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SUMMARY:Ides Kihlen en el Duhau 100 años de libertad
DESCRIPTION:Este 10 de julio de 2017 festejó sus 100 años de vida\, absolutamente libre y comprometida con el arte. Lo festeja con varias muestras a lo largo del año. En el Paseo de las Artes del Palacio Duhau presenta obras recientes. \nSon característicos en sus pinturas los fondos luminosos y orgánicos que inducen al movimiento a los otros elementos que habitan la obra: líneas\, telas y papeles que bailan\, se derraman y salen sin pedir permiso. Ides pinta\, desde muy temprano\, cada día. Nada la limita\, su mente inquieta investiga y crea. \n\n\n\n\nPaseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt  \nAv Alvear 1661\, CABA
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SUMMARY:“Mirar” Julia Tellaeche
DESCRIPTION:Se dijo sobre “Mirar”: “Todavía no se puede explicar qué fibra sensible enciende el arte. Hay quienes intentan una respuesta en la sinceridad\, algo así como una expresión directa\, una obra que estalla y hace estallar. Es el artista\, de pie y en movimiento\, el que equilibra y desequilibra las emociones. En las personas\, esa expresión directa descansa en la mirada. La búsqueda de uno mismo en los ojos de otro: el arte no es otra cosa que los ojos de otro. En la sinceridad de la búsqueda aparecen las grandes obras. Mirar es también buscar. En ese gesto sutil Julia Tellaeche captura sus historias”.\nTellaeche concurrió a la peña de artistas plásticos de 1960 a 1969. Allí fue discípula de Demetria Urruchúa. Hizo taller de muralismo con el maestro Juan Carlos Castagnino y de escultura con José Alonso. Efectuó exposiciones colectivas entre 1961 y 1964.\nRecibió una mención en el concurso de manchas de la calle San Juan. En 1962 recibió un premio en “Figura Salón Municipal de Necochea”. En 1969 se le otorgó un premio en el salón regional de Ayacucho\, Dr. Pedro Solanet. Realizó una exposición individual en la galería Kaperotxipi de Mar del Plata (1969).\nEn 1972 creó tres murales en la escuela 59. Reinició su labor en el año 2000. Participó de la exposición colectiva del Museo Juan Carlos Castagnino en 2002. De 2007 a 2011 expuso en el complejo Costa Salguero dentro de la exposición “Arte Clásica y Contemporánea”.\nEn 2010 expuso individualmente en el “Archivo Café”. En febrero de 2014 inauguró una muestra individual en el museo marplatense del puerto “Cleto Ciocchini”. De octubre a diciembre de 2014\, expuso en el Hotel F.O.E.B.A.\n\n\n\n\nMuestra “Mirar”\nJulia TellaecheSe puede visitar hasta fin de noviembre de 2017 . Diariamente desde las 10:00 h\nEntrada libre y gratuita.\nEspacio de Arte del Centro de Arte\nRadioCity+Roxy+Melany\nSan Luis 1750\nMar del Plata \n\n\n\n+ INFO
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SUMMARY:Martín Blazko ‘Un acuerdo secreto’
DESCRIPTION:‘Un acuerdo secreto’ es el nombre de la muestra que expone esculturas\, pinturas y collages de uno de los principales referentes del arte geométrico en Argentina: Martín Blaszko. Con la curaduría de Agustina Taruschio\, el artista alemán\, argentino por adopción\, llega a La Plata. \nMartín Blaszko nació en 1920 en Berlín y falleció en Buenos Aires en 2011. Junto a Carmelo Arden Quin\, fundó el grupo de arte concreto MADI en Buenos Aires. Sus proyectos fueron pensados para dialogar con la ciudad y sus habitantes\, para que las esculturas puedan ser
recorridas y transitadas. Sus figuras geométricas en sus obras\, ya sean esculturas como pinturas\, operan de manera racional y lúdica en forma simultánea. Sus pinturas parecen proyectos escultóricos y a su vez\, sus esculturas denotan un estudio del espacio\, donde el tamaño de la obra se contradice con la sensación de monumentalidad que la misma sugiere. \nSu obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Argentina (MALBA\, MAMBA\, MPBAEP)\, Venezuela (Fundación Cisneros)\, Estados Unidos (Museo MADÍ\, Dallas; Aldo Castillo Gallery\, Chicago; Colección Ella Fontanals Cisneros\, Miami)\, Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza y Japón. \nLa muestra ‘Un acuerdo secreto’ ocupará tres de las nuevas salas remodeladas del MACLA. Pero en paralelo\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti (Av. 51 Nº 525) inaugurará el viernes 6 de Octubre su muestra sobre Blaszko. Así y de forma inédita\, los dos museos estarán reflejando en simultáneo sus miradas sobre un mismo artista. \n+ INFO
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SUMMARY:REDES
DESCRIPTION:REDES\, FAMILIA Y ARTE \nRedes es el título que han escogido Ricardo Wiesse Rebagliati y Ricardo Wiesse Hamann\, padre e hijo\, para describir su participación en la serie de exposiciones bipersonales que viene realizando galería Fórum. El título elegido nos sugiere múltiples perspectivas desde donde presentir las relaciones afinidad entre el talentoso padre\, reputado artista plástico\, y su hijo\, el no menos talentoso y reconocido vocalista de la Mente\, que es además un sorprendente dibujante. \nLa línea\, pintada y dibujada\, es la protagonista de esta exposición y el nexo que relaciona ambos artistas\, que desde el óleo y la tinta respectivamente nos invitan a descubrir los tejidos de la forma y del transcurrir de la vida\, que enlaza a padre e hijo y les permite compartir la experiencia de trabajar juntos en un proyecto de arte. \nWiesse padre presenta telas de gran formato pintadas al óleo. Si bien se inspiran en el tema de las redes también muestran otras conexiones que siempre aparecen en el proceso creativo. El desierto\, la mente\, el cosmos\, activan permanentemente mis ganas de dibujar y pintar”\, explica Ricardo. “Pintar es conectarme con los grandes maestros del pasado”. \nLas piezas que presenta Ricardo Wiesse (hijo) forman parte de una serie en particular que tiene a las redes como tema principal. “Es un proyecto personal en el cual busco en las artes plásticas un medio más de expresión”\, añade el músico. \nSe trata de dibujos en formato mediano\, de gran fuerza expresiva\, hechos en tinta china sobre papel\, en algunos casos\, sobre papel transparente. La mayor parte de la serie está hecha en blanco y negro y retrata literalmente redes que no solo grafican un aspecto figurativo sino también metafórico. Para Ricardo dibujar es una forma de autoconocimiento y de relación con el entorno\, pero es sobre todo un camino hacia la tranquilidad. Entre el dibujo y la música encuentra un puente que te lleva al mismo destino: la libertad”. \nLibertad y talento en la obra de ambos es lo que veremos en esta exposición. La muestra va hasta el sábado 30 de septiembre en galería Fórum.
