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SUMMARY:"Sueños de una pluma" de SiLvina Baz
DESCRIPTION:«El arte no se explica\, se siente»\nBaudelaire \nSilvina Baz conoce su oficio. Es de esas artistas que nunca paran de aprender\, que siempre están ávidas de conocer algo más: una nueva técnica\, un nuevo recurso\, una manera más de aproximarse a la imagen. Trabaja incansablemente\, tiene una actitud de búsqueda permanente y de experimentación constante. \nPor eso su obra se diversifica\, y lo que le despierta interés se puede encontrar en grabados\, pinturas\, dibujos o fotografías. Esta diversidad no se plantea desde las certezas\, sino como una necesidad expresiva. Porque toma un tema y lo desgrana en toda su extensión\, lo aborda por todos los ángulos posibles\, no renuncia hasta no sentir que de verdad le sacó todo el provecho necesario. Ahondando en cada tema\, de una misma matriz consigue obras no sólo diferentes sino casi opuestas\, apelando a los colores y a las maneras de disponer los elementos. La obra se va convirtiendo en un juego donde las reglas se van construyendo a medida que se avanza. \nLas plumas ejercen una doble fascinación sobre Silvina Baz: como símbolo\, como metáfora\, pero también como elemento en sí mismo. La pluma como ejemplo de equilibrio\, de simetría\, de forma\, pero también como herramienta\, como dueña del hacer\, como vehículo de la acción. Dentro de la obra\, la pluma se convierte en sujeto\, dibujado\, tallado\, grabado\, y en objeto\, entintada\, agregada o pegada directamente sobre el papel\, con su presencia real\, interrogándonos. \nToda la obra remite a una simbología personal\, individual\, que sin embargo cada espectador siente extrañamente cercana. Silvina trabaja con la pasión de quien se sabe vulnerable\, transformando su fragilidad en la energía desbordante con la que enfrenta cada obra. \nFlorencia Salas\nCuradora\, Dibujante\, Gestora de Arte
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LOCATION:Museo Municipal de Artes Plsticas «Juan Bautista Tapia»\, Matheu 322\, San Antonio de Areco\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“El escarabajo en los Mundos Imaginarios”
DESCRIPTION:Este sábado\, a partir de las 20.00 horas\, en el Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio se llevará a cabo la muestra “El escarabajo en los Mundos Imaginarios” de Hugo Urlacher\, pintor oriundo de Buenos Aires\, donde la figura humana es el eje de su obra\, es su expresión más íntima. \nEl secretario de Cultura\, Adrián Vila expresó: “es un gran pintor argentino\, sus trabajos son hermosos; esperemos que los vecinos chivilcoyanos puedan venir a disfrutarlo porque va a ser una muestra de un pintor excelente”. \nLuego agregó: “en el marco de la muestra\, el pintor nos va a donar una de sus obras para el Museo. Para nosotros es un honor\, hace un tiempo que estamos con la idea de ampliar el patrimonio del Museo y esto es un buen inicio”. \nAsimismo\, desde el Pompeo se tiene programado como posibilidad\, que\, si esta muestra tiene buenos resultados y repercusión\, el centro de la primera muestra que se realice el año próximo podrá ser la obra de arte donada por Urlacher. \nCabe destacar que\, en la exhibición de este sábado\, Urlacher va a realizar una pintura en vivo.“Vamos a tener la oportunidad de disfrutar\, de ver como pinta y los colores que nos interesa tanto en la piel que utiliza Urlacher”\, explicó María del Carmen Ruggirello. \nTambién\, en el marco de dicha exposición estarán presentes artistas locales\, del “Grupo de Arte Pinceladas Chivilcoyanas”\, integrado por María Alejandra Ranni\, Ana Peiti\, Analía Roggiano\, Cecilia Simone\, Claudia Alessandrini\, Fabiana Rocha Plaul\, Gastón Banfi\, Gisela Bengochea\, Graciela Granero\, Graciela Piñeiro\, Griselda Martínez\, Jorge Torricelli\, Julio Orihuela\, Mónica Cauda\, Paola Gusmerotti\, Soledad Gusmerotti\, Patricia Conde\, Sandra Palmentieri\, Sonia Ippólito\, Fernanda Torricelli\, Martha Plaul Rocha\, Nicolás Torricelli\, Elizabeth Ortiz y María del Carmen Ruggirello. \nPor su parte\, Adrián Vila manifestó que se anunciará “el primer Salón Adquisición de esta gestión\, que hace del año 1997 que no se hace. Es una gran muestra donde se van a exhibir aquellos trabajos que concursan. Los tres primeros trabajos ganadores van a tener un premio\, y después van a haber algunas menciones. Un premio con la adquisición de 10 mil pesos\, otro de 8 mil y otro de 5 mil pesos”. \nLos jurados serán: el Curador del Museo Sívori y Profesor de la Universidad de Buenos Aires\, Nicolás Javaloyes; la artista plástica Mirta Narosky y Carla Moyano\, Profesora y Directora de la Escuela de Artes Visuales de Chivilcoy. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio\, Bolívar 319\, Chivilcoy\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PERLA MARGULIES “De mitos y leyendas”
DESCRIPTION:La Secretaria de Cultura de Entre Ríos a través del Museo Artemio Alisio\, invitan a la inauguración de la muestra titulada “De mitos y leyendas”\, de la artista de Buenos Aires PERLA MARGULIES en la misma se exhibirán\, aguafuertes\, monotipos y técnicas mixtas. \nLa misma se inaugurara el viernes 3 de noviembre de 2017 a las 20\,00 hs\, en Sarmiento 612\, de Concepción del Uruguay\, Entre Ríos. \nLa muestra se podrá visitar de martes a sábados de 8\,30 a 12\,00 hs. y de 17\,00 a 20\,30 hs. \nSeries: “El flechero”\, “Suspendidos”\, “Desborde” y “Religiosidad popular” \nEn “De mitos y leyendas”\, Perla Margulies presenta el fruto de una década de trabajo resumido en cuatro series de grabados. Consolidadas sus imágenes a partir de la investigación iconográfica y técnica\, los rasgos recurrentes son el lirismo y la expresividad\, engarzados en la arquitectura de la composición\, y un juego de texturas que crean ambientes psicológicos inquietantes. Figuras humanas\, estructuras y paisajes se organizan a partir de la resignificación de la memoria\, el testimonio directo\, la realidad social o el mito. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Artemio Alisio\, Sarmiento 612\, Concepción del Uruguay\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea en el MACBA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea\, una exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. \nTras la primera muestra de Arte Generativo –realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960– Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos\, próximos al arte concreto\, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético. \nInternacionalmente reconocido por su imagen generativa\, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión\, mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que\, dentro de sus últimos trabajos\, interpretaron un grupo de piezas de arte africano. \nEl guión curatorial reúne pinturas\, cajas cinéticas\, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana\, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia\, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma. \nHorario de visita:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes: 11 a 19hs.\nSábados y domingos: 11 a 19:30 hs.\nMartes: cerrado. \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires: Av. San Juan 328\, San Telmo \n 
