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SUMMARY:TESTIMONIOS DE LA ATEMPORALIDAD
DESCRIPTION:TESTIMONIO DE LA ATEMPORALIDAD \nPresento el espacio como albergue de las formas; donde los viajes de lo atemporal toman materia. Los signos y símbolos  del inconsciente llevan a la interpretación y relectura de las imágenes manifestadas. La libertad en la creación navega el marco y el infinito de la obra\, con todos sus riesgos\, acompañada por el impulso del equilibrio y la armonía\, la intuición a favor y el clamor de la humanidad. Donde todo converge como en «El Aleph» de J.L. Borges de lo micro a lo macro\, de lo individual a lo universal\, desde un simple objeto al universo; y viceversa. \nLos trazos\, la forma\, la poética visual que encierran las obras dan canal de manifestación en busca del idealismo o medicina para la humanidad. Con el objetivo de generar un soplo de brisa nueva\, que sacuda la venda de los ojos. \nCreo en el poder mágico del arte de lograr un progreso para el mundo. \nDescubriendo al hombre como ser de profundidad\, de dimensiones múltiples\, un ser constructor\, que puede jerarquizar los valores y virtudes\, ser transmisor de vida\, de comunicación. Aprendiendo el ejercicio cotidiano de embellecer el alma\, algo tan preciado\, inmenso y tan complejo\, tan simple y pequeño a la vez… comprendiendo que es el mayor tesoro y la tierra su guarida. \nNosotros en ella; Ella en nosotros. \nSilvina Baz \n«Testimonios de la Atemporalidad» Muestra Multidisciplinaria  \nMuseo de Arte «Ángel María de Rosa»\, Roque Sáenz Peña 141 – Junín – Entrada libre y gratuita. Horarios: Martes a Viernes de 10 a 12hs / 15 a 20:30hs – Sáb y Domingo de 18 a 20:30hs – Lunes cerrado.
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SUMMARY:BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURAS 2018
DESCRIPTION:Identidad en movimiento es el concepto inspirador de La Bienal 2018 que celebra los 30 años de concursos de escultura en el Chaco. \nSe dirime el Gran Premio de Honor entre los diez competidores\, anteriores ganadores de las bienales. Verdadera competencia de campeones. \nHomenaje a los Pioneros. Celebración junto a los escultores que participaron del primer Concurso Nacional de Escultura en Madera en Junio de 1988. \nOtra vez\, grandes escultores del planeta en escena y en la acción. \nLa Bienal del Chaco celebra el amor al arte. \nDel 14 al 21 de julio tendrá lugar la Bienal 2018 Identidad en movimiento\, organizado por la Fundación Urunday y el Gobierno de la Provincia del Chaco. \nEn el relajado predio del MusEUM circundado por el Parque 2 de Febrero y el  Río Negro\, más de 20 escultores realizarán durante una semana de julio una escultura. \nDel “Gran Premio de Honor 30 años” del concurso internacional de escultura\, participarán los ganadores de las bienales realizadas entre 1998 y 2016 con una obra inspirada en el tema “Identidad en movimiento”. \nLa riqueza de esta coyuntura\, la concentración de tan potentes artistas que han sido galardonados en las diez Bienales\, ya es màs que sobrado. \nSin embargo\, la Bienal nos tiene acostumbrados a otras sabrosas confituras\, a saber: \nHomenaje a los escultores pioneros. Resistencia recibe a los antiguos\, los primeros\, la vanguardia de escultores que en aquel invierno de 1988\, hace 30 años\,  se asentaron durante una semana  en la plaza 25 de mayo\, para tallar la madera de urunday a los ojos de los pobladores. Fue iniciático ese taller de escultura al aire libre y fructífero para nosotros que vimos el trabajo del artista -técnica\, pasión\, profesionalismo-\, que intimamos con él . Volver a verlos\, seguramente nos llevará a recordarlos\, a reconocerlos en aquel lejano pasado compartido. \nEl  Encuentro de Escultores Argentinos y Latinoamericanos\, convida a un grupo de escultores que llegan a la Bienal para hacer esculturas con libertad amplia a la imaginación\, la arena como materia constructiva- la instalación acuática\, la monumentalidad\, serán de la partida. \nEl Premio Desafío –concurso de escultura para