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SUMMARY:José Malanca. Paisajes
DESCRIPTION:Es considerado el más importante paisajista cordobés. Trabajaba en Río Ceballos en su paraíso que se llamaba La Estancita. En sus obras nos muestra las sierras de Córdoba y también el producto de su vida nómade con obras realizadas en México\, Perú\, Bolivia y también en el interior de nuestro país\, llegando hasta Bariloche.
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LOCATION:Colección Alvear de Zurbarán\, Av. Alvear 1658\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ficción Barroca
DESCRIPTION:Para esta muestra se han elegido aquellas obras que reflejan ecos de un inmenso movimiento que parece tan lejano pero que todavía sigue motivando a los artistas de hoy. Por otra parte\, acentuamos esta situación con obras que pertenecen específicamente al Barroco Americano y una obra del europeo\, para encontrar tanto las lejanías como las cercanías con nuestros contemporáneos y reflejar esa variabilidad en nuestra propia puesta en escena y convocar a nuestros espectadores a intentar que se acerquen a reflexionar con esa complejidad imaginaria. \n• Hernán Cagliano• Max Gómez Canle• Roberto Cortés• Nicola Costantino• Teresa Durmüller• Marcelo Gurruchaga• Dora Isdatne• Mariana Landin• Juan Miceli• Sandro Pujía• Juan Andrés Videla \n 
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo del Sur\, Av. 25 de Mayo 131 - Lanús\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:GEOMÉTRICA-MENTE
DESCRIPTION:Desde el 2 de junio y hasta el 29 del mes próximo puede verse\, en la planta alta del Espacio Cultural Universitario (San Martín 750) Geométrica‑mente\, magnífica exposición individual que con curaduría y textos del pintor y montajista Rodolfo Perassi reúne obra gráfica\, pintura y objetos escultóricos de María Suardi. El recorrido enfatiza las continuidades entre las tres disciplinas. Excepto por la inclusión de un par de piezas de entre las 70 de su retrospectiva de 2012 en el Museo Castagnino\, o de envíos a Austria\, a España y Buenos Aires\, o de grabados que integraron una muestra en el CEC\, son obras inéditas. \nUna sólida trayectoria de 45 años en pintura y serigrafía\, con reconocimiento nacional e internacional\, ha forjado en María Suardi un oficio que se traduce en la excelencia de su calidad gráfica y plástica\, sin saltos bruscos ni reiteraciones vanas: su obra\, autónoma\, fluye según su propia evolución. Sus composiciones\, como las musicales\, resuelven creativa e intuitivamente problemas racionales. \nEl recorrido se abre con una pintura de 2011 y con seis obras recientes (cuatro pinturas y dos serigrafías derivadas de ellas): la serie Homenaje a Manuel Espinosa. Suardi conoció en Buenos Aires\, ya viejo y ciego\, a este artista geométrico que vivió 95 años y que fue uno de los fundadores de la Asociación Arte Concreto‑Invención. Las pinturas incluyen la experimentación con materiales. El montaje permite apreciar toda la serie de un solo vistazo como un hermoso contrapunto de azules y naranjas. Luego predomina la obra gráfica\, empezando por estampas multicolores que inician búsquedas formales nuevas (como los Entrelazamientos) o retoman las de otros períodos. \nEn Renacimiento Urbinate (2016)\, Suardi combina el gofrado con un plano central cuyos pasajes en tinta color abarcan todo el espectro cromático\, reelaborando lo creado en Urbino\, donde hizo una residencia de artista en 1979. En su retrospectiva del Centro Cultural Parque de España en 1998 se vio una obra realizada allí: Ricerca Urbino (1979). María trajo y sigue consultando un manual de morfología editado por entonces en Bolonia por Bruno Munari\, su libro de cabecera en Italia. Ya se le terminaron\, dice\, los papeles nepaleses que compró en Londres para estampar sus grabados. Cada viaje parece centrado\, con la misma precisión de sus bordes netos entre planos de tinta\, en la búsqueda de materiales nobles\, soportes sensibles e imágenes nuevas para su obra. \nEn las fotos de una maqueta de obras arquitectónicas de Chicago que ella vio allí en el Instituto de Tecnología de Illinois (proyecto de Mies van der Rohe que puede apreciarse en una vista aérea de la película Source Code) se basó Suardi para una serie tridimensional titulada\, justamente\, Chicago. Son construcciones escultóricas que pueden rodearse\, recorrerse en 360 grados\, y que evocan diversos períodos en la arquitectura de esa ciudad\, desde sus ornamentos escalonados estilo art déco a sus elegantes rascacielos posmodernos. \nNacida en 1937\, activa en nuevos proyectos\, María Suardi estudió arte con Pedro Giacaglia\, Estanislao Mijalichen\, Eduardo Serón\, Miguel Ángel Vidal\, Ary Brizzi y en la Escuela Ernesto De la Cárcova y en la Slade School de Londres. En una vidriera de Bond Street descubrió la serigrafía\, técnica de la cual ella y Pedro Sinópoli son los únicos cultores artísticos en Rosario. El lenguaje artístico de María Suardi\, más que definirse como abstracto\, puede ubicarse en el arte concreto: no representa lo ausente sino que presenta formas sensibles e ideas formales\, en una obra continua que genera siempre nuevas posibilidades. \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Cultural Universitario\, San Martín 750\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:"Movimiento contínuo" Antológica
DESCRIPTION:Inauguración: Miércoles 31 de mayo\, 19hs \nSala 31 y 32 \nCon curaduría de Pelusa Borthwick y producción ejecutiva del Arq. Marcial Sarrías se exhiben obras de gran jerarquía plástica de la reconocida artista con reconocida trayectoria en el mundo del grabado
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LOCATION:CCR | Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Mujeres” del artista Raúl Lara
DESCRIPTION:Fruto de una selección de obras dedicadas a la imagen femenina; la muestra denominada “Mujeres” del artista Raúl Lara será inaugurada mañana viernes 26 de mayo de 2017 a partir de las 19.00 horas\, en las salas temporales de Museo Nacional de Arte (calle Comercio y Socabaya). \nCompuesta aproximadamente por una treintena de obras la muestra da una lectura visual a las diferentes épocas y técnicas del maestro Lara\, visibilizando inicialmente su homenaje a la mujer a través de un retrato a su esposa Lidia Caigura de Lara\, el año de 1976. En su primera etapa entre los años 60 a 70 se reconoce su interés por el grabado y técnica mixta\, destacando su sensibilidad por la realidad boliviana y las necesidades de la mujer boliviana en sus propios entornos culturales\, como el caso de Nocturno y Madre obrera. \nLa mujer en el cotidiano desde su entorno familiar\, sus relaciones sociales y de su propia imaginación han permitido la composición de seres imaginarios como El Pitaco y el Ángel Azul. Su relacionamiento cálido y permanente entre amigos le ha dado paso a la creación de contrastes pictóricos y expresiones femeninas diferentes como el caso de la obra Rebeca y su tío o la Visitación de doña Carmiña. \nLas Amigas y las Niñas y Pájaros se constituyen en el dominio en la técnica de lápiz y el manejo de las tintas y aguadas sobre papel\, generando movimiento y un realismo singular. \nEsta significativa exposición que muestra por primera vez estas obras de Raúl Lara nos invita a reflexionar sobre el aporte de la mujer en Bolivia\, y su labor cotidiana desde su esencia en diferentes entornos económico-sociales. \nARTISTA \nRaúl Lara Torrez (1940 – 2011)\, artista orureño de larga trayectoria\, aportó a la plástica boliviana en la segunda mitad del siglo XX hasta el final de su trayectoria de vida el año de 2011. \nNacido en el Centro Minero de San José – Oruro\, empezó a pintar a muy temprana edad en los centros mineros\, en un ambiente que se encontraba en la vanguardia revolucionaria de Bolivia y que constituía la médula de la problemática social\, económica y política del país. Esos primeros años vividos en zonas donde la clase obrera era sometida a duros trabajos\, marcaron las primeras aproximaciones del autor a la representación de la mujer. \nRaúl Lara y sus hermanos quedaron huérfanos de padre y madre cuando Raúl apenas había cumplido los 11 años; fue su hermano Gustavo\, nueve años mayor\, quien se hizo cargo y tomó la decisión de trasladar la familia a la Argentina. A los 18 años\, su producción artística\, ejecutada con claves de alto contraste y gran fuerza expresiva\, refleja el anhelo de libertad de las mujeres madres trabajadoras del pueblo de América Latina.
