de este precursor del happening y creador del color el Azul Klein. “La muestra reúne sus primeras pinturas monocromáticas de 1955; sus célebres monocromos azul ultramarino saturado; las pintura de fuego y las Cosmogonías -de lluvia y viento-; las series de Esculturas Esponjas y las obras en oro –resultados del trabajo de varios años combinando práctica pictórica\, espiritualidad\, la fuerza de la naturaleza y la exploración de un camino hacia lo absoluto”\, explican en el sitio web de Proa. \nAv. Pedro de Mendoza 1929 (y Caminito)\, La Boca\, Buenos Aires. \nMartes a domingo\, 11 a 19; lunes cerrado.
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SUMMARY:Antonio Berni\, entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete.
DESCRIPTION:DESCRIPCIÓN DE LA EXPOSICIÓN\nAntonio Berni\, «narrador visual único»\, «dibujante compulsivo» y «atento cronista de lo cotidiano y lo social»\, fue capaz de aunar la tradición figurativa de la pintura con las vanguardias modernas\, convirtiéndose en una de las figuras destacadas del arte del siglo XX. La comisaria de la exposición\, Diana Wechsler\, explica que su figura «se identifica por su extensa trayectoria atravesada por sucesivos cambios\, ensayos\, experimentaciones y búsquedas permanentes a través de diferentes formas expresivas en las que la dimensión material de sus obras emerge como uno de sus aspectos identitarios». «Desde las obras de los años veinte\, en las que se explora los recursos de la pintura metafísica y el surrealismo\, asume a partir de los años treinta un compromiso político y social que lo acompañará toda su vida\, hasta las experimentaciones con los materiales de los años sesenta y setenta\, la pintura de Berni es un buen ejemplo de los debates de las vanguardias del siglo XX» señala la comisaria. La muestra que se abre el 20 de enero en el Museo Lázaro Galdiano se centra en dos ámbitos de su producción: xilografías – impresiones realizadas con planchas de madera grabadas – y xilocollages – incorporación de otros materiales a una xilografía – de la década de los sesenta y su archivo fotográfico. Tres son las cualidades claves de la obra de Berni\, quizás el artista argentino más importante del siglo XX: su capacidad de reinvención permanente\, su atenta y poderosa mirada sobre cuestiones sociales y políticas\, así como su apuesta estética y la variedad de su propuesta plástica. La indagación en la realidad le llevó a la reinvención de su práctica artística y con ella a situarse entre quienes fueron capaces de realizar una crítica poética de aquellas realidades. Desde finales de los años cincuenta los materiales de desecho industrial\, algunos objetos manufacturados y otros residuos de la sociedad de consumo integran el lenguaje de los trabajos de Berni. Pinturas y xilografías combinadas con un collage excesivo – en el sentido más potente del término – son los recursos técnicos que dan cuerpo a las dos grandes series plásticonarrativas que\, bajo los nombres de Juanito Laguna y Ramona Montiel\, Berni desarrolló a lo largo de las décadas de los años sesenta y setenta. Juanito Laguna está inspirado en los cientos de niños que el artista encontró en los barrios humildes de la periferia de Buenos Aires desde los años 30. El propio Berni se refería a este personaje de la siguiente manera: «Yo a Juanito Laguna lo veo y lo siento como el arquetipo que es; arquetipo de la realidad argentina y latinoamericana\, lo siento como expresión de todos los Juanitos Laguna que existen (…) En él están fundidos muchos chicos o adolescentes que yo he conocido\, que han sido mis amigos\, con los que he jugado en la calle…» Berni se apropia de los objetos encontrados y crea un nuevo universo de texturas y configuraciones formales que no solo invaden su pintura sino que también se integran en los grabados para dar vida a un nuevo episodio de la saga de Juanito. La inclusión de los desechos\, así como la construcción de una narrativa rica en evocaciones de carácter político-social\, colocan la producción de Berni de estos años en lo que el crítico de arte francés Pierre Restany definiera como Nuevo realismo. El propio Restany destacó la capacidad de Berni para el «reciclado poético de la realidad urbana e industrial». Esta muestra de gabinete se centra en la serie de Juanito Laguna y en la relación entre la exploración de campo llevada a cabo por el artista en Buenos Aires y en la manera en que estas indagaciones le condujeron a la reinvención del modo de construir imágenes. Se exhiben algunos resultados de esas exploraciones que le llevaron a obtener el Gran Premio en la Bienal de Venecia en 1962\, entre ellos siete xilocollages de gran formato de esta serie que acompañan a Los astros sobre Villa Cartón (1962) y a La casa del pintor\, reflejo de la variedad y singularidad plástica de la producción de este creador. También se muestran documentos del Archivo Berni\, desde fotografías firmadas por él de las que bebe iconográficamente\, catálogos de la época\, bocetos en tinta china\, hasta una acuarela inédita que recientemente se ha descubierto y que precedió a la obra Los astros sobre Villa Cartón. Además\, se presenta un documental producido exprofeso con material documental del Archivo Berni y del Archivo General de la Nación (Argentina) donde el artista desvela los secretos de la saga Juanito Laguna y se adentra en la versatilidad y personalidad de esta figura clave del arte latinoamericano. Antonio Berni: entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete forma parte del programa institucional de la feria ARCOmadrid 2017 y podrá visitarse hasta el 12 de marzo en la sala de Arte Invitado del Museo. La muestra es fruto del acuerdo de colaboración firmado en 2016 entre el Museo Lázaro Galdiano y la UNTREF\, por el cual el Museo cedió temporalmente varias piezas de su colección de obra gráfica de Goya para la muestra «El sueño de un genio» celebrada en Buenos Aires entre mayo y octubre de 2016. Como contraprestación el Museo acoge esta exposición de Antonio Berni\, una de las figuras centrales en los debates estéticos de la escena artística latinoamericana contemporánea. \n\nDónde:\n\nMuseo Lázaro Galdiano / Serrano\, 122 / Madrid\, España \nVer MAPA \n\n\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 12 mar de 2017\n\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\n\nHorario:\nDe martes a sábado de 10 a 16.30h. Domingo hasta las 15h. Lunes cerrado\n\n\nPrecio:\nVisita incluida con la entrada al Museo (entrada general 6€)\n\n\nComisariada por:\nDiana Wechsler\n\n\nOrganizada por:\nMuseo Lázaro Galdiano\n\n\nArtistas participantes:\nAntonio Berni\n\nCuraduría: Diana Beatriz Wechsler (Buenos Aires\, 1961) es directora de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la UNTREF – Universidad Nacional de Tres de Febrero y curadora del MUNTREF – Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero\, de Buenos Aires. Esta doctora en Historia del Arte\, es también investigadora independiente del CONICET (Argentina). Entre sus últimos comisariados destacar el mega proyecto expositivo Boltanski BUENOS AIRES organizado por el MUNTREF\, en 2012. También cabe destacar su curaduría de la muestra Territorios de diálogo \, exhibida en 2006 en el Centro Cultural Recoleta. Wechsler Recibió la Getty Postdoctoral Fellowship y ha publicado numerosos artículos y libros sobre historia del arte argentino y sudamericano: Papeles en conflicto\, y Spilimbergo y el arte moderno en la Argentina\, entre otros.
