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SUMMARY:Tropicália y Éden\, de Hélio Oiticica
DESCRIPTION:TROPICÁLIA Y ÉDEN\nEstas dos obras\, consideradas entre las más importantes del artista brasileño Hélio Oiticica\, son instalaciones penetrables que invitan al público a sumergirse en el universo del carioca a través de experiencias sensoriales. \nEl espectador forma parte\, recorre con los pies descalzos un espacio habitado por aves\, plantas tropicales\, agua\, piedras y alfombras de revistas\, y así se va conectando con el espíritu de la búsqueda de Oiticica: un arte que nos desafía a asumir un rol más activo. \nTropicália es un laberinto sin salida\, un mapa que funciona como una crítica al estereotipo de Brasil como paraíso tropical y que pone en escena la estética de las favelas como símbolo nacional. Su alcance fue tal que a fines de la década del ’60 influyó en el surgimiento del Tropicalismo\, un movimiento cultural brasileño de intención renovadora. \nEn Éden hay espacios diseñados para que el público pueda relajarse y conectarse con un estado de ocio que Oiticica consideraba indispensable para lograr una libertad interior tal que lo llevara hacia la creatividad. La obra da un paso más allá en la abstracción y se desprende\, entonces\, de las imágenes para poder reflexionar. \nTropicália y Éden llegan a Buenos Aires tras un exitoso paso por Nueva York y Londres\, entre otras ciudades\, en 2017. \n«Tropicália\, con su multitud de imágenes tropicales\, es una especie de condensación de varios lugares reales. Tropicália es un tipo de mapa: es un mapa de Río y es un mapa de mi imaginación. Es un mapa en el cual uno entra. En Tropicália creé una especie de escena tropical\, con plantas\, guacamayos\, arena\, piedras\, guijarros\, grava … La sensación terrible que sentí allí dentro fue como si estuviera siendo devorado por mi propio trabajo\, como si fuera un gran animal. Interpreté esto como si una transformación estuviese siendo procesada en mi trabajo y pensamiento. El problema de la imagen se presenta aquí objetivamente\, y si bien el mismo es universal yo lo propongo como típicamente nacional\, tropical y brasileño. Quise acentuar este nuevo lenguaje con elementos brasileños en un intento extremadamente ambicioso de crear un lenguaje que fuera nuestro\, erigiéndose frente a la imagética internacional del Pop Art en la que una buena parte de nuestros artistas estaban sumergidos. \nEn Éden traduje mis experiencias personales en algo abierto. Al fin\, esas cabinas son todas parecidas. Todas están basadas en una sensación de ocio\, son un lugar donde acostarse\, donde pensar. La arena\, la paja\, en las que uno se acuesta o permanece de pie\, son nada más que accesorios para algo que siempre se relaciona con una condensación de percepciones; se trata de estar en una situación donde uno puede liberar dentro de sí algunas cosas esenciales. Éden es un «campus» experimental\, una especie de aldea donde todas las experiencias humanas son permitidas. Es un lugar mítico para las sensaciones\, para las acciones y para la construcción del cosmos interior de cada uno – por eso\, se dan proposiciones abiertas e incluso materiales brutos y crudos para que el participante lleve a cabo acciones con ellos. Nunca estuve tan contento como con el proyecto de Éden. Me sentí completamente libre de todo\, incluso de mí mismo.» \nHélio Oiticica\n\nDel 04.05 al 01.07 | Salón Mayor. Entrada libre y gratuita.\n\n\n\nMartes a jueves de 14 a 19 h\nViernes\, sábados\, domingos y feriados de 10 a 21 h\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Usina del Arte\, Agustín Caffarena 1 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rogelio Yrurtia. Canto al trabajo
DESCRIPTION:Curada por Andrea Elías directora del Museo Casa de Yrurtia\, (Ministerio de Cultura de la Nación)\, presenta obras y documentos del monumento Canto al trabajo\, uno de los grupos escultóricos más sobresalientes del arte argentino\, inaugurado en 1907 en la plazoleta ubicada en Paseo Colón e Independencia\, de la ciudad de Buenos Aires. \nYrurtia recibió el encargo del monumento de la municipalidad de Buenos Aires en 1907\, y a partir de ese momento su propuesta original fue modificándose y creciendo en cantidad de figuras a lo largo de los años que le llevó la realización en su taller parisino. Canto al Trabajo\, fundido en los talleres de Alexis Rudier en París\, se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1922. El grupo se expone allí hasta 1927 fecha en la que se lo instala en la Plaza Dorrego (San Telmo)\, lugar en el que permanece una década. \nLas esculturas en bronce que se presentan son estudios para el monumento y forman parte de la colección del Museo Casa de Yrurtia.  La fundición\, realizada a partir de los yesos que conserva la institución\, fue encargada por Lía Correa Morales -esposa del escultor- durante su gestión como directora. \nLa muestra incluye retratos y material de archivo del museo\, y del Instituto Tarea de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Podrá visitarse hasta el 29 de julio.
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LOCATION:MAT Museo Arte Tigre\, Av. Victorica 972\, Tigre\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:GUSTAVO VÉLEZ. Origen
DESCRIPTION:El día 19 de abril a las 7:30 pm la galería de Arte Enlace Arte Contemporáneo inaugurará la exposición individual de esculturas del artista colombiano Gustavo Vélez\, en Av. Camino Real 1123 de San Isidro. \nGustavo Vélez\, Medellín\, Colombia\, 1975; Estudió en la Academia Lorenzo de Medici en Florencia\, Italia y concluyó su formación en los talleres de Pietrasanta\, lugar que frecuenta desde hace más de 20 años y en el cual tiene actualmente su estudio de escultura. \nLa muestra consta de alrededor de 15 esculturas trabajadas en mármol carrara\, gris y negro\, bronce y aluminio\, de mediano y gran formato. En el trabajo de Gustavo Vélez\, sobre todo en la serie actual de obras\, se pueden apreciar conjeturas en torno a propiedades geométricas\, su progresión\, el pliegue\, en especial la geometría del cubo\, su superfoliado. Son intuiciones del espacio desarrolladas plásticamente. Vemos un ejercicio de (auto)didáctica esquemática en el desarrollo de prácticas de proporcionalidad\, esquemas con órdenes determinadas de construcción y desarrollo. \n«Busco la armonía en las líneas para que la dureza y la pesadez de los materiales tengan un toque de delicadeza y transparencia. Creo que el desafío es lograr que la escultura se vuelva ligera y que flote en el espacio como una provocación del infinito”. \n“Cuando estoy frente a un bloque de mármol\, quiero disolver ese cubo y convertirlo en movimiento\, girarlo sobre un eje. Geometría\, dentro de Geometría”. Gustavo Vélez \nEn Japón\, ha realizado muestras en galerías de Tokio\, Utsunomiya\, Iwaki y Yokohama. Su última exposición en Japón fue en 2015 en la Galería Seiho de Tokio. Vélez ha realizado exposiciones en reconocidas galerías y museos de China como el Museo de la Ciudad Imperial de Beijing. También ha participado en las ferias Art Shanghai\, KIAF de Corea y Art Stage de Singapur. En el 2009 realizó la escultura monumental “Flying”\, Mármol Blanco Coreano que se ubicó en el Parque de Esculturas Art Valley de Seúl. \nEn Europa\, Gustavo Vélez ha participado en ferias de arte en Londres\, Madrid\, Barcelona y Mónaco. Además\, cuenta con una trayectoria ya consolidada como artista presente en Pietrasanta\, Toscana Italiana a la que llegó en 1996 y en la que concentra la mayor parte de la creación de sus obras en mármol y bronce. En el 2013 fue elegido para la muestra individual de escultura que se realiza en esta localidad italiana\, en la emblemática Piazza del Duomo y la Chiesa di Sant`Agostino con esculturas de bronce\, acero y mármol que llegaban hasta los siete metros de altura y ocho toneladas de peso. \nEn el continente Americano ha participado en ferias y muestras en Estados Unidos\, Ecuador\, México\, Venezuela\, Panamá\, Colombia y Perú. Sus esculturas\, pudieron ser observadas durante el 2011 y 2012 en el Museo Arqueológico y Contemporáneo de Guayaquil\, el Museo de Arte Moderno de Cuenca y el Museo de Arte Moderno de Quito\, en Ecuador. Así como en el Museo de Arte del Tolima\, en Colombia. \nLa muestra GUSTAVO VÉLEZ podrá ser visitada en La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO hasta el día 1 DE JUNIO en el horario de lunes a sábados de 11.00 am a 8:00 pm; la entrada es libre y gratuita.