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LOCATION:Museo Nacional de Arte\, Calle Comercio y Socabaya\, La Paz\, Bolivia
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SUMMARY:Jacques Bedel: Ad Infinitum
DESCRIPTION:«Ad infinitum»\, una exposición que recorre el trabajo de los últimos 50 años de Jacques Bedel\, uno de los artistas más destacados de la actualidad\, será inaugurada el 5 de mayo en la galería Maman Fine Art. \nCurada por Rodrigo Alonso\, la exhibición reúne una selección de obras históricas que dan cuenta de sus diferentes momentos y filiaciones estéticas hasta obras de reciente producción. \nJacques Bedel\nNació en Buenos Aires\, Argentina\, en 1947. En 1965 estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires; Al mismo tiempo comenzó su trabajo autodidacta con plástico\, sin asistir a las escuelas o talleres. En 1968 ganó la medalla de bronce del Premio Braque y obtuvo una beca para estudiar en Francia. En 1974 recibió una beca del British Council para estudiar escultura en Londres y en 1980 obtuvo la Beca Fulbright para realizar investigaciones en el Centro Nacional de Astronomía e Ionosfera de la Universidad de Cornell en Nueva York y la NASA en Washington DC \nEn 1972 se incorporó al Grupo CAYC\, fundado por Jorge Glusberg\, junto con Luis Fernando Benedit\, Víctor Grippo\, Leopoldo Maler\, Vicente Marotta\, Luis Pazos\, Alfredo Portillos y Clorindo Testa\, entre otros. \nFue invitado a participar en 14 bienales internacionales de arte\, incluyendo la Bienal de Venecia en 1986 y 1999\, y participó en más de 450 exposiciones en Argentina y en el extranjero. Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Ficciones ( Ficciones ) en el Centro Cultural Recoleta\, en Buenos Aires\, 2005\, y Aproximaciones (Aproximaciones) en el Museo Nacional de Bellas Artes\, 2008-2009. \nRecibió 45 premios nacionales e internacionales\, entre ellos la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de las Naciones Unidas en 1975\, el Gran Premio de la Bienal de São Paulo en 1977 junto con el Grupo CAYC y el Gran Premio de Honor en la I Bienal Internacional De Montevideo en 1980. \nSus obras forman parte de colecciones privadas y museos tanto en Argentina como en el extranjero. Jacques Bedel vive y trabaja en Buenos Aires\, Argentina. \n  \nJacques Bedel\nAd Infinitum\nDesde el 10 de Mayo al 30 de Julio de 2017 \nMaman Fine Art\nAv. del Libertador 2475\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n+ INFO
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LOCATION:MAMAN GALLERY ART\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"La mirada de Grete Stern sobre el Gran Chaco".
DESCRIPTION:El jueves 27 de abril a las 18.30 h el Museo de Arte Popular José Hernández\, dependiente de la Dirección General Patrimonio\, Museos y Casco Histórico\, inaugura la exposición de imágenes de aborígenes del Gran Chaco que tomó la reconocida fotógrafa Grete Stern durante los viajes que realizó en 1959/60 y 1964. \nSon más de cien tomas en blanco y negro que fueron realizadas en su viaje fotográfico por las provincias del Chaco\, Formosa y Salta\, las que pueden descubrirse en el museo. Este ensayo fotográfico sobre los pueblos aborígenes de nuestro territorio es un compendio que refleja técnica\, cultura y una mirada antropológica que lo convierte en único y original en su género. \nEn el marco de la muestra se realizará el sábado 29 de abril 16.00 a 18.30 h el taller Animando a Grete Stern\, coordinado por Sofía Quirós\, donde se incursionará en otra faceta de la artista\, el fotomontaje\, aplicados a su producción etnográfica. \nEn Av. del Libertador 2373. \n+ INFO
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LOCATION:Museo José Hernández\, DEL LIBERTADOR AV. 2373\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ciudad Oculta - Nahuel Alfonso
DESCRIPTION:Nahuel Alfonso vivió parte de su infancia en Ciudad Oculta\, donde conoció la fotografía como medio de expresión. En 2010\, cuando los noticieros reproducían una mirada sesgada y estigmatizante de las familias que ocupaban el Parque Indoamericano\, decidió volver con su cámara para dar inicio a un ensayo fotográfico que busca acercar y retratar\, desde otra perspectiva\, la identidad y la dignidad de la villa y sus habitantes. \nLas imágenes de esos años conforman la primera muestra que presenta Nahuel Alfonso en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti. En Ciudad Oculta\, Alfonso retrata a su abuela\, a su padre en distintas etapas\, a sus primos y amigos\, pero también aporta una mirada profunda y poética del entorno: los pasillos\, los interiores de las casas\, el cielo\, la noche\, los techos. Nahuel muestra la realidad desde adentro\, una realidad distinta a la que cuentan los medios de comunicación. \n\n\n\n\nLa muestra puede visitarse hasta el próximo 21 de agosto en la Fotogalería del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, con entrada libre y gratuita.  \nInauguración: Sábado 22 de Abril de 2017 a las 17 hs\nCC de la Memoria Haroldo Conti\nAv. Del Libertador 8151 CABA\n@CCMHCONTI
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LOCATION:Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, Av. del Libertador 8151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“ARTE ARGENTINO HOY”
DESCRIPTION:El Centro Cultural de Sierra de la Ventana exhibirá en su sala la muestra “ARTE ARGENTINO HOY”\, cuadros y fotos del artista plástico Pedro Roth. \nEl artista estará presentando su obra el sábado 8 a las 18.00 hs\, invitamos a la comunidad a participar del evento. \nLa muestra estará abierta al público del 8 de abril al 2 de mayo\, de martes a domingo de 17.00 a 20.00 hs. \nPara mayor información del artista y su obra: http://www.pedroroth.com.ar/ \n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultural Tornquist\, Sarmiento 53\, Sierra de la Ventana\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Liliana Porter. Diálogos y desobediencias
DESCRIPTION:Artium\, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo\, presenta Liliana Porter. Diálogos y desobediencias\, la primera retrospectiva europea de la artista argentina\, una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. La comisaria Estrella de Diego ha diseñado una exposición que\, con cerca de un centenar de obras procedentes de colecciones privadas y públicas\, muestra el universo creativo que Liliana Porter\, “con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo”\, ha construido desde finales de los 60 hasta la actualidad. Liliana Porter. Diálogos y desobediencias es una producción de Artium (Vitoria-Gasteiz) y el CGAC (Santiago de Compostela)\, con el patrocinio de El Correo\, Euskaltel\, EDP Energia y Fundación Vital. \n+ INFO
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LOCATION:ARTIUM CENTRO-MUSEO VASCO DE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Calle Francia 24\, Vitoria-Gasteiz\, Araba
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SUMMARY:Lado B | Horacio Butler
DESCRIPTION:Desde el 07 abril 2017 hasta el 30 mayo 2017 \nLado B es un espacio de indagación sobre las obras de la colección del Museo Franklin Rawson que no se encuentran exhibidas en sala. Se busca descubrir y redescubrir aspectos peculiares de las mismas que\, en proceso de investigación\, van acrecentando su biografía. Nos interesa poner en valor las piezas y sus características históricas\, teóricas y estéticas. \nPintura\, escultura\, objetos y arte gráfico son algunos de los géneros que se exhibirán\, mes a mes\, acompañados de un completo análisis y rigor investigativo para compartir con los visitantes\, estudiantes\, investigadores y curiosos de las bellas artes y las artes visuales. \nLado B es el otro lado de la colección y una manera distinta de dialogar con el arte\, la historia y el museo.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:«Diálogos y desobediencias»