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SUMMARY:Rafael Soriano: El artista como místico
DESCRIPTION:La mayor exhibición de la obra del pintor cubano Rafael Soriano\, que muestra no solo su mundo geométrico y surrealista sino también objetos personales\, abrirá sus puertas este sábado en Miami en el Museo de Arte Patricia y Phillip Frost de la Universidad Internacional de la Florida \nEl pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015) fue un aclamado maestro de la abstracción geométrica y una figura mundial en el mundo del arte del siglo XX; Su trabajo resonó con artistas internacionales de origen latinoamericano como Roberto Matta\, Rufino Tamayo y Wifredo Lam. Como resultado de la Revolución en Cuba\, en 1962 Soriano emigró a los Estados Unidos. Un examen sin precedentes de la obra de su vida\, esta exposición se centra en las múltiples influencias que alimentaron un estilo donde\, en sus palabras\, «lo íntimo y lo cósmico convergen». Con más de noventa pinturas\, pasteles y dibujos de la Colección de la Familia Rafael Soriano\, así como otras instituciones y colecciones privadas\, El artista como místico\, comienza con las obras de Soriano en el estilo abstracto geométrico cubano. Luego se traslada a su transición\, pinturas experimentales de los años 1960 y 1970 que recuerdan el biomorfismo surrealista. La exposición concluye con imágenes luminosas y místicas en pinturas de la madurez de Soriano. Organizada por el McMullen Museum of Art del Boston College en colaboración con la Fundación Rafael Soriano\, la exposición ha sido comisariada por Elizabeth Thompson Goizueta\, miembro de la facultad del Departamento de Lenguas y Literaturas Románicas de Boston College. El Boston College y los Patronos del Museo McMullen han proporcionado un gran apoyo. El catálogo de la exposición que acompaña es publicado por el Museo McMullen y editado por Elizabeth Thompson Goizueta. \n+ INFO
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LOCATION:The Patricia & Phillip Frost Art Museum (FIU) / Florida International University\, University Park. 10975 SW 17th Street\, Miami\, Florida\, United States
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SUMMARY:“Formas dulces y sentimentales” Jorge Demirjian
DESCRIPTION:El pintor Jorge Demirjian inaugurará la exposición “Formas dulces y sentimentales” en el Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia (Armenia 1366\, CABA) el próximo jueves 26 de octubre a las 19:30 hs. \n“Jorge Demirjian es uno de los representantes más genuinos del genio creador del pueblo armenio y orgullo de nuestra comunidad”\, destacaron desde la Asociación Cultural Armenia. \nLos organizadores de la muestra explicaron que Demirjián es “una de las figuras más representativas de las artes plásticas contemporáneas\, precursor de la neofiguración en nuestro país\, una escuela que abrió nuevos surcos en la plástica moderna“. \nLas obras de Demirjian están en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Arte Contemporáneo (Buenos Aires)\, Museum of Modern Art (Nueva York)\, University Art Museum (Texas)\, Museo de Arte Moderno (Bogotá)\, Museo de Bellas Artes de Ereván (Armenia)\, Biblioteca Nacional de París\, Banco de Boston y Fond National d´Art Contemporain (París). \nLa exposición se puede visitar hasta el 14 de noviembre con entrada libre y gratuita\, lunes y sábados de 11 a 20 hs. y domingo de 11 a 15.
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LOCATION:Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia\, Armenia 1366\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Diez miradas sobre Buenos Aires
DESCRIPTION:Horacio Coppola\, Guido Chouela\, Sara Facio\, Alberto Goldenstein\, Nacho Iasparra\, Claudio Larrea\, Sameer Makarius\, Gian Paolo Minelli y Harry Grant Olds. \nUna exposición sobre Buenos Aires con la obra de diez fotógrafos de distintas generaciones\, estilos y puntos de vista que han registrado diferentes aspectos de La Ciudad. Se trata de un cruce de miradas que es a la vez testimonio y celebración de un lugar. \nLas fotos tienen a la vez un gran sentido estético según\, como se dijo\, la época a la que cada uno de ellos pertenece y su propio estilo y concepto artístico. Pero a la vez es indudable que todos\, con estas fotografías\, dejan un testimonio invalorable de diferentes lugares de esta ciudad. \nEn uno de los tantos poemas que Jorge Luis Borges dedica a su ciudad leemos: “La ciudad está en mi como un poema / Que no he logrado detener en palabras” \nQuizás la fotografía logre aquello a lo que alude nuestro gran escritor y consiga fijar en imágenes lo que la palabra apenas puede insinuar. \n+ INFO
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LOCATION:jorge Mara\, Paraná 1133\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Exhibición del artista italiano Alfredo Lazzari (1871-1949)
DESCRIPTION:Llegado a la Argentina en 1897\, Alfredo Lazzari (1871-1949) es reconocido por la calidad de su obra y su labor docente al frente de un importante grupo de artistas boquenses entre los que destacan Benito Quinquela Martín\, Fortunato Lacámera\, Arturo Maresca\, Luis Ferrini y Santiago Stagnaro. \nLa exhibición incluye un destacado conjunto de obras provenientes en su mayoría de la colección familiar\, que abarcan no sólo su valioso repertorio de paisajes\, sino también otras obras vinculadas a la producción religiosa y de temática orientalista. El conjunto incluirá también piezas nunca antes vistas como bocetos y cerámicas decorativas que denotan su variada formación técnica. \n\n\n\n\n\nClausura 4 de diciembre.\nSalas Eduardo Sívori y Miguel C. Victorica.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:La única verdad - Mario Gómez
DESCRIPTION:Mediante una profunda exploración técnica\, las obras presentadas en esta muestra del destacado artista nacional Mario Gómez\, lidian con los problemas del material y el color como agentes de una narrativa propia. Esta se presenta despojada de pautas o coordenadas que ordenen las razones de ser de los silenciosos individuos que habitan sus paisajes\, como la maduración del pintar y su relación –siempre presente– con la inagotable búsqueda por hallarse tras la imagen. la muestra la componen pinturas sobre tela y papel y esculturas en bronce y cerámica\, que resumen la producción del artista de los últimos años.\nHorarios ciclo Lunes a sábado\, 10 a 20 hrs.\nentrada general ciclo Entrada liberada.\nFecha inicio y finalización:  11 de octubre al 30 de noviembre 2017.