estudiantes de Bellas Artes -\, reunirá a alumnos avanzados de las carreras de Arte de la Argentina  que trabajarán en equipos y en horario corrido\, desafiando sus fuerzas y el tiempo. \nExperiencia inaugural y de franco aprendizaje práctico. El Premio Desafío juntará  a más de treinta jóvenes  que se templarán para sus destinos\, tal vez\, de escultores. \nEn el plano teórico\, tendrá su segunda edición el Congreso Internacional de Artes\, espacio de intercambio y discusión académica con la presencia de prestigiosas figuras y teóricos del arte\, clases magistrales\, seminarios intensivos\, exposición de ponencias\, mesas temáticas\, simposios\,  muestras\, workshops. \nEl HACER Y LO NUESTRO \nCuando se dice que la Bienal es una fiesta\, es porque  tiene un corazón de estímulos para el visitante. Las competencias y encuentros escultóricos dan lugar a una singular variedad de actividades artísticas participativas como las obras colectivas de originarios\, las jornadas de arte lúdico para los niños\, los encuentros de artesanos originarios\, la presencia de los maestros artesanos argentinos y espectáculos de artes escénicas de nivel internacional que iluminan cada noches de la Bienal. \n30 años de concursos de escultura… Más de 500 escultores del mundo han llegado al Chaco y han sentido\, excluyentemente\, la hospitalidad y el cariño de este pueblo\, también la admiración. \nEstos ilustres visitantes han dejado su huella material ¡cuánto patrimonio de mármoles\, bronce\, hierro y madera acopiado desde aquel 1988! \nLa escultura es una marca de identidad del Chaco. Y la Bienal\, su celebración. \nESTRUCTURA \nGobierno de la Provincia del Chaco y Fundación Urunday conforman el comité organizador de la Bienal 2018. Acompañan diversas instituciones y empresarios mecenas. Se cumplen 30 años de concursos escultóricos en Resistencia\, en una modalidad donde las obras creadas a los ojos del público pasan a engrosar el patrimonio escultórico de la ciudad\, emplazándolas en sus veredas y espacios verdes. El fenómeno es observado por la UNESCO con vistas a ser declarada la ciudad de Resistencia\, patrimonio cultural de la humanidad. \nEl certamen internacional de escultura está catalogado entre los tres más prestigiosos del mundo\, posee estándares de calidad (Normas IRAM  ISO) y la singularidad de  que la ciudadanía se vuelca masivamente a lo que deviene avasallante fiesta popular que en la última edición recibió 380 mil visitantes. \nESCULTORES SELECCIONADOS\nRaúl “Pájaro” Gómez (Argentina)\nLeón Saavedra Geuer (Bolivia)\nPiotr Twardowski (Polonia)\nTobel (Alemania)\nFernando Pinto (Colombia)\nThierry Ferreira (Francia)\nQian Sihua (China)\n \nJURADOS\nRamón Morales Rossi (Venezuela)\nJorge de Santiago López (México)\nJuan Bordes (España) \nINVITADOS\nNadia Guthmann (Argentina)\nMaría Guallar (Argentina)\nNorma Siguelboim (Argentina)\nRamón Morales Rossi (Venezuela)\nDiego Santurio (Uruguay)\nDamián Sondereguer (Argentina)\nRaúl Oscar Collemi (Argentina)\nMauro Musante (Argentina)\nQuique Gurevich (Argentina)\nAlejandro Arce (Argentina)\nGabriela Farias Nicchi (Argentina)\nAdriana Pantanali (Argentina) \nPREMIOS \nGRAN PREMIO DE HONOR «NUEVO BANCO DEL CHACO»: Tobel (Alemania) «Sonido del Universo»\nSEGUNDO PREMIO «MUNICIPALIDAD DE FONTANA»: Piotr Twardowski (Polonia) «PT-18»\nTERCER PREMIO «O.S.D.E.»: León Saavedra Geuer (Bolivia) «Vuelo»\nPREMIO «FEMECHACO»: Thierry Ferreira (Francia) «CUBICmotus#71027072»\nPREMIO DE LOS ESCULTORES «EFRAÍN BOGLIETTI»: Piotr Twardowski (Polonia) «PT-18»\nPREMIO DEL PÚBLICO «JUAN ALBERTO GARCIA»: Raúl “Pájaro” Gómez (Argentina) «Espíritu del Viento»\nPREMIO DE LOS NIÑOS «Reinaldo Martínez»: Raúl “Pájaro” Gómez (Argentina) «Espíritu del Viento»\nPREMIO NARANJA: Raúl “Pájaro” Gómez (Argentina) «Espíritu del Viento»\nPREMIO INSTITUTO DE ATENCIÓN A LA DIVERSIDAD: Fernando Pinto (Colombia) «Wayanaisi & Intiawki\, leyenda de amor»\nPREMIO CÁMARA DE DIPUTADOS DE LA PROVINCIA DEL CHACO: Qian Sihua (China) «Sonido de colores» \n+ INFO