DESCRIPTION:Primera retrospectiva en España de una de las artistas americanas de mayor reconocimiento internacional\n\nLa artista argentina Liliana Porter es una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. Jugando con las subversiones espaciales\, los diálogos inesperados y los trastocamientos de las proporciones\, desde los años 70 del XX ha ido creando un universo propio y unas sólidas y fascinantes propuestas de revisión de lo establecido. \nSu amplísimo espectro creativo —pintura\, instalaciones\, estampas\, video\, dibujos\, esculturas\, teatro…— describe un mundo particular y asombroso\, que en cada momento hace gala de un finísimo sentido del humor\, una ironía inteligente y una sutileza muy personal. De hecho\, la artista plantea propuestas estimulantes para un mundo y sobre un mundo que necesita ser narrado de nuevo. Por eso Porter lo quiebra\, lo desordena\, lo asalta incluso\, haciendo a cada paso gala de una extraordinaria agudeza. \n  \n\nEn su obra se hace patente la necesidad de que volver a nombrar cada acontecimiento y trazar nuevamente las fronteras solo para trastocarlas. Hay que perseguir el espacio\, correr tras él y habitar al filo de un relato donde todo se trastorna bajo la apariencia de infinita cotidianidad. Es el mundo dibujado con un orden interno que se escapa y exaspera; poderes del lenguaje capaces de evocar un lugar que se construye en torno a ese desdoblamiento poderoso e irreductible\, capaz de evocar nuevas formas de acercarse al espacio y al tiempo que se quiebran y se rasgan. \nPese a todo\, en Porter\, las asociaciones son siempre buscadas\, por eso nunca estamos a salvo en sus obras\, en sus territorios rescritos: siempre estamos expuestos. En sus brillantes juegos narrativos\, en ese mundo de aparentes menudencias\, subyace sin tregua una línea subversiva que quiebra la mirada y la calma\, que anuncia a cada paso cierta posibilidad luminosa de desobediencia en los espectadores también. \nEs un asalto incesante a la zona de confort tras la cual con frecuencia se camufla Porter cuando alerta al visitante alerta sobre lo escurridizo de la línea —y\, por tanto\, del rigor de la geometría como ciencia. Lo da a entender Kandisnky también en su libro clásico: la línea nunca se queda quieta y acaba por transformarse en punto. Ese punto es en Porter una fascinante contusión al orden que lejos de nacer del azar forma parte de un plan preciso\, minucioso… \nDe igual modo\, los protagonistas de sus relatos —figurillas que adquieren vida propia y andan siempre en busca de una casa dislocada\, la casa del otro lado\, trampa y disfraz— plantean a los espectadores un pregunta reiterada que los devuelve a un espejo que no refleja\, sino que distorsiona en una operación cercana a lo «siniestro» freudiano. Fotografías\, cuadros\, estampas\, vídeos o instalaciones son una especie de territorio de resistencia para el mundo al revés; un mundo en el cual todo —en especial uno mismo— es justo lo contrario de lo que debería haber sido. Lo que parecía una historia inocua acaba por develar su estrategia última: tambalear la mirada. \nEsa es la formulación narrativa que Porter\, buena relatora\, despliega en sus escenas ambiguas de objetos y situaciones inesperadas: aquello no debería haber estado allí. Las obras nos miran desde los personajes y nos hacen añicos: la línea se sale de marco —escultura o desbordamiento de la superficie fotográfica— y nos obliga a pensar\, por un momento\, cómo las fronteras entre dentro y fuera\, realidad y ficción\, lo familiar y lo extraño no eran tan inamovibles como hubiéramos podido pensar en esa reunión de los seres inanimados\, humanos o animales\, que conforman el rico universo de Porter. Hacia ellos muestra un infinito respeto que hace a sus personajes tan humanos; compasión; sobre todo\, reconocimiento de las diferencias frente a lo construido en serie. Ya se decía que nada en Porter es casual. \nPartiendo de algunos de estos presupuestos\, la presente muestra\, que reunirá cerca de un centenar de piezas de entre 1969 y 2016\, de colecciones tanto públicas como privadas —–vídeos\, instalaciones\, fotografías\, dibujos\, pinturas….—\, se plantea como una retrospectiva de Liliana Porter que permita ofrecer un panorama del desarrollo de la artista\, quien con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo\, es capaz de construir un universo paralelo donde las líneas se quiebran\, los diálogos se desbordan\, las proporciones se desbaratan y las cosas nunca son lo que parecen. \nDicha muestra consta de tres secciones que\, de alguna manera\, resumen algunas de las cuestiones esenciales en la obra de la artista: Rasgones y tareas —que comienza con las primeras instalaciones de papeles arrugados y sigue con sus Trabajos forzados o las roturas y reparaciones—; El recorrido y la línea —que recoge su fascinación por las líneas como territorio de los desplazamientos y formas de desbordar espacios y realidades—; y Conversiones y dobles\, donde los personajes dialogan y se duplican\, se contestan y se clausuran.
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LOCATION:Museo Artium de Vitoria\, Francia Kalea\, 24\, Gasteiz\, Araba\, España
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SUMMARY:TOMÁS SARACENO: CÓMO ATRAPAR EL UNIVERSO EN UNA TELARAÑA
DESCRIPTION:Esta exposición consiste en dos grandes instalaciones que combinan el interés de Tomás Saraceno (n. San Miguel de Tucumán\, 1973) por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales y nos invitan a un “concierto cósmico”. \nEn la instalación The Cosmic Dust Spider Web Orchestra [Orquesta aracnocósmica]\, ubicada en el segundo subsuelo\, una araña suspendida en medio de la sala teje sus telas. Las vibraciones que producen sus movimientos en la tela son amplificadas generando ondas de sonido que invaden el espacio\, mientras partículas de polvo cósmico flotan a su alrededor. En sintonía con la cadencia de las ondas sonoras producidas por la araña\, un algoritmo traduce los movimientos del polvo cósmico a sonidos\, que se reproducen en decenas de parlantes y vuelven audible los vaivenes del polvo en el espacio. Al mismo tiempo\, las partículas son captadas por un sistema de video que las proyecta amplificadas en una gran pantalla\, creando la ilusión de inmensas partículas que\, en realidad\, son casi imperceptibles. \nEn la sala del segundo piso se presenta la instalación Instrumento Musical Cuasi-Social IC 342 construido por 7000 arañas Parawixia bistriata\, que fue construida entre octubre de 2016 y enero de 2017 por 18 colonias de arañas de la especie Parawixia bistriata que tejieron de noche la telaraña de mayor tamaño con la que hayamos convivido en nuestros hogares. Esta estructura comunitaria\, que se remonta a 140 millones de años de presencia arácnida en la tierra\, es una fracción microscópica y\, a la vez\, un fiel reflejo de la red infinitamente compleja de individuos\, especies y elementos que compone el universo. \nBio\nTras recibirse como arquitecto en la UBA\, Saraceno realizó posgrados en Arte y Arquitectura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y en la Städelschule\, Frankfurt am Main\, Alemania. En 2009 asistió al International Space Studies Program de la NASA. Realizó numerosas exposiciones individuales en importantes instituciones internacionales\, entre ellas: Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce\, Génova (2014); K21\, Düsseldorf (2013-2015); Metropolitan Museum of Art\, Nueva York (2012); Maison Hermès\, Tokio (2012); Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart\, Berlin (2011MACRO\, Museo d’Arte Contemporanea\, Roma (2011); Walker Art Center\, Minneapolis\, EE.UU. (2009). En 2013 participó de la exposición central de la 53⁰ Bienal de Venecia\, curada por Daniel Birnbaum.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno\, Av. San Juan 350\, CABA\, San Telmo\, Argentina
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SUMMARY:Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:Una selección de artistas argentinos participan en la Gran Muestra Internacional de arte contemporáneo que la Galería Eclettica World inaugura en Italia. Claudia Fernández Farjat estará exhibiendo sus obras en Roma y en Venecia durante el mes de abril.