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LOCATION:Universidad Catolica de Chile\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 340\, Santiago\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:LILIANA MARESCA: EL OJO AVIZOR. OBRAS 1982 – 1994
DESCRIPTION:Esta gran retrospectiva de la obra de Liliana Maresca (Buenos Aires\, 1951 – 1994) recorre 12 años de su producción artística\, desde 1982 hasta 1994\, año de su muerte. La exposición se basó en un trabajo de cuatro años de investigación\, con el que el Museo se propuso rendirle homenaje y recuperar la potencia de una artista sumamente necesaria para entender el presente. \nMaresca fue una de las constructoras más activas de una comunidad artística interdisciplinaria gestada en el under hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales de la sociedad\, como la situación política del país y el VIH\, que la afectó personalmente. \nCon una energía siempre avasallante\, buscó expandir las fronteras del arte\, desdibujando sus espacios\, categorías y disciplinas\, siempre en confrontación con la realidad sociopolítica. Además de estimular la reconstrucción comunitaria en democracia\, tuvo la capacidad de captar y retransmitir —como si ella misma fuese una poderosa antena— aquello que era central y urgente en un contexto social agitado. Su práctica artística abarcó desde un manifiesto íntimo y político sobre el cuerpo\, el amor y la sexualidad\, hasta la violencia social\, tanto de la Argentina como internacional. \nAlgunas de las obras expuestas fueron: Una bufanda para mi ciudad\, Mascaritas\, Lavarte\, Kermesse\, las series de fotografías realizadas en colaboración con Marcos López\, las esculturas de la serie “No todo lo que brilla es oro”\, la instalación Recolecta y videos que documentan la obra Ouroboros y la exposición La Cochambre. Asimismo\, se reconstruyeron las instalaciones Wotan Vulcano\, Imagen pública- Altas esferas y El Dorado. La exposición cierra con dos proyectos en la sala del 1° piso: Espacio disponible y Maresca se entrega a todo destino. \nBio\nFue principalmente autodidacta\, aunque a mediados de los setenta comenzó a asistir a talleres en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y tomó clases con algunos artistas\, entre ellos Emilio Renart. A principios de 1980 comenzó a participar activamente en la escena artística del under porteño\, en espacios como el Café Einstein y la revista El Porteño . Además de organizar y participar en exposiciones colectivas\, trabajó en forma colaborativa con artistas como Ezequiel Furgiuele y el fotógrafo Marcos López. A principios de los noventa\, expuso sus proyectos en el Centro Cultural Recoleta y en el Casal de Catalunya.
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LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen en el Duhau 100 años de libertad
DESCRIPTION:Este 10 de julio de 2017 festejó sus 100 años de vida\, absolutamente libre y comprometida con el arte. Lo festeja con varias muestras a lo largo del año. En el Paseo de las Artes del Palacio Duhau presenta obras recientes. \nSon característicos en sus pinturas los fondos luminosos y orgánicos que inducen al movimiento a los otros elementos que habitan la obra: líneas\, telas y papeles que bailan\, se derraman y salen sin pedir permiso. Ides pinta\, desde muy temprano\, cada día. Nada la limita\, su mente inquieta investiga y crea. \n\n\n\n\nPaseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt  \nAv Alvear 1661\, CABA
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LOCATION:Paseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt\, Av Alvear 1661\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Mirar” Julia Tellaeche
DESCRIPTION:Se dijo sobre “Mirar”: “Todavía no se puede explicar qué fibra sensible enciende el arte. Hay quienes intentan una respuesta en la sinceridad\, algo así como una expresión directa\, una obra que estalla y hace estallar. Es el artista\, de pie y en movimiento\, el que equilibra y desequilibra las emociones. En las personas\, esa expresión directa descansa en la mirada. La búsqueda de uno mismo en los ojos de otro: el arte no es otra cosa que los ojos de otro. En la sinceridad de la búsqueda aparecen las grandes obras. Mirar es también buscar. En ese gesto sutil Julia Tellaeche captura sus historias”.\nTellaeche concurrió a la peña de artistas plásticos de 1960 a 1969. Allí fue discípula de Demetria Urruchúa. Hizo taller de muralismo con el maestro Juan Carlos Castagnino y de escultura con José Alonso. Efectuó exposiciones colectivas entre 1961 y 1964.\nRecibió una mención en el concurso de manchas de la calle San Juan. En 1962 recibió un premio en “Figura Salón Municipal de Necochea”. En 1969 se le otorgó un premio en el salón regional de Ayacucho\, Dr. Pedro Solanet. Realizó una exposición individual en la galería Kaperotxipi de Mar del Plata (1969).\nEn 1972 creó tres murales en la escuela 59. Reinició su labor en el año 2000. Participó de la exposición colectiva del Museo Juan Carlos Castagnino en 2002. De 2007 a 2011 expuso en el complejo Costa Salguero dentro de la exposición “Arte Clásica y Contemporánea”.\nEn 2010 expuso individualmente en el “Archivo Café”. En febrero de 2014 inauguró una muestra individual en el museo marplatense del puerto “Cleto Ciocchini”. De octubre a diciembre de 2014\, expuso en el Hotel F.O.E.B.A.\n\n\n\n\nMuestra “Mirar”\nJulia TellaecheSe puede visitar hasta fin de noviembre de 2017 . Diariamente desde las 10:00 h\nEntrada libre y gratuita.\nEspacio de Arte del Centro de Arte\nRadioCity+Roxy+Melany\nSan Luis 1750\nMar del Plata \n\n\n\n+ INFO
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SUMMARY:Martín Blazko ‘Un acuerdo secreto’