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Néstor Cruz. Variaciones Herméticas
DESCRIPTION:Néstor Cruz presenta en Galería Vermeer “Variaciones Herméticas”\, su segunda muestra individual en nuestro espacio\, en la que reúne un conjunto de obras representativas de su trayectoria artística. Esta exhibición refleja un cuestionamiento constante del artista\, quien se destaca por su inquietante curiosidad por las enseñanzas del hermetismo. La profundización de las ciencias herméticas como la alquimia\, el tarot o la astrología\, inducen a Cruz a vincularse con la filosofía y sobre todo las teorías matemáticas… \nNéstor Cruz\nLa trayectoria de un artista puede representarse con una línea ascendente. la totalidad de su obra puede ser agrupada en segmentos. La sucesión de segmentos puede mostrar la sucesión de estilos. Y el pasaje de un estilo a otro puede representar una evolución. Pero\, si la trayectoria sigue una línea ascendente\, entonces\, una retrospectiva no es más que memoria organizada\, la expresión creadora\, un progreso\, y devenir Artista\, un punto de llegada. \nPodemos decir\, también\, que nada de esto sucede. Que sólo quedando presos de la línea ascendente es que pensamos de este modo. Sin línea y sin ascenso\, la trayectoria es pura multiplicidad\, sin orden y sin jerarquías\, un rizoma y devenir artista no es un punto de llegada ni de partida\, sino que siempre se está en acto. La expresión creadora funciona mas como un núcleo que se expande en múltiples direcciones\, se auto afirma y dura. No sube escaleras\, ni se detiene en peldaños. Las etapas o periodos de una trayectoria lineal son segmentos convencionales al servicio de la clasificación. pero en la multiplicidad\, las obras de una trayectoria se entrecruzan unas con otras y los sentidos se multiplican infinitamente. Aquí\, la trayectoria\, lejos de ser un conjunto cerrado\, pasa a ser un conjunto abierto en diálogo permanente consigo mismo\, el mundo\, la historia y los intérpretes.
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LOCATION:Galería Vermeer\, Suipacha 1168\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Acuarelas y Fotografías Intervenidas”
DESCRIPTION:Yvonne Sanguineti Galería de Arte presenta la exposición individual “Acuarelas y Fotografías Intervenidas” del artista Nader Barhumi. La muestra está conformada por una selección de trabajos de mediano formato que incluyen 6 acuarelas y 5 fotografías intervenidas realizadas durante su última estancia en Madrid. \nEn esta serie\, Barhumi encuentra una nueva fuente de expresión a través de la intervención -con pintura o collage- en los afiches callejeros que abundan en las paredes madrileñas. Este primer encuentro y transformación es fotografiado por el artista para luego continuar su trabajo en el estudio. El resultado son composiciones fragmentadas en las cuales el elemento protagónico es el color. El color que convive con fragmentos de textos e imágenes en las fotografías intervenidas\, y que se manifiesta libremente en las acuarelas abstractas de soportes circulares debiéndose solo a las formas que componen el espacio pictórico. De esta manera\, Barhumi busca reivindicar a la pintura como un lenguaje vigente\, capaz de dar cuenta de nuestra vivencia diaria\, del recorrido entre paredes ávidas de ser transformadas y validadas en sus posibilidades plásticas. \nNader Barhumi es un pintor polifacético e imprevisible\, proviene de múltiples canteras artísticas. Estudió primero en la Facultad de Artes de la Universidad Católica\, para seguir una formación posterior en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando -perteneciente a la Universidad Complutense de Madrid- donde obtuvo una licenciatura en Artes. Además\, se formó en la Byam Shaw School Of Art de la Universidad de Londres. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en galerías de Lima\, Madrid\, Barcelona\, Miami\, Colonia –Alemania-\, Amsterdam y Londres. En el año 2016 expuso en la GALERÍA VÉRTICE y TILA BARRENA en Madrid y anteriormente presentó Fotopinturas (2014)\, Pentimentos (2013)\, Sinestesias (2012) en La Galería y Obra en Papel (2011) en Yvonne Sanguineti Galería de Arte. \nLa muestra se podrá visitar del miércoles 19 de julio al sábado 12 de agosto de 11 a.m. a 8 p.m. de lunes a sábado\, en Av. Grau 810\, Barranco. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/acuarelas-y-fotografias-intervenidas/
LOCATION:Galería Yvonne Sanguineti\, Av. Grau 810\, Barranco.\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva
DESCRIPTION:Hace poco más de dos décadas\, el Museo Nacional de Bellas Artes dedicó a Luis Felipe Noé una gran exposición. En 2009\, el Museo presentó en sus salas las dos enormes pinturas del artista que constituyeron el envío argentino a la Bienal de Venecia: La estática velocidad y Nos estamos entendiendo.Hoy\, dando cuenta del carácter programático de su obra\, siempre de cara al futuro\, tenemos el orgullo de acoger su muestra Mirada prospectiva\, en la que pueden vislumbrarse las opciones transformadoras por las que abogó durante más de medio siglo. Invertimos así la lógica con que se piensa habitualmente el itinerario de un artista –hacia atrás en el tiempo–. Su riquísima y vasta trayectoria suma ahora esta nueva exposición que demuestra la vigencia de su obra. \nAndrés Duprat Director del Museo Nacional de Bellas Artes \nInauguración: 11 de julio a las 19 h en el Pabellón de exposiciones temporarias. \nHorarios: de martes a viernes de 11 a 20\, sábados y domingos de 10 a 20.Visitas guiadas: a partir del 4 de agosto: viernes\, sábados y domingos\, a las 16.Se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2017. \nEntrada libre y gratuita. \nMuseo Nacional de Bellas Artes – Avenida Del Libertador 1473\, Capital Federal.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Avenida Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Encuentro íntimo con Nicolás Menza.
DESCRIPTION:El artista presentó el pasado 8 de julio su muestra en Témperley\, que estará acompañada de charlas\, debates y la presentación de cortos documentales inéditos sobre grandes maestros de nuestra historia artística. \nNicolás Menza es uno de los artistas plásticos con mayor compromiso y talento de nuestra contemporaneidad: pintor\, dibujante\, docente y hasta en ocasiones escritor. Dispuesto a embeberse de lo desconocido y del riesgo en su propia búsqueda expresiva\, ha sabido hacer su camino en el mundo artístico manteniendo sus principios y luchando por ellos como algo sagrado. Con más de 30 años de experiencia en esta actividad\, profundiza en los conceptos que sus maestros le legaron y que él transmite a sus discípulos. \nEl sábado 8 de Julio inauguró en el espacio cultural deSignum\, (Témperley) una muestra con amplia variedad de técnicas y densidad climática que desde hace años caracteriza su obra. Como ya es costumbre en sus presentaciones\, suele involucrarse desde el primer día hasta el último\, ofreciendo charlas\, presentando videos y debatiendo con los espectadores sobre diferentes ideas relacionadas con la materia en cuestión. \nEl recorrido está dividido en dos grandes sectores. El primero con trabajos gráficos\, en su mayoría litografías intervenidas con pastel a la tiza y tintas. Trabajos de una resolución más inmediata donde se ve la contención del artista por usar colores\, donde el negro y la línea son lo principal. En esa misma sala también hay trabajos digitales y objetos donde se ve una predisposición hacia la experimentación con diferentes materiales y lenguajes. Una valija abierta con máscaras\, lápices usados\, pinceles viejos y pomos de