URL:https://fadla.org/calendario/claudia-fernandez-farjat/
LOCATION:Galería Eclettica World\, Campo di San Moise\, Sestriere di San Marco\, Venecia\, Venecia\, Italy
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SUMMARY:Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida: El expresionismo abstracto y cómo suena
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores. \nDatos biográficos \nNace en 1942 en el barrio Cuba Libre de Comerío\, pueblo de la región centro oriental de Puerto Rico\, donde vive hasta los cuatro años de edad. En 1946 su familia se muda a la ciudad de Nueva York\, ciudad en que permanecerá por espacio de doce años. \nTras emprender el regreso a Puerto Rico\, la familia se establece en Santurce. Rivera Rosa\, que entonces tenía dieciséis años\, trabaja a la vez que hace sus estudios secundarios en la Escuela Superior Central. Ya para esa fecha\, la inclinación y aptitud para el arte\, que ha demostrado desde niño\, toma un giro determinante para empezar a definirse como su vocación de vida. \nSu interés en el arte lo lleva a los Talleres de la División de la Educación de la Comunidad\, a los Talleres de Arte del Instituto de Cultura (ICP) y a la Galería Campeche\, ubicados en el Viejo San Juan\, espacios en los que entrará en contacto con un ambiente de rico intercambio artístico y cultural. Es entonces cuando conoce a los maestros que serán figuras clave para su formación en el arte. De 1959 a 1961 estudia serigrafía y xilografía con Lorenzo Homar en el Taller de Gráfica del ICP; mientras que de 1959 a 1964 estudia pintura con Domingo García en la Campeche. En esos mismos años\, realizó estudios de dibujo arquitectónico en el Instituto Comercial de Puerto Rico\, en el que termina su Grado Asociado en 1962. \nYa decidido su rumbo hacia el arte\, siguió desarrollando su obra como pintor y grabador\, y su trabajo empieza a ser incluido en algunos de los portafolios de grabados más representativos de la gráfica del país\, así como en exposiciones colectivas. \nEn 1970 funda\, junto a Nelson Sambolín y René Pietri\, el recordado Taller Bija\, en el Viejo San Juan. Más tarde\, trabaja igualmente como artista gráfico en el Centro de Investigaciones Sociales de la Universidad de Puerto Rico (UPR)\, Recinto de Río Piedras\, en el que tuvo a su cargo el diseño de la Revista de Ciencias Sociales y de otras publicaciones del mismo. Para esos años diseña también innumerables libros de la Editorial de la UPR\, afiches y carátulas de discos\, colaborando también con el semanario Claridad para el que crea el logotipo original del suplemento cultural En Rojo. \nContando ya con una larga trayectoria como artista\, decide continuar sus estudios superiores en la UPR\, a la que ya estaba vinculado por su trabajo\, y completa allí su Bachillerato en Bellas Artes en 1987. \nPoco después regresa a Nueva York\, esta vez a realizar estudios graduados en Pratt Institute en Brooklyn\, donde obtiene su grado de Maestría en Bellas Artes en 1989. \nSiempre dedicado a su trabajo de creación artística\, fue también profesor de arte en el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la UPR en Río Piedras y profesor de pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. \nHa presentado su obra en más de treinta exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico. \nHa participado\, asimismo\, en cientos de exposiciones a nivel internacional en lugares como Nuevo México\, New York\, Orlando\, Washington\, D.C.\, Boston\, Barcelona\, Sevilla\, Madrid\, San Diego\, Toledo\, Brasil\, México\, Venezuela\, Ecuador\, Japón y Cuba\, entre otros. \nA lo largo de su carrera\, ha sido merecedor de numerosos e importantes reconocimientos. Desde 1995\, Rivera Rosa es el Artista Residente de la Colección de Arte Puertorriqueño de la Cooperativa de Seguros Múltiples. Vive y tiene su taller en Río Piedras\, a la vez que mantiene estrechos vínculos con su Comerío natal\, donde colabora activamente en proyectos artísticos. Actualmente\, tras más de cincuenta años de fructífera carrera en los que ha explorado una impresionante diversidad de medios y estilos\, sigue pintando\, fiel a su amplia visión del quehacer artístico. \nPREMIOS Y DISTINCIONES \n\nExposición Individual del Año por la Asociación Puertorriqueña de Críticos de Arte (AICA)\, 2014\nTributo al Artista Rafael Rivera Rosa\, XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe\nMención de Honor en la inauguración del IV Salón de Dibujo de Santo Domingo en 1995\nPremio de Diseño de Cartel Conmemorativo en Certamen por invitación para el Pabellón Nacional de Puerto Rico en EXPO ’92\, Sevilla España\, 1991\nMedalla de Bronce en Dibujo (Pintura sobre Papel) en el Certamen 53 del Salón de Otoño\, Madrid\, España\, 1986\nTítulo honorario de “Popular de Nueva Alcarria” por su destacada participación en el Proyecto Murales de Escariche\, Nueva Alcarria\, Guadalajara\, España\, 1986\nHomenaje a Rafael Rivera Rosa en ocasión del XXX Aniversario de la Fundación Federación de Universitarios Pro Independencia\, 1986\nPrimer Premio Grabado del Certamen Arthur Andersen\, San Juan\, 1979\nMención de Honor en Pintura\, Revista Sin Nombre\, San Juan\, Puerto Rico\, 1976\n\n  \n 
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SUMMARY:Mirada Extendida
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores.
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SUMMARY:YVES KLEIN\, EN PROA
DESCRIPTION:El sábado 18 de marzo se inaugurará la exhibición: Yves Klein (1928 / 1962)\, en conjunto con los Archivos Yves Klein\, la Embajada de Francia en la Argentina y Tenaris. Es la primera retrospectiva del artista francés en la Argentina y se enfoca en los trabajos más emblemáticos de este precursor del happening y creador del color el Azul Klein. “La muestra reúne sus primeras pinturas monocromáticas de 1955; sus célebres monocromos azul ultramarino saturado; las pintura de fuego y las Cosmogonías -de lluvia y viento-; las series de Esculturas Esponjas y las obras en oro –resultados del trabajo de varios años combinando práctica pictórica\, espiritualidad\, la fuerza de la naturaleza y la exploración de un camino hacia lo absoluto”\, explican en el sitio web de Proa. \nAv. Pedro de Mendoza 1929 (y Caminito)\, La Boca\, Buenos Aires. \nMartes a domingo\, 11 a 19; lunes cerrado.