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SUMMARY:Julio Larraz: Pintura y Escultura
DESCRIPTION:Julio Larraz\, extraordinario dibujante\, pintor y escultor\, es la quintaesencia del artista latinoamericano posterior a la Segunda Guerra Mundial. Desenmascarando la angustia de la humanidad\, plantea una nueva realidad y una identidad políticamente consciente para la existencia en el mundo moderno. Su contribución al arte occidental\, al igual que la de la generación del «boom» de escritores latinoamericanos\, es un nuevo tipo de retrato\, que coopta las convenciones del género y las transforma en alegorías sociológicas e históricas de varios niveles. Nacido el 12 de marzo de 1944 en La Habana\, Cuba\, Larraz se fue a Miami en 1961 y viajó a Nueva York\, donde estudió con ilustradores notables como David Levine. Su obra está incluida en colecciones de todo el mundo\, como el Museo de Monterrey en México\, el Banco Mundial en Washington\, D.C. y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Vive y trabaja en Miami\, FL. \nDónde:\nMuseum of Art – Deland / 600 N. Woodland Blvd. DeLand / Florida\, Estados Unidos\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 02 abr de 2017\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\nOrganizada por: \nMuseum of Art – Deland
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SUMMARY:Cosmos\, exposición de dibujos de Fernando Allievi.
DESCRIPTION:“En momentos en que la digitalidad termina de poner en crisis la idea de una memoria construida por la representación fotográfica de los hechos\, su gesto nos regresa a una legitimación de la duda. ¿Puede cada partícula de tinta de las imágenes gráficas estar impregnada de la historia? ¿Cuál\, sino la propia aldea\, puede ser el centro del Universo?\, parece preguntarse Allievi. El preámbulo de esta muestra\, hace que este texto concluya apelando a la polisemia de una única palabra posible: (Continuará)” \nGabriel Valansi\, Texto de la exhibición Cosmos en el Museo Caraffa\, Octubre de 2016 \nLa exposición podrá visitarse hasta el Jueves 9 de Marzo de 2017. La entrada general al museo es de 15 pesos\, los miércoles el ingreso es libre. \n  \n 
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LOCATION:Museo Caraffa\, Av. Poeta Lugones 411\, Córdoba\,\, Argentina
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SUMMARY:TAN SOLO... HUMANOS
DESCRIPTION:Tan solo… Humanos \nMuestra\, brindis y charla \nEXPONEN \nMónica Aparicio\, Patricia Casanova\, Ani Fernandez\, Inés Magaro\, Julia Picart y Marcela Rinaldi. \nCharla abierta con el Licenciado Adolfo Loreal. \nViernes 2 de diciembre\, 19:30hs
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LOCATION:EL Taller – Espacio de Arte\, Alem 832\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:DE AVELLANEDA A NEW YORK: CLORINDO TESTA EXHIBE EN EL MOMA
DESCRIPTION:Una exposición del arquitecto Clorindo Testa (1923-2013)\, una serie de más de cien dibujos que conforman un inmenso mosaico en el que imaginó la rutina diaria de un chico que habita la localidad bonaerense de Avellaneda\, se exhibe por estos días y hasta el 3 de enero de 2017 en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. \nOrganizada por el Departamento de Arquitectura y Diseño del museo\, este «brillante y potente trabajo»\, según indica el comunicado de prensa del MoMa\, está actualmente en exhibición en el atrio denominado Donald B. y Catherine C. Marron. \nResponsable de emblemáticas creaciones de la arquitectura local\, como la Biblioteca Nacional y el Banco de Londres\, Testa participó en 1952\, durante el segundo gobierno del peronismo\, de un estudio gubernamental que buscaba implementar técnicas urbanísticas modernistas en la zona de Avellaneda. \nMás de 20 años después\, el arquitecto retomó el proyecto y reimaginó la rutina diaria de un chico que había conocido y dibujado jugando en las calles de la ciudad. \nEl mosaico de 107 paneles\, «Habitar\, Circular\, Trabajar\, Recrearse»\, imagina a ese niño\, ahora adulto\, que habita en una ciudad superpoblada y lo muestra descansando\, subiendo a bañarse o a comer\, desplazándose en un colectivo lleno de gente\, regresando a casa por la noche\, viendo la televisión. \nEn su doble faceta de artista y arquitecto\, Testa muestra en su obra «espacios compactos y opresivos»\, señala el texto del comunicado\, para dar cuenta que\, con el paso del tiempo\, en las ciudades contemporáneas algunos problemas se agravan en vez de erradicarse. \nTesta había llegado a la Argentina con su familia antes de cumplir un año\, país donde forjó sus estudios y conformó la primera camada de arquitectos de la nueva Facultad de Arquitectura y Urbanismo (1948). \nTesta embelleció Buenos Aires con la Cámara de la Construcción en 1951\, el Hospital Naval en 1970\, el Auditorium de la Paz (1993)\, la sede del Colegio de Escribanos de la Capital Federal (1998) y el proyecto Universidad Torcuato Di Tella (1998).
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LOCATION:Museo de Arte Moderno (MoMA)\, 11 W 53rd St\, New York\, NY 10019\, Nueva York\, Nueva York\, United States
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SUMMARY:Omar Panosetti. Un día de esos
DESCRIPTION:La muestra de arte donde el artista Omar Panosetti hace un repaso histórico sobre algunos de los hechos sobresalientes de la historia argentina como el regreso de la democracia\, la tragedia de Cromañón o la guerra de Malvinas se podrá ver en la Galería Ensamble\, Guido 1746\, CABA. \n«En mis dibujos -realizados en acuarelas y tintas sobre papel- hay mucho de ironía y humor»\, asegura el artista nacido en Buenos Aires el 25 de abril de 1960\, y formado con los maestros Ana Exckell y Yuyo Noé. Panosetti fue galardonado en 2004 con el Gran Premio de Honor en Dibujo del Salón Nacional de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación. Sus obras están presentes en museos de Argentina\, China\, Polonia\, Colombia\, España y Paraguay y en colecciones privadas de Estados Unidos\, Inglaterra\, Alemania\, Italia\, Francia y España.
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LOCATION:Galería Ensamble\, Guido 1746\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:La persistencia de los maestros.