óleo desechos\, son algunas de las pertenencias que el artista deja ver al espectador\, como si quisiera mostrar cuáles son sus herramientas para afrontar la realidad. \nPor último en esta misma sala nos enfrentamos al color\, trabajos con pastel sobre papel. Mujeres representadas en un formato en el que el espacio no es suficiente. El tratamiento que Menza le da al color nos abre las puertas hacia lo que será la segunda parte de la muestra\, donde éste predomina y los formatos son mayores. Pocos artistas conozco que se arriesguen de ésta manera a volcar un verde\, un naranja\, un celeste en un mismo lienzo logrando que funcione\, que se cree un clima armónico sin que al espectador le moleste semejante falta de consideración por los ojos frágiles. Y es que -en palabras del artista- al momento de crear el espectador no existe. Es el último eslabón de la cadena. Y esto no es una manifestación de vanidad\, sino una fuerte evidencia del compromiso que se tiene con la actividad. La función social del artista plástico es mostrar diferentes formas de contar una realidad sin ningún tipo de traba que entorpezca el trabajo. \nEn la segunda parte de la muestra se ven obras de grandes formatos\, una mesa de trabajo\, una mujer acostada bajo una ventana\, otra desvistiéndose\, y tótems (formas escultóricas que no suelen faltar en las exhibiciones del artista). El nivel de dibujo se funde con el color en las técnicas mixtas\, logrando un equilibrio justo entre saturación tonal y línea. Mujeres en situaciones de vulnerabilidad y arquitecturas totémicas observando: hay todo un mundo desarrollado del que poco conocemos\, pero ese no parece ser el objetivo del artista\, sino la misma curiosidad. No sabemos qué es lo que está representando cada uno de los íconos que utiliza ni lo que hay detrás de esas enormes construcciones. Se hace difícil hablar de lo que se está pintando. Sólo se puede divagar y debatir. \nPero sí se puede llegar a ciertos conceptos básicos\, o como el mismo Menza las llama\, “obsesiones”. La construcción espacial como recurso para generar climas es uno de ellos. En la mayor parte de su obra vamos a encontrar esta idea desarrollada al máximo como concepto compositivo\, siendo más protagonista que cualquier tema que se le presente. El artista podría hacer trabajos completamente abstractos (y de hecho los hizo) y el concepto se mantendría  intacto. Un buen ejemplo es el caso de sus árboles retratados en climas densos y oscuros. Sus ramas se pierden con una mancha suelta y completamente abstracta que hizo al comenzar la composición\, la única forma de identificarlas es en contraste con el cielo\, con el espacio. Si nos olvidamos por un segundo que se trata de un árbol vamos a apreciar mucho más su obra\, porque nos despojamos de cualquier idea preconcebida y vemos la pureza de su imagen. \nMenza sintetiza gran parte de la historia del arte en sus obras\, desde el arte precolombino hasta los últimos vanguardistas del siglo XX. Entre ellos incluye también a sus maestros nacionales\, de los cuales tomó no solo su filosofía de trabajo\, sino su forma de leer la Argentina. Desde un punto de vista crítico analiza la naturaleza humana y la retrata con personajes agresivos e invasivos\, incluso caníbales como ocurre en su serie “El Banquete”. En las litografías que se presentan en Temperley podemos apreciar parte de este trabajo con temáticas sociales. \nÉsta exposición no sólo muestra la obra de un gran artista\, sino la preocupación por ocupar los espacios que mantienen un pensamiento similar en relación al arte a pesar de la lejanía de los grandes centros de difusión. El pensamiento de Menza y Damián Calvis (el dueño de la galería)\, es tan cercano que el artista tomó la decisión de presentar allí\,  por primera vez\, una serie de documentales que le hizo a grandes artistas argentinos en el marco de un proyecto más amplio llamado “Los ojos del faro”. El día 29 de Julio\, a las 18 hs se van a presentar estos 3 teaser sobre Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco. La función contará con la presencia de los artistas\, quienes estarán a disposición para una ronda de preguntas en el café que la misma galería dispone. \nUna de las frases que me quedaron presentes en la apertura de la muestra fue: “No podemos seguir quejándonos de los que nos sacan los espacios artísticos\, si después no estamos dispuestos a ocuparlos.” \nJUEVES 13 DE JULIO 18 HS: Encuentro íntimo con Nicolás Menza.\nVisita guiada\, proyección video\, charla con el artista.\nLa pintura como lenguaje contemporáneo \nSÁBADO 15 DE JULIO 18 HS: Documental/ Charla. Encuentro con el artista\, proyección de video documental. Charla debate sobre el proceso creativo. \nSÁBADO 29 DE JULIO 18 HS: Nicolás Menza presenta “Los ojos del faro”. Proyección de videos documentales y charla con los artistas Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco.
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LOCATION:Galería Dsignum\, Gral. José Tomás Guido 650\, Temperley\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Marcos Tiglio "La razón sensible"
DESCRIPTION:Pocos artistas argentinos gozan de un reconocimiento tan extendido como Marcos Tiglio. Paradójicamente\, son muy escasas las publicaciones y muestras que se le dedican. El MBQM tiene el orgullo de presentar esta exposición antológica\, que reúne 45 obras del trascendente autor boquense\, provenientes de 13 colecciones privadas del país. \nDel 10 de junio al 30 julio de 2017\, se podrá visitar en el Museo Benito Quinquela Martín\, salón Eduardo Sívori 2° piso\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, La Boca\, Buenos Aires. \nFotografía de izquierda a derecha: Stella Maris Tiglio\, Víctor Fernández\, Yamila Valeiras (curaduría)\, Sabrina Díaz Potensa (producción)\, Jorge Rivara.
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SUMMARY:José Tola. Obra reciente
DESCRIPTION:“Mis obras son seres benignos que han venido de mis adentros\, de mis recuerdos\, de las gentes que he conocido”. \nJosé Tola \nCon algo más de 50 años de carrera artística\, José Tola es uno de los artistas más representativos de la plástica peruana. La exhuberancia de su obra lo ha caracterizado. Esta vez\, el artista presenta su producción artística más reciente\, la misma que de manera más cercana a lo figurativo evoca elementos de la naturaleza. Para el artista\, cada tiempo de su vida personal tiene sus ventajas y desventajas y de ellas se sirve para la creación del universo que conforman sus pinturas. Los personajes\, los símbolos\, el color\, la textura y la interacción orgánica y encendida que se genera entre estos\, son una interpretación de su realidad interna y externa. De esta manera Tola carga de emotividad sus composiciones\, factor que lo hace tan reconocible e inconfundible. \nLa muestra puede ser apreciada en: \nGalería de arte Lucía de la Puente. \nLugar: Paseo Sáenz Peña 206 A\, Barranco. \nHorario: de lunes a viernes de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.; y sábados de 3:00 p.m. a 7:00 p.m. \nHasta el 3 de agosto. \nIngreso libre. \n+ INFO
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LOCATION:Lucía de la Puente\, Paseo Sáenz Peña 206\, Barranco\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:José Malanca. Paisajes
DESCRIPTION:Es considerado el más importante paisajista cordobés. Trabajaba en Río Ceballos en su paraíso que se llamaba La Estancita. En sus obras nos muestra las sierras de Córdoba y también el producto de su vida nómade con obras realizadas en México\, Perú\, Bolivia y también en el interior de nuestro país\, llegando hasta Bariloche.