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SUMMARY:Antonio Berni\, entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete.
DESCRIPTION:DESCRIPCIÓN DE LA EXPOSICIÓN\nAntonio Berni\, «narrador visual único»\, «dibujante compulsivo» y «atento cronista de lo cotidiano y lo social»\, fue capaz de aunar la tradición figurativa de la pintura con las vanguardias modernas\, convirtiéndose en una de las figuras destacadas del arte del siglo XX. La comisaria de la exposición\, Diana Wechsler\, explica que su figura «se identifica por su extensa trayectoria atravesada por sucesivos cambios\, ensayos\, experimentaciones y búsquedas permanentes a través de diferentes formas expresivas en las que la dimensión material de sus obras emerge como uno de sus aspectos identitarios». «Desde las obras de los años veinte\, en las que se explora los recursos de la pintura metafísica y el surrealismo\, asume a partir de los años treinta un compromiso político y social que lo acompañará toda su vida\, hasta las experimentaciones con los materiales de los años sesenta y setenta\, la pintura de Berni es un buen ejemplo de los debates de las vanguardias del siglo XX» señala la comisaria. La muestra que se abre el 20 de enero en el Museo Lázaro Galdiano se centra en dos ámbitos de su producción: xilografías – impresiones realizadas con planchas de madera grabadas – y xilocollages – incorporación de otros materiales a una xilografía – de la década de los sesenta y su archivo fotográfico. Tres son las cualidades claves de la obra de Berni\, quizás el artista argentino más importante del siglo XX: su capacidad de reinvención permanente\, su atenta y poderosa mirada sobre cuestiones sociales y políticas\, así como su apuesta estética y la variedad de su propuesta plástica. La indagación en la realidad le llevó a la reinvención de su práctica artística y con ella a situarse entre quienes fueron capaces de realizar una crítica poética de aquellas realidades. Desde finales de los años cincuenta los materiales de desecho industrial\, algunos objetos manufacturados y otros residuos de la sociedad de consumo integran el lenguaje de los trabajos de Berni. Pinturas y xilografías combinadas con un collage excesivo – en el sentido más potente del término – son los recursos técnicos que dan cuerpo a las dos grandes series plásticonarrativas que\, bajo los nombres de Juanito Laguna y Ramona Montiel\, Berni desarrolló a lo largo de las décadas de los años sesenta y setenta. Juanito Laguna está inspirado en los cientos de niños que el artista encontró en los barrios humildes de la periferia de Buenos Aires desde los años 30. El propio Berni se refería a este personaje de la siguiente manera: «Yo a Juanito Laguna lo veo y lo siento como el arquetipo que es; arquetipo de la realidad argentina y latinoamericana\, lo siento como expresión de todos los Juanitos Laguna que existen (…) En él están fundidos muchos chicos o adolescentes que yo he conocido\, que han sido mis amigos\, con los que he jugado en la calle…» Berni se apropia de los objetos encontrados y crea un nuevo universo de texturas y configuraciones formales que no solo invaden su pintura sino que también se integran en los grabados para dar vida a un nuevo episodio de la saga de Juanito. La inclusión de los desechos\, así como la construcción de una narrativa rica en evocaciones de carácter político-social\, colocan la producción de Berni de estos años en lo que el crítico de arte francés Pierre Restany definiera como Nuevo realismo. El propio Restany destacó la capacidad de Berni para el «reciclado poético de la realidad urbana e industrial». Esta muestra de gabinete se centra en la serie de Juanito Laguna y en la relación entre la exploración de campo llevada a cabo por el artista en Buenos Aires y en la manera en que estas indagaciones le condujeron a la reinvención del modo de construir imágenes. Se exhiben algunos resultados de esas exploraciones que le llevaron a obtener el Gran Premio en la Bienal de Venecia en 1962\, entre ellos siete xilocollages de gran formato de esta serie que acompañan a Los astros sobre Villa Cartón (1962) y a La casa del pintor\, reflejo de la variedad y singularidad plástica de la producción de este creador. También se muestran documentos del Archivo Berni\, desde fotografías firmadas por él de las que bebe iconográficamente\, catálogos de la época\, bocetos en tinta china\, hasta una acuarela inédita que recientemente se ha descubierto y que precedió a la obra Los astros sobre Villa Cartón. Además\, se presenta un documental producido exprofeso con material documental del Archivo Berni y del Archivo General de la Nación (Argentina) donde el artista desvela los secretos de la saga Juanito Laguna y se adentra en la versatilidad y personalidad de esta figura clave del arte latinoamericano. Antonio Berni: entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete forma parte del programa institucional de la feria ARCOmadrid 2017 y podrá visitarse hasta el 12 de marzo en la sala de Arte Invitado del Museo. La muestra es fruto del acuerdo de colaboración firmado en 2016 entre el Museo Lázaro Galdiano y la UNTREF\, por el cual el Museo cedió temporalmente varias piezas de su colección de obra gráfica de Goya para la muestra «El sueño de un genio» celebrada en Buenos Aires entre mayo y octubre de 2016. Como contraprestación el Museo acoge esta exposición de Antonio Berni\, una de las figuras centrales en los debates estéticos de la escena artística latinoamericana contemporánea. \n\nDónde:\n\nMuseo Lázaro Galdiano / Serrano\, 122 / Madrid\, España \nVer MAPA \n\n\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 12 mar de 2017\n\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\n\nHorario:\nDe martes a sábado de 10 a 16.30h. Domingo hasta las 15h. Lunes cerrado\n\n\nPrecio:\nVisita incluida con la entrada al Museo (entrada general 6€)\n\n\nComisariada por:\nDiana Wechsler\n\n\nOrganizada por:\nMuseo Lázaro Galdiano\n\n\nArtistas participantes:\nAntonio Berni\n\nCuraduría: Diana Beatriz Wechsler (Buenos Aires\, 1961) es directora de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la UNTREF – Universidad Nacional de Tres de Febrero y curadora del MUNTREF – Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero\, de Buenos Aires. Esta doctora en Historia del Arte\, es también investigadora independiente del CONICET (Argentina). Entre sus últimos comisariados destacar el mega proyecto expositivo Boltanski BUENOS AIRES organizado por el MUNTREF\, en 2012. También cabe destacar su curaduría de la muestra Territorios de diálogo \, exhibida en 2006 en el Centro Cultural Recoleta. Wechsler Recibió la Getty Postdoctoral Fellowship y ha publicado numerosos artículos y libros sobre historia del arte argentino y sudamericano: Papeles en conflicto\, y Spilimbergo y el arte moderno en la Argentina\, entre otros.