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SUMMARY:Josefina Di Candia. Nuevas Obras
DESCRIPTION:Josefina Di Candia cumple con su vocación sin descanso.\nAunque muy joven aún\, ya lleva recorrido un largo camino\, dejando en cada momento testimonio de su forma de sentir la vida. Seguí esta evolución desde el principio cuando se inauguró el Taller Escuela que llevaba mi nombre. \nEstos trabajos que ahora nos muestra son el reflejo\, el eco\, del tiempo difícil que transitamos. Josefina traduce\, según ella siente\, este momento de la historia. \nNo son trabajos representativos\, es decir\, en que la figuración es la ley\, motivo elegido como vimos en otros momentos\, sino que ahora son signos\, a veces contradictorios\, inconclusos\, la búsqueda del símbolo de estados pasionales\, en fin\, el transitar el camino de su vida de acuerdo a su realidad. \nJosefina es un ser auténtico\, no oculta nada. Se nos muestra tal cual es. Queda en nosotros\, en lo más íntimo\, ver traducidas en pintura estas confesiones pintadas. \nGuillermo Roux \n  \nLa poetica de hacer visible la alquimia\nJosefina Di Candia explora el cruce de la pintura con una acción corporal más presente.\nLa manifestación sobre la tela de lo inmaterial de la energía corpórea.\nEsa energía\, se sensibiliza en contacto con el material produciéndose una alquimia; cercana a lo primario\, a lo esencial\, al inconsciente. \nLa música aporta\, a veces\, la abstracción de complejos enjambres\, de una dimensión matemática\, que se disuelve en lo infinito y que carga al cuerpo de una sustancia energética combinada con la propia\, para decantar en una plasticidad casi no visual.\nSiendo un acto transitivo\, un vaciamiento para estar presente en la obra. \nLa poética de hacer visible la energía. Nos encontramos frente a un lenguaje que como consecuencia es visual.\nEsta alquimia participa de la organicidad del universo\, es el “cero”\, principio o fin?\nIndica lo consecutivo\, los extremos para enmarcar un instante que finalmente es esa eternidad.\nLa sensibilidad inmaterial a través de la experiencia del vacío en la acción pictórica. \nTransformándose en una imagen icónica de signos sin tiempos\, que viven en un constante presente. \nLos signos que escriben la energía\, son relatos de poesías atravesadas por el enigma y el misterio germinativo de la creación. \nJosefina Di Candia.\nJulio del 2017 \n  \nJosefina Di Candia\nNuevas Obras\nDesde el 3 de julio de 2018\nInaugura: 19hs \nGalería Lura Haber\nO Higgins 1361\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Galería Laura Haber\, O´Higgins 1361\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Alicia Carletti “En el país de las maravillas” Muestra Homenaje 1946- 2017
DESCRIPTION:Dibujante y grabadora\, observadora aguda de línea plácida\, sutil\, encantadora\,Carletti imaginó en sus obras un mundo fantástico\, bello y poético. Esto pudo verse especialmente en su serie dedicada a Alicia en el País de las Maravillas. \nInauguración: 27 de junio 19hs. Espacio de Arte Banco Ciudad\,  Sarmiento 630-CABA \nParticipan:  Magdalena Beccarinni\, Elena Blasco\, Ana Casanova\, Maria Silvia Corcuera\, Marisa Dominguez\, Diana Dowek\, Maria Laura Forte Lay\, Nora Iniesta\, Beatriz Provitina\, Susana Romano. \nAlicia Carletti  (1956 – 2017) \nNace en San Isidro\, Provincia de Buenos Aires. \n1969 Egresada de la escuela de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”\, obteniendo el título de Profesora Nacional de Pintura. \n1966 Egresada de la escuela “Augusto Bolognini \nSus obras figuran en museos y colecciones privadas de Argentina\, Uruguay\, Venezuela\, Estados Unidos\, Canadá\, Japón\, España y Alemania. \nExposiciones individuales \n2009 Galeria Holz\, Buenos Aires\, óleos \n2007 Galeria Holz\, Buenos Aires\, óleos \n2005 Fundación Borges \, Buenos Aires\, óleos \n2001 La Manufactura Papelera\, Buenos Aires\, óleos \n1998 Centro Cultural Recoleta\, Buenos Aires\, óleos \n1995 Galería Zurbarán\, Buenos Aires\, óleos \n1993 Galería Klemm\, Buenos Aires\, óleos \n1991 Galería Ruth Benzacar\, FABA \, Buenos Aires\, óleos \n1990 Arts International Gallery\, Santa Fe\, New Mexico\, U.S.A.