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LOCATION:Colección Alvear de Zurbarán\, Av. Alvear 1658\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ficción Barroca
DESCRIPTION:Para esta muestra se han elegido aquellas obras que reflejan ecos de un inmenso movimiento que parece tan lejano pero que todavía sigue motivando a los artistas de hoy. Por otra parte\, acentuamos esta situación con obras que pertenecen específicamente al Barroco Americano y una obra del europeo\, para encontrar tanto las lejanías como las cercanías con nuestros contemporáneos y reflejar esa variabilidad en nuestra propia puesta en escena y convocar a nuestros espectadores a intentar que se acerquen a reflexionar con esa complejidad imaginaria. \n• Hernán Cagliano• Max Gómez Canle• Roberto Cortés• Nicola Costantino• Teresa Durmüller• Marcelo Gurruchaga• Dora Isdatne• Mariana Landin• Juan Miceli• Sandro Pujía• Juan Andrés Videla \n 
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo del Sur\, Av. 25 de Mayo 131 - Lanús\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:GEOMÉTRICA-MENTE
DESCRIPTION:Desde el 2 de junio y hasta el 29 del mes próximo puede verse\, en la planta alta del Espacio Cultural Universitario (San Martín 750) Geométrica‑mente\, magnífica exposición individual que con curaduría y textos del pintor y montajista Rodolfo Perassi reúne obra gráfica\, pintura y objetos escultóricos de María Suardi. El recorrido enfatiza las continuidades entre las tres disciplinas. Excepto por la inclusión de un par de piezas de entre las 70 de su retrospectiva de 2012 en el Museo Castagnino\, o de envíos a Austria\, a España y Buenos Aires\, o de grabados que integraron una muestra en el CEC\, son obras inéditas. \nUna sólida trayectoria de 45 años en pintura y serigrafía\, con reconocimiento nacional e internacional\, ha forjado en María Suardi un oficio que se traduce en la excelencia de su calidad gráfica y plástica\, sin saltos bruscos ni reiteraciones vanas: su obra\, autónoma\, fluye según su propia evolución. Sus composiciones\, como las musicales\, resuelven creativa e intuitivamente problemas racionales. \nEl recorrido se abre con una pintura de 2011 y con seis obras recientes (cuatro pinturas y dos serigrafías derivadas de ellas): la serie Homenaje a Manuel Espinosa. Suardi conoció en Buenos Aires\, ya viejo y ciego\, a este artista geométrico que vivió 95 años y que fue uno de los fundadores de la Asociación Arte Concreto‑Invención. Las pinturas incluyen la experimentación con materiales. El montaje permite apreciar toda la serie de un solo vistazo como un hermoso contrapunto de azules y naranjas. Luego predomina la obra gráfica\, empezando por estampas multicolores que inician búsquedas formales nuevas (como los Entrelazamientos) o retoman las de otros períodos. \nEn Renacimiento Urbinate (2016)\, Suardi combina el gofrado con un plano central cuyos pasajes en tinta color abarcan todo el espectro cromático\, reelaborando lo creado en Urbino\, donde hizo una residencia de artista en 1979. En su retrospectiva del Centro Cultural Parque de España en 1998 se vio una obra realizada allí: Ricerca Urbino (1979). María trajo y sigue consultando un manual de morfología editado por entonces en Bolonia por Bruno Munari\, su libro de cabecera en Italia. Ya se le terminaron\, dice\, los papeles nepaleses que compró en Londres para estampar sus grabados. Cada viaje parece centrado\, con la misma precisión de sus bordes netos entre planos de tinta\, en la búsqueda de materiales nobles\, soportes sensibles e imágenes nuevas para su obra. \nEn las fotos de una maqueta de obras arquitectónicas de Chicago que ella vio allí en el Instituto de Tecnología de Illinois (proyecto de Mies van der Rohe que puede apreciarse en una vista aérea de la película Source Code) se basó Suardi para una serie tridimensional titulada\, justamente\, Chicago. Son construcciones escultóricas que pueden rodearse\, recorrerse en 360 grados\, y que evocan diversos períodos en la arquitectura de esa ciudad\, desde sus ornamentos escalonados estilo art déco a sus elegantes rascacielos posmodernos. \nNacida en 1937\, activa en nuevos proyectos\, María Suardi estudió arte con Pedro Giacaglia\, Estanislao Mijalichen\, Eduardo Serón\, Miguel Ángel Vidal\, Ary Brizzi y en la Escuela Ernesto De la Cárcova y en la Slade School de Londres. En una vidriera de Bond Street descubrió la serigrafía\, técnica de la cual ella y Pedro Sinópoli son los únicos cultores artísticos en Rosario. El lenguaje artístico de María Suardi\, más que definirse como abstracto\, puede ubicarse en el arte concreto: no representa lo ausente sino que presenta formas sensibles e ideas formales\, en una obra continua que genera siempre nuevas posibilidades. \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Cultural Universitario\, San Martín 750\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:"Movimiento contínuo" Antológica
DESCRIPTION:Inauguración: Miércoles 31 de mayo\, 19hs \nSala 31 y 32 \nCon curaduría de Pelusa Borthwick y producción ejecutiva del Arq. Marcial Sarrías se exhiben obras de gran jerarquía plástica de la reconocida artista con reconocida trayectoria en el mundo del grabado
URL:https://fadla.org/calendario/movimiento-continuo-antologica/
LOCATION:CCR | Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Mujeres” del artista Raúl Lara
DESCRIPTION:Fruto de una selección de obras dedicadas a la imagen femenina; la muestra denominada “Mujeres” del artista Raúl Lara será inaugurada mañana viernes 26 de mayo de 2017 a partir de las 19.00 horas\, en las salas temporales de Museo Nacional de Arte (calle Comercio y Socabaya). \nCompuesta aproximadamente por una treintena de obras la muestra da una lectura visual a las diferentes épocas y técnicas del maestro Lara\, visibilizando inicialmente su homenaje a la mujer a través de un retrato a su esposa Lidia Caigura de Lara\, el año de 1976. En su primera etapa entre los años 60 a 70 se reconoce su interés por el grabado y técnica mixta\, destacando su sensibilidad por la realidad boliviana y las necesidades de la mujer boliviana en sus propios entornos culturales\, como el caso de Nocturno y Madre obrera. \nLa mujer en el cotidiano desde su entorno familiar\, sus relaciones sociales y de su propia imaginación han permitido la composición de seres imaginarios como El Pitaco y el Ángel Azul. Su relacionamiento cálido y permanente entre amigos le ha dado paso a la creación de contrastes pictóricos y expresiones femeninas diferentes como el caso de la obra Rebeca y su tío o la Visitación de doña Carmiña. \nLas Amigas y las Niñas y Pájaros se constituyen en el dominio en la técnica de lápiz y el manejo de las tintas y aguadas sobre papel\, generando movimiento y un realismo singular. \nEsta significativa exposición que muestra por primera vez estas obras de Raúl Lara nos invita a reflexionar sobre el aporte de la mujer en Bolivia\, y su labor cotidiana desde su esencia en diferentes entornos económico-sociales. \nARTISTA \nRaúl Lara Torrez (1940 – 2011)\, artista orureño de larga trayectoria\, aportó a la plástica boliviana en la segunda mitad del siglo XX hasta el final de su trayectoria de vida el año de 2011. \nNacido en el Centro Minero de San José – Oruro\, empezó a pintar a muy temprana edad en los centros mineros\, en un ambiente que se encontraba en la vanguardia revolucionaria de Bolivia y que constituía la médula de la problemática social\, económica y política del país. Esos primeros años vividos en zonas donde la clase obrera era sometida a duros trabajos\, marcaron las primeras aproximaciones del autor a la representación de la mujer. \nRaúl Lara y sus hermanos quedaron huérfanos de padre y madre cuando Raúl apenas había cumplido los 11 años; fue su hermano Gustavo\, nueve años mayor\, quien se hizo cargo y tomó la decisión de trasladar la familia a la Argentina. A los 18 años\, su producción artística\, ejecutada con claves de alto contraste y gran fuerza expresiva\, refleja el anhelo de libertad de las mujeres madres trabajadoras del pueblo de América Latina.