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SUMMARY:Julio Larraz: Pintura y Escultura
DESCRIPTION:Julio Larraz\, extraordinario dibujante\, pintor y escultor\, es la quintaesencia del artista latinoamericano posterior a la Segunda Guerra Mundial. Desenmascarando la angustia de la humanidad\, plantea una nueva realidad y una identidad políticamente consciente para la existencia en el mundo moderno. Su contribución al arte occidental\, al igual que la de la generación del «boom» de escritores latinoamericanos\, es un nuevo tipo de retrato\, que coopta las convenciones del género y las transforma en alegorías sociológicas e históricas de varios niveles. Nacido el 12 de marzo de 1944 en La Habana\, Cuba\, Larraz se fue a Miami en 1961 y viajó a Nueva York\, donde estudió con ilustradores notables como David Levine. Su obra está incluida en colecciones de todo el mundo\, como el Museo de Monterrey en México\, el Banco Mundial en Washington\, D.C. y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Vive y trabaja en Miami\, FL. \nDónde:\nMuseum of Art – Deland / 600 N. Woodland Blvd. DeLand / Florida\, Estados Unidos\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 02 abr de 2017\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\nOrganizada por: \nMuseum of Art – Deland
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LOCATION:Museum of Art – Deland\, 600 N. Woodland Blvd. DeLand\, Florida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cosmos\, exposición de dibujos de Fernando Allievi.
DESCRIPTION:“En momentos en que la digitalidad termina de poner en crisis la idea de una memoria construida por la representación fotográfica de los hechos\, su gesto nos regresa a una legitimación de la duda. ¿Puede cada partícula de tinta de las imágenes gráficas estar impregnada de la historia? ¿Cuál\, sino la propia aldea\, puede ser el centro del Universo?\, parece preguntarse Allievi. El preámbulo de esta muestra\, hace que este texto concluya apelando a la polisemia de una única palabra posible: (Continuará)” \nGabriel Valansi\, Texto de la exhibición Cosmos en el Museo Caraffa\, Octubre de 2016 \nLa exposición podrá visitarse hasta el Jueves 9 de Marzo de 2017. La entrada general al museo es de 15 pesos\, los miércoles el ingreso es libre. \n  \n 
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LOCATION:Museo Caraffa\, Av. Poeta Lugones 411\, Córdoba\,\, Argentina
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SUMMARY:TAN SOLO... HUMANOS
DESCRIPTION:Tan solo… Humanos \nMuestra\, brindis y charla \nEXPONEN \nMónica Aparicio\, Patricia Casanova\, Ani Fernandez\, Inés Magaro\, Julia Picart y Marcela Rinaldi. \nCharla abierta con el Licenciado Adolfo Loreal. \nViernes 2 de diciembre\, 19:30hs
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LOCATION:EL Taller – Espacio de Arte\, Alem 832\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:DE AVELLANEDA A NEW YORK: CLORINDO TESTA EXHIBE EN EL MOMA
DESCRIPTION:Una exposición del arquitecto Clorindo Testa (1923-2013)\, una serie de más de cien dibujos que conforman un inmenso mosaico en el que imaginó la rutina diaria de un chico que habita la localidad bonaerense de Avellaneda\, se exhibe por estos días y hasta el 3 de enero de 2017 en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. \nOrganizada por el Departamento de Arquitectura y Diseño del museo\, este «brillante y potente trabajo»\, según indica el comunicado de prensa del MoMa\, está actualmente en exhibición en el atrio denominado Donald B. y Catherine C. Marron. \nResponsable de emblemáticas creaciones de la arquitectura local\, como la Biblioteca Nacional y el Banco de Londres\, Testa participó en 1952\, durante el segundo gobierno del peronismo\, de un estudio gubernamental que buscaba implementar técnicas urbanísticas modernistas en la zona de Avellaneda. \nMás de 20 años después\, el arquitecto retomó el proyecto y reimaginó la rutina diaria de un chico que había conocido y dibujado jugando en las calles de la ciudad. \nEl mosaico de 107 paneles\, «Habitar\, Circular\, Trabajar\, Recrearse»\, imagina a ese niño\, ahora adulto\, que habita en una ciudad superpoblada y lo muestra descansando\, subiendo a bañarse o a comer\, desplazándose en un colectivo lleno de gente\, regresando a casa por la noche\, viendo la televisión. \nEn su doble faceta de artista y arquitecto\, Testa muestra en su obra «espacios compactos y opresivos»\, señala el texto del comunicado\, para dar cuenta que\, con el paso del tiempo\, en las ciudades contemporáneas algunos problemas se agravan en vez de erradicarse. \nTesta había llegado a la Argentina con su familia antes de cumplir un año\, país donde forjó sus estudios y conformó la primera camada de arquitectos de la nueva Facultad de Arquitectura y Urbanismo (1948). \nTesta embelleció Buenos Aires con la Cámara de la Construcción en 1951\, el Hospital Naval en 1970\, el Auditorium de la Paz (1993)\, la sede del Colegio de Escribanos de la Capital Federal (1998) y el proyecto Universidad Torcuato Di Tella (1998).
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LOCATION:Museo de Arte Moderno (MoMA)\, 11 W 53rd St\, New York\, NY 10019\, Nueva York\, Nueva York\, United States
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SUMMARY:Omar Panosetti. Un día de esos
DESCRIPTION:La muestra de arte donde el artista Omar Panosetti hace un repaso histórico sobre algunos de los hechos sobresalientes de la historia argentina como el regreso de la democracia\, la tragedia de Cromañón o la guerra de Malvinas se podrá ver en la Galería Ensamble\, Guido 1746\, CABA. \n«En mis dibujos -realizados en acuarelas y tintas sobre papel- hay mucho de ironía y humor»\, asegura el artista nacido en Buenos Aires el 25 de abril de 1960\, y formado con los maestros Ana Exckell y Yuyo Noé. Panosetti fue galardonado en 2004 con el Gran Premio de Honor en Dibujo del Salón Nacional de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación. Sus obras están presentes en museos de Argentina\, China\, Polonia\, Colombia\, España y Paraguay y en colecciones privadas de Estados Unidos\, Inglaterra\, Alemania\, Italia\, Francia y España.
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SUMMARY:La persistencia de los maestros.
DESCRIPTION:Un recorrido inusual sobre la obra de un grupo de artistas que\, en su gran mayoría\, sostuvo los modos de las escuelas de arte y de sus mentores.\nCurador: Nicolás Javaloyes \nLa Colección del Museo Sívori nace de una mirada plural en la que convergen las diversas gestiones que llevaron adelante el museo y las asociaciones que participaron del Salón Manuel Belgrano\, íntimamente ligadas al sistema de la educación artística. \nEn su tramo dedicado a la década del ’60\, nos ofrece un recorrido poco usual al escapar del paradigma con que generalmente se describe este período: experimentación y vanguardia. Por el contrario\, nuestro acervo permite acercarnos a un grupo de artistas\, que en su mayoría sostuvo los modos de las escuelas de arte y de sus maestros. “La Persistencia de los Maestros” intenta mostrar hacia dónde miraba ese colectivo en una década signada por el desvanecer de la modernidad. \nCon la curaduría de Nicolás Javaloyes la exposición reúne obras de Bruno Venier\, Emilio Centurión\, Juan Del Prete\, Raúl Russo\, Antonio Pujía\, Demetrio Urruchúa\, Miguel Davila\, Héctor Basaldúa\, entre muchos otros. \nA fines de los años cincuenta\, tanto el Salón Nacional como el Municipal ponen su mirada sobre artistas que se han formado con maestros locales pero que a la rigurosidad compositiva han incorporado el lenguaje de las Vanguardias Históricas: el color fauve\, la síntesis cubista y el universo poético del surrealismo. Por eso se los suele llamar “la segunda vanguardia”. \nEn el ámbito del Salón\, donde aún predominaba la impronta del nativismo\, estos artistas aportaron una mirada fresca\, renovadora y moderna sobre el arte. No obstante\, son artistas que sostienen la figuración en vísperas de una década signada por el experimentalismo. Sus obras\, desde sus títulos –“composición”\, “figura”\, “bodegón”– hacen referencia a su adhesión al repertorio de motivos tradicionales –la naturaleza muerta\, el retrato o el desnudo–. \nHacia 1963 parece cambiar el foco de atención del Salón. Entre las obras premiadas\, hay un resurgir de los motivos populares\, del paisaje\, de las vistas urbanas y los interiores intimistas. Una de las razones del cambio puede atribuirse a la composición de los jurados de Salón. El comportamiento de cada uno de ellos en las votaciones es revelador de los debates que atravesaban al campo artístico. \nLlamativamente\, este cambio de imagen\, el retorno a ciertos temas tradicionales\, es contemporáneo al momento de máximo despliegue de la vanguardia internacionalista y experimental y\, a fines de los ’60\, el arte de la vanguardia revolucionaria. Sin embargo\, aunque el Salón conserva distancia con las vanguardias\, podemos ver cómo lentamente comienza a permear en las obras premiadas el lenguaje del informalismo\, la neofiguración y la abstracción\, dándose curiosas combinaciones entre temas tradicionales y formas modernas.