DESCRIPTION:Un recorrido inusual sobre la obra de un grupo de artistas que\, en su gran mayoría\, sostuvo los modos de las escuelas de arte y de sus mentores.\nCurador: Nicolás Javaloyes \nLa Colección del Museo Sívori nace de una mirada plural en la que convergen las diversas gestiones que llevaron adelante el museo y las asociaciones que participaron del Salón Manuel Belgrano\, íntimamente ligadas al sistema de la educación artística. \nEn su tramo dedicado a la década del ’60\, nos ofrece un recorrido poco usual al escapar del paradigma con que generalmente se describe este período: experimentación y vanguardia. Por el contrario\, nuestro acervo permite acercarnos a un grupo de artistas\, que en su mayoría sostuvo los modos de las escuelas de arte y de sus maestros. “La Persistencia de los Maestros” intenta mostrar hacia dónde miraba ese colectivo en una década signada por el desvanecer de la modernidad. \nCon la curaduría de Nicolás Javaloyes la exposición reúne obras de Bruno Venier\, Emilio Centurión\, Juan Del Prete\, Raúl Russo\, Antonio Pujía\, Demetrio Urruchúa\, Miguel Davila\, Héctor Basaldúa\, entre muchos otros. \nA fines de los años cincuenta\, tanto el Salón Nacional como el Municipal ponen su mirada sobre artistas que se han formado con maestros locales pero que a la rigurosidad compositiva han incorporado el lenguaje de las Vanguardias Históricas: el color fauve\, la síntesis cubista y el universo poético del surrealismo. Por eso se los suele llamar “la segunda vanguardia”. \nEn el ámbito del Salón\, donde aún predominaba la impronta del nativismo\, estos artistas aportaron una mirada fresca\, renovadora y moderna sobre el arte. No obstante\, son artistas que sostienen la figuración en vísperas de una década signada por el experimentalismo. Sus obras\, desde sus títulos –“composición”\, “figura”\, “bodegón”– hacen referencia a su adhesión al repertorio de motivos tradicionales –la naturaleza muerta\, el retrato o el desnudo–. \nHacia 1963 parece cambiar el foco de atención del Salón. Entre las obras premiadas\, hay un resurgir de los motivos populares\, del paisaje\, de las vistas urbanas y los interiores intimistas. Una de las razones del cambio puede atribuirse a la composición de los jurados de Salón. El comportamiento de cada uno de ellos en las votaciones es revelador de los debates que atravesaban al campo artístico. \nLlamativamente\, este cambio de imagen\, el retorno a ciertos temas tradicionales\, es contemporáneo al momento de máximo despliegue de la vanguardia internacionalista y experimental y\, a fines de los ’60\, el arte de la vanguardia revolucionaria. Sin embargo\, aunque el Salón conserva distancia con las vanguardias\, podemos ver cómo lentamente comienza a permear en las obras premiadas el lenguaje del informalismo\, la neofiguración y la abstracción\, dándose curiosas combinaciones entre temas tradicionales y formas modernas.
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LOCATION:Museo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Buenos Aires\, (C1268ACK)\, Argentina
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SUMMARY:Miguel D’Arienzo. Margarita está linda la mar
DESCRIPTION:D’ Arienzo se libera y experimenta como un alquimista\, bajo los efectos del calor\, la transformación de la materia y los pigmentos. Logra manifestaciones espontáneas y genuinas frente a las propias órdenes de la naturaleza. Estallidos de color\, manchas y chorreados. Cuando se manifiesta en los grandes formatos\, con la incorporación de arena\, la pintura de D’ Arienzo se torna abstracta\, acercándose a una pintura de acción. Aparecen referencias a artistas plásticos universales\, como Diego Velázquez\, Paul klee y nuestro Antonio Berni. La pintura y el dibujo interactúan armoniosamente. Éste último\, con total autonomía\, concede acentos expresivos en las composiciones con una línea energética y deliberada que se aleja de las enseñanzas académicas recibidas. \nSu capacidad para determinar el diseño de la muestra y los distintos formatos es una evidencia de su hacer para la participación activa del público. Así\, con las instalaciones El teatro de títeres y Margarita llevando un elefante no hace más que acercar e incluir a los espectadores en la obra con el deseo de anular las distancias que los separan.Como una huida hacia otra realidad\, Rubén Darío y Miguel D’Arienzo deciden\, por medio de la inocencia\, la frescura y la fantasía\, conectarse con su propia infancia. Precisamente para reencontrarse con su más íntimo ser\, aquel niño interior que se manifiesta en un constante ir y venir a través de sus prácticas artísticas. \nLorena Oporto\nÁrea de Investigación y Archivo de Arte Argentino de Museo Sívori \n+ INFO
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LOCATION:Museo Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Alicia Penalba - Escultora
DESCRIPTION:Primera exposición antológica en un museo argentino de la artista Alicia Penalba\, compuesta por una selección de sus esculturas abstractas. Se incluyen cuarenta piezas de diferentes series y períodos: totémicas\, aladas\, monumentales y petits\, realizadas durante más de treinta años de trayectoria\, desde su radicación en París en 1948 hasta su fallecimiento repentino en 1982. Además\, se exhiben en la explanada del museo cuatro esculturas (una alada y tres tótems) concebidas por la artista especialmente para el espacio público. Las obras provienen de importantes colecciones privadas y públicas de nuestro país. \nDurante los años 50 y principios de los 60\, Alicia Penalba concibió diferentes series de obra: verticales o totémicas\, por elementos separados\, caracolas\, aladas\, dobles y formas voladoras. Con estas tipologías experimentó en múltiples repeticiones\, ritmos\, variaciones y cambios de escala; buscó contrastes entre texturas\, brillos y opacidades\, lo rústico y lo refinado. También alternó con la materia pesada de la arcilla fundida en bronce o en cemento -que desmaterializó mediante el uso de las resinas poliéster y de las transparencias del vidrio Securit-\, y jugó con el resplandor del dorado pulido\, el acero inoxidable y la alpaca. \nResultado de la colaboración con el Archivo Alicia Penalba -que además aportó datos claves para la investigación curatorial-\, la exhibición incluye dos vitrinas con porcelanas\, joyas\, tapices\, fotos y documentos\, que dan cuenta de su pensamiento y sus procesos de producción. Esta documentación también fue fuente del film documental realizado especialmente para la ocasión por El Pampero Cine. En el film se dan a conocer las obras de carácter monumental realizadas por Penalba en espacios públicos como la Universidad de Saint-Gall\, Suiza (1963); el Hakone Art Museum\, Japón (1969); la MGIC Investment Corporation Milwakee\, USA (1978) y la Société Roche Neuilly\, Francia\, entre otros. Estos trabajos posicionan a Penalba en un lugar destacado de la historia del arte no figurativo argentino\, por ser de las pocas mujeres en realizar obra escultórica de escala monumental. \nAlicia Penalba. Escultora continúa también la serie de proyectos de sala 3 que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que por diferentes motivos no han sido suficientemente reconocidas en su época\, o cuyo trabajo aún no ha cobrado su real dimensión en la historiografía del arte contemporáneo. En el marco de la muestra y en colaboración con el Archivo Alicia Penalba\, MALBA presentará la primera publicación de referencia sobre su obra\, que será coeditada con Ediciones RM. \n14.10.2016 — 19.02.2017\nCuradora: Victoria Giraudo\nSala 3. Nivel 1 + Explanada