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LOCATION:Museo Nacional de Arte\, Calle Comercio y Socabaya\, La Paz\, Bolivia
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SUMMARY:Jacques Bedel: Ad Infinitum
DESCRIPTION:«Ad infinitum»\, una exposición que recorre el trabajo de los últimos 50 años de Jacques Bedel\, uno de los artistas más destacados de la actualidad\, será inaugurada el 5 de mayo en la galería Maman Fine Art. \nCurada por Rodrigo Alonso\, la exhibición reúne una selección de obras históricas que dan cuenta de sus diferentes momentos y filiaciones estéticas hasta obras de reciente producción. \nJacques Bedel\nNació en Buenos Aires\, Argentina\, en 1947. En 1965 estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires; Al mismo tiempo comenzó su trabajo autodidacta con plástico\, sin asistir a las escuelas o talleres. En 1968 ganó la medalla de bronce del Premio Braque y obtuvo una beca para estudiar en Francia. En 1974 recibió una beca del British Council para estudiar escultura en Londres y en 1980 obtuvo la Beca Fulbright para realizar investigaciones en el Centro Nacional de Astronomía e Ionosfera de la Universidad de Cornell en Nueva York y la NASA en Washington DC \nEn 1972 se incorporó al Grupo CAYC\, fundado por Jorge Glusberg\, junto con Luis Fernando Benedit\, Víctor Grippo\, Leopoldo Maler\, Vicente Marotta\, Luis Pazos\, Alfredo Portillos y Clorindo Testa\, entre otros. \nFue invitado a participar en 14 bienales internacionales de arte\, incluyendo la Bienal de Venecia en 1986 y 1999\, y participó en más de 450 exposiciones en Argentina y en el extranjero. Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Ficciones ( Ficciones ) en el Centro Cultural Recoleta\, en Buenos Aires\, 2005\, y Aproximaciones (Aproximaciones) en el Museo Nacional de Bellas Artes\, 2008-2009. \nRecibió 45 premios nacionales e internacionales\, entre ellos la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de las Naciones Unidas en 1975\, el Gran Premio de la Bienal de São Paulo en 1977 junto con el Grupo CAYC y el Gran Premio de Honor en la I Bienal Internacional De Montevideo en 1980. \nSus obras forman parte de colecciones privadas y museos tanto en Argentina como en el extranjero. Jacques Bedel vive y trabaja en Buenos Aires\, Argentina. \n  \nJacques Bedel\nAd Infinitum\nDesde el 10 de Mayo al 30 de Julio de 2017 \nMaman Fine Art\nAv. del Libertador 2475\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n+ INFO
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LOCATION:MAMAN GALLERY ART\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"La mirada de Grete Stern sobre el Gran Chaco".
DESCRIPTION:El jueves 27 de abril a las 18.30 h el Museo de Arte Popular José Hernández\, dependiente de la Dirección General Patrimonio\, Museos y Casco Histórico\, inaugura la exposición de imágenes de aborígenes del Gran Chaco que tomó la reconocida fotógrafa Grete Stern durante los viajes que realizó en 1959/60 y 1964. \nSon más de cien tomas en blanco y negro que fueron realizadas en su viaje fotográfico por las provincias del Chaco\, Formosa y Salta\, las que pueden descubrirse en el museo. Este ensayo fotográfico sobre los pueblos aborígenes de nuestro territorio es un compendio que refleja técnica\, cultura y una mirada antropológica que lo convierte en único y original en su género. \nEn el marco de la muestra se realizará el sábado 29 de abril 16.00 a 18.30 h el taller Animando a Grete Stern\, coordinado por Sofía Quirós\, donde se incursionará en otra faceta de la artista\, el fotomontaje\, aplicados a su producción etnográfica. \nEn Av. del Libertador 2373. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/la-mirada-de-grete-stern-sobre-el-gran-chaco/
LOCATION:Museo José Hernández\, DEL LIBERTADOR AV. 2373\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ciudad Oculta - Nahuel Alfonso
DESCRIPTION:Nahuel Alfonso vivió parte de su infancia en Ciudad Oculta\, donde conoció la fotografía como medio de expresión. En 2010\, cuando los noticieros reproducían una mirada sesgada y estigmatizante de las familias que ocupaban el Parque Indoamericano\, decidió volver con su cámara para dar inicio a un ensayo fotográfico que busca acercar y retratar\, desde otra perspectiva\, la identidad y la dignidad de la villa y sus habitantes. \nLas imágenes de esos años conforman la primera muestra que presenta Nahuel Alfonso en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti. En Ciudad Oculta\, Alfonso retrata a su abuela\, a su padre en distintas etapas\, a sus primos y amigos\, pero también aporta una mirada profunda y poética del entorno: los pasillos\, los interiores de las casas\, el cielo\, la noche\, los techos. Nahuel muestra la realidad desde adentro\, una realidad distinta a la que cuentan los medios de comunicación. \n\n\n\n\nLa muestra puede visitarse hasta el próximo 21 de agosto en la Fotogalería del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, con entrada libre y gratuita.  \nInauguración: Sábado 22 de Abril de 2017 a las 17 hs\nCC de la Memoria Haroldo Conti\nAv. Del Libertador 8151 CABA\n@CCMHCONTI
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LOCATION:Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, Av. del Libertador 8151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“ARTE ARGENTINO HOY”
DESCRIPTION:El Centro Cultural de Sierra de la Ventana exhibirá en su sala la muestra “ARTE ARGENTINO HOY”\, cuadros y fotos del artista plástico Pedro Roth. \nEl artista estará presentando su obra el sábado 8 a las 18.00 hs\, invitamos a la comunidad a participar del evento. \nLa muestra estará abierta al público del 8 de abril al 2 de mayo\, de martes a domingo de 17.00 a 20.00 hs. \nPara mayor información del artista y su obra: http://www.pedroroth.com.ar/ \n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultural Tornquist\, Sarmiento 53\, Sierra de la Ventana\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Liliana Porter. Diálogos y desobediencias
DESCRIPTION:Artium\, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo\, presenta Liliana Porter. Diálogos y desobediencias\, la primera retrospectiva europea de la artista argentina\, una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. La comisaria Estrella de Diego ha diseñado una exposición que\, con cerca de un centenar de obras procedentes de colecciones privadas y públicas\, muestra el universo creativo que Liliana Porter\, “con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo”\, ha construido desde finales de los 60 hasta la actualidad. Liliana Porter. Diálogos y desobediencias es una producción de Artium (Vitoria-Gasteiz) y el CGAC (Santiago de Compostela)\, con el patrocinio de El Correo\, Euskaltel\, EDP Energia y Fundación Vital. \n+ INFO
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LOCATION:ARTIUM CENTRO-MUSEO VASCO DE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Calle Francia 24\, Vitoria-Gasteiz\, Araba
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SUMMARY:Lado B | Horacio Butler
DESCRIPTION:Desde el 07 abril 2017 hasta el 30 mayo 2017 \nLado B es un espacio de indagación sobre las obras de la colección del Museo Franklin Rawson que no se encuentran exhibidas en sala. Se busca descubrir y redescubrir aspectos peculiares de las mismas que\, en proceso de investigación\, van acrecentando su biografía. Nos interesa poner en valor las piezas y sus características históricas\, teóricas y estéticas. \nPintura\, escultura\, objetos y arte gráfico son algunos de los géneros que se exhibirán\, mes a mes\, acompañados de un completo análisis y rigor investigativo para compartir con los visitantes\, estudiantes\, investigadores y curiosos de las bellas artes y las artes visuales. \nLado B es el otro lado de la colección y una manera distinta de dialogar con el arte\, la historia y el museo.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:«Diálogos y desobediencias»