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LOCATION:Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Jirón Breña 281 Breña\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:TRANS / CIS
DESCRIPTION:  \nEn el concierto del arte contemporáneo peruano\, Jorge Eielson (1924-2006) y Emilio Rodríguez-Larraín (1928-2015) han pasado de ocupar lugares claves en un panorama a detentar posiciones francamente fundacionales en una historia. Contemplar el cambio en la fortuna crítica de ambos en el ámbito peruano desde 1979 a la fecha revela una transformación del gusto y un re-centramiento del arte actual en aras de la definición de una contemporaneidad propia\, al punto que al día de hoy la escena local de lo contemporáneo no podría imaginarse a sí misma sin la existencia de ambos: son figuras que ostentan procesos y trayectorias deslumbrantes. En el mundo de las consagraciones instantáneas que marcan la actualidad\, son dos individualidades creadoras que ejemplifican integridad y entrega\, audacia y sabiduría\, y de este modo resultan ejemplares entre los ya consagrados y se constituyen en verdaderos faros para los aspirantes. \nRevolver Galería ofrece al público un singular diálogo entre obras de ambos creadores en el espacio de su nuevo local en El Olivar de San Isidro. Desde la Bienal de Venecia de 1964\, en la que se destinó un área limitada para el montaje de los artistas que conformaban el envío peruano\, no se ha dado una presentación conjunta de obras de Eielson y Rodríguez-Larraín\, en profusión\, dentro de un mismo y acotado espacio expositivo. Ni siquiera en la III Bienal de Trujillo de 1987 estuvieron en esta proximidad. \nSus procesos creadores\, bien diferenciados entre sí\, se prestan\, sin embargo\, para evidenciar la riqueza inherente al nacimiento de lo contemporáneo en el Perú. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín se convirtieron en su larga estadía en Europa en peruanos esenciales que decantaron su comprensión de las distintas hebras de un patrimonio estético nacional\, en medio de intercambios con lo más radical del arte europeo de su tiempo\, a través de su amistad y condición casi de fellow-travellers\, o compañeros de ruta\, de los artistas europeos inconformistas de su tiempo. \nSi la propuesta de juntar obras de ambos resulta audaz es porque busca hacer del señalamiento de sus distancias estéticas el eje principal para construir el reconocimiento de una necesaria coexistencia complementaria\, piedra angular de la contemporaneidad artística peruana. Y no se trata de hacer el retrato de un punto de origen binario. Lejos de ello\, la muestra celebra lo proteico y contrastante tanto entre dos artistas de sensibilidades de una audacia irreprimible\, como dentro de los hoy inverosímiles procesos de creación que cada uno siguió. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín son de la estirpe de los creadores inclasificables que crean obra multiforme e inagotable\, podría decirse que siguiendo el comportamiento de la naturaleza. \nEn la práctica artística de ambos hubo lugar tanto para la creación material y las presencias objetuales\, como para planteamientos conceptuales-proyectuales y las presencias efímeras y deleznables. Pero\, mientras que es frecuente que el azar\, la desmesura y la exactitud geométrica se den cita paradójicamente en la sensibilidad visionaria de Rodríguez-Larraín\, en la de Eielson la materialidad y el color se tensan y amalgaman en un cuerpo sexuado y generan un efluvio gozoso que alude\, además\, a la incertidumbre como principio de la ciencia. \nRodríguez-Larraín y Eielson encontraron una razón de ser en el arte más allá de las convenciones y a través de sus obras se muestran innovadores en las profundidades del espíritu\, trabajadores incansables en una renovación cultural que aún está por venir. \nPor Jorge Villacorta
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LOCATION:Galeria Revolver\, Pasaje de José Olaya 110\, cercado de Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Clara Carrié. Los designios del grabado.
DESCRIPTION:En Sala 2\, el museo invita a una gran muestra homenaje de la artista Clara Estela Carrié Domínguez (Ushuaia 1901 – Buenos Aires 1985)\, quien tuvo vínculos familiares muy próximos con nuestra provincia. La exhibición de sus trabajos significa también la exhibición de su vida y pasiones\, su destreza técnica\, su mirada sobre los cuerpos y su representación. Se trata además de la puesta en valor de un riquísimo fondo de obras que salen a la luz\, producto de las tareas de rescate y estudio realizadas en nuestro museo.\nLa exposición dará cuenta de la labor de la artista en la disciplina del grabado y el dibujo\, rescatando gran parte de su producción conservada en el patrimonio del museo.\nLa artista Clara Carrié era hija de Félix Augusto Carrié y Romana Elisa Domínguez\, sanjuaninos que cumplieron importantes funciones públicas en la provincia y el exterior\, supieron sentar los lazos que la artista mantendría con San Juan y los artistas de la época.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:“Dinámicas Geométricas” de ROGELIO POLESELLO
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) abrió este viernes sus puertas a “Dinámicas Geométricas” de Rogelio Polesello\, uno de los artistas más importantes de la historia pictórica argentina. \nA través de sus obras el espectador transita “un largo recorrido que va desde los agitados años sesenta hasta nuestros días”\, detalló Ivana Quiroga\, coordinadora de Museos\, y explicó que este pintor y también escultor “utilizó diferentes técnicas\, disciplinas y lenguajes\, explorando los límites de la abstracción geométrica\, óptica y cinética”. \nRodrigo Alonso\, curador de la exposición\, ahondó en la profundidades del creador del arte óptico\, “logrando ser considerado uno de sus mayores exponentes en Latinoamérica”. “Trabajó desde un lugar lúdico\, colorido y con mucha participación del espectador” y “a lo largo de su carrera transitó por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico”. \nRespecto a las obras\, el curador describió que son pinturas y acrílicos y que el reconocimiento del artista fue en década del 60 “por la producción de unos acrílicos con lentes que hace que todo lo que se vea a través de ellos se distorsione en sus lienzos”. \n“Aquí es donde entra la participación del espectador porque se ve muy diferente a través de estos acrílicos”\, concluyó Alonso. \nLa muestra que inaugura este viernes y que se podrá ver hasta el 3 de junio\, reúne piezas de acrílico y pinturas que pertenecen a las últimas producciones de Polesello\, además de algunas piezas consideradas representativas de los años sesenta. \nComo es habitual\, el ingreso al MNBA Neuquén es abierto y gratuito\, en tanto que las visitas guiadas se realizan de martes a domingo\, puntualmente a las 19. \nINAUGURACIÓN Dinámicas Geométricas de Rogelio POLESELLO  \nViernes 23/3 – 20 hs en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Neuquén \n Entrada libre y gratuita
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LOCATION:MNBA Neuquén\, Calle Mitre y Santa Cruz\, Patagonia\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:Josefina Robirosa\, Antológica 1956-1997
DESCRIPTION:“El cuadro se pinta solo. Al pintar hay un mapa interior que uno pone afuera. Claro que el cuadro es mejor cuanto mejor es ese mapa”. \nJosefina Robirosa -de ella es la cita- ciertamente tenía un atlas maravilloso en su interior\, un mapamundi que traspasó las fronteras de los estilos\, una cartografía que utilizó para pintar una trayectoria plena de riqueza y sentido\, un plano que la guió en sus numerosas búsquedas y que derivó en múltiples hallazgos. Muchos de ellos forman parte de “Antológica 1956-1997”\, la muestra que se exhibe en Casa Victoria Ocampo\, en Barrio Parque. Con esta contribución a la revisión y revalorización de la obra de Robirosa\, el Fondo Nacional de las Artes(FNA) abre el calendario de exposiciones artísticas temporarias 2018\, año de su 60º aniversario. \nDesde sus inicios en la pintura\, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo\, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora\, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90\, y durante ocho años\, formó parte del directorio de la entidad. En 2016\, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales. \nMercedes Casanegra\, curadora de la muestra\, comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que\, a mediados de los años 50\, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega. \nEn 1957\, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de ´Siete Pintores Abstractos´\, entre quienes se contaban Martha Peluffo\, Kazuya Sakai\, Rómulo Macció y Clorindo Testa. \nEn esa época\, Robirosa “practicaba una abstracción cálida\, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea\, inmediata\, en un tono contenido y sutil”\, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas\, que disponía\, a menudo\, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes\, que plasmó en témperas\, dibujos y monocopias”\, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas\, a otros seres animados\, al universo\, a las máquinas imaginarias. \nHacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. “En esa vertiente\, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego\, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo”\, explica Casanegra. \nHacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”\, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”\, dijo en el momento del cambio. \nEste encuentro con la naturaleza\, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra\, pueden verse del 15 de marzo al 15 de mayo en la muestra de CVO.