DESCRIPTION:‘Un acuerdo secreto’ es el nombre de la muestra que expone esculturas\, pinturas y collages de uno de los principales referentes del arte geométrico en Argentina: Martín Blaszko. Con la curaduría de Agustina Taruschio\, el artista alemán\, argentino por adopción\, llega a La Plata. \nMartín Blaszko nació en 1920 en Berlín y falleció en Buenos Aires en 2011. Junto a Carmelo Arden Quin\, fundó el grupo de arte concreto MADI en Buenos Aires. Sus proyectos fueron pensados para dialogar con la ciudad y sus habitantes\, para que las esculturas puedan ser
recorridas y transitadas. Sus figuras geométricas en sus obras\, ya sean esculturas como pinturas\, operan de manera racional y lúdica en forma simultánea. Sus pinturas parecen proyectos escultóricos y a su vez\, sus esculturas denotan un estudio del espacio\, donde el tamaño de la obra se contradice con la sensación de monumentalidad que la misma sugiere. \nSu obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Argentina (MALBA\, MAMBA\, MPBAEP)\, Venezuela (Fundación Cisneros)\, Estados Unidos (Museo MADÍ\, Dallas; Aldo Castillo Gallery\, Chicago; Colección Ella Fontanals Cisneros\, Miami)\, Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza y Japón. \nLa muestra ‘Un acuerdo secreto’ ocupará tres de las nuevas salas remodeladas del MACLA. Pero en paralelo\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti (Av. 51 Nº 525) inaugurará el viernes 6 de Octubre su muestra sobre Blaszko. Así y de forma inédita\, los dos museos estarán reflejando en simultáneo sus miradas sobre un mismo artista. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/martin-blazko-un-acuerdo-secreto/
LOCATION:MACLA\, Pasaje Dardo Rocha\, calle 50 entre 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:REDES
DESCRIPTION:REDES\, FAMILIA Y ARTE \nRedes es el título que han escogido Ricardo Wiesse Rebagliati y Ricardo Wiesse Hamann\, padre e hijo\, para describir su participación en la serie de exposiciones bipersonales que viene realizando galería Fórum. El título elegido nos sugiere múltiples perspectivas desde donde presentir las relaciones afinidad entre el talentoso padre\, reputado artista plástico\, y su hijo\, el no menos talentoso y reconocido vocalista de la Mente\, que es además un sorprendente dibujante. \nLa línea\, pintada y dibujada\, es la protagonista de esta exposición y el nexo que relaciona ambos artistas\, que desde el óleo y la tinta respectivamente nos invitan a descubrir los tejidos de la forma y del transcurrir de la vida\, que enlaza a padre e hijo y les permite compartir la experiencia de trabajar juntos en un proyecto de arte. \nWiesse padre presenta telas de gran formato pintadas al óleo. Si bien se inspiran en el tema de las redes también muestran otras conexiones que siempre aparecen en el proceso creativo. El desierto\, la mente\, el cosmos\, activan permanentemente mis ganas de dibujar y pintar”\, explica Ricardo. “Pintar es conectarme con los grandes maestros del pasado”. \nLas piezas que presenta Ricardo Wiesse (hijo) forman parte de una serie en particular que tiene a las redes como tema principal. “Es un proyecto personal en el cual busco en las artes plásticas un medio más de expresión”\, añade el músico. \nSe trata de dibujos en formato mediano\, de gran fuerza expresiva\, hechos en tinta china sobre papel\, en algunos casos\, sobre papel transparente. La mayor parte de la serie está hecha en blanco y negro y retrata literalmente redes que no solo grafican un aspecto figurativo sino también metafórico. Para Ricardo dibujar es una forma de autoconocimiento y de relación con el entorno\, pero es sobre todo un camino hacia la tranquilidad. Entre el dibujo y la música encuentra un puente que te lleva al mismo destino: la libertad”. \nLibertad y talento en la obra de ambos es lo que veremos en esta exposición. La muestra va hasta el sábado 30 de septiembre en galería Fórum.
URL:https://fadla.org/calendario/redes-familia-y-arte/
LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Néstor Cruz. Variaciones Herméticas
DESCRIPTION:Néstor Cruz presenta en Galería Vermeer “Variaciones Herméticas”\, su segunda muestra individual en nuestro espacio\, en la que reúne un conjunto de obras representativas de su trayectoria artística. Esta exhibición refleja un cuestionamiento constante del artista\, quien se destaca por su inquietante curiosidad por las enseñanzas del hermetismo. La profundización de las ciencias herméticas como la alquimia\, el tarot o la astrología\, inducen a Cruz a vincularse con la filosofía y sobre todo las teorías matemáticas… \nNéstor Cruz\nLa trayectoria de un artista puede representarse con una línea ascendente. la totalidad de su obra puede ser agrupada en segmentos. La sucesión de segmentos puede mostrar la sucesión de estilos. Y el pasaje de un estilo a otro puede representar una evolución. Pero\, si la trayectoria sigue una línea ascendente\, entonces\, una retrospectiva no es más que memoria organizada\, la expresión creadora\, un progreso\, y devenir Artista\, un punto de llegada. \nPodemos decir\, también\, que nada de esto sucede. Que sólo quedando presos de la línea ascendente es que pensamos de este modo. Sin línea y sin ascenso\, la trayectoria es pura multiplicidad\, sin orden y sin jerarquías\, un rizoma y devenir artista no es un punto de llegada ni de partida\, sino que siempre se está en acto. La expresión creadora funciona mas como un núcleo que se expande en múltiples direcciones\, se auto afirma y dura. No sube escaleras\, ni se detiene en peldaños. Las etapas o periodos de una trayectoria lineal son segmentos convencionales al servicio de la clasificación. pero en la multiplicidad\, las obras de una trayectoria se entrecruzan unas con otras y los sentidos se multiplican infinitamente. Aquí\, la trayectoria\, lejos de ser un conjunto cerrado\, pasa a ser un conjunto abierto en diálogo permanente consigo mismo\, el mundo\, la historia y los intérpretes.