DESCRIPTION:Primera retrospectiva en España de una de las artistas americanas de mayor reconocimiento internacional\n\nLa artista argentina Liliana Porter es una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. Jugando con las subversiones espaciales\, los diálogos inesperados y los trastocamientos de las proporciones\, desde los años 70 del XX ha ido creando un universo propio y unas sólidas y fascinantes propuestas de revisión de lo establecido. \nSu amplísimo espectro creativo —pintura\, instalaciones\, estampas\, video\, dibujos\, esculturas\, teatro…— describe un mundo particular y asombroso\, que en cada momento hace gala de un finísimo sentido del humor\, una ironía inteligente y una sutileza muy personal. De hecho\, la artista plantea propuestas estimulantes para un mundo y sobre un mundo que necesita ser narrado de nuevo. Por eso Porter lo quiebra\, lo desordena\, lo asalta incluso\, haciendo a cada paso gala de una extraordinaria agudeza. \n  \n\nEn su obra se hace patente la necesidad de que volver a nombrar cada acontecimiento y trazar nuevamente las fronteras solo para trastocarlas. Hay que perseguir el espacio\, correr tras él y habitar al filo de un relato donde todo se trastorna bajo la apariencia de infinita cotidianidad. Es el mundo dibujado con un orden interno que se escapa y exaspera; poderes del lenguaje capaces de evocar un lugar que se construye en torno a ese desdoblamiento poderoso e irreductible\, capaz de evocar nuevas formas de acercarse al espacio y al tiempo que se quiebran y se rasgan. \nPese a todo\, en Porter\, las asociaciones son siempre buscadas\, por eso nunca estamos a salvo en sus obras\, en sus territorios rescritos: siempre estamos expuestos. En sus brillantes juegos narrativos\, en ese mundo de aparentes menudencias\, subyace sin tregua una línea subversiva que quiebra la mirada y la calma\, que anuncia a cada paso cierta posibilidad luminosa de desobediencia en los espectadores también. \nEs un asalto incesante a la zona de confort tras la cual con frecuencia se camufla Porter cuando alerta al visitante alerta sobre lo escurridizo de la línea —y\, por tanto\, del rigor de la geometría como ciencia. Lo da a entender Kandisnky también en su libro clásico: la línea nunca se queda quieta y acaba por transformarse en punto. Ese punto es en Porter una fascinante contusión al orden que lejos de nacer del azar forma parte de un plan preciso\, minucioso… \nDe igual modo\, los protagonistas de sus relatos —figurillas que adquieren vida propia y andan siempre en busca de una casa dislocada\, la casa del otro lado\, trampa y disfraz— plantean a los espectadores un pregunta reiterada que los devuelve a un espejo que no refleja\, sino que distorsiona en una operación cercana a lo «siniestro» freudiano. Fotografías\, cuadros\, estampas\, vídeos o instalaciones son una especie de territorio de resistencia para el mundo al revés; un mundo en el cual todo —en especial uno mismo— es justo lo contrario de lo que debería haber sido. Lo que parecía una historia inocua acaba por develar su estrategia última: tambalear la mirada. \nEsa es la formulación narrativa que Porter\, buena relatora\, despliega en sus escenas ambiguas de objetos y situaciones inesperadas: aquello no debería haber estado allí. Las obras nos miran desde los personajes y nos hacen añicos: la línea se sale de marco —escultura o desbordamiento de la superficie fotográfica— y nos obliga a pensar\, por un momento\, cómo las fronteras entre dentro y fuera\, realidad y ficción\, lo familiar y lo extraño no eran tan inamovibles como hubiéramos podido pensar en esa reunión de los seres inanimados\, humanos o animales\, que conforman el rico universo de Porter. Hacia ellos muestra un infinito respeto que hace a sus personajes tan humanos; compasión; sobre todo\, reconocimiento de las diferencias frente a lo construido en serie. Ya se decía que nada en Porter es casual. \nPartiendo de algunos de estos presupuestos\, la presente muestra\, que reunirá cerca de un centenar de piezas de entre 1969 y 2016\, de colecciones tanto públicas como privadas —–vídeos\, instalaciones\, fotografías\, dibujos\, pinturas….—\, se plantea como una retrospectiva de Liliana Porter que permita ofrecer un panorama del desarrollo de la artista\, quien con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo\, es capaz de construir un universo paralelo donde las líneas se quiebran\, los diálogos se desbordan\, las proporciones se desbaratan y las cosas nunca son lo que parecen. \nDicha muestra consta de tres secciones que\, de alguna manera\, resumen algunas de las cuestiones esenciales en la obra de la artista: Rasgones y tareas —que comienza con las primeras instalaciones de papeles arrugados y sigue con sus Trabajos forzados o las roturas y reparaciones—; El recorrido y la línea —que recoge su fascinación por las líneas como territorio de los desplazamientos y formas de desbordar espacios y realidades—; y Conversiones y dobles\, donde los personajes dialogan y se duplican\, se contestan y se clausuran.
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LOCATION:Museo Artium de Vitoria\, Francia Kalea\, 24\, Gasteiz\, Araba\, España
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SUMMARY:TOMÁS SARACENO: CÓMO ATRAPAR EL UNIVERSO EN UNA TELARAÑA
DESCRIPTION:Esta exposición consiste en dos grandes instalaciones que combinan el interés de Tomás Saraceno (n. San Miguel de Tucumán\, 1973) por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales y nos invitan a un “concierto cósmico”. \nEn la instalación The Cosmic Dust Spider Web Orchestra [Orquesta aracnocósmica]\, ubicada en el segundo subsuelo\, una araña suspendida en medio de la sala teje sus telas. Las vibraciones que producen sus movimientos en la tela son amplificadas generando ondas de sonido que invaden el espacio\, mientras partículas de polvo cósmico flotan a su alrededor. En sintonía con la cadencia de las ondas sonoras producidas por la araña\, un algoritmo traduce los movimientos del polvo cósmico a sonidos\, que se reproducen en decenas de parlantes y vuelven audible los vaivenes del polvo en el espacio. Al mismo tiempo\, las partículas son captadas por un sistema de video que las proyecta amplificadas en una gran pantalla\, creando la ilusión de inmensas partículas que\, en realidad\, son casi imperceptibles. \nEn la sala del segundo piso se presenta la instalación Instrumento Musical Cuasi-Social IC 342 construido por 7000 arañas Parawixia bistriata\, que fue construida entre octubre de 2016 y enero de 2017 por 18 colonias de arañas de la especie Parawixia bistriata que tejieron de noche la telaraña de mayor tamaño con la que hayamos convivido en nuestros hogares. Esta estructura comunitaria\, que se remonta a 140 millones de años de presencia arácnida en la tierra\, es una fracción microscópica y\, a la vez\, un fiel reflejo de la red infinitamente compleja de individuos\, especies y elementos que compone el universo. \nBio\nTras recibirse como arquitecto en la UBA\, Saraceno realizó posgrados en Arte y Arquitectura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y en la Städelschule\, Frankfurt am Main\, Alemania. En 2009 asistió al International Space Studies Program de la NASA. Realizó numerosas exposiciones individuales en importantes instituciones internacionales\, entre ellas: Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce\, Génova (2014); K21\, Düsseldorf (2013-2015); Metropolitan Museum of Art\, Nueva York (2012); Maison Hermès\, Tokio (2012); Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart\, Berlin (2011MACRO\, Museo d’Arte Contemporanea\, Roma (2011); Walker Art Center\, Minneapolis\, EE.UU. (2009). En 2013 participó de la exposición central de la 53⁰ Bienal de Venecia\, curada por Daniel Birnbaum.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno\, Av. San Juan 350\, CABA\, San Telmo\, Argentina
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SUMMARY:Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:Una selección de artistas argentinos participan en la Gran Muestra Internacional de arte contemporáneo que la Galería Eclettica World inaugura en Italia. Claudia Fernández Farjat estará exhibiendo sus obras en Roma y en Venecia durante el mes de abril.