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LOCATION:Casa Victoria Ocampo\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Vallejo y otras tintas
DESCRIPTION:La Galería Modus Operandi presenta “Vallejo y otras tintas” una muestra individual del artista peruano Ricardo Wiesse uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria muy sólida. Un pintor formado por sus lenguas\, mitos y tradiciones artísticas e influido por sus raíces indígenas sudamericanas. Ricardo Wiesse (Lima\, 1954) estudió Letras y Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, y Grabado en el Atelier 17 en París y en la Slade School of Fine Arts en Londres. Ha sido profesor en diversas escuelas de Arte y es autor de varios murales cerámicos a escala urbana. Desde 1999\, produce paralelamente óleos abstractos y realistas\, paisajes del santuario prehispánico de Pachacámac\, el desierto de Ica y la costa de Lima. Sus imágenes no figurativas fusionan influjos visuales del arte contemporáneo occidental y la estética del mundo andino prehispánico. \n«Vallejo y otras tintas» se asienta sobre cuatro series realizadas en los últimos años. La principal y de la que toma el título la muestra es “Azules de Vallejo”\, 34 páginas sueltas que pueden colgarse en un muro\, juntarse en una caja u ocupar el estante de una biblioteca. Cada una lleva el título del poema donde he encontrado la palabra “azul”\, o voces afines. Estructuras lineares entrecruzan Imágenes y textos en planteos lúdicos. Cada verso o segmento presentados han sido los puntos de partida\, pretextos para componer este tributo visual a una obra escrita imperecedera. \nDe un intenso periodo de duelo nació la serie “Noche cerrada”\, un trabajo sobre papeles negros y grises\, el conjunto explora territorios definidos por curvas intersectadas\, figuras geométricas\, o retículas que conviven con destellos mínimos en el espacio sombrío. \n“Hojas de álbum” son tramas formadas por círculos y conexiones ondulantes de tonos desvaídos rojo sepia que aluden a los textiles bordados o pintados por los artistas originarios de los desiertos y montañas andinas. \n“Álbum” es una sola hoja doblada y extendida que se inició al lado derecho y concluyó al izquierdo\, al revés de la convención lectora de los textos occidentales. Abiertos como un acordeón desmontado\, sus temas y variaciones engarzan presentes simultáneos\, y la sucesión\, un story board de siluetas que parecen hundir sus señas en la arena. Este diario gráfico de marzo de 2016 transcurre entre rectas\, curvas abiertas y cerradas\, paralelas\, contornos de ancho diverso\, puntos que se esfuman en el vacío intacto. \n+ INFO
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LOCATION:Galeria Modus Operandi\, Calle Lope de Vega\, 31\, Madrid\, Madrid
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SUMMARY:Roberto Cortés  "Viva la Vida"
DESCRIPTION:Viva la Vida es un recorrido por las obras más recientes de Roberto Cortés. La muestra trata de las pinturas que nacieron o que acompañaron al artista en un camino a través de la enfermedad\, su anticipación mística y su resolución redentora. La presencia de la muerte\, los recuerdos de la infancia\, las preguntas filosóficas y otras que no lo son tanto\, aparecen contadas con el humor y color que caracterizan la obra de Cortés\, con un estilo muy sólido y definido. Un viaje desde y hacia la vida. \nArtista: Roberto Cortés \nCurador: Tobías Cortés \nMás sobre el artista y el curador \nRoberto Cortés es egresado de las escuelas Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano\, Prilidiano Pueyrredón (Especialidad Pintura y Grabado)\, y de la superior Ernesto de la Cárcova (Especialidad Pintura). Participa de los cursos Introducción a la Creatividad por E. Renart\, y Jung y los Símbolos del Arte por H. Haber. Asistió a numerosos salones y recibió varios premios\, entre los que se destacan el  1er .Premio Salón de Rafaela\, 2do Premio Salón Boca Juniors y Mención de Honor en Salón Banco Provincia 2017. \nTobías Cortés es egresado de la Universidad del Cine en Dirección\, trabajó en Cine y TV con directores como Hugo Santiago\, Miguel Kohan e Inés de Oliveira Cezar\, como Asistente de Dirección y Producción\, Montajista y Camarógrafo. Desde el 2006 trabaja en diversos teatros independientes de Lomas de Zamora como actor\, director\, tallerista\, gestor y productor. Gestionó el 1er. Festival de Varieté y Café Concert del Conurbano Sur 2015. Como dramaturgo y director\, se destacan sus trabajos “Amputar”\, “Espiritismo” y “Livor Mortis”. \n  \nCentro Cultural Recoleta: Junín 1930 – CABA \nEntrada: Gratuita \nHorarios: Martes a viernes de 13.30 a 22:00 hs. Sábados\, domingos y feriados de 11.30 a 22:00 hs. \nSalas 3\, 4\, y 5 \n#VivalaVidaenelRecoleta\n#CortésenelRecoleta
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:RODIN\, CENTENARIO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje al escultor francés a un siglo de su muerte con la exhibición de un conjunto de esculturas y dibujos de la colección del Museo. Dos obras clave\, La Tierra y la Luna y El beso\, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin\, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó nuestro museo nacional. \nSalas 10 y 20\, Planta baja \nCurador/a: Mariana Marchesi
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LOCATION:Museo Nacional Bellas Artes\, Av. del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Sueños de una pluma" de SiLvina Baz
DESCRIPTION:«El arte no se explica\, se siente»\nBaudelaire \nSilvina Baz conoce su oficio. Es de esas artistas que nunca paran de aprender\, que siempre están ávidas de conocer algo más: una nueva técnica\, un nuevo recurso\, una manera más de aproximarse a la imagen. Trabaja incansablemente\, tiene una actitud de búsqueda permanente y de experimentación constante. \nPor eso su obra se diversifica\, y lo que le despierta interés se puede encontrar en grabados\, pinturas\, dibujos o fotografías. Esta diversidad no se plantea desde las certezas\, sino como una necesidad expresiva. Porque toma un tema y lo desgrana en toda su extensión\, lo aborda por todos los ángulos posibles\, no renuncia hasta no sentir que de verdad le sacó todo el provecho necesario. Ahondando en cada tema\, de una misma matriz consigue obras no sólo diferentes sino casi opuestas\, apelando a los colores y a las maneras de disponer los elementos. La obra se va convirtiendo en un juego donde las reglas se van construyendo a medida que se avanza. \nLas plumas ejercen una doble fascinación sobre Silvina Baz: como símbolo\, como metáfora\, pero también como elemento en sí mismo. La pluma como ejemplo de equilibrio\, de simetría\, de forma\, pero también como herramienta\, como dueña del hacer\, como vehículo de la acción. Dentro de la obra\, la pluma se convierte en sujeto\, dibujado\, tallado\, grabado\, y en objeto\, entintada\, agregada o pegada directamente sobre el papel\, con su presencia real\, interrogándonos. \nToda la obra remite a una simbología personal\, individual\, que sin embargo cada espectador siente extrañamente cercana. Silvina trabaja con la pasión de quien se sabe vulnerable\, transformando su fragilidad en la energía desbordante con la que enfrenta cada obra. \nFlorencia Salas\nCuradora\, Dibujante\, Gestora de Arte