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LOCATION:Galería Vermeer\, Suipacha 1168\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Acuarelas y Fotografías Intervenidas”
DESCRIPTION:Yvonne Sanguineti Galería de Arte presenta la exposición individual “Acuarelas y Fotografías Intervenidas” del artista Nader Barhumi. La muestra está conformada por una selección de trabajos de mediano formato que incluyen 6 acuarelas y 5 fotografías intervenidas realizadas durante su última estancia en Madrid. \nEn esta serie\, Barhumi encuentra una nueva fuente de expresión a través de la intervención -con pintura o collage- en los afiches callejeros que abundan en las paredes madrileñas. Este primer encuentro y transformación es fotografiado por el artista para luego continuar su trabajo en el estudio. El resultado son composiciones fragmentadas en las cuales el elemento protagónico es el color. El color que convive con fragmentos de textos e imágenes en las fotografías intervenidas\, y que se manifiesta libremente en las acuarelas abstractas de soportes circulares debiéndose solo a las formas que componen el espacio pictórico. De esta manera\, Barhumi busca reivindicar a la pintura como un lenguaje vigente\, capaz de dar cuenta de nuestra vivencia diaria\, del recorrido entre paredes ávidas de ser transformadas y validadas en sus posibilidades plásticas. \nNader Barhumi es un pintor polifacético e imprevisible\, proviene de múltiples canteras artísticas. Estudió primero en la Facultad de Artes de la Universidad Católica\, para seguir una formación posterior en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando -perteneciente a la Universidad Complutense de Madrid- donde obtuvo una licenciatura en Artes. Además\, se formó en la Byam Shaw School Of Art de la Universidad de Londres. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en galerías de Lima\, Madrid\, Barcelona\, Miami\, Colonia –Alemania-\, Amsterdam y Londres. En el año 2016 expuso en la GALERÍA VÉRTICE y TILA BARRENA en Madrid y anteriormente presentó Fotopinturas (2014)\, Pentimentos (2013)\, Sinestesias (2012) en La Galería y Obra en Papel (2011) en Yvonne Sanguineti Galería de Arte. \nLa muestra se podrá visitar del miércoles 19 de julio al sábado 12 de agosto de 11 a.m. a 8 p.m. de lunes a sábado\, en Av. Grau 810\, Barranco. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/acuarelas-y-fotografias-intervenidas/
LOCATION:Galería Yvonne Sanguineti\, Av. Grau 810\, Barranco.\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva
DESCRIPTION:Hace poco más de dos décadas\, el Museo Nacional de Bellas Artes dedicó a Luis Felipe Noé una gran exposición. En 2009\, el Museo presentó en sus salas las dos enormes pinturas del artista que constituyeron el envío argentino a la Bienal de Venecia: La estática velocidad y Nos estamos entendiendo.Hoy\, dando cuenta del carácter programático de su obra\, siempre de cara al futuro\, tenemos el orgullo de acoger su muestra Mirada prospectiva\, en la que pueden vislumbrarse las opciones transformadoras por las que abogó durante más de medio siglo. Invertimos así la lógica con que se piensa habitualmente el itinerario de un artista –hacia atrás en el tiempo–. Su riquísima y vasta trayectoria suma ahora esta nueva exposición que demuestra la vigencia de su obra. \nAndrés Duprat Director del Museo Nacional de Bellas Artes \nInauguración: 11 de julio a las 19 h en el Pabellón de exposiciones temporarias. \nHorarios: de martes a viernes de 11 a 20\, sábados y domingos de 10 a 20.Visitas guiadas: a partir del 4 de agosto: viernes\, sábados y domingos\, a las 16.Se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2017. \nEntrada libre y gratuita. \nMuseo Nacional de Bellas Artes – Avenida Del Libertador 1473\, Capital Federal.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Avenida Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Encuentro íntimo con Nicolás Menza.
DESCRIPTION:El artista presentó el pasado 8 de julio su muestra en Témperley\, que estará acompañada de charlas\, debates y la presentación de cortos documentales inéditos sobre grandes maestros de nuestra historia artística. \nNicolás Menza es uno de los artistas plásticos con mayor compromiso y talento de nuestra contemporaneidad: pintor\, dibujante\, docente y hasta en ocasiones escritor. Dispuesto a embeberse de lo desconocido y del riesgo en su propia búsqueda expresiva\, ha sabido hacer su camino en el mundo artístico manteniendo sus principios y luchando por ellos como algo sagrado. Con más de 30 años de experiencia en esta actividad\, profundiza en los conceptos que sus maestros le legaron y que él transmite a sus discípulos. \nEl sábado 8 de Julio inauguró en el espacio cultural deSignum\, (Témperley) una muestra con amplia variedad de técnicas y densidad climática que desde hace años caracteriza su obra. Como ya es costumbre en sus presentaciones\, suele involucrarse desde el primer día hasta el último\, ofreciendo charlas\, presentando videos y debatiendo con los espectadores sobre diferentes ideas relacionadas con la materia en cuestión. \nEl recorrido está dividido en dos grandes sectores. El primero con trabajos gráficos\, en su mayoría litografías intervenidas con pastel a la tiza y tintas. Trabajos de una resolución más inmediata donde se ve la contención del artista por usar colores\, donde el negro y la línea son lo principal. En esa misma sala también hay trabajos digitales y objetos donde se ve una predisposición hacia la experimentación con diferentes materiales y lenguajes. Una valija abierta con máscaras\, lápices usados\, pinceles viejos y pomos de óleo desechos\, son algunas de las pertenencias que el artista deja ver al espectador\, como si quisiera mostrar cuáles son sus herramientas para afrontar la realidad. \nPor último en esta misma sala nos enfrentamos al color\, trabajos con pastel sobre papel. Mujeres representadas en un formato en el que el espacio no es suficiente. El tratamiento que Menza le da al color nos abre las puertas hacia lo que será la segunda parte de la muestra\, donde éste predomina y los formatos son mayores. Pocos artistas conozco que se arriesguen de ésta manera a volcar un verde\, un naranja\, un celeste en un mismo lienzo logrando que funcione\, que se cree un clima armónico sin que al espectador le moleste semejante falta de consideración por los ojos frágiles. Y es que -en palabras del artista- al momento de crear el espectador no existe. Es el último eslabón de la cadena. Y esto no es una manifestación de vanidad\, sino una fuerte evidencia del compromiso que se tiene con la actividad. La función social del artista plástico es