\, óleos \n1983 Bonino Gallery\, Nueva York\, U.S.A.\, acuarelas y acrílicos \n1980 Galería Buen Ayre\, Buenos Aires\, acrílicos \n1978 Galería Martha Zullo\, Buenos Aires\, acuarelas \n1977 Galería Bonino\, Buenos Aires\, acuarelas \n1975 Galería Bonino\, Buenos Aires\, óleos \n1974 Galería Art\,Buenos Aires\, óleos \n1973 Galería Martina Céspedes\, Buenos Aires\, óleos \n1972 Galería Lirolay\, Buenos Aires\, óleos. \nPremios Obtenidos \n2008 Tercer premio Salón Municipal Manuel Belgrano- Museo Sívori \n2005 Premio Accésit .Certamen Iberoamericano de Pintura de Aerolíneas Argentina \n2001 Gran Premio de Honor \, Fundación Avón \n1999 Premio Cecilia Griensom\, Salón Nacional de Pintura \n1998 Segundo Premio Colección Costantini\, Museo Nacional de Bellas Artes \n1996 Mención Especial del Jurado\, Salón Municipal \n1993 Primer Premio de Pintura Caro Cuore\, Galería Praxis\, \nMención Especial Primer Salón de Pintura Otium \n1986 Premio Pintura “Bárbara de Díaz”\, Salón Nacional\, Argentina \n1978 Primer Premio Salón de Pintura\, Junin\, Argentina \nPremio Mención Salón Nacional de Pintura \nMención Especial de la Crítica AICA\, Buenos Aires \n1975 Mención Especial de pintura “Bienal Santa María de los Buenos Aires”\, Museo de Arte Moderno. \n1972 Mención Especial de pintura “XII Salón Anual de Artes Plásticas de San A.de Areco” \n1970 Primer Premio “X Salón Anual de Artes Plásticas de San Antonio de Areco” \n1969 Primer Premio “II Certamen de Pintura de San Isidro”. \nAlgunas exposiciones colectivas \n2011 ArteBA 2011\, Galería Holz \n«Arteamericas”\, Miami\, USA \n2010 “Coleccionables V” Galería Holz \nArteBA 2010\, Galería Holz \n“Arteamericas”\, Miami\, USA \n“Miami International Art Fair”\, Miami\, USA \n2009 “Femenino y eterno” Museo Benito Quinquela Martín \nInvitada al Premio Trabucco de Dibujo\, Centro Cultural Borges \nArteBa 2009\, Galería Holz \n“Coleccionables IV” Galería Holz \n2008 “Árbol” Galería Holz \nArte BA 2008\, Galería Holz \n“Los arcanos” Centro Cultural Recoleta \nParticipación Premio de pintura Museo Benito Quinquela Martín \n“Coleccionables III” Galería Holz \n2007 “Coleccionables II” Galería Holz \n2006 “Coleccionables I” Galería Holz \nInvitada al Premio Trabucco de Dibujo\, Centro Cultural Borges \n2005 “Mujeres x mujeres” Centro Cultural Borges \n2004 “Matrimonios en el arte” Galeria del Angel \n“Homenaje a Mujeres memorables”Fundación Avon \n“Juego de Artistas” Museo de los niños\, Abasto \n2003 “Premio Banco Cuidad” Museo Nacional de Bellas Artes \nArte BA 2003 Fundación Avón \n“Monserrat Arte y Moda” Museo Nacional de Bellas Artes \n“Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano ”Museo Eduardo Sívori \n“3 x 4 Mujer” Fundación Avon La Manufactura Papelera \n“Premio Universidad de Palermo” Museo Nacional de Bellas Artes \n2002 “Ay Patria mía”\, Museo Provincial de Bellas Artes” Dr Pedro E. Martinez \n“Arte Argentino en Alemania”\, Kunstation Kleinsassen\, Fulda\, Alemania \n2001 “Pintura Argentina\, Artistas Contemporáneos”\, Museo Nacional de Bellas Artes \n“Solo Papel” La Manufactura Papelera\, Espacio de Arte\, San Telmo “Juego de Artistas” Museo de los Niños\, Abasto \n“Autorretrato” Centro Cultural Borges \n2000 “Premios Universidad de Palermo” Museo Nacional de Bellas Artes
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LOCATION:BANCO CIUDAD DE BUENOS AIRES | Espacio de Arte\, Florida 302\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:VIVO  / Nahuel Alfonso