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LOCATION:Museo Municipal de Artes Plsticas «Juan Bautista Tapia»\, Matheu 322\, San Antonio de Areco\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“El escarabajo en los Mundos Imaginarios”
DESCRIPTION:Este sábado\, a partir de las 20.00 horas\, en el Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio se llevará a cabo la muestra “El escarabajo en los Mundos Imaginarios” de Hugo Urlacher\, pintor oriundo de Buenos Aires\, donde la figura humana es el eje de su obra\, es su expresión más íntima. \nEl secretario de Cultura\, Adrián Vila expresó: “es un gran pintor argentino\, sus trabajos son hermosos; esperemos que los vecinos chivilcoyanos puedan venir a disfrutarlo porque va a ser una muestra de un pintor excelente”. \nLuego agregó: “en el marco de la muestra\, el pintor nos va a donar una de sus obras para el Museo. Para nosotros es un honor\, hace un tiempo que estamos con la idea de ampliar el patrimonio del Museo y esto es un buen inicio”. \nAsimismo\, desde el Pompeo se tiene programado como posibilidad\, que\, si esta muestra tiene buenos resultados y repercusión\, el centro de la primera muestra que se realice el año próximo podrá ser la obra de arte donada por Urlacher. \nCabe destacar que\, en la exhibición de este sábado\, Urlacher va a realizar una pintura en vivo.“Vamos a tener la oportunidad de disfrutar\, de ver como pinta y los colores que nos interesa tanto en la piel que utiliza Urlacher”\, explicó María del Carmen Ruggirello. \nTambién\, en el marco de dicha exposición estarán presentes artistas locales\, del “Grupo de Arte Pinceladas Chivilcoyanas”\, integrado por María Alejandra Ranni\, Ana Peiti\, Analía Roggiano\, Cecilia Simone\, Claudia Alessandrini\, Fabiana Rocha Plaul\, Gastón Banfi\, Gisela Bengochea\, Graciela Granero\, Graciela Piñeiro\, Griselda Martínez\, Jorge Torricelli\, Julio Orihuela\, Mónica Cauda\, Paola Gusmerotti\, Soledad Gusmerotti\, Patricia Conde\, Sandra Palmentieri\, Sonia Ippólito\, Fernanda Torricelli\, Martha Plaul Rocha\, Nicolás Torricelli\, Elizabeth Ortiz y María del Carmen Ruggirello. \nPor su parte\, Adrián Vila manifestó que se anunciará “el primer Salón Adquisición de esta gestión\, que hace del año 1997 que no se hace. Es una gran muestra donde se van a exhibir aquellos trabajos que concursan. Los tres primeros trabajos ganadores van a tener un premio\, y después van a haber algunas menciones. Un premio con la adquisición de 10 mil pesos\, otro de 8 mil y otro de 5 mil pesos”. \nLos jurados serán: el Curador del Museo Sívori y Profesor de la Universidad de Buenos Aires\, Nicolás Javaloyes; la artista plástica Mirta Narosky y Carla Moyano\, Profesora y Directora de la Escuela de Artes Visuales de Chivilcoy. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio\, Bolívar 319\, Chivilcoy\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PERLA MARGULIES “De mitos y leyendas”
DESCRIPTION:La Secretaria de Cultura de Entre Ríos a través del Museo Artemio Alisio\, invitan a la inauguración de la muestra titulada “De mitos y leyendas”\, de la artista de Buenos Aires PERLA MARGULIES en la misma se exhibirán\, aguafuertes\, monotipos y técnicas mixtas. \nLa misma se inaugurara el viernes 3 de noviembre de 2017 a las 20\,00 hs\, en Sarmiento 612\, de Concepción del Uruguay\, Entre Ríos. \nLa muestra se podrá visitar de martes a sábados de 8\,30 a 12\,00 hs. y de 17\,00 a 20\,30 hs. \nSeries: “El flechero”\, “Suspendidos”\, “Desborde” y “Religiosidad popular” \nEn “De mitos y leyendas”\, Perla Margulies presenta el fruto de una década de trabajo resumido en cuatro series de grabados. Consolidadas sus imágenes a partir de la investigación iconográfica y técnica\, los rasgos recurrentes son el lirismo y la expresividad\, engarzados en la arquitectura de la composición\, y un juego de texturas que crean ambientes psicológicos inquietantes. Figuras humanas\, estructuras y paisajes se organizan a partir de la resignificación de la memoria\, el testimonio directo\, la realidad social o el mito. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/perla-margulies-de-mitos-y-leyendas/
LOCATION:Museo Artemio Alisio\, Sarmiento 612\, Concepción del Uruguay\, Entre Ríos\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea en el MACBA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea\, una exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. \nTras la primera muestra de Arte Generativo –realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960– Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos\, próximos al arte concreto\, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético. \nInternacionalmente reconocido por su imagen generativa\, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión\, mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que\, dentro de sus últimos trabajos\, interpretaron un grupo de piezas de arte africano. \nEl guión curatorial reúne pinturas\, cajas cinéticas\, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana\, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia\, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma. \nHorario de visita:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes: 11 a 19hs.\nSábados y domingos: 11 a 19:30 hs.\nMartes: cerrado. \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires: Av. San Juan 328\, San Telmo \n 
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LOCATION:MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rafael Soriano: El artista como místico
DESCRIPTION:La mayor exhibición de la obra del pintor cubano Rafael Soriano\, que muestra no solo su mundo geométrico y surrealista sino también objetos personales\, abrirá sus puertas este sábado en Miami en el Museo de Arte Patricia y Phillip Frost de la Universidad Internacional de la Florida \nEl pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015) fue un aclamado maestro de la abstracción geométrica y una figura mundial en el mundo del arte del siglo XX; Su trabajo resonó con artistas internacionales de origen latinoamericano como Roberto Matta\, Rufino Tamayo y Wifredo Lam. Como resultado de la Revolución en Cuba\, en 1962 Soriano emigró a los Estados Unidos. Un examen sin precedentes de la obra de su vida\, esta exposición se centra en las múltiples influencias que alimentaron un estilo donde\, en sus palabras\, «lo íntimo y lo cósmico convergen». Con más de noventa pinturas\, pasteles y dibujos de la Colección de la Familia Rafael Soriano\, así como otras instituciones y colecciones privadas\, El artista como místico\, comienza con las obras de Soriano en el estilo abstracto geométrico cubano. Luego se traslada a su transición\, pinturas experimentales de los años 1960 y 1970 que recuerdan el biomorfismo surrealista. La exposición concluye con imágenes luminosas y místicas en pinturas de la madurez de Soriano. Organizada por el McMullen Museum of Art del Boston College en colaboración con la Fundación Rafael Soriano\, la exposición ha sido comisariada por Elizabeth Thompson Goizueta\, miembro de la facultad del Departamento de Lenguas y Literaturas Románicas de Boston College. El Boston College y los Patronos del Museo McMullen han proporcionado un gran apoyo. El catálogo de la exposición que acompaña es publicado por el Museo McMullen y editado por Elizabeth Thompson Goizueta. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/rafael-soriano-el-artista-como-mistico/