mostrar diferentes formas de contar una realidad sin ningún tipo de traba que entorpezca el trabajo. \nEn la segunda parte de la muestra se ven obras de grandes formatos\, una mesa de trabajo\, una mujer acostada bajo una ventana\, otra desvistiéndose\, y tótems (formas escultóricas que no suelen faltar en las exhibiciones del artista). El nivel de dibujo se funde con el color en las técnicas mixtas\, logrando un equilibrio justo entre saturación tonal y línea. Mujeres en situaciones de vulnerabilidad y arquitecturas totémicas observando: hay todo un mundo desarrollado del que poco conocemos\, pero ese no parece ser el objetivo del artista\, sino la misma curiosidad. No sabemos qué es lo que está representando cada uno de los íconos que utiliza ni lo que hay detrás de esas enormes construcciones. Se hace difícil hablar de lo que se está pintando. Sólo se puede divagar y debatir. \nPero sí se puede llegar a ciertos conceptos básicos\, o como el mismo Menza las llama\, “obsesiones”. La construcción espacial como recurso para generar climas es uno de ellos. En la mayor parte de su obra vamos a encontrar esta idea desarrollada al máximo como concepto compositivo\, siendo más protagonista que cualquier tema que se le presente. El artista podría hacer trabajos completamente abstractos (y de hecho los hizo) y el concepto se mantendría  intacto. Un buen ejemplo es el caso de sus árboles retratados en climas densos y oscuros. Sus ramas se pierden con una mancha suelta y completamente abstracta que hizo al comenzar la composición\, la única forma de identificarlas es en contraste con el cielo\, con el espacio. Si nos olvidamos por un segundo que se trata de un árbol vamos a apreciar mucho más su obra\, porque nos despojamos de cualquier idea preconcebida y vemos la pureza de su imagen. \nMenza sintetiza gran parte de la historia del arte en sus obras\, desde el arte precolombino hasta los últimos vanguardistas del siglo XX. Entre ellos incluye también a sus maestros nacionales\, de los cuales tomó no solo su filosofía de trabajo\, sino su forma de leer la Argentina. Desde un punto de vista crítico analiza la naturaleza humana y la retrata con personajes agresivos e invasivos\, incluso caníbales como ocurre en su serie “El Banquete”. En las litografías que se presentan en Temperley podemos apreciar parte de este trabajo con temáticas sociales. \nÉsta exposición no sólo muestra la obra de un gran artista\, sino la preocupación por ocupar los espacios que mantienen un pensamiento similar en relación al arte a pesar de la lejanía de los grandes centros de difusión. El pensamiento de Menza y Damián Calvis (el dueño de la galería)\, es tan cercano que el artista tomó la decisión de presentar allí\,  por primera vez\, una serie de documentales que le hizo a grandes artistas argentinos en el marco de un proyecto más amplio llamado “Los ojos del faro”. El día 29 de Julio\, a las 18 hs se van a presentar estos 3 teaser sobre Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco. La función contará con la presencia de los artistas\, quienes estarán a disposición para una ronda de preguntas en el café que la misma galería dispone. \nUna de las frases que me quedaron presentes en la apertura de la muestra fue: “No podemos seguir quejándonos de los que nos sacan los espacios artísticos\, si después no estamos dispuestos a ocuparlos.” \nJUEVES 13 DE JULIO 18 HS: Encuentro íntimo con Nicolás Menza.\nVisita guiada\, proyección video\, charla con el artista.\nLa pintura como lenguaje contemporáneo \nSÁBADO 15 DE JULIO 18 HS: Documental/ Charla. Encuentro con el artista\, proyección de video documental. Charla debate sobre el proceso creativo. \nSÁBADO 29 DE JULIO 18 HS: Nicolás Menza presenta “Los ojos del faro”. Proyección de videos documentales y charla con los artistas Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco.
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LOCATION:Galería Dsignum\, Gral. José Tomás Guido 650\, Temperley\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Marcos Tiglio "La razón sensible"
DESCRIPTION:Pocos artistas argentinos gozan de un reconocimiento tan extendido como Marcos Tiglio. Paradójicamente\, son muy escasas las publicaciones y muestras que se le dedican. El MBQM tiene el orgullo de presentar esta exposición antológica\, que reúne 45 obras del trascendente autor boquense\, provenientes de 13 colecciones privadas del país. \nDel 10 de junio al 30 julio de 2017\, se podrá visitar en el Museo Benito Quinquela Martín\, salón Eduardo Sívori 2° piso\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, La Boca\, Buenos Aires. \nFotografía de izquierda a derecha: Stella Maris Tiglio\, Víctor Fernández\, Yamila Valeiras (curaduría)\, Sabrina Díaz Potensa (producción)\, Jorge Rivara.
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LOCATION:Lima
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SUMMARY:José Tola. Obra reciente
DESCRIPTION:“Mis obras son seres benignos que han venido de mis adentros\, de mis recuerdos\, de las gentes que he conocido”. \nJosé Tola \nCon algo más de 50 años de carrera artística\, José Tola es uno de los artistas más representativos de la plástica peruana. La exhuberancia de su obra lo ha caracterizado. Esta vez\, el artista presenta su producción artística más reciente\, la misma que de manera más cercana a lo figurativo evoca elementos de la naturaleza. Para el artista\, cada tiempo de su vida personal tiene sus ventajas y desventajas y de ellas se sirve para la creación del universo que conforman sus pinturas. Los personajes\, los símbolos\, el color\, la textura y la interacción orgánica y encendida que se genera entre estos\, son una interpretación de su realidad interna y externa. De esta manera Tola carga de emotividad sus composiciones\, factor que lo hace tan reconocible e inconfundible. \nLa muestra puede ser apreciada en: \nGalería de arte Lucía de la Puente. \nLugar: Paseo Sáenz Peña 206 A\, Barranco. \nHorario: de lunes a viernes de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.; y sábados de 3:00 p.m. a 7:00 p.m. \nHasta el 3 de agosto. \nIngreso libre. \n+ INFO
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LOCATION:Lucía de la Puente\, Paseo Sáenz Peña 206\, Barranco\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:José Malanca. Paisajes
DESCRIPTION:Es considerado el más importante paisajista cordobés. Trabajaba en Río Ceballos en su paraíso que se llamaba La Estancita. En sus obras nos muestra las sierras de Córdoba y también el producto de su vida nómade con obras realizadas en México\, Perú\, Bolivia y también en el interior de nuestro país\, llegando hasta Bariloche.