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LOCATION:Museo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Buenos Aires\, (C1268ACK)\, Argentina
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SUMMARY:Miguel D’Arienzo. Margarita está linda la mar
DESCRIPTION:D’ Arienzo se libera y experimenta como un alquimista\, bajo los efectos del calor\, la transformación de la materia y los pigmentos. Logra manifestaciones espontáneas y genuinas frente a las propias órdenes de la naturaleza. Estallidos de color\, manchas y chorreados. Cuando se manifiesta en los grandes formatos\, con la incorporación de arena\, la pintura de D’ Arienzo se torna abstracta\, acercándose a una pintura de acción. Aparecen referencias a artistas plásticos universales\, como Diego Velázquez\, Paul klee y nuestro Antonio Berni. La pintura y el dibujo interactúan armoniosamente. Éste último\, con total autonomía\, concede acentos expresivos en las composiciones con una línea energética y deliberada que se aleja de las enseñanzas académicas recibidas. \nSu capacidad para determinar el diseño de la muestra y los distintos formatos es una evidencia de su hacer para la participación activa del público. Así\, con las instalaciones El teatro de títeres y Margarita llevando un elefante no hace más que acercar e incluir a los espectadores en la obra con el deseo de anular las distancias que los separan.Como una huida hacia otra realidad\, Rubén Darío y Miguel D’Arienzo deciden\, por medio de la inocencia\, la frescura y la fantasía\, conectarse con su propia infancia. Precisamente para reencontrarse con su más íntimo ser\, aquel niño interior que se manifiesta en un constante ir y venir a través de sus prácticas artísticas. \nLorena Oporto\nÁrea de Investigación y Archivo de Arte Argentino de Museo Sívori \n+ INFO
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LOCATION:Museo Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Alicia Penalba - Escultora
DESCRIPTION:Primera exposición antológica en un museo argentino de la artista Alicia Penalba\, compuesta por una selección de sus esculturas abstractas. Se incluyen cuarenta piezas de diferentes series y períodos: totémicas\, aladas\, monumentales y petits\, realizadas durante más de treinta años de trayectoria\, desde su radicación en París en 1948 hasta su fallecimiento repentino en 1982. Además\, se exhiben en la explanada del museo cuatro esculturas (una alada y tres tótems) concebidas por la artista especialmente para el espacio público. Las obras provienen de importantes colecciones privadas y públicas de nuestro país. \nDurante los años 50 y principios de los 60\, Alicia Penalba concibió diferentes series de obra: verticales o totémicas\, por elementos separados\, caracolas\, aladas\, dobles y formas voladoras. Con estas tipologías experimentó en múltiples repeticiones\, ritmos\, variaciones y cambios de escala; buscó contrastes entre texturas\, brillos y opacidades\, lo rústico y lo refinado. También alternó con la materia pesada de la arcilla fundida en bronce o en cemento -que desmaterializó mediante el uso de las resinas poliéster y de las transparencias del vidrio Securit-\, y jugó con el resplandor del dorado pulido\, el acero inoxidable y la alpaca. \nResultado de la colaboración con el Archivo Alicia Penalba -que además aportó datos claves para la investigación curatorial-\, la exhibición incluye dos vitrinas con porcelanas\, joyas\, tapices\, fotos y documentos\, que dan cuenta de su pensamiento y sus procesos de producción. Esta documentación también fue fuente del film documental realizado especialmente para la ocasión por El Pampero Cine. En el film se dan a conocer las obras de carácter monumental realizadas por Penalba en espacios públicos como la Universidad de Saint-Gall\, Suiza (1963); el Hakone Art Museum\, Japón (1969); la MGIC Investment Corporation Milwakee\, USA (1978) y la Société Roche Neuilly\, Francia\, entre otros. Estos trabajos posicionan a Penalba en un lugar destacado de la historia del arte no figurativo argentino\, por ser de las pocas mujeres en realizar obra escultórica de escala monumental. \nAlicia Penalba. Escultora continúa también la serie de proyectos de sala 3 que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que por diferentes motivos no han sido suficientemente reconocidas en su época\, o cuyo trabajo aún no ha cobrado su real dimensión en la historiografía del arte contemporáneo. En el marco de la muestra y en colaboración con el Archivo Alicia Penalba\, MALBA presentará la primera publicación de referencia sobre su obra\, que será coeditada con Ediciones RM. \n14.10.2016 — 19.02.2017\nCuradora: Victoria Giraudo\nSala 3. Nivel 1 + Explanada
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LOCATION:MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:RAMIRO LLONA. GRANDES FORMATOS (1998-2016)
DESCRIPTION:La muestra Ramiro Llona.  Grandes formatos (1998-2016): El lugar de la pintura  que  el MAC Lima presenta\, reúne una selección de veintidós obras realizadas posteriormente a  su muestra Retrospectiva (1973-1998) llevada a cabo en el Museo de Arte de Lima\, la cual significaría el punto de quiebre entre una etapa de veinticinco años de producción y el inicio de un nuevo período caracterizado por la exploración de sus formatos que han ido creciendo hacia tamaños colosales y demandaría mayores retos en torno a sus procesos técnicos y en el desarrollo de su lenguaje. \nRamiro Llona formado en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú\, proviene desde las canteras de la difusión del expresionismo y el expresionismo abstracto.  Sin embargo\, gracias a espíritu inquieto  y libre\, su actitud exigente\, su interés por los artífices de la historia del arte y su deseo de acercarse a la escena internacional misma\, le ha permitido trastocarlos y transformarlos de manera constante. \nSu permanencia en Nueva York  (1977-2002) y su acercamiento a los expresionistas americanos y sus viajes a Europa y parte de Sudamérica\, generaron una gran simbiosis en su forma de entender la pintura\, tanto en su proceso como en su lenguaje\, haciendo de su pintura lo que actualmente es: una síntesis en el que se conjugan aportes del expresionismo\, el abstraccionismo y la geometría\, el minimalismo y el simbolismo\, permitiéndole construir un universo interior (paisajes interiores) marcado por su constancia y continuidad. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo – Lima\, Av. Grau 1511\, Barranco\, Lima\, Perú
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SUMMARY:DANIEL ZELAYA Muestra antológica