LOCATION:The Patricia & Phillip Frost Art Museum (FIU) / Florida International University\, University Park. 10975 SW 17th Street\, Miami\, Florida\, United States
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SUMMARY:“Formas dulces y sentimentales” Jorge Demirjian
DESCRIPTION:El pintor Jorge Demirjian inaugurará la exposición “Formas dulces y sentimentales” en el Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia (Armenia 1366\, CABA) el próximo jueves 26 de octubre a las 19:30 hs. \n“Jorge Demirjian es uno de los representantes más genuinos del genio creador del pueblo armenio y orgullo de nuestra comunidad”\, destacaron desde la Asociación Cultural Armenia. \nLos organizadores de la muestra explicaron que Demirjián es “una de las figuras más representativas de las artes plásticas contemporáneas\, precursor de la neofiguración en nuestro país\, una escuela que abrió nuevos surcos en la plástica moderna“. \nLas obras de Demirjian están en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Arte Contemporáneo (Buenos Aires)\, Museum of Modern Art (Nueva York)\, University Art Museum (Texas)\, Museo de Arte Moderno (Bogotá)\, Museo de Bellas Artes de Ereván (Armenia)\, Biblioteca Nacional de París\, Banco de Boston y Fond National d´Art Contemporain (París). \nLa exposición se puede visitar hasta el 14 de noviembre con entrada libre y gratuita\, lunes y sábados de 11 a 20 hs. y domingo de 11 a 15.
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LOCATION:Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia\, Armenia 1366\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Diez miradas sobre Buenos Aires
DESCRIPTION:Horacio Coppola\, Guido Chouela\, Sara Facio\, Alberto Goldenstein\, Nacho Iasparra\, Claudio Larrea\, Sameer Makarius\, Gian Paolo Minelli y Harry Grant Olds. \nUna exposición sobre Buenos Aires con la obra de diez fotógrafos de distintas generaciones\, estilos y puntos de vista que han registrado diferentes aspectos de La Ciudad. Se trata de un cruce de miradas que es a la vez testimonio y celebración de un lugar. \nLas fotos tienen a la vez un gran sentido estético según\, como se dijo\, la época a la que cada uno de ellos pertenece y su propio estilo y concepto artístico. Pero a la vez es indudable que todos\, con estas fotografías\, dejan un testimonio invalorable de diferentes lugares de esta ciudad. \nEn uno de los tantos poemas que Jorge Luis Borges dedica a su ciudad leemos: “La ciudad está en mi como un poema / Que no he logrado detener en palabras” \nQuizás la fotografía logre aquello a lo que alude nuestro gran escritor y consiga fijar en imágenes lo que la palabra apenas puede insinuar. \n+ INFO
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LOCATION:jorge Mara\, Paraná 1133\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Exhibición del artista italiano Alfredo Lazzari (1871-1949)
DESCRIPTION:Llegado a la Argentina en 1897\, Alfredo Lazzari (1871-1949) es reconocido por la calidad de su obra y su labor docente al frente de un importante grupo de artistas boquenses entre los que destacan Benito Quinquela Martín\, Fortunato Lacámera\, Arturo Maresca\, Luis Ferrini y Santiago Stagnaro. \nLa exhibición incluye un destacado conjunto de obras provenientes en su mayoría de la colección familiar\, que abarcan no sólo su valioso repertorio de paisajes\, sino también otras obras vinculadas a la producción religiosa y de temática orientalista. El conjunto incluirá también piezas nunca antes vistas como bocetos y cerámicas decorativas que denotan su variada formación técnica. \n\n\n\n\n\nClausura 4 de diciembre.\nSalas Eduardo Sívori y Miguel C. Victorica.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
URL:https://fadla.org/calendario/exhibicion-del-artista-italiano-alfredo-lazzari-1871-1949/
LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:La única verdad - Mario Gómez
DESCRIPTION:Mediante una profunda exploración técnica\, las obras presentadas en esta muestra del destacado artista nacional Mario Gómez\, lidian con los problemas del material y el color como agentes de una narrativa propia. Esta se presenta despojada de pautas o coordenadas que ordenen las razones de ser de los silenciosos individuos que habitan sus paisajes\, como la maduración del pintar y su relación –siempre presente– con la inagotable búsqueda por hallarse tras la imagen. la muestra la componen pinturas sobre tela y papel y esculturas en bronce y cerámica\, que resumen la producción del artista de los últimos años.\nHorarios ciclo Lunes a sábado\, 10 a 20 hrs.\nentrada general ciclo Entrada liberada.\nFecha inicio y finalización:  11 de octubre al 30 de noviembre 2017.
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LOCATION:Universidad Catolica de Chile\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 340\, Santiago\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:LILIANA MARESCA: EL OJO AVIZOR. OBRAS 1982 – 1994
DESCRIPTION:Esta gran retrospectiva de la obra de Liliana Maresca (Buenos Aires\, 1951 – 1994) recorre 12 años de su producción artística\, desde 1982 hasta 1994\, año de su muerte. La exposición se basó en un trabajo de cuatro años de investigación\, con el que el Museo se propuso rendirle homenaje y recuperar la potencia de una artista sumamente necesaria para entender el presente. \nMaresca fue una de las constructoras más activas de una comunidad artística interdisciplinaria gestada en el under hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales de la sociedad\, como la situación política del país y el VIH\, que la afectó personalmente. \nCon una energía siempre avasallante\, buscó expandir las fronteras del arte\, desdibujando sus espacios\, categorías y disciplinas\, siempre en confrontación con la realidad sociopolítica. Además de estimular la reconstrucción comunitaria en democracia\, tuvo la capacidad de captar y retransmitir —como si ella misma fuese una poderosa antena— aquello que era central y urgente en un contexto social agitado. Su práctica artística abarcó desde un manifiesto íntimo y político sobre el cuerpo\, el amor y la sexualidad\, hasta la violencia social\, tanto de la Argentina como internacional. \nAlgunas de las obras expuestas fueron: Una bufanda para mi ciudad\, Mascaritas\, Lavarte\, Kermesse\, las series de fotografías realizadas en colaboración con Marcos López\, las esculturas de la serie “No todo lo que brilla es oro”\, la instalación Recolecta y videos que documentan la obra Ouroboros y la exposición La Cochambre. Asimismo\, se reconstruyeron las instalaciones Wotan Vulcano\, Imagen pública- Altas esferas y El Dorado. La exposición cierra con dos proyectos en la sala del 1° piso: Espacio disponible y Maresca se entrega a todo destino. \nBio\nFue principalmente autodidacta\, aunque a mediados de los setenta comenzó a asistir a talleres en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y tomó clases con algunos artistas\, entre ellos Emilio Renart. A principios de 1980 comenzó a participar activamente en la escena artística del under porteño\, en espacios como el Café Einstein y la revista El Porteño . Además de organizar y participar en exposiciones colectivas\, trabajó en forma colaborativa con artistas como Ezequiel Furgiuele y el fotógrafo Marcos López. A principios de los noventa\, expuso sus proyectos en el Centro Cultural Recoleta y en el Casal de Catalunya.