DESCRIPTION:La instalación plantea la recreación de diferentes espacios de su cotidianeidad (la cama donde duerme\, la mesa donde edita\, el sillón donde retrata). Su trabajo es generar distintos ambientes a partir del tratamiento de la luz\, los diferentes materiales y el acercamiento al sujeto retratado\, lo que produce diferentes climas en sus fotografías. \nDurante el período de exposición\, Nahuel habitará la sala del Centro Cultural\, transformándola en su espacio de trabajo y producción artística\, teniendo en cuenta el contacto con quienes transiten por el edificio y el territorio en el que se emplaza. Tomará fotografías\, editará en vivo imágenes que serán impresas y luego exhibidas en el transcurso de la exposición\, activando espacios diversos de circulación\, producción y contemplación. \nAdemás\, se desarrollarán visitas y talleres en el marco de una propuesta educativa para estudiantes de nivel primario\, medio y universitario\, como así también para el público en general. Talleres de producción y diálogo con el fotógrafo. Para el público en general\, se ofrecen seminarios y conferencias con el artista en el contexto de una muestra original y en la que todo sucede en Vivo. “Habrá un estudio fotográfico\, visitas guiadas a escuelas y talleres de foto y yo estaré prácticamente viviendo en el lugar haciendo\, editando fotos y haciendo street photography en los alrededores del centro. Quien quiera ser retratadx\, compartir mates o charlar de fotografía o la vida misma\, ahí estaré”\, agrega Nahuel Alfonso. \nSu trabajo general está orientado al retrato documental. Desarrolló la obra “Ciudad Oculta” donde retrató el barrio ubicado en Villa Lugano\, que luego fue exhibida en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Ex Esma). Además\, ha trabajado como tallerista en Fuerte Apache y Villa 21-24 capacitando a adolescentes junto a Reza Deghati -reconocido fotógrafo de National Geographic-. Además ha publicado su trabajo en distintos medios gráficos y digitales Revista Anfibia\, Caras y Caretas\, Cels\, Clarín y La Nación\, entre otros. Actualmente se dedica a la docencia coordinando talleres de retrato\, iluminación\, narrativa personal y continúa desarrollando su obra fotográfica documentando las Fiestas Nacionales y otros ensayos \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nVIVO  / Nahuel Alfonso \nCuraduría: Jimena Pautasso \nEducación: Leandro Ibáñez \nInauguración: viernes 15 de junio\, a las 19 h\,  del 15 de junio al 15 de julio 2018. \nCentro Cultural Paco Urondo (Facultad de Filosofía y Letras\, UBA)\, 25 de Mayo 201  (CABA) – http://pacourondo.filo.uba.ar/ – 4342.5922
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LOCATION:Centro Cultural Paco Urondo (Facultad de Filosofia y Letras\, UBA)\, 25 de Mayo 201\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“DÉCADA RECIENTE: Ricardo Wiesse”
DESCRIPTION:La obra reunida de Ricardo Wiesse de los diez últimos años será exhibida desde el 14 de junio en el ICPNA de Miraflores. Se expondrán telas abstractas de mediano y gran formato\, piedras pintadas\, paisajes figurativos de la costa limeña y óleos trabajados in situ en el santuario de Pachacámac\, temas recurrentes y característicos en su trabajo. \nLa muestra\, que incluye dibujos sobre papel y la serie de pinturas Azules de Vallejo\, exhibida por primera vez en Lima\, refleja los cambios\, temas recurrentes y despliegues formales y cromáticos de un proceso pictórico identificado con nuestra historia y territorio. “Estos cuadros fusionan y reconfiguran legados e influjos de diversas edades y latitudes. Línea\, forma y color se entretejen bajo el gran signo del mestizaje” explica el artista. \n“Desde hace una década\, mi experimentación formal ha dejado atrás soportes\, materiales y procedimientos diversos para concentrarse en óleos sobre tela. El cuadrángulo vacío del lienzo aloja indagaciones cromáticas y espaciales que prosiguen un diálogo visual entre el pasado andino y la actualidad\, y entre los elementos de la historia del arte local y universal” anota Wiesse. \nEsta muestra se puede visitar hasta el 22 de julio en la galería Germán Krüger Espantoso (Av. Angamos Oeste 160). El horario de visita es de martes a domingo de 11 a.m. a 8 p.m. El ingreso es libre. \n+ INFO
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LOCATION:Galería Germán Krüger\, Av. Angamos Oeste 160\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:ALICIA PENALBA en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson.