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LOCATION:Colección Alvear de Zurbarán\, Av. Alvear 1658\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ficción Barroca
DESCRIPTION:Para esta muestra se han elegido aquellas obras que reflejan ecos de un inmenso movimiento que parece tan lejano pero que todavía sigue motivando a los artistas de hoy. Por otra parte\, acentuamos esta situación con obras que pertenecen específicamente al Barroco Americano y una obra del europeo\, para encontrar tanto las lejanías como las cercanías con nuestros contemporáneos y reflejar esa variabilidad en nuestra propia puesta en escena y convocar a nuestros espectadores a intentar que se acerquen a reflexionar con esa complejidad imaginaria. \n• Hernán Cagliano• Max Gómez Canle• Roberto Cortés• Nicola Costantino• Teresa Durmüller• Marcelo Gurruchaga• Dora Isdatne• Mariana Landin• Juan Miceli• Sandro Pujía• Juan Andrés Videla \n 
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo del Sur\, Av. 25 de Mayo 131 - Lanús\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:GEOMÉTRICA-MENTE
DESCRIPTION:Desde el 2 de junio y hasta el 29 del mes próximo puede verse\, en la planta alta del Espacio Cultural Universitario (San Martín 750) Geométrica‑mente\, magnífica exposición individual que con curaduría y textos del pintor y montajista Rodolfo Perassi reúne obra gráfica\, pintura y objetos escultóricos de María Suardi. El recorrido enfatiza las continuidades entre las tres disciplinas. Excepto por la inclusión de un par de piezas de entre las 70 de su retrospectiva de 2012 en el Museo Castagnino\, o de envíos a Austria\, a España y Buenos Aires\, o de grabados que integraron una muestra en el CEC\, son obras inéditas. \nUna sólida trayectoria de 45 años en pintura y serigrafía\, con reconocimiento nacional e internacional\, ha forjado en María Suardi un oficio que se traduce en la excelencia de su calidad gráfica y plástica\, sin saltos bruscos ni reiteraciones vanas: su obra\, autónoma\, fluye según su propia evolución. Sus composiciones\, como las musicales\, resuelven creativa e intuitivamente problemas racionales. \nEl recorrido se abre con una pintura de 2011 y con seis obras recientes (cuatro pinturas y dos serigrafías derivadas de ellas): la serie Homenaje a Manuel Espinosa. Suardi conoció en Buenos Aires\, ya viejo y ciego\, a este artista geométrico que vivió 95 años y que fue uno de los fundadores de la Asociación Arte Concreto‑Invención. Las pinturas incluyen la experimentación con materiales. El montaje permite apreciar toda la serie de un solo vistazo como un hermoso contrapunto de azules y naranjas. Luego predomina la obra gráfica\, empezando por estampas multicolores que inician búsquedas formales nuevas (como los Entrelazamientos) o retoman las de otros períodos. \nEn Renacimiento Urbinate (2016)\, Suardi combina el gofrado con un plano central cuyos pasajes en tinta color abarcan todo el espectro cromático\, reelaborando lo creado en Urbino\, donde hizo una residencia de artista en 1979. En su retrospectiva del Centro Cultural Parque de España en 1998 se vio una obra realizada allí: Ricerca Urbino (1979). María trajo y sigue consultando un manual de morfología editado por entonces en Bolonia por Bruno Munari\, su libro de cabecera en Italia. Ya se le terminaron\, dice\, los papeles nepaleses que compró en Londres para estampar sus grabados. Cada viaje parece centrado\, con la misma precisión de sus bordes netos entre planos de tinta\, en la búsqueda de materiales nobles\, soportes sensibles e imágenes nuevas para su obra. \nEn las fotos de una maqueta de obras arquitectónicas de Chicago que ella vio allí en el Instituto de Tecnología de Illinois (proyecto de Mies van der Rohe que puede apreciarse en una vista aérea de la película Source Code) se basó Suardi para una serie tridimensional titulada\, justamente\, Chicago. Son construcciones escultóricas que pueden rodearse\, recorrerse en 360 grados\, y que evocan diversos períodos en la arquitectura de esa ciudad\, desde sus ornamentos escalonados estilo art déco a sus elegantes rascacielos posmodernos. \nNacida en 1937\, activa en nuevos proyectos\, María Suardi estudió arte con Pedro Giacaglia\, Estanislao Mijalichen\, Eduardo Serón\, Miguel Ángel Vidal\, Ary Brizzi y en la Escuela Ernesto De la Cárcova y en la Slade School de Londres. En una vidriera de Bond Street descubrió la serigrafía\, técnica de la cual ella y Pedro Sinópoli son los únicos cultores artísticos en Rosario. El lenguaje artístico de María Suardi\, más que definirse como abstracto\, puede ubicarse en el arte concreto: no representa lo ausente sino que presenta formas sensibles e ideas formales\, en una obra continua que genera siempre nuevas posibilidades. \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Cultural Universitario\, San Martín 750\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:"Movimiento contínuo" Antológica
DESCRIPTION:Inauguración: Miércoles 31 de mayo\, 19hs \nSala 31 y 32 \nCon curaduría de Pelusa Borthwick y producción ejecutiva del Arq. Marcial Sarrías se exhiben obras de gran jerarquía plástica de la reconocida artista con reconocida trayectoria en el mundo del grabado
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LOCATION:CCR | Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Mujeres” del artista Raúl Lara
DESCRIPTION:Fruto de una selección de obras dedicadas a la imagen femenina; la muestra denominada “Mujeres” del artista Raúl Lara será inaugurada mañana viernes 26 de mayo de 2017 a partir de las 19.00 horas\, en las salas temporales de Museo Nacional de Arte (calle Comercio y Socabaya). \nCompuesta aproximadamente por una treintena de obras la muestra da una lectura visual a las diferentes épocas y técnicas del maestro Lara\, visibilizando inicialmente su homenaje a la mujer a través de un retrato a su esposa Lidia Caigura de Lara\, el año de 1976. En su primera etapa entre los años 60 a 70 se reconoce su interés por el grabado y técnica mixta\, destacando su sensibilidad por la realidad boliviana y las necesidades de la mujer boliviana en sus propios entornos culturales\, como el caso de Nocturno y Madre obrera. \nLa mujer en el cotidiano desde su entorno familiar\, sus relaciones sociales y de su propia imaginación han permitido la composición de seres imaginarios como El Pitaco y el Ángel Azul. Su relacionamiento cálido y permanente entre amigos le ha dado paso a la creación de contrastes pictóricos y expresiones femeninas diferentes como el caso de la obra Rebeca y su tío o la Visitación de doña Carmiña. \nLas Amigas y las Niñas y Pájaros se constituyen en el dominio en la técnica de lápiz y el manejo de las tintas y aguadas sobre papel\, generando movimiento y un realismo singular. \nEsta significativa exposición que muestra por primera vez estas obras de Raúl Lara nos invita a reflexionar sobre el aporte de la mujer en Bolivia\, y su labor cotidiana desde su esencia en diferentes entornos económico-sociales. \nARTISTA \nRaúl Lara Torrez (1940 – 2011)\, artista orureño de larga trayectoria\, aportó a la plástica boliviana en la segunda mitad del siglo XX hasta el final de su trayectoria de vida el año de 2011. \nNacido en el Centro Minero de San José – Oruro\, empezó a pintar a muy temprana edad en los centros mineros\, en un ambiente que se encontraba en la vanguardia revolucionaria de Bolivia y que constituía la médula de la problemática social\, económica y política del país. Esos primeros años vividos en zonas donde la clase obrera era sometida a duros trabajos\, marcaron las primeras aproximaciones del autor a la representación de la mujer. \nRaúl Lara y sus hermanos quedaron huérfanos de padre y madre cuando Raúl apenas había cumplido los 11 años; fue su hermano Gustavo\, nueve años mayor\, quien se hizo cargo y tomó la decisión de trasladar la familia a la Argentina. A los 18 años\, su producción artística\, ejecutada con claves de alto contraste y gran fuerza expresiva\, refleja el anhelo de libertad de las mujeres madres trabajadoras del pueblo de América Latina.