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LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen en el Duhau 100 años de libertad
DESCRIPTION:Este 10 de julio de 2017 festejó sus 100 años de vida\, absolutamente libre y comprometida con el arte. Lo festeja con varias muestras a lo largo del año. En el Paseo de las Artes del Palacio Duhau presenta obras recientes. \nSon característicos en sus pinturas los fondos luminosos y orgánicos que inducen al movimiento a los otros elementos que habitan la obra: líneas\, telas y papeles que bailan\, se derraman y salen sin pedir permiso. Ides pinta\, desde muy temprano\, cada día. Nada la limita\, su mente inquieta investiga y crea. \n\n\n\n\nPaseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt  \nAv Alvear 1661\, CABA
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LOCATION:Paseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt\, Av Alvear 1661\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Mirar” Julia Tellaeche
DESCRIPTION:Se dijo sobre “Mirar”: “Todavía no se puede explicar qué fibra sensible enciende el arte. Hay quienes intentan una respuesta en la sinceridad\, algo así como una expresión directa\, una obra que estalla y hace estallar. Es el artista\, de pie y en movimiento\, el que equilibra y desequilibra las emociones. En las personas\, esa expresión directa descansa en la mirada. La búsqueda de uno mismo en los ojos de otro: el arte no es otra cosa que los ojos de otro. En la sinceridad de la búsqueda aparecen las grandes obras. Mirar es también buscar. En ese gesto sutil Julia Tellaeche captura sus historias”.\nTellaeche concurrió a la peña de artistas plásticos de 1960 a 1969. Allí fue discípula de Demetria Urruchúa. Hizo taller de muralismo con el maestro Juan Carlos Castagnino y de escultura con José Alonso. Efectuó exposiciones colectivas entre 1961 y 1964.\nRecibió una mención en el concurso de manchas de la calle San Juan. En 1962 recibió un premio en “Figura Salón Municipal de Necochea”. En 1969 se le otorgó un premio en el salón regional de Ayacucho\, Dr. Pedro Solanet. Realizó una exposición individual en la galería Kaperotxipi de Mar del Plata (1969).\nEn 1972 creó tres murales en la escuela 59. Reinició su labor en el año 2000. Participó de la exposición colectiva del Museo Juan Carlos Castagnino en 2002. De 2007 a 2011 expuso en el complejo Costa Salguero dentro de la exposición “Arte Clásica y Contemporánea”.\nEn 2010 expuso individualmente en el “Archivo Café”. En febrero de 2014 inauguró una muestra individual en el museo marplatense del puerto “Cleto Ciocchini”. De octubre a diciembre de 2014\, expuso en el Hotel F.O.E.B.A.\n\n\n\n\nMuestra “Mirar”\nJulia TellaecheSe puede visitar hasta fin de noviembre de 2017 . Diariamente desde las 10:00 h\nEntrada libre y gratuita.\nEspacio de Arte del Centro de Arte\nRadioCity+Roxy+Melany\nSan Luis 1750\nMar del Plata \n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Espacio de Arte RadioCity+Roxy+Melany\, San Luis 1750\, Mar del Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Martín Blazko ‘Un acuerdo secreto’
DESCRIPTION:‘Un acuerdo secreto’ es el nombre de la muestra que expone esculturas\, pinturas y collages de uno de los principales referentes del arte geométrico en Argentina: Martín Blaszko. Con la curaduría de Agustina Taruschio\, el artista alemán\, argentino por adopción\, llega a La Plata. \nMartín Blaszko nació en 1920 en Berlín y falleció en Buenos Aires en 2011. Junto a Carmelo Arden Quin\, fundó el grupo de arte concreto MADI en Buenos Aires. Sus proyectos fueron pensados para dialogar con la ciudad y sus habitantes\, para que las esculturas puedan ser
recorridas y transitadas. Sus figuras geométricas en sus obras\, ya sean esculturas como pinturas\, operan de manera racional y lúdica en forma simultánea. Sus pinturas parecen proyectos escultóricos y a su vez\, sus esculturas denotan un estudio del espacio\, donde el tamaño de la obra se contradice con la sensación de monumentalidad que la misma sugiere. \nSu obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Argentina (MALBA\, MAMBA\, MPBAEP)\, Venezuela (Fundación Cisneros)\, Estados Unidos (Museo MADÍ\, Dallas; Aldo Castillo Gallery\, Chicago; Colección Ella Fontanals Cisneros\, Miami)\, Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza y Japón. \nLa muestra ‘Un acuerdo secreto’ ocupará tres de las nuevas salas remodeladas del MACLA. Pero en paralelo\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti (Av. 51 Nº 525) inaugurará el viernes 6 de Octubre su muestra sobre Blaszko. Así y de forma inédita\, los dos museos estarán reflejando en simultáneo sus miradas sobre un mismo artista. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/martin-blazko-un-acuerdo-secreto/
LOCATION:MACLA\, Pasaje Dardo Rocha\, calle 50 entre 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
CATEGORIES:Calendario
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SUMMARY:REDES
DESCRIPTION:REDES\, FAMILIA Y ARTE \nRedes es el título que han escogido Ricardo Wiesse Rebagliati y Ricardo Wiesse Hamann\, padre e hijo\, para describir su participación en la serie de exposiciones bipersonales que viene realizando galería Fórum. El título elegido nos sugiere múltiples perspectivas desde donde presentir las relaciones afinidad entre el talentoso padre\, reputado artista plástico\, y su hijo\, el no menos talentoso y reconocido vocalista de la Mente\, que es además un sorprendente dibujante. \nLa línea\, pintada y dibujada\, es la protagonista de esta exposición y el nexo que relaciona ambos artistas\, que desde el óleo y la tinta respectivamente nos invitan a descubrir los tejidos de la forma y del transcurrir de la vida\, que enlaza a padre e hijo y les permite compartir la experiencia de trabajar juntos en un proyecto de arte. \nWiesse padre presenta telas de gran formato pintadas al óleo. Si bien se inspiran en el tema de las redes también muestran otras conexiones que siempre aparecen en el proceso creativo. El desierto\, la mente\, el cosmos\, activan permanentemente mis ganas de dibujar y pintar”\, explica Ricardo. “Pintar es conectarme con los grandes maestros del pasado”. \nLas piezas que presenta Ricardo Wiesse (hijo) forman parte de una serie en particular que tiene a las redes como tema principal. “Es un proyecto personal en el cual busco en las artes plásticas un medio más de expresión”\, añade el músico. \nSe trata de dibujos en formato mediano\, de gran fuerza expresiva\, hechos en tinta china sobre papel\, en algunos casos\, sobre papel transparente. La mayor parte de la serie está hecha en blanco y negro y retrata literalmente redes que no solo grafican un aspecto figurativo sino también metafórico. Para Ricardo dibujar es una forma de autoconocimiento y de relación con el entorno\, pero es sobre todo un camino hacia la tranquilidad. Entre el dibujo y la música encuentra un puente que te lleva al mismo destino: la libertad”. \nLibertad y talento en la obra de ambos es lo que veremos en esta exposición. La muestra va hasta el sábado 30 de septiembre en galería Fórum.