DESCRIPTION:Continuando con las propuestas para celebrar el 90º Aniversario del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, la Secretaría de Cultura de la Provincia y la Asociación Amigos del Museo invitan a la inauguración de la muestra antológica del destacado artista Daniel Zelaya. La selección reúne emblemáticas pinturas de la última etapa de su producción\, realizadas entre 1997 y 2010\, luego de su regreso a Entre Ríos. El encuentro está previsto para el viernes 14 de octubre a las 20 hs y será con entrada libre y gratuita.\nPequeños juguetes de hojalata\, autómatas\, personajes que interactúan en un universo de objetos icónicos\, varas con líneas rojas y blancas -semejantes a las usadas en seguridad vial- y papeles al viento son algunas de las constantes en el imaginario de las imponentes pinturas del artista Daniel Zelaya que serán exhibidas en las salas centrales del Museo Provincial de Bellas Artes a partir del Viernes 14 de octubre. \nReconocido a nivel internacional como pintor\, grabador y diseñador gráfico\, Zelaya utilizaba la técnica con gran habilidad tanto en óleo\, acrílico\, acuarela como en las diferentes formas del grabado. \nEl extenso recorrido de su trayectoria se inició en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires para continuar en París y Alemania\, donde desarrolló gran parte de su vida y su carrera como artista hasta 1983\, cuando regresa a Argentina para instalarse definitivamente en la ciudad de Colón\, Entre Ríos. \nZelaya realizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en Argentina\, Brasil\, Chile\,Colombia\, España\, Alemania\, México\, Italia\, Estados Unidos\, Francia\, Bruselas\, Suiza\, Oslo\,Canadá; Puerto Rico; Polonia; Londres; Tokio; Finlandia\, entre otros\, obteniendo múltiples distinciones y un gran reconocimiento a nivel mundial. \nLa muestra -ofrecida por la Asociación de Amigos del Museo Provincial de Bellas Artes junto a la familia del artista- en adhesión al 90º Aniversario del Museo\, exhibirá 16 magníficas piezas realizadas en Entre Ríos entre 1997 y 2010\, lo que permitirá a los visitantes aproximarse a su poética plástica\, absolutamente auténtica y personal. Las texturas\, colores\, ritmos y matices propios de la obra de Zelaya crean una atmósfera de apariencia festiva\, a veces crítica y otras veces serena\, pero siempre intensa y profunda. \nEsta propuesta busca poner en valor y compartir la obra de uno de nuestros artistas más destacados\, que ha trascendido largamente las fronteras de nuestra provincia\, acercando sus obras a las nuevas generaciones. \nLa inauguración\, que contará con la presencia de quien fuera su esposa y colega\, la reconocida escultora Gloria Priotti\, tendrá lugar el próximo viernes 14 de octubre a las 20 hs en el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, ubicado en calle Buenos Aires 355 de la ciudad de Paraná.\nLa muestra podrá visitarse con entrada libre y gratuita hasta el domingo 20 de noviembre. \nSobre Daniel Zelaya \nDaniel Zelaya nació en Buenos Aires en 1938. Inició sus estudios visuales en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Entre 1967 recibió una beca del Gobierno Francés\, por lo que residió hasta 1968 en París.Tres años más tarde\, integró el Grupo Grabas (Gráficos de Buenos Aires)\, realizando una intensa labor en obra seriada a través de numerosas exposiciones y viajes por América y Europa. \nDe 1975 hasta 1983 reside en Berlín (Alemania Occidental). En 1977/78 colabora en un proyecto de remodelación de la Universidad Técnica de Berlín. Paralelamente realiza afiches de actividades culturales para la Künstlerhaus Bethanien en Berlín y para el Teather am Turm en Frankfurt. \nEn 1982\, dentro del marco del Festival Horizonte ’82 de Berlin\, realiza una escenografía para ambientación de tango y co-participa en la creación y redacción del libro “Tango\, Melancholie der Vorstadt”\, editado en la misma ciudad. \nUn año después\, regresa definitivamente a la Argentina instalándose en Colón\, Provincia de Entre Ríos.En 1989 dicta en el Museo de Arte de Moderno La Tertulia de Cali (Colombia) un curso sobre técnica de pintura al temple y otro sobre técnica de grabado. En 1996 es invitado\, por The Tamarind Institute\, de Alburquerque\, New México (USA) para realizar una litografía que integra una edición de homenaje a Pablo Neruda. En 2008 colabora invitado por la fundación Arena (España) en la ilustración del libro “Icaro iconografía de un vuelo”. \nFallece en Colón en 2012. Tres años después\, el Municipio de Colón lo distingue otorgándole su nombre a una sala del Museo Histórico Regional de Colón su nombre. \nRealizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en más ciudades de màs de 19 paises. Recibió múltiples distinciones y premios. \nSus obras figuran en: Museo Nacional de Bellas Artes – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – Museo Municipal de Arte E. Sívori – Museo de Arte Moderno de Nueva York – Gabinete de Estampa de la Biblioteca de París – Graphotek West Berlín – Artotek West Berlín – Theater am Turm\, Frankfurt – Museo de Arte Contemporáneo\, Caracas– Museo de Arte Moderno de Bogotá – Museo de Arte Moderno La Tertulia\, Cali – Biblioteca Arango\, Bogotá – Colección Benson & Hedges – Colección Chase Manhattan Bank\, Buenos Aires –Fundación Antorchas – Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro – Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Entre Ríos – Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y en colecciones privadas de América y Europa. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Buenos Aires 355\, Paraná\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:Más allá de la piel
DESCRIPTION:Marina Dogliotti\, Inés Vega y Betina Sor exhibirán en el Mumbat a partir del 8 de octubre obras de poética surrealista sobre la mujer. \nAbordando una temática de lo femenino las obras de arte de las tres artistas se presentan con un enfoque y una mirada especial\, ya que nos permitirán atravesar nuestras propias tinieblas e intimidades. Betina\, Inés y Marina exhiben que las mujeres han podido sortear los obstáculos\, narrándonos a través de su propuesta la historia femenina\, que es la historia de la aspiración a la libertad. \nUna muestra que nos ofrecerá la posibilidad de percibir sensibilidad\, a través de detalles y armonías\, sensualidad y pasión en un imaginario surrealista. Pero asimismo\, exhiben la historia de una epopeya de sacrificios\, sufrimientos y desesperación\, de esperas y esperanzas\, temor y orgullo de emprender el gran salto\, desde donde devendrá otro en alas de otra mujer. Detalles y simbologías que nos evidenciarán el mundo de la complejidad femenina. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil\, Chacabuco 357\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Dos miradas del constructivo Julia Farjat - Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:ACTIVIDADES\n\n\n\nCharla con las artistas viernes 14 de octubre 18 hs \n  \n\n\n\nArtistas participantes \nJulia Farjat \nCursó estudios de escultura con los maestros Leo Tavella\, Alberto Balietti\, Julián Agosta y otros conocidos artistas plásticos.\nA partir de 1972 comienza a especializarse en Escultura y desarrolla una intensa actividad en esta disciplina\, trabajando con diferentes materiales cerámica y el modelado\, talla directa en mármol\, granito\, madera y hierro soldado. \n  \nClaudia Fernández Farjat \n\nEn mi obra rige la ley de frontalidad que admite una tercera dimensión real con un orden ortogonal con respecto a la base. Trabajo con los opuestos\, uno al lado del otro\, lo femenino y lo masculino en un acto seminal como unión de complementos\, dando lugar a la búsqueda de equilibrios para que la tierra pueda ser habitada jerarquizando a la naturaleza. Una organización de planos y estructuras que se vinculan entre sí y pueden asociarse a los bloques pétreos levantados por contacto\, representando al urbanismo civil y religioso del mundo. \n\n  \nInaugura: 18hs  – Lun a Dom de 10 a 18 hs. – \nEntrada: libre y gratuita
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LOCATION:ESPACIO DE ARTE BANCO CIUDAD\, Esmeralda 660\, CABA\, Argentina
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