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LOCATION:Museo Nacional de Arte\, Calle Comercio y Socabaya\, La Paz\, Bolivia
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SUMMARY:Jacques Bedel: Ad Infinitum
DESCRIPTION:«Ad infinitum»\, una exposición que recorre el trabajo de los últimos 50 años de Jacques Bedel\, uno de los artistas más destacados de la actualidad\, será inaugurada el 5 de mayo en la galería Maman Fine Art. \nCurada por Rodrigo Alonso\, la exhibición reúne una selección de obras históricas que dan cuenta de sus diferentes momentos y filiaciones estéticas hasta obras de reciente producción. \nJacques Bedel\nNació en Buenos Aires\, Argentina\, en 1947. En 1965 estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires; Al mismo tiempo comenzó su trabajo autodidacta con plástico\, sin asistir a las escuelas o talleres. En 1968 ganó la medalla de bronce del Premio Braque y obtuvo una beca para estudiar en Francia. En 1974 recibió una beca del British Council para estudiar escultura en Londres y en 1980 obtuvo la Beca Fulbright para realizar investigaciones en el Centro Nacional de Astronomía e Ionosfera de la Universidad de Cornell en Nueva York y la NASA en Washington DC \nEn 1972 se incorporó al Grupo CAYC\, fundado por Jorge Glusberg\, junto con Luis Fernando Benedit\, Víctor Grippo\, Leopoldo Maler\, Vicente Marotta\, Luis Pazos\, Alfredo Portillos y Clorindo Testa\, entre otros. \nFue invitado a participar en 14 bienales internacionales de arte\, incluyendo la Bienal de Venecia en 1986 y 1999\, y participó en más de 450 exposiciones en Argentina y en el extranjero. Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Ficciones ( Ficciones ) en el Centro Cultural Recoleta\, en Buenos Aires\, 2005\, y Aproximaciones (Aproximaciones) en el Museo Nacional de Bellas Artes\, 2008-2009. \nRecibió 45 premios nacionales e internacionales\, entre ellos la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de las Naciones Unidas en 1975\, el Gran Premio de la Bienal de São Paulo en 1977 junto con el Grupo CAYC y el Gran Premio de Honor en la I Bienal Internacional De Montevideo en 1980. \nSus obras forman parte de colecciones privadas y museos tanto en Argentina como en el extranjero. Jacques Bedel vive y trabaja en Buenos Aires\, Argentina. \n  \nJacques Bedel\nAd Infinitum\nDesde el 10 de Mayo al 30 de Julio de 2017 \nMaman Fine Art\nAv. del Libertador 2475\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n+ INFO
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LOCATION:MAMAN GALLERY ART\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:"La mirada de Grete Stern sobre el Gran Chaco".
DESCRIPTION:El jueves 27 de abril a las 18.30 h el Museo de Arte Popular José Hernández\, dependiente de la Dirección General Patrimonio\, Museos y Casco Histórico\, inaugura la exposición de imágenes de aborígenes del Gran Chaco que tomó la reconocida fotógrafa Grete Stern durante los viajes que realizó en 1959/60 y 1964. \nSon más de cien tomas en blanco y negro que fueron realizadas en su viaje fotográfico por las provincias del Chaco\, Formosa y Salta\, las que pueden descubrirse en el museo. Este ensayo fotográfico sobre los pueblos aborígenes de nuestro territorio es un compendio que refleja técnica\, cultura y una mirada antropológica que lo convierte en único y original en su género. \nEn el marco de la muestra se realizará el sábado 29 de abril 16.00 a 18.30 h el taller Animando a Grete Stern\, coordinado por Sofía Quirós\, donde se incursionará en otra faceta de la artista\, el fotomontaje\, aplicados a su producción etnográfica. \nEn Av. del Libertador 2373. \n+ INFO
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LOCATION:Museo José Hernández\, DEL LIBERTADOR AV. 2373\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:Ciudad Oculta - Nahuel Alfonso
DESCRIPTION:Nahuel Alfonso vivió parte de su infancia en Ciudad Oculta\, donde conoció la fotografía como medio de expresión. En 2010\, cuando los noticieros reproducían una mirada sesgada y estigmatizante de las familias que ocupaban el Parque Indoamericano\, decidió volver con su cámara para dar inicio a un ensayo fotográfico que busca acercar y retratar\, desde otra perspectiva\, la identidad y la dignidad de la villa y sus habitantes. \nLas imágenes de esos años conforman la primera muestra que presenta Nahuel Alfonso en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti. En Ciudad Oculta\, Alfonso retrata a su abuela\, a su padre en distintas etapas\, a sus primos y amigos\, pero también aporta una mirada profunda y poética del entorno: los pasillos\, los interiores de las casas\, el cielo\, la noche\, los techos. Nahuel muestra la realidad desde adentro\, una realidad distinta a la que cuentan los medios de comunicación. \n\n\n\n\nLa muestra puede visitarse hasta el próximo 21 de agosto en la Fotogalería del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, con entrada libre y gratuita.  \nInauguración: Sábado 22 de Abril de 2017 a las 17 hs\nCC de la Memoria Haroldo Conti\nAv. Del Libertador 8151 CABA\n@CCMHCONTI
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LOCATION:Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti\, Av. del Libertador 8151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“ARTE ARGENTINO HOY”
DESCRIPTION:El Centro Cultural de Sierra de la Ventana exhibirá en su sala la muestra “ARTE ARGENTINO HOY”\, cuadros y fotos del artista plástico Pedro Roth. \nEl artista estará presentando su obra el sábado 8 a las 18.00 hs\, invitamos a la comunidad a participar del evento. \nLa muestra estará abierta al público del 8 de abril al 2 de mayo\, de martes a domingo de 17.00 a 20.00 hs. \nPara mayor información del artista y su obra: http://www.pedroroth.com.ar/ \n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultural Tornquist\, Sarmiento 53\, Sierra de la Ventana\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Liliana Porter. Diálogos y desobediencias
DESCRIPTION:Artium\, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo\, presenta Liliana Porter. Diálogos y desobediencias\, la primera retrospectiva europea de la artista argentina\, una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual\, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. La comisaria Estrella de Diego ha diseñado una exposición que\, con cerca de un centenar de obras procedentes de colecciones privadas y públicas\, muestra el universo creativo que Liliana Porter\, “con sus juegos de escalas\, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo”\, ha construido desde finales de los 60 hasta la actualidad. Liliana Porter. Diálogos y desobediencias es una producción de Artium (Vitoria-Gasteiz) y el CGAC (Santiago de Compostela)\, con el patrocinio de El Correo\, Euskaltel\, EDP Energia y Fundación Vital. \n+ INFO
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LOCATION:ARTIUM CENTRO-MUSEO VASCO DE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Calle Francia 24\, Vitoria-Gasteiz\, Araba
CATEGORIES:Calendario
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