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Néstor Cruz. Variaciones Herméticas
DESCRIPTION:Néstor Cruz presenta en Galería Vermeer “Variaciones Herméticas”\, su segunda muestra individual en nuestro espacio\, en la que reúne un conjunto de obras representativas de su trayectoria artística. Esta exhibición refleja un cuestionamiento constante del artista\, quien se destaca por su inquietante curiosidad por las enseñanzas del hermetismo. La profundización de las ciencias herméticas como la alquimia\, el tarot o la astrología\, inducen a Cruz a vincularse con la filosofía y sobre todo las teorías matemáticas… \nNéstor Cruz\nLa trayectoria de un artista puede representarse con una línea ascendente. la totalidad de su obra puede ser agrupada en segmentos. La sucesión de segmentos puede mostrar la sucesión de estilos. Y el pasaje de un estilo a otro puede representar una evolución. Pero\, si la trayectoria sigue una línea ascendente\, entonces\, una retrospectiva no es más que memoria organizada\, la expresión creadora\, un progreso\, y devenir Artista\, un punto de llegada. \nPodemos decir\, también\, que nada de esto sucede. Que sólo quedando presos de la línea ascendente es que pensamos de este modo. Sin línea y sin ascenso\, la trayectoria es pura multiplicidad\, sin orden y sin jerarquías\, un rizoma y devenir artista no es un punto de llegada ni de partida\, sino que siempre se está en acto. La expresión creadora funciona mas como un núcleo que se expande en múltiples direcciones\, se auto afirma y dura. No sube escaleras\, ni se detiene en peldaños. Las etapas o periodos de una trayectoria lineal son segmentos convencionales al servicio de la clasificación. pero en la multiplicidad\, las obras de una trayectoria se entrecruzan unas con otras y los sentidos se multiplican infinitamente. Aquí\, la trayectoria\, lejos de ser un conjunto cerrado\, pasa a ser un conjunto abierto en diálogo permanente consigo mismo\, el mundo\, la historia y los intérpretes.
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LOCATION:Galería Vermeer\, Suipacha 1168\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Acuarelas y Fotografías Intervenidas”
DESCRIPTION:Yvonne Sanguineti Galería de Arte presenta la exposición individual “Acuarelas y Fotografías Intervenidas” del artista Nader Barhumi. La muestra está conformada por una selección de trabajos de mediano formato que incluyen 6 acuarelas y 5 fotografías intervenidas realizadas durante su última estancia en Madrid. \nEn esta serie\, Barhumi encuentra una nueva fuente de expresión a través de la intervención -con pintura o collage- en los afiches callejeros que abundan en las paredes madrileñas. Este primer encuentro y transformación es fotografiado por el artista para luego continuar su trabajo en el estudio. El resultado son composiciones fragmentadas en las cuales el elemento protagónico es el color. El color que convive con fragmentos de textos e imágenes en las fotografías intervenidas\, y que se manifiesta libremente en las acuarelas abstractas de soportes circulares debiéndose solo a las formas que componen el espacio pictórico. De esta manera\, Barhumi busca reivindicar a la pintura como un lenguaje vigente\, capaz de dar cuenta de nuestra vivencia diaria\, del recorrido entre paredes ávidas de ser transformadas y validadas en sus posibilidades plásticas. \nNader Barhumi es un pintor polifacético e imprevisible\, proviene de múltiples canteras artísticas. Estudió primero en la Facultad de Artes de la Universidad Católica\, para seguir una formación posterior en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando -perteneciente a la Universidad Complutense de Madrid- donde obtuvo una licenciatura en Artes. Además\, se formó en la Byam Shaw School Of Art de la Universidad de Londres. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en galerías de Lima\, Madrid\, Barcelona\, Miami\, Colonia –Alemania-\, Amsterdam y Londres. En el año 2016 expuso en la GALERÍA VÉRTICE y TILA BARRENA en Madrid y anteriormente presentó Fotopinturas (2014)\, Pentimentos (2013)\, Sinestesias (2012) en La Galería y Obra en Papel (2011) en Yvonne Sanguineti Galería de Arte. \nLa muestra se podrá visitar del miércoles 19 de julio al sábado 12 de agosto de 11 a.m. a 8 p.m. de lunes a sábado\, en Av. Grau 810\, Barranco. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/acuarelas-y-fotografias-intervenidas/
LOCATION:Galería Yvonne Sanguineti\, Av. Grau 810\, Barranco.\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva
DESCRIPTION:Hace poco más de dos décadas\, el Museo Nacional de Bellas Artes dedicó a Luis Felipe Noé una gran exposición. En 2009\, el Museo presentó en sus salas las dos enormes pinturas del artista que constituyeron el envío argentino a la Bienal de Venecia: La estática velocidad y Nos estamos entendiendo.Hoy\, dando cuenta del carácter programático de su obra\, siempre de cara al futuro\, tenemos el orgullo de acoger su muestra Mirada prospectiva\, en la que pueden vislumbrarse las opciones transformadoras por las que abogó durante más de medio siglo. Invertimos así la lógica con que se piensa habitualmente el itinerario de un artista –hacia atrás en el tiempo–. Su riquísima y vasta trayectoria suma ahora esta nueva exposición que demuestra la vigencia de su obra. \nAndrés Duprat Director del Museo Nacional de Bellas Artes \nInauguración: 11 de julio a las 19 h en el Pabellón de exposiciones temporarias. \nHorarios: de martes a viernes de 11 a 20\, sábados y domingos de 10 a 20.Visitas guiadas: a partir del 4 de agosto: viernes\, sábados y domingos\, a las 16.Se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2017. \nEntrada libre y gratuita. \nMuseo Nacional de Bellas Artes – Avenida Del Libertador 1473\, Capital Federal.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Avenida Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Encuentro íntimo con Nicolás Menza.