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SUMMARY:RAMIRO LLONA. GRANDES FORMATOS (1998-2016)
DESCRIPTION:La muestra Ramiro Llona.  Grandes formatos (1998-2016): El lugar de la pintura  que  el MAC Lima presenta\, reúne una selección de veintidós obras realizadas posteriormente a  su muestra Retrospectiva (1973-1998) llevada a cabo en el Museo de Arte de Lima\, la cual significaría el punto de quiebre entre una etapa de veinticinco años de producción y el inicio de un nuevo período caracterizado por la exploración de sus formatos que han ido creciendo hacia tamaños colosales y demandaría mayores retos en torno a sus procesos técnicos y en el desarrollo de su lenguaje. \nRamiro Llona formado en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú\, proviene desde las canteras de la difusión del expresionismo y el expresionismo abstracto.  Sin embargo\, gracias a espíritu inquieto  y libre\, su actitud exigente\, su interés por los artífices de la historia del arte y su deseo de acercarse a la escena internacional misma\, le ha permitido trastocarlos y transformarlos de manera constante. \nSu permanencia en Nueva York  (1977-2002) y su acercamiento a los expresionistas americanos y sus viajes a Europa y parte de Sudamérica\, generaron una gran simbiosis en su forma de entender la pintura\, tanto en su proceso como en su lenguaje\, haciendo de su pintura lo que actualmente es: una síntesis en el que se conjugan aportes del expresionismo\, el abstraccionismo y la geometría\, el minimalismo y el simbolismo\, permitiéndole construir un universo interior (paisajes interiores) marcado por su constancia y continuidad. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo – Lima\, Av. Grau 1511\, Barranco\, Lima\, Perú
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SUMMARY:DANIEL ZELAYA Muestra antológica
DESCRIPTION:Continuando con las propuestas para celebrar el 90º Aniversario del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, la Secretaría de Cultura de la Provincia y la Asociación Amigos del Museo invitan a la inauguración de la muestra antológica del destacado artista Daniel Zelaya. La selección reúne emblemáticas pinturas de la última etapa de su producción\, realizadas entre 1997 y 2010\, luego de su regreso a Entre Ríos. El encuentro está previsto para el viernes 14 de octubre a las 20 hs y será con entrada libre y gratuita.\nPequeños juguetes de hojalata\, autómatas\, personajes que interactúan en un universo de objetos icónicos\, varas con líneas rojas y blancas -semejantes a las usadas en seguridad vial- y papeles al viento son algunas de las constantes en el imaginario de las imponentes pinturas del artista Daniel Zelaya que serán exhibidas en las salas centrales del Museo Provincial de Bellas Artes a partir del Viernes 14 de octubre. \nReconocido a nivel internacional como pintor\, grabador y diseñador gráfico\, Zelaya utilizaba la técnica con gran habilidad tanto en óleo\, acrílico\, acuarela como en las diferentes formas del grabado. \nEl extenso recorrido de su trayectoria se inició en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires para continuar en París y Alemania\, donde desarrolló gran parte de su vida y su carrera como artista hasta 1983\, cuando regresa a Argentina para instalarse definitivamente en la ciudad de Colón\, Entre Ríos. \nZelaya realizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en Argentina\, Brasil\, Chile\,Colombia\, España\, Alemania\, México\, Italia\, Estados Unidos\, Francia\, Bruselas\, Suiza\, Oslo\,Canadá; Puerto Rico; Polonia; Londres; Tokio; Finlandia\, entre otros\, obteniendo múltiples distinciones y un gran reconocimiento a nivel mundial. \nLa muestra -ofrecida por la Asociación de Amigos del Museo Provincial de Bellas Artes junto a la familia del artista- en adhesión al 90º Aniversario del Museo\, exhibirá 16 magníficas piezas realizadas en Entre Ríos entre 1997 y 2010\, lo que permitirá a los visitantes aproximarse a su poética plástica\, absolutamente auténtica y personal. Las texturas\, colores\, ritmos y matices propios de la obra de Zelaya crean una atmósfera de apariencia festiva\, a veces crítica y otras veces serena\, pero siempre intensa y profunda. \nEsta propuesta busca poner en valor y compartir la obra de uno de nuestros artistas más destacados\, que ha trascendido largamente las fronteras de nuestra provincia\, acercando sus obras a las nuevas generaciones. \nLa inauguración\, que contará con la presencia de quien fuera su esposa y colega\, la reconocida escultora Gloria Priotti\, tendrá lugar el próximo viernes 14 de octubre a las 20 hs en el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, ubicado en calle Buenos Aires 355 de la ciudad de Paraná.\nLa muestra podrá visitarse con entrada libre y gratuita hasta el domingo 20 de noviembre. \nSobre Daniel Zelaya \nDaniel Zelaya nació en Buenos Aires en 1938. Inició sus estudios visuales en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Entre 1967 recibió una beca del Gobierno Francés\, por lo que residió hasta 1968 en París.Tres años más tarde\, integró el Grupo Grabas (Gráficos de Buenos Aires)\, realizando una intensa labor en obra seriada a través de numerosas exposiciones y viajes por América y Europa. \nDe 1975 hasta 1983 reside en Berlín (Alemania Occidental). En 1977/78 colabora en un proyecto de remodelación de la Universidad Técnica de Berlín. Paralelamente realiza afiches de actividades culturales para la Künstlerhaus Bethanien en Berlín y para el Teather am Turm en Frankfurt. \nEn 1982\, dentro del marco del Festival Horizonte ’82 de Berlin\, realiza una escenografía para ambientación de tango y co-participa en la creación y redacción del libro “Tango\, Melancholie der Vorstadt”\, editado en la misma ciudad. \nUn año después\, regresa definitivamente a la Argentina instalándose en Colón\, Provincia de Entre Ríos.En 1989 dicta en el Museo de Arte de Moderno La Tertulia de Cali (Colombia) un curso sobre técnica de pintura al temple y otro sobre técnica de grabado. En 1996 es invitado\, por The Tamarind Institute\, de Alburquerque\, New México (USA) para realizar una litografía que integra una edición de homenaje a Pablo Neruda. En 2008 colabora invitado por la fundación Arena (España) en la ilustración del libro “Icaro iconografía de un vuelo”. \nFallece en Colón en 2012. Tres años después\, el Municipio de Colón lo distingue otorgándole su nombre a una sala del Museo Histórico Regional de Colón su nombre. \nRealizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en más ciudades de màs de 19 paises. Recibió múltiples distinciones y premios. \nSus obras figuran en: Museo Nacional de Bellas Artes – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – Museo Municipal de Arte E. Sívori – Museo de Arte Moderno de Nueva York – Gabinete de Estampa de la Biblioteca de París – Graphotek West Berlín – Artotek West Berlín – Theater am Turm\, Frankfurt – Museo de Arte Contemporáneo\, Caracas– Museo de Arte Moderno de Bogotá – Museo de Arte Moderno La Tertulia\, Cali – Biblioteca Arango\, Bogotá – Colección Benson & Hedges – Colección Chase Manhattan Bank\, Buenos Aires –Fundación Antorchas – Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro – Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Entre Ríos – Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y en colecciones privadas de América y Europa. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Buenos Aires 355\, Paraná\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:Más allá de la piel