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LOCATION:Galería Eclettica World\, Campo di San Moise\, Sestriere di San Marco\, Venecia\, Venecia\, Italy
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SUMMARY:Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida: El expresionismo abstracto y cómo suena
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores. \nDatos biográficos \nNace en 1942 en el barrio Cuba Libre de Comerío\, pueblo de la región centro oriental de Puerto Rico\, donde vive hasta los cuatro años de edad. En 1946 su familia se muda a la ciudad de Nueva York\, ciudad en que permanecerá por espacio de doce años. \nTras emprender el regreso a Puerto Rico\, la familia se establece en Santurce. Rivera Rosa\, que entonces tenía dieciséis años\, trabaja a la vez que hace sus estudios secundarios en la Escuela Superior Central. Ya para esa fecha\, la inclinación y aptitud para el arte\, que ha demostrado desde niño\, toma un giro determinante para empezar a definirse como su vocación de vida. \nSu interés en el arte lo lleva a los Talleres de la División de la Educación de la Comunidad\, a los Talleres de Arte del Instituto de Cultura (ICP) y a la Galería Campeche\, ubicados en el Viejo San Juan\, espacios en los que entrará en contacto con un ambiente de rico intercambio artístico y cultural. Es entonces cuando conoce a los maestros que serán figuras clave para su formación en el arte. De 1959 a 1961 estudia serigrafía y xilografía con Lorenzo Homar en el Taller de Gráfica del ICP; mientras que de 1959 a 1964 estudia pintura con Domingo García en la Campeche. En esos mismos años\, realizó estudios de dibujo arquitectónico en el Instituto Comercial de Puerto Rico\, en el que termina su Grado Asociado en 1962. \nYa decidido su rumbo hacia el arte\, siguió desarrollando su obra como pintor y grabador\, y su trabajo empieza a ser incluido en algunos de los portafolios de grabados más representativos de la gráfica del país\, así como en exposiciones colectivas. \nEn 1970 funda\, junto a Nelson Sambolín y René Pietri\, el recordado Taller Bija\, en el Viejo San Juan. Más tarde\, trabaja igualmente como artista gráfico en el Centro de Investigaciones Sociales de la Universidad de Puerto Rico (UPR)\, Recinto de Río Piedras\, en el que tuvo a su cargo el diseño de la Revista de Ciencias Sociales y de otras publicaciones del mismo. Para esos años diseña también innumerables libros de la Editorial de la UPR\, afiches y carátulas de discos\, colaborando también con el semanario Claridad para el que crea el logotipo original del suplemento cultural En Rojo. \nContando ya con una larga trayectoria como artista\, decide continuar sus estudios superiores en la UPR\, a la que ya estaba vinculado por su trabajo\, y completa allí su Bachillerato en Bellas Artes en 1987. \nPoco después regresa a Nueva York\, esta vez a realizar estudios graduados en Pratt Institute en Brooklyn\, donde obtiene su grado de Maestría en Bellas Artes en 1989. \nSiempre dedicado a su trabajo de creación artística\, fue también profesor de arte en el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la UPR en Río Piedras y profesor de pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. \nHa presentado su obra en más de treinta exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico. \nHa participado\, asimismo\, en cientos de exposiciones a nivel internacional en lugares como Nuevo México\, New York\, Orlando\, Washington\, D.C.\, Boston\, Barcelona\, Sevilla\, Madrid\, San Diego\, Toledo\, Brasil\, México\, Venezuela\, Ecuador\, Japón y Cuba\, entre otros. \nA lo largo de su carrera\, ha sido merecedor de numerosos e importantes reconocimientos. Desde 1995\, Rivera Rosa es el Artista Residente de la Colección de Arte Puertorriqueño de la Cooperativa de Seguros Múltiples. Vive y tiene su taller en Río Piedras\, a la vez que mantiene estrechos vínculos con su Comerío natal\, donde colabora activamente en proyectos artísticos. Actualmente\, tras más de cincuenta años de fructífera carrera en los que ha explorado una impresionante diversidad de medios y estilos\, sigue pintando\, fiel a su amplia visión del quehacer artístico. \nPREMIOS Y DISTINCIONES \n\nExposición Individual del Año por la Asociación Puertorriqueña de Críticos de Arte (AICA)\, 2014\nTributo al Artista Rafael Rivera Rosa\, XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe\nMención de Honor en la inauguración del IV Salón de Dibujo de Santo Domingo en 1995\nPremio de Diseño de Cartel Conmemorativo en Certamen por invitación para el Pabellón Nacional de Puerto Rico en EXPO ’92\, Sevilla España\, 1991\nMedalla de Bronce en Dibujo (Pintura sobre Papel) en el Certamen 53 del Salón de Otoño\, Madrid\, España\, 1986\nTítulo honorario de “Popular de Nueva Alcarria” por su destacada participación en el Proyecto Murales de Escariche\, Nueva Alcarria\, Guadalajara\, España\, 1986\nHomenaje a Rafael Rivera Rosa en ocasión del XXX Aniversario de la Fundación Federación de Universitarios Pro Independencia\, 1986\nPrimer Premio Grabado del Certamen Arthur Andersen\, San Juan\, 1979\nMención de Honor en Pintura\, Revista Sin Nombre\, San Juan\, Puerto Rico\, 1976\n\n  \n 
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SUMMARY:Mirada Extendida
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores.
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LOCATION:Museo de las Americas\, C. Beneficencia\, San Juan\, Puerto Rico
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SUMMARY:YVES KLEIN\, EN PROA
DESCRIPTION:El sábado 18 de marzo se inaugurará la exhibición: Yves Klein (1928 / 1962)\, en conjunto con los Archivos Yves Klein\, la Embajada de Francia en la Argentina y Tenaris. Es la primera retrospectiva del artista francés en la Argentina y se enfoca en los trabajos más emblemáticos de este precursor del happening y creador del color el Azul Klein. “La muestra reúne sus primeras pinturas monocromáticas de 1955; sus célebres monocromos azul ultramarino saturado; las pintura de fuego y las Cosmogonías -de lluvia y viento-; las series de Esculturas Esponjas y las obras en oro –resultados del trabajo de varios años combinando práctica pictórica\, espiritualidad\, la fuerza de la naturaleza y la exploración de un camino hacia lo absoluto”\, explican en el sitio web de Proa. \nAv. Pedro de Mendoza 1929 (y Caminito)\, La Boca\, Buenos Aires. \nMartes a domingo\, 11 a 19; lunes cerrado.
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SUMMARY:Antonio Berni\, entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete.