DESCRIPTION:El artista presentó el pasado 8 de julio su muestra en Témperley\, que estará acompañada de charlas\, debates y la presentación de cortos documentales inéditos sobre grandes maestros de nuestra historia artística. \nNicolás Menza es uno de los artistas plásticos con mayor compromiso y talento de nuestra contemporaneidad: pintor\, dibujante\, docente y hasta en ocasiones escritor. Dispuesto a embeberse de lo desconocido y del riesgo en su propia búsqueda expresiva\, ha sabido hacer su camino en el mundo artístico manteniendo sus principios y luchando por ellos como algo sagrado. Con más de 30 años de experiencia en esta actividad\, profundiza en los conceptos que sus maestros le legaron y que él transmite a sus discípulos. \nEl sábado 8 de Julio inauguró en el espacio cultural deSignum\, (Témperley) una muestra con amplia variedad de técnicas y densidad climática que desde hace años caracteriza su obra. Como ya es costumbre en sus presentaciones\, suele involucrarse desde el primer día hasta el último\, ofreciendo charlas\, presentando videos y debatiendo con los espectadores sobre diferentes ideas relacionadas con la materia en cuestión. \nEl recorrido está dividido en dos grandes sectores. El primero con trabajos gráficos\, en su mayoría litografías intervenidas con pastel a la tiza y tintas. Trabajos de una resolución más inmediata donde se ve la contención del artista por usar colores\, donde el negro y la línea son lo principal. En esa misma sala también hay trabajos digitales y objetos donde se ve una predisposición hacia la experimentación con diferentes materiales y lenguajes. Una valija abierta con máscaras\, lápices usados\, pinceles viejos y pomos de óleo desechos\, son algunas de las pertenencias que el artista deja ver al espectador\, como si quisiera mostrar cuáles son sus herramientas para afrontar la realidad. \nPor último en esta misma sala nos enfrentamos al color\, trabajos con pastel sobre papel. Mujeres representadas en un formato en el que el espacio no es suficiente. El tratamiento que Menza le da al color nos abre las puertas hacia lo que será la segunda parte de la muestra\, donde éste predomina y los formatos son mayores. Pocos artistas conozco que se arriesguen de ésta manera a volcar un verde\, un naranja\, un celeste en un mismo lienzo logrando que funcione\, que se cree un clima armónico sin que al espectador le moleste semejante falta de consideración por los ojos frágiles. Y es que -en palabras del artista- al momento de crear el espectador no existe. Es el último eslabón de la cadena. Y esto no es una manifestación de vanidad\, sino una fuerte evidencia del compromiso que se tiene con la actividad. La función social del artista plástico es mostrar diferentes formas de contar una realidad sin ningún tipo de traba que entorpezca el trabajo. \nEn la segunda parte de la muestra se ven obras de grandes formatos\, una mesa de trabajo\, una mujer acostada bajo una ventana\, otra desvistiéndose\, y tótems (formas escultóricas que no suelen faltar en las exhibiciones del artista). El nivel de dibujo se funde con el color en las técnicas mixtas\, logrando un equilibrio justo entre saturación tonal y línea. Mujeres en situaciones de vulnerabilidad y arquitecturas totémicas observando: hay todo un mundo desarrollado del que poco conocemos\, pero ese no parece ser el objetivo del artista\, sino la misma curiosidad. No sabemos qué es lo que está representando cada uno de los íconos que utiliza ni lo que hay detrás de esas enormes construcciones. Se hace difícil hablar de lo que se está pintando. Sólo se puede divagar y debatir. \nPero sí se puede llegar a ciertos conceptos básicos\, o como el mismo Menza las llama\, “obsesiones”. La construcción espacial como recurso para generar climas es uno de ellos. En la mayor parte de su obra vamos a encontrar esta idea desarrollada al máximo como concepto compositivo\, siendo más protagonista que cualquier tema que se le presente. El artista podría hacer trabajos completamente abstractos (y de hecho los hizo) y el concepto se mantendría  intacto. Un buen ejemplo es el caso de sus árboles retratados en climas densos y oscuros. Sus ramas se pierden con una mancha suelta y completamente abstracta que hizo al comenzar la composición\, la única forma de identificarlas es en contraste con el cielo\, con el espacio. Si nos olvidamos por un segundo que se trata de un árbol vamos a apreciar mucho más su obra\, porque nos despojamos de cualquier idea preconcebida y vemos la pureza de su imagen. \nMenza sintetiza gran parte de la historia del arte en sus obras\, desde el arte precolombino hasta los últimos vanguardistas del siglo XX. Entre ellos incluye también a sus maestros nacionales\, de los cuales tomó no solo su filosofía de trabajo\, sino su forma de leer la Argentina. Desde un punto de vista crítico analiza la naturaleza humana y la retrata con personajes agresivos e invasivos\, incluso caníbales como ocurre en su serie “El Banquete”. En las litografías que se presentan en Temperley podemos apreciar parte de este trabajo con temáticas sociales. \nÉsta exposición no sólo muestra la obra de un gran artista\, sino la preocupación por ocupar los espacios que mantienen un pensamiento similar en relación al arte a pesar de la lejanía de los grandes centros de difusión. El pensamiento de Menza y Damián Calvis (el dueño de la galería)\, es tan cercano que el artista tomó la decisión de presentar allí\,  por primera vez\, una serie de documentales que le hizo a grandes artistas argentinos en el marco de un proyecto más amplio llamado “Los ojos del faro”. El día 29 de Julio\, a las 18 hs se van a presentar estos 3 teaser sobre Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco. La función contará con la presencia de los artistas\, quienes estarán a disposición para una ronda de preguntas en el café que la misma galería dispone. \nUna de las frases que me quedaron presentes en la apertura de la muestra fue: “No podemos seguir quejándonos de los que nos sacan los espacios artísticos\, si después no estamos dispuestos a ocuparlos.” \nJUEVES 13 DE JULIO 18 HS: Encuentro íntimo con Nicolás Menza.\nVisita guiada\, proyección video\, charla con el artista.\nLa pintura como lenguaje contemporáneo \nSÁBADO 15 DE JULIO 18 HS: Documental/ Charla. Encuentro con el artista\, proyección de video documental. Charla debate sobre el proceso creativo. \nSÁBADO 29 DE JULIO 18 HS: Nicolás Menza presenta “Los ojos del faro”. Proyección de videos documentales y charla con los artistas Antonio Pujía\, Leo Vinci y Carlos Scannapieco.
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LOCATION:Galería Dsignum\, Gral. José Tomás Guido 650\, Temperley\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Marcos Tiglio "La razón sensible"
DESCRIPTION:Pocos artistas argentinos gozan de un reconocimiento tan extendido como Marcos Tiglio. Paradójicamente\, son muy escasas las publicaciones y muestras que se le dedican. El MBQM tiene el orgullo de presentar esta exposición antológica\, que reúne 45 obras del trascendente autor boquense\, provenientes de 13 colecciones privadas del país. \nDel 10 de junio al 30 julio de 2017\, se podrá visitar en el Museo Benito Quinquela Martín\, salón Eduardo Sívori 2° piso\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, La Boca\, Buenos Aires. \nFotografía de izquierda a derecha: Stella Maris Tiglio\, Víctor Fernández\, Yamila Valeiras (curaduría)\, Sabrina Díaz Potensa (producción)\, Jorge Rivara.
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SUMMARY:José Tola. Obra reciente
DESCRIPTION:“Mis obras son seres benignos que han venido de mis adentros\, de mis recuerdos\, de las gentes que he conocido”. \nJosé Tola \nCon algo más de 50 años de carrera artística\, José Tola es uno de los artistas más representativos de la plástica peruana. La exhuberancia de su obra lo ha caracterizado. Esta vez\, el artista presenta su producción artística más reciente\, la misma que de manera más cercana a lo figurativo evoca elementos de la naturaleza. Para el artista\, cada tiempo de su vida personal tiene sus ventajas y desventajas y de ellas se sirve para la creación del universo que conforman sus pinturas. Los personajes\, los símbolos\, el color\, la textura y la interacción orgánica y encendida que se genera entre estos\, son una interpretación de su realidad interna y externa. De esta manera Tola carga de emotividad sus composiciones\, factor que lo hace tan reconocible e inconfundible. \nLa muestra puede ser apreciada en: \nGalería de arte Lucía de la Puente. \nLugar: Paseo Sáenz Peña 206 A\, Barranco. \nHorario: de lunes a viernes de 11:00 a.m. a 7:00 p.m.; y sábados de 3:00 p.m. a 7:00 p.m. \nHasta el 3 de agosto. \nIngreso libre. \n+ INFO
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LOCATION:Lucía de la Puente\, Paseo Sáenz Peña 206\, Barranco\, Lima\, Lima\, Peru
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