DESCRIPTION:Marina Dogliotti\, Inés Vega y Betina Sor exhibirán en el Mumbat a partir del 8 de octubre obras de poética surrealista sobre la mujer. \nAbordando una temática de lo femenino las obras de arte de las tres artistas se presentan con un enfoque y una mirada especial\, ya que nos permitirán atravesar nuestras propias tinieblas e intimidades. Betina\, Inés y Marina exhiben que las mujeres han podido sortear los obstáculos\, narrándonos a través de su propuesta la historia femenina\, que es la historia de la aspiración a la libertad. \nUna muestra que nos ofrecerá la posibilidad de percibir sensibilidad\, a través de detalles y armonías\, sensualidad y pasión en un imaginario surrealista. Pero asimismo\, exhiben la historia de una epopeya de sacrificios\, sufrimientos y desesperación\, de esperas y esperanzas\, temor y orgullo de emprender el gran salto\, desde donde devendrá otro en alas de otra mujer. Detalles y simbologías que nos evidenciarán el mundo de la complejidad femenina. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/mas-alla-de-la-piel/
LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil\, Chacabuco 357\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:Dos miradas del constructivo Julia Farjat - Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:ACTIVIDADES\n\n\n\nCharla con las artistas viernes 14 de octubre 18 hs \n  \n\n\n\nArtistas participantes \nJulia Farjat \nCursó estudios de escultura con los maestros Leo Tavella\, Alberto Balietti\, Julián Agosta y otros conocidos artistas plásticos.\nA partir de 1972 comienza a especializarse en Escultura y desarrolla una intensa actividad en esta disciplina\, trabajando con diferentes materiales cerámica y el modelado\, talla directa en mármol\, granito\, madera y hierro soldado. \n  \nClaudia Fernández Farjat \n\nEn mi obra rige la ley de frontalidad que admite una tercera dimensión real con un orden ortogonal con respecto a la base. Trabajo con los opuestos\, uno al lado del otro\, lo femenino y lo masculino en un acto seminal como unión de complementos\, dando lugar a la búsqueda de equilibrios para que la tierra pueda ser habitada jerarquizando a la naturaleza. Una organización de planos y estructuras que se vinculan entre sí y pueden asociarse a los bloques pétreos levantados por contacto\, representando al urbanismo civil y religioso del mundo. \n\n  \nInaugura: 18hs  – Lun a Dom de 10 a 18 hs. – \nEntrada: libre y gratuita
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LOCATION:ESPACIO DE ARTE BANCO CIUDAD\, Esmeralda 660\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Alberto González Vivo - Simplemente formas
DESCRIPTION:«Alberto González Vivo trabaja sobre la energía vital\, la impresión que los estímulos producen en sus sentidos es fuente de inspiración para su obra que se inicia en la profunda percepción y continúa en un arduo trabajo de elaboración de obsesivos y minuciosos bocetos. Su obra oscila entre la abstracción geométrica y el op art y está influida por las investigaciones realizadas sobre la producción de los artistas Luis Tomasello\, Julio Le Parc\, Víctor Vasarely\, Martha Boto Eduardo Moisset de Espanés\, artista de la geometría generativa y creador del Centro de Investigaciones Plástico Matemáticas en Argentina.\nEl uso de la luz combinado con las formas geométricas y el atinado color aportan equilibrio a sus trabajos creando\, a la vez\, efectos de gran magnetismo. Círculos y cuadrados de diferentes dimensiones habitan con amplia libertad los espacios ingrávidos exhibiéndose para deleite de los observadores. El universo pictórico de este artista explora en profundidad el poder del color y de las formas. Su lenguaje plástico manifiesta mucho más de lo que el artista siente y piensa y permite al espectador atravesar la experiencia del placer intelectual y sensorial.»\nGrace Bayala  Curadora de Arte
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LOCATION:DAIN | Usina Cultural\, Nicaragua 4899\, CABA
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SUMMARY:Avatares de la forma. Anselmo Piccoli\, de la figuración a la abstracción.
DESCRIPTION:Una exposición retrospectiva curada por Cristina Rossi que aborda las rupturas y continuidades en la obra y pensamiento de este artista rosarino. \n«Un cuadro es presencia\,\nes una realidad construida\npor nuestros sentidos.»\nAnselmo Piccoli \nDesde los años 30 hasta el final del siglo XX\, la trayectoria de Anselmo Piccoli atravesó un período central para el arte moderno. Sus trabajos tempranos pintaron el entorno rosarino y su gente\, a partir de una figuración testimonial que intentaba contribuir al cambio social\, según las enseñanzas de Antonio Berni en la Mutualidad. \nPiccoli colaboró con su maestro en la pintura de gran formato «Hombre herido» Si bien este tipo de pintura de carácter social era resistida en el circuito institucional\, lograron que ingresara en el XIV Salón Otoño\, aunque una vez exhibida recibió duras críticas. \nDesde sus primeros dibujos sobre modelo vivo\, en los años 40 profundizó el trabajo sobre los géneros de la tradición pictórica dentro de una figuración de cuño realista que\, poco a poco\, se fue sintetizando. \nEstablecido en Buenos Aires desde octubre de 1943\, continuó los pasos de su maestro no solo en pintura\, sino también en el activismo político y gremial. \nFiltrada por la estructuración cezanneana\, las formas de sus paisajes\, bodegones y retratos de los años 50 se fueron sintetizando y\, poco a poco\, la composición se organizó mediante una retícula formal y cromática. \nEntre la década del 50 y la primera mitad del 60\, la obra de Piccoli recorrió un lento pero sostenido proceso de cambio. \nFue un tiempo de incesante trabajo en dibujo a partir de modelos y de estudios sobre la naturaleza\, en los que la luz comenzó a determinar el ordenamiento. \nPiccoli ha señalado que hacia 1958 tomó conciencia de que la pintura consistía en “dar vida con el color a un plano”\, respetando al objeto en su apariencia exterior y utilizando la luz en función de la estructura. Ese proceso de síntesis anticipaba las primeras manifestaciones de la abstracción de base geométrica. \nTras este proceso de decantación de la forma\, hacia finales de los 60 se produjo un viraje radical en el modo de interpretar la realidad que dio comienzo a su abstracción de base constructiva\, dentro de la cual encontró inflexiones para construir una poética rica en matices. La síntesis formal\, la estructura reticular y la primacía de la luz desembocaron en una concepción geométrica de la realidad que se plasmó en los planteos constructivos. \nMientras que las presentaciones de Piccoli en los salones de 1967 sorprendieron con sus primeras obras abstractas\, en 1969 presentó con éxito una primera exposición de abstracciones geométricas. Convencido de que era el único lenguaje capaz de interpretar a la sociedad de ese momento\, Piccoli expresó: «Desde que un sector importante de artistas renunció a representar los fenómenos aparenciales de la naturaleza\, el artista ha encontrado una relación más profunda con la naturaleza porque ha penetrado en sus leyes.» \nEn 1989 sufrió un infarto que no solo modificó su rutina