DESCRIPTION:DESCRIPCIÓN DE LA EXPOSICIÓN\nAntonio Berni\, «narrador visual único»\, «dibujante compulsivo» y «atento cronista de lo cotidiano y lo social»\, fue capaz de aunar la tradición figurativa de la pintura con las vanguardias modernas\, convirtiéndose en una de las figuras destacadas del arte del siglo XX. La comisaria de la exposición\, Diana Wechsler\, explica que su figura «se identifica por su extensa trayectoria atravesada por sucesivos cambios\, ensayos\, experimentaciones y búsquedas permanentes a través de diferentes formas expresivas en las que la dimensión material de sus obras emerge como uno de sus aspectos identitarios». «Desde las obras de los años veinte\, en las que se explora los recursos de la pintura metafísica y el surrealismo\, asume a partir de los años treinta un compromiso político y social que lo acompañará toda su vida\, hasta las experimentaciones con los materiales de los años sesenta y setenta\, la pintura de Berni es un buen ejemplo de los debates de las vanguardias del siglo XX» señala la comisaria. La muestra que se abre el 20 de enero en el Museo Lázaro Galdiano se centra en dos ámbitos de su producción: xilografías – impresiones realizadas con planchas de madera grabadas – y xilocollages – incorporación de otros materiales a una xilografía – de la década de los sesenta y su archivo fotográfico. Tres son las cualidades claves de la obra de Berni\, quizás el artista argentino más importante del siglo XX: su capacidad de reinvención permanente\, su atenta y poderosa mirada sobre cuestiones sociales y políticas\, así como su apuesta estética y la variedad de su propuesta plástica. La indagación en la realidad le llevó a la reinvención de su práctica artística y con ella a situarse entre quienes fueron capaces de realizar una crítica poética de aquellas realidades. Desde finales de los años cincuenta los materiales de desecho industrial\, algunos objetos manufacturados y otros residuos de la sociedad de consumo integran el lenguaje de los trabajos de Berni. Pinturas y xilografías combinadas con un collage excesivo – en el sentido más potente del término – son los recursos técnicos que dan cuerpo a las dos grandes series plásticonarrativas que\, bajo los nombres de Juanito Laguna y Ramona Montiel\, Berni desarrolló a lo largo de las décadas de los años sesenta y setenta. Juanito Laguna está inspirado en los cientos de niños que el artista encontró en los barrios humildes de la periferia de Buenos Aires desde los años 30. El propio Berni se refería a este personaje de la siguiente manera: «Yo a Juanito Laguna lo veo y lo siento como el arquetipo que es; arquetipo de la realidad argentina y latinoamericana\, lo siento como expresión de todos los Juanitos Laguna que existen (…) En él están fundidos muchos chicos o adolescentes que yo he conocido\, que han sido mis amigos\, con los que he jugado en la calle…» Berni se apropia de los objetos encontrados y crea un nuevo universo de texturas y configuraciones formales que no solo invaden su pintura sino que también se integran en los grabados para dar vida a un nuevo episodio de la saga de Juanito. La inclusión de los desechos\, así como la construcción de una narrativa rica en evocaciones de carácter político-social\, colocan la producción de Berni de estos años en lo que el crítico de arte francés Pierre Restany definiera como Nuevo realismo. El propio Restany destacó la capacidad de Berni para el «reciclado poético de la realidad urbana e industrial». Esta muestra de gabinete se centra en la serie de Juanito Laguna y en la relación entre la exploración de campo llevada a cabo por el artista en Buenos Aires y en la manera en que estas indagaciones le condujeron a la reinvención del modo de construir imágenes. Se exhiben algunos resultados de esas exploraciones que le llevaron a obtener el Gran Premio en la Bienal de Venecia en 1962\, entre ellos siete xilocollages de gran formato de esta serie que acompañan a Los astros sobre Villa Cartón (1962) y a La casa del pintor\, reflejo de la variedad y singularidad plástica de la producción de este creador. También se muestran documentos del Archivo Berni\, desde fotografías firmadas por él de las que bebe iconográficamente\, catálogos de la época\, bocetos en tinta china\, hasta una acuarela inédita que recientemente se ha descubierto y que precedió a la obra Los astros sobre Villa Cartón. Además\, se presenta un documental producido exprofeso con material documental del Archivo Berni y del Archivo General de la Nación (Argentina) donde el artista desvela los secretos de la saga Juanito Laguna y se adentra en la versatilidad y personalidad de esta figura clave del arte latinoamericano. Antonio Berni: entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado\, una muestra de gabinete forma parte del programa institucional de la feria ARCOmadrid 2017 y podrá visitarse hasta el 12 de marzo en la sala de Arte Invitado del Museo. La muestra es fruto del acuerdo de colaboración firmado en 2016 entre el Museo Lázaro Galdiano y la UNTREF\, por el cual el Museo cedió temporalmente varias piezas de su colección de obra gráfica de Goya para la muestra «El sueño de un genio» celebrada en Buenos Aires entre mayo y octubre de 2016. Como contraprestación el Museo acoge esta exposición de Antonio Berni\, una de las figuras centrales en los debates estéticos de la escena artística latinoamericana contemporánea. \n\nDónde:\n\nMuseo Lázaro Galdiano / Serrano\, 122 / Madrid\, España \nVer MAPA \n\n\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 12 mar de 2017\n\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\n\nHorario:\nDe martes a sábado de 10 a 16.30h. Domingo hasta las 15h. Lunes cerrado\n\n\nPrecio:\nVisita incluida con la entrada al Museo (entrada general 6€)\n\n\nComisariada por:\nDiana Wechsler\n\n\nOrganizada por:\nMuseo Lázaro Galdiano\n\n\nArtistas participantes:\nAntonio Berni\n\nCuraduría: Diana Beatriz Wechsler (Buenos Aires\, 1961) es directora de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la UNTREF – Universidad Nacional de Tres de Febrero y curadora del MUNTREF – Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero\, de Buenos Aires. Esta doctora en Historia del Arte\, es también investigadora independiente del CONICET (Argentina). Entre sus últimos comisariados destacar el mega proyecto expositivo Boltanski BUENOS AIRES organizado por el MUNTREF\, en 2012. También cabe destacar su curaduría de la muestra Territorios de diálogo \, exhibida en 2006 en el Centro Cultural Recoleta. Wechsler Recibió la Getty Postdoctoral Fellowship y ha publicado numerosos artículos y libros sobre historia del arte argentino y sudamericano: Papeles en conflicto\, y Spilimbergo y el arte moderno en la Argentina\, entre otros.
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SUMMARY:Julio Larraz: Pintura y Escultura
DESCRIPTION:Julio Larraz\, extraordinario dibujante\, pintor y escultor\, es la quintaesencia del artista latinoamericano posterior a la Segunda Guerra Mundial. Desenmascarando la angustia de la humanidad\, plantea una nueva realidad y una identidad políticamente consciente para la existencia en el mundo moderno. Su contribución al arte occidental\, al igual que la de la generación del «boom» de escritores latinoamericanos\, es un nuevo tipo de retrato\, que coopta las convenciones del género y las transforma en alegorías sociológicas e históricas de varios niveles. Nacido el 12 de marzo de 1944 en La Habana\, Cuba\, Larraz se fue a Miami en 1961 y viajó a Nueva York\, donde estudió con ilustradores notables como David Levine. Su obra está incluida en colecciones de todo el mundo\, como el Museo de Monterrey en México\, el Banco Mundial en Washington\, D.C. y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Vive y trabaja en Miami\, FL. \nDónde:\nMuseum of Art – Deland / 600 N. Woodland Blvd. DeLand / Florida\, Estados Unidos\n\nCuándo:\n20 ene de 2017 – 02 abr de 2017\n\nInauguración:\n20 ene de 2017\n\nOrganizada por: \nMuseum of Art – Deland
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SUMMARY:Cosmos\, exposición de dibujos de Fernando Allievi.
DESCRIPTION:“En momentos en que la digitalidad termina de poner en crisis la idea de una memoria construida por la representación fotográfica de los hechos\, su gesto nos regresa a una legitimación de la duda. ¿Puede cada partícula de tinta de las imágenes gráficas estar impregnada de la historia? ¿Cuál\, sino la propia aldea\, puede ser el centro del Universo?\, parece preguntarse Allievi. El preámbulo de esta muestra\, hace que este texto concluya apelando a la polisemia de una única palabra posible: (Continuará)” \nGabriel Valansi\, Texto de la exhibición Cosmos en el Museo Caraffa\, Octubre de 2016 \nLa exposición podrá visitarse hasta el Jueves 9 de Marzo de 2017. La entrada general al museo es de 15 pesos\, los miércoles el ingreso es libre. \n  \n 
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LOCATION:Museo Caraffa\, Av. Poeta Lugones 411\, Córdoba\,\, Argentina
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