DESCRIPTION:Artista reclamada por dos países\, la Argentina y Francia\, Alicia Penalba (1913-1982) fue una de las escultoras más importantes del siglo pasado.\nPor primera vez se presentan las obras de la artista en nuestra provincia\, un conjunto de más de 20 obras de diversos tamaños\, series y períodos: totémicas\, aladas\, monumentales y petits\, realizadas durante más de treinta años de trayectoria\, desde su radicación en París en 1948 hasta su fallecimiento repentino en 1982. Las obras provienen de importantes colecciones privadas y públicas de nuestro país. En palabras de Mercedes Casanegra\, curadora de la exposición\, esta muestra “constituye el retorno triunfal y consecuente de aquella jovencita\, quien en 1927 llega a San Juan\, a sus 14 años de edad y con sólida convicción de estudiar bellas artes. Sus primero estudios en arte los realizó en la Escuela de Artes y Oficios “Obreros del Porvenir” de nuestra ciudad. \nBreve biografía de la artista Alicia Penalba\nNació en 1913 en San Pedro\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina. De padres españoles\, desde muy niña se manifestó su vocación por el dibujo y la pintura. Tuvo como maestro a Zadkine\, y tomó contacto con los grandes nombres de la escultura contemporánea: Jean Arp\, Brancussi\, Giacometti en la Académie de la Grande Chaumiére. Estimulada por la obra de Hans Arp\, Brancusi y Giacometti\, Alicia Penalba\, con su propio estilo\, durante más de treinta años creó una colosal obra que fue reconocida universalmente por la crítica especializada y por los más variados públicos de todo el mundo. \nArtista/s:\nAlicia Penalba \nCurador/es:\nMercedes Casanegra \nHorarios\nAbierto\nDe martes a domingos y feriados\, de 12 a 20hs. \n(Visita guiada a las 18hs) \nCerrado\nLunes (excepto feriados)
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:X Premio Nacional de Pintura Banco Central 2017
DESCRIPTION:Estableciendo lazos interinstitucionales\, el MUMBAT recibe a esta importante muestra que permitirá apreciar diferentes miradas en torno al arte contemporáneo. La heterogeneidad de resoluciones y estilos permitirá dinamizar las salas para el disfrute de los visitantes. La última edición de este característico certamen contó con la participación de 927 artistas que enviaron sus obras desde diferentes puntos del país. El prestigioso jurado selecciono 27 piezas para ser expuestas en el Museo de Banco Central\, entre las que se hallan las premiadas y adquiridas en las 5 categorías\, además de las 5 menciones realizadas a artistas jóvenes\, menores de 35 años. Las obras ganadoras actualmente forman parte del patrimonio pictórico permanente del BCRA en el ámbito de su sede\, declarada Patrimonio Histórico Nacional. El jurado encargado de realizar esta selección de piezas pictóricas estuvo conformado por los siguientes referentes: Mariana Rodríguez Iglesias\, Roberto Amigo\, Claudia del Río\, Florencia Battiti y Lucas Di Pascuale\, además de contar con la presencia de la curadora Eva Grinstein. El Museo de Bellas Artes\, tendrá el honor de recibir en sus salas esta interesante elección de pinturas integrada por 27 obras. Los artistas que se presentarán en esta ocasión son ANSALDI\, Valentina; AYBAR\, Evangelina; BERNARD\, Enrique; BOHTLINGK\, Florencia; CAMBRE\, Juan José; CAROSELLA\, Alejandro; CARRICAJO\, Javier; CODEGA\, Laura; DOMÍNGUEZ NACIF\, Nicolás; ESTOL\, Leopoldo; FERNÁNDEZ\, Guadalupe; FLORIDO\, Víctor; GONZÁLEZ\, Florentina; HERRERA\, María Gimena; LANDET\, José Luis; LANZI\, Federico; LINDNER\, Lux; LÓPEZ\, Valeria; MACIA\, Ailin; MARRONE\, Gustavo; MEIRAS\, José Luis; MOSEL \, Kirsten; PAIVA\, Adrián; PECCI\, Fátima; POCETTI\, Ornella; REY\, Juan y TSCHOPP\, Leila. \nMuseo Municipal de Bellas Artes de Tandil (MUMBAT) \n+ INFO
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LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil (MUMBAT)\, Chacabuco 357\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Democracia en obra