de trabajo\, sino que también dejó huellas en el tratamiento del color de sus pinturas del período inmediato. Durante la convalecencia trabajó una serie de obras que revelan el abismo abierto por la proximidad de la muerte. Sin embargo\, tras ese período oscuro\, intenso y profundo –aunque breve– muchas composiciones de pequeño formato tuvieron interpretaciones en tamaños mayores con variantes que incluyeron texturas logradas con materiales diversos: virutas de madera y metal\, cartones corrugados o preformados\, varillas de aluminio y maderas. \nLa fortuna crítica de los artistas puede seguirse a través de la notoriedad alcanzada en el circuito institucionalizado o mediante su proyección hacia la posteridad. Si bien Piccoli logró los máximos premios que otorga el circuito de consagración\, el último núcleo de esta exposición integra obras de Norberto Puzzolo\, Eduardo Médici\, Marcelo Pombo y Santiago Villanueva\, que se apoyaron en algún aspecto de la obra\, el pensamiento o las acciones de Piccoli. Son obras de arte contemporáneo que\, a partir de la producción de un artista moderno\, extienden su trayectoria en el tiempo. \n«Avatares de la forma» recorre estas transformaciones desde una mirada retrospectiva\, que también incluye su proyección en el tiempo a través de algunos artistas contemporáneos que propusieron una reflexión en el presente a partir de algún aspecto de la trayectoria de este artista moderno. \nAnselmo Piccoli nació en la ciudad de Rosario\, provincia de Santa Fe\, en 1915. En su formación temprana fue clave el aprendizaje del dibujo a partir del modelo así como la práctica de la pintura mural. En 1935 realizó\, junto a su maestro Berni\, la obra de gran formato El hombre herido. Documento fotográfico\, pintada con soplete de aire comprimido y laca. En 1942 integró laAgrupación de Plásticos Independientes y\, luego\, se instaló en Burzaco. Poco a poco\, su figuración se fue sintetizando y\, en 1969\, realizó la primera exposición de arte no figurativo. Sus obras participaron en más de un centenar de exposiciones colectivas e individuales en la Argentina\, Alemania\, España y México\, lograron las más significativas distinciones\, como el Premio Gobierno de Santa Fe otorgado por el Salón Anual de Santa Fe (l980)\, el Primer Premio del Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano (1983) o el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Plásticas (1984) y\, actualmente\, forman parte del acervo de museos y colecciones privadas. Falleció en Buenos Aires el 12 de julio de 1992. \nMás info: http://www.bibliele.com/anselmo-piccoli/ \nCristina Rossi es Doctora en Historia y Teoría del Arte (UBA). Profesora e Investigadora de Arte Latinoamericano de la UBA y UNTREF. Coordina el equipo de investigación del proyecto Modernity\, Avant-Garde and Neo-Avant-Gardes in the Americas: Journals and archives at Espigas Foundation (1920s- 1950s)\, de Fundación Espigas-UNSAM apoyado por la Getty Foundation. Es autora de Jóvenes y modernos de los años 50 (2012) y de Raúl Mazzoni\, Experiencias bi-espaciales (2015)\, co-autora de Manuel Aguiar. Memoria y vigencia (2015)\,Luis Gowland Moreno. Una constante búsqueda de lo expresivo (2014) y de La abstracción en la argentina siglos XX y XXI (2011)\, autora y compiladora de Víctor Magariños D. Presencias reales (2011) y de Antonio Berni. Lecturas en tiempo presente (2010)\, entre sus últimas publicaciones. Participa en libros y revistas nacionales e internacionales. Es miembro del CAIA y de la AACA-AICA. Se desempeña como curadora independiente.
URL:https://fadla.org/calendario/avatares-de-la-forma-anselmo-piccoli-de-la-figuracion-a-la-abstraccion/
LOCATION:Sede Castagnino\, Av. Pellegrini 2202\, Rosario\, Argentina
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SUMMARY:El gran circo
DESCRIPTION:La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, AV. CAMINO REAL 1123 – San Isidro\, presentará EL GRAN CIRCO\, exposición individual en Lima del renombrado maestro argentino SERGIO CAMPOREALE\, quien estará presente durante la inauguración de su muestra\, la misma que se llevará a cabo el próximo jueves 22 de septiembre a las 7:30 pm Sergio Camporeale\, Buenos Aires 1937\, es un artista visual argentino de larga e importante carrera internacional; se especializó profundamente en el trabajo en acuarela y grabado y por supuesto la pintura\, las cuales ha desarrollado de una manera exquisita. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en el año 1961; Desde esa fecha ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Buenos Aires\, París\, Tokio\, Lisboa\, Nueva York\, Singapur\, Miami\, Panamá\, Lima y Bérgamo. En 1976 se estableció en París su compañera por espacio de dos décadas. En la galería parisina de Francony presenta su serie Retratos de Familia y Recibe el premio Halib Gargour en 1991. En 1998 expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá. Regresó a Buenos Aires en la década del 2000. En 2011 participó en la exhibición Artistas Latinoamericanos de Ascendencia Italiana en Washington DC. Sus obras se encuentran en colecciones de museos de Suiza\, Francia\, Estados Unidos\, Venezuela\, Colombia\, Argentina y Perú. La muestra que presenta en Galería Enlace\, está conformada por un conjunto muy original y llamativo de 22 trabajos de pequeño formato sobre MDF\, trabajados en acrílico y técnica mixta\, agrupados por semejanzas temáticas\, de una exquisitez técnica y material\, elocuentes y cargados de ironía y humor.; lo mismo que presenta un grupo de pinturas sobre tela de formatos mayores. Es una visión satírica\, sarcástica de la condición que el ser humano\, urbano en especial\, configuró sobre la tierra y sus relaciones\, y que muestra y tal vez intenta explicársela conminando al espectador a interactuar y dialogar por medio de su lenguaje e imágenes\, su interpretación visual\, pictórica. “Cada pintura es una adivinanza sin solución\, allí es donde busco la complicidad del espectador para crear otra realidad\, para desentrañar qué es lo que está pasando en la obra con sus escenas inconexas y los personajes desvariados\, y convertir esto en poesía.” afirma Sergio Camporeale. “Sergio Camporeale ha sabido crear paulatinamente un mundo\, un gran teatro o circo en donde transitan una variedad cantidad de actores y personajes que\, referenciados en una diversidad de escenarios muestran o aluden a sus condiciones\, propósitos y voluntades del hombre\, articulados del asombro a la impasividad\, de lo curioso a lo grotesco y hasta deforme y monstruoso; máscaras que ocultan\, pero que permiten aflorar las profundas pulsiones y pasiones\, seguramente las reales motivaciones\, en ese sentido nietzscheano en donde apariencia es igual a realidad. Nietzsche rechaza la verdad como realidad en nombre de la verdad como apariencia. El tajante cambio que realiza entre lo real y lo aparente en la esfera de la realidad\, ordenará que sea la voluntad la que conforme el vacío ontológico dejado por el ser\, o más bien la falta del mismo\, llegando a ser la voluntad\, delirante y egocéntrica muchas veces\, misma la que determine el criterio de verdad y de los valores.” Roberto Ascóniga\, Curador \nLa muestra “EL Gran Circo” de Sergio Camporeale podrá ser visitada por el público en la Galería Enlace hasta el día 29 de OCTUBRE\, de lunes a sábado de 11.00 am a 8:00 pm.\, la galería está ubicada en Avenida Camino Real 1123\, San Isidro. El ingreso es libre.
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LOCATION:Enlace Arte Contemporáneo\, Av. Camino Real\, 1123 - San Isidro\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Arte Argentino. Colección Museo Sívori
DESCRIPTION:El recorrido planteado abarca prácticamente un siglo en la historia de las artes plásticas en el país. A través del mismo se ven reflejadas las más diversas manifestaciones estéticas y movimientos que han contribuido a la creación de un arte nacional. \nTendencias academicistas y de vanguardia\, concretas y abstractas\, conviven junto a las nuevas vertientes figurativas. En este caso debemos detenernos en la obra de Ernesto Deira\, donación de la Asociación Amigos del Museo Eduardo Sívori\, y que viene a llenar un vacío importante en nuestro acervo como era el de los representantes de la Nueva Figuración. Esta breve síntesis da cuenta de la importancia del patrimonio del Museo Eduardo Sívori\, que se incrementa anualmente gracias a la realización del Salón “Manuel Belgrano”\, de la Bienal de Arte Textil y de las valiosas donaciones de creadores locales. \nArte Argentino. Colección del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, significa una elección de una óptica específica entre otras múltiples posibles. En este sentido pretende ser pluridimensional\, transformándose en legitimadora de nuevas y otras manifestaciones estéticas. Además\, procura establecer una relación más estrecha e involucrarse con sus visitantes intentando\, por ese medio\, que el objeto artístico pasado sea significativo en el presente. \nEl objetivo entonces de esta exposición no consiste solamente en un ejercicio crítico\, sino también en un espacio de plurales negociaciones entre los diversos actores sociales unidos por una comunidad de sentimientos. \nMgter. Silvia Marrube\nA/c. Área Investigación y Archivo de Arte Argentino\nMuseo de Artes Plásticas Eduardo Sívori \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/arte-argentino-coleccion-museo-sivori/
LOCATION:Museo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Mente y sentidos.
DESCRIPTION:El corpus de obras plásticas presentadas en esta ocasión\, muestran formas puras que organizan el espacio y las figuras a través de líneas\, planos\, puntos y color; muchas de ellas pertenecen a movimientos artísticos de los años 40 y 60 que son históricamente importantes\, como por ejemplo el Movimiento de Arte Concreto\, Madí y Perceptista con trabajos de Raúl Lozza y Manuel Espinosa. Después de la década del 60 una de las orientaciones que tuvo mayor apoyo dentro del ambiente cultural fue la neoabstracción geométrica y algunos de sus protagonistas fueron Ary Brizzi y una obra de arte genetarivo de Miguel Angel Vidal. El arte cinético se encuentra representado en esta ocasión por obras de Julio Le Parc y Martha Boto. También participan de la exhibición\, artistas presentes en la colección del museo que son contemporáneos como César Fioravanti y Carolina Cerverizzo\, entre otros. \nDel 20 de agosto al 11 de septiembre de 2016. \nMuseo Sívori – Av. Infanta Isabel 555 (C1268ACK) – frente al puente del Rosedal – Parque Tres de Febrero. \nHorarios: Lunes\, miércoles\, jueves y viernes de 12 a 20 hs.\, sábados\, domingos y feriados de 10 a 20 hs. Martes cerrado. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/mente-y-sentidos/
LOCATION:Museo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Interpelaciones: homenaje a Mariana Schapiro
DESCRIPTION:Interpelaciones: homenaje a Mariana Schapiro \nMUESTRA HOMENAJE Y DIÁLOGO CON EL PATRIMONIO \nAl cumplirse 10 años de su fallecimiento se expondrán obras de la escultora Mariana Schapiro (1959-2006) y de destacados artistas argentinos\, que son docentes e investigadores del Departamento de Artes Visuales de la Universidad Nacional de las Artes\, quienes intervendrán el espacio del museo entablando\, desde sus producciones inscriptas en la contemporaneidad\, un diálogo con la historia de la escultura. \nMariana Schapiro.Buenos Aires (1959-2006)\nProfesora Nacional de Escultura. Fue titular de la cátedra de Oficio y Técnicas de Escultura I\, II\, III y profesora adjunta de la cátedra Proyectual de Escultura I del IUNA.\nComenzó a exponer de forma individual y colectiva desde 1981. En 1995 ganó por concurso la realización del Monumento a las Víctimas del atentado perpetrado contra la AMIA emplazado en el Cementerio Judío de La Tablada\, Provincia de Buenos Aires. Entre sus numerosos premios se destacan: el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales (2006)\, el Primer Premio Salón Nacional Museo Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez” Provincia de Santa Fe (2005) y el Primer Premio Homenaje a Aldo Paparella otorgado por el Fondo Nacional de las Artes (1987). \nARTISTAS PARTICIPANTES \nMariela Aquilio\, Fabiana Barreda\, Melisa Bay\, Florencia Botindari\, Yamila Cartanillica\, Diego Castrilli\, Gabriela Heras\, Edgardo Madanes\, Ernesto Pesce\, Fernanda Ruiz\, Betina Sor\, Cristina Tomsig\, Paulina Webb\, Paula Zaccaria y Carola Zech (Curadora). \n+ INFO
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LOCATION:MUSEO ERNESTO DE LA CÁRCOVA\, Av. España 1701\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PATRIA Y PATRIMONIO
DESCRIPTION:Este viernes 22 el MUBA\, Museo de Bellas Artes René Brusau\, presentará la muestra “Patria y Patrimonio”. La inauguración tendrá lugar a las 20\,30 en Sala 1 de planta baja del  museo sito en Casa de las Culturas\, Marcelo T. de Alvear y Mitre. La muestra se efectúa en el marco conmemorativo de los 200 años de la independencia argentina\, y se expondrán pinturas de la colección patrimonial del museo. Permanecerá habilitada hasta el sábado 5 de noviembre con acceso libre y gratuito\, de martes a sábados de 9 a 13 y de 17 a 21. \nLa muestra resume la colección pictórica que el Museo de Bellas Artes René Brusau protege desde su creación\, hace 34 años. Patria proviene del latín y significa “padre”\, y Patrimonio\, también del latín\, “lo recibido por el padre”.\nEl director del Museo\, Jorge Tirner\, reflexiona en el marco del bicentenario y afirma que esta muestra se une a “la Patria que es un símbolo que nos ubica\, nos revela y nos distingue. Acá estamos\, estos somos y así somos. El Patrimonio es lo que la Patria nos ha dado\, para que cuidemos y disfrutemos\, y sigamos transmitiéndosela a los hijos que la Patria sigue y seguirá pariendo”.\nPor ello\, mantiene que “nuestros próceres dieron su vida para que hoy festejemos la libertad. Libertad que nos mueve a tomar decisiones por nosotros mismos\, a decidir sobre nuestro futuro y como queremos construirlo. Recorrimos estos primeros 200 años construyendo eso que nos hace únicos. Por eso el MUBA propone exhibir su muestra bajo este concepto\, celebrando todos juntos lo que hemos heredado. Porque el patrimonio que el MUBA protege es de todos\, es nuestro tesoro”.
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LOCATION:Museo de Bellas Artes René Brusau\, Marcelo T. de Alvear 90\, Casa de las Culturas\, tercer piso\, Chaco\, Chaco\, Argentina
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SUMMARY:Bienal Internacional de Escultura Chaco 2016 | Equilibrium
DESCRIPTION:Once artistas consagrados internacionalmente\, representando a distintos países del mundo\, realizarán a cielo abierto y en público\, una escultura original e inédita inspirándose en el “Equilibrio”.\n\nLa materia es el mármol; el concepto inspirador\, el equilibrio; el tiempo de realización de la obra\, una semana.\n\nEl arte\, como expresión universal que es\, provoca este encuentro de 11 escultores que representan al mundo\, dispuestos a dejar en el Chaco\, a través de la escultura\, su marca de belleza y mensaje.\n\n¡Bienvenidos! Y a disfrutar la aventura de la Bienal Internacional de Escultura 2016.\n\nEquilibrio: \n\nEl equilibrio es la tensión en reposo\, es el resultado sereno\, equidistante; es el cobijo de la armonía\, es el balance\, el dorado punto medio\, lo ecuánime\, la proporción\, el orden; es un estado plácido de la belleza\, una regla de la perfección.\n\nLa Bienal 2016 invita a los escultores a reflexionar sobre el equilibrio y depositar su síntesis en la materia.\n\n\nArtistas participantes \n\nWu Ming-Sheng\, Mincu Nicolar Razvan\, Hiroyuki Asakawa\, Tanya Preminger\, Behnam Akharbin Moghanlou\, Milton Estrella\, Qian Sihua\, Pascale Archambault\, Nils Hansen\, Viktar Kopach\, Néstor Vildoza \nJurado integrado por: León Saavedra Geuer (Bolivia)\, Aquiles Jiménez (Costa Rica) y Diego Santurio (Uruguay). \nGANADORES \nPrimer premio «Nuevo Banco Del Chaco» para Qian Sihua representando a China.\n\nSegundo premio «Centesimo aniversario de la Municipalidad de Fontana» para Viktar Kopach representando a Bielorrusia\n\nTercer premio «OSDE» en la es Hiroyuki Asakawa representando a Japón.\n\nGanador premio «Femechaco» es Behnam Akharbin Moghanlou representando a Irán.\n\nGanador premio «Tarjeta Naranja» es Milton Estrella representando a Ecuador.\n\nGanadora premio «Poder Legislativo» es Pascale Archambault representando a Canadá.\n\nGanadores premio «De los escultores Efrain Boglietti» sons Qian Sihua representando a China y Miltón Estrella representando a Ecuador.\n\nGanadora premio «Del público» es Pascale Archambault representando a Canadá.\n\nGanador premio «De los niños Reinaldo Martinez» es Néstor Vildoza representando a Argentina.\nMuestra colectiva \nDel 16 de Julio al 25 de Julio de 2016  – Entrada: libre y gratuita \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:MUSEUM | DOMO DEL CENTENARIO\, Av. de los inmigrantes 1001\, Resistencia\, Chaco\, Argentina
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SUMMARY:BUENOS AIRES ARTE
DESCRIPTION:En esta exposición presentada por la artista plástica Beatriz Papotto\, exhiben sus trabajos: Alicia Pugliese\, Beatriz Rodríguez\, Claudia Mariño\, Débora Gullerian\, Marta L. Alcolea\, Mirta Valdes\, Mercedes Puñed\, María Elsa Guardiola\, Mary Dany\, Liliana Delli Carpini\, Rosana Goñi\, Marcelo Villagra Chagaray\, Walter Aquino Lafuente y Guillermo Dure. Además\, la muestra cuenta con la participación especial de Guillermina Victoria y Lautaro Dores. \nLA MUESTRA FUE DECLARADA DE INTERÉS CULTURAL POR LA LEGISLATURA DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/buenos-aires-arte/
LOCATION:Bolsa de Comercio de Buenos Aires\, 25 de Mayo 359\, CABA\, CABA\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:“PACHACAMAC REPINTADO”
DESCRIPTION:La muestra se remonta a un trabajo conjunto realizado por el pintor y el artista croata Dare Dovidjenko\, quienes hace 17 años visitaron el santuario de Pachacámac para hacer una serie de pinturas alusivas. \nEsta exposición recorre los mismos lugares en tiempos diferentes. Ricardo Wiesse dice que “dialogar visualmente con el sitio y recoger en cartones y lienzos los últimos tonos rojos del Punchao Cancha o los verdes postreros del valle de Lurín constituyen privilegios innegables y placeres redoblados en cada visita”. \n“Tratamos los motivos al aire libre como lo hicieron los paisajistas decimonónicos\, y otros aún más remotos. Así\, venimos repitiendo versiones de temas predilectos para nosotros”\, explica. \nLa muestra se expone hasta el 30 de junio; con la curaduría de Gredna Landolt. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/pachacamac-repintado/
LOCATION:Centro Cultural Inca Garcilaso de la Vega\, Jirón Ucayali 391\, Lima\, Lima\, Peru
CATEGORIES:Calendario
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