DESCRIPTION:Democracia en obra fue una gran exhibición colectiva y multidisciplinaria que abordó la democracia\, sus valores y fundamentos\, así como una mirada a la experiencia democrática en la Argentina y en el mundo. La exposición fue una oportunidad para reflexionar sobre el presente y promover nuevas formas de pensar y ver el futuro y estuvo acompañada de un panorama histórico y cultural de los treinta y cinco años de democracia ininterrumpida en la Argentina. \nLa inclusión y el desarrollo social\, los derechos humanos\, la historia y la tradición simbólica fueron materia de reflexión de las obras de los más de treinta artistas argentinos y extranjeros convocados especialmente. La extraordinaria selección de obras\, que incluyó tanto a figuras clave y de gran reconocimiento como a jóvenes creadores\, se destacó por la diversidad de soportes y disciplinas artísticas. Democracia en obra incluyó instalaciones de sitio específico\, pinturas\, esculturas\, intervenciones\, performances\, videoarte y fotografías. \nEn Democracia en obra se exhibieron trabajos de: \nArtistas argentinos\nHugo Aveta\, Franco Basualdo\, Amaya Bouquet\, Martín Carrizo\, Chiachio & Giannone\, Andrés Denegri\, Juan Carlos Distéfano\, Eduardo Gil\, Karina Granieri\, Grupo Etcétera\, Carlos Herrera\, Alicia Herrero\, Liliana Maresca\, Gustavo Marrone\, Marta Minujín\, Mondongo\, Luna Paiva\, Margarita Paksa\, Federico Manuel Peralta Ramos\, Cristina Piffer\, Liliana Porter\, Mica Priori\, Liv Schulman\, Pablo Suárez\, Horacio Zabala. \nArtistas extranjeros\nPierre Ardouvin (Francia)\, Yael Bartana (Israel)\, Emilio Chapela (México)\, Regina José Galindo (Guatemala)\, Marco Godinho (Portugal/Francia)\, Voluspa Jarpa (Chile)\, Zaq Landsberg – Sofía Gallisá Muriente (Estados Unidos – Puerto Rico)\,  Antoni Muntadas (España)\, Oliver Ressler (Austria)\, Pablo Uribe (Uruguay). \nLa propuesta expositiva\, que se desplegó en diez salas de las plantas del segundo y cuarto piso\, hilvanó los siguientes ejes temáticos: Territorio\, Estado\, Diversidad\, Comunidad\, Gobierno\, Ciudadanía\, Libertad\, Ética\, Poder\, Futuro\, Equidad\, Justicia\, Conflicto\, Consenso\, Derechos Humanos\, Verdad\, Libertad de expresión y Soberanía. Las obras exhibidas invitaron de diferentes formas a pensar y reflexionar sobre las múltiples implicancias de la democracia en el plano social y en la praxis cotidiana. \nPara enriquecer el abordaje\, la muestra incluyó el Laboratorio de Democracia\, con conferencias\, charlas y debates a cargo de intelectuales de renombre expertos de distintas disciplinas que discutieron los temas presentes en cada eje de la exhibición. Además\, se realizaron mesas redondas conformadas por referentes del mundo del arte\, la ciencia\, la filosofía y la historia; performances artísticas que abordaron conceptos democráticos a través del cuerpo y la palabra; ciclos de cine y video arte; workshops con artistas\, críticos y periodistas especializados; encuentros con los creadores de las obras de arte; realizaciones multimedia y propuestas participativas. El programa se completó con talleres multidisciplinarios para toda la familia; visitas guiadas para escuelas y público general. \nDel 19 de mayo al 9 de diciembre de 2018 – Salas del segundo y cuarto piso \n+ INFO
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LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"ART REVOLUTION TAIPEI 2018"
DESCRIPTION:Art Revolution Taipei 2018 \n\nLa octava edición de la feria se celebra del 18 al 21 de mayo. \nEl pintor peruano José De la Barra ha sido seleccionado\, como en las últimas ediciones\, para participar en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Revolution Taipei 2018\, que se celebra en Taiwán el próximo mes de mayo y es una de las más importantes del mundo.  Allí\, según explica el artista plástico peruano\, las obras no solo se podrán ver en Taiwán sino también en otras muestras de arte contemporáneo de Pekín y Shanghái. \n\n+ INFO
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LOCATION:Art Revolution Taipei\, 11F\, No.167\, Sec.5\, Mingsheng E. Rd.\, Taipei\, Taipei\, Taiwan
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SUMMARY:Tropicália y Éden\, de Hélio Oiticica
DESCRIPTION:TROPICÁLIA Y ÉDEN\nEstas dos obras\, consideradas entre las más importantes del artista brasileño Hélio Oiticica\, son instalaciones penetrables que invitan al público a sumergirse en el universo del carioca a través de experiencias sensoriales. \nEl espectador forma parte\, recorre con los pies descalzos un espacio habitado por aves\, plantas tropicales\, agua\, piedras y alfombras de revistas\, y así se va conectando con el espíritu de la búsqueda de Oiticica: un arte que nos desafía a asumir un rol más activo. \nTropicália es un laberinto sin salida\, un mapa que funciona como una crítica al estereotipo de Brasil como paraíso tropical y que pone en escena la estética de las favelas como símbolo nacional. Su alcance fue tal que a fines de la década del ’60 influyó en el surgimiento del Tropicalismo\, un movimiento cultural brasileño de intención renovadora. \nEn Éden hay espacios diseñados para que el público pueda relajarse y conectarse con un estado de ocio que Oiticica consideraba indispensable para lograr una libertad interior tal que lo llevara hacia la creatividad. La obra da un paso más allá en la abstracción y se desprende\, entonces\, de las imágenes para poder reflexionar. \nTropicália y Éden llegan a Buenos Aires tras un exitoso paso por Nueva York y Londres\, entre otras ciudades\, en 2017. \n«Tropicália\, con su multitud de imágenes tropicales\, es una especie de condensación de varios lugares reales. Tropicália es un tipo de mapa: es un mapa de Río y es un mapa de mi imaginación. Es un mapa en el cual uno entra. En Tropicália creé una especie de escena tropical\, con plantas\, guacamayos\, arena\, piedras\, guijarros\, grava … La sensación terrible que sentí allí dentro fue como si estuviera siendo devorado por mi propio trabajo\, como si fuera un gran animal. Interpreté esto como si una transformación estuviese siendo procesada en mi trabajo y pensamiento. El problema de la imagen se presenta aquí objetivamente\, y si bien el mismo es universal yo lo propongo como típicamente nacional\, tropical y brasileño. Quise acentuar este nuevo lenguaje con elementos brasileños en un intento extremadamente ambicioso de crear un lenguaje que fuera nuestro\, erigiéndose frente a la imagética internacional del Pop Art en la que una buena parte de nuestros artistas estaban sumergidos. \nEn Éden traduje mis experiencias personales en algo abierto. Al fin\, esas cabinas son todas parecidas. Todas están basadas en una sensación de ocio\, son un lugar donde acostarse\, donde pensar. La arena\, la paja\, en las que uno se acuesta o permanece de pie\, son nada más que accesorios para algo que siempre se relaciona con una condensación de percepciones; se trata de estar en una situación donde uno puede liberar dentro de sí algunas cosas esenciales. Éden es un «campus» experimental\, una especie de aldea donde todas las experiencias humanas son permitidas. Es un lugar mítico para las sensaciones\, para las acciones y para la construcción del cosmos interior de cada uno – por eso\, se dan proposiciones abiertas e incluso materiales brutos y crudos para que el participante lleve a cabo acciones con ellos. Nunca estuve tan contento como con el proyecto de Éden. Me sentí completamente libre de todo\, incluso de mí mismo.» \nHélio Oiticica\n\nDel 04.05 al 01.07 | Salón Mayor. Entrada libre y gratuita.\n\n\n\nMartes a jueves de 14 a 19 h\nViernes\, sábados\, domingos y feriados de 10 a 21 h\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Usina del Arte\, Agustín Caffarena 1 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rogelio Yrurtia. Canto al trabajo
DESCRIPTION:Curada por Andrea Elías directora del Museo Casa de Yrurtia\, (Ministerio de Cultura de la Nación)\, presenta obras y documentos del monumento Canto al trabajo\, uno de los grupos escultóricos más sobresalientes del arte argentino\, inaugurado en 1907 en la plazoleta ubicada en Paseo Colón e Independencia\, de la ciudad de Buenos Aires. \nYrurtia recibió el encargo del monumento de la municipalidad de Buenos Aires en 1907\, y a partir de ese momento su propuesta original fue modificándose y creciendo en cantidad de figuras a lo largo de los años que le llevó la realización en su taller parisino. Canto al Trabajo\, fundido en los talleres de Alexis Rudier en París\, se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1922. El grupo se expone allí hasta 1927 fecha en la que se lo instala en la Plaza Dorrego (San Telmo)\, lugar en el que permanece una década. \nLas esculturas en bronce que se presentan son estudios para el monumento y forman parte de la colección del Museo Casa de Yrurtia.  La fundición\, realizada a partir de los yesos que conserva la institución\, fue encargada por Lía Correa Morales -esposa del escultor- durante su gestión como directora. \nLa muestra incluye retratos y material de archivo del museo\, y del Instituto Tarea de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Podrá visitarse hasta el 29 de julio.
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LOCATION:MAT Museo Arte Tigre\, Av. Victorica 972\, Tigre\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:GUSTAVO VÉLEZ. Origen
DESCRIPTION:El día 19 de abril a las 7:30 pm la galería de Arte Enlace Arte Contemporáneo inaugurará la exposición individual de esculturas del artista colombiano Gustavo Vélez\, en Av. Camino Real 1123 de San Isidro. \nGustavo Vélez\, Medellín\, Colombia\, 1975; Estudió en la Academia Lorenzo de Medici en Florencia\, Italia y concluyó su formación en los talleres de Pietrasanta\, lugar que frecuenta desde hace más de 20 años y en el cual tiene actualmente su estudio de escultura. \nLa muestra consta de alrededor de 15 esculturas trabajadas en mármol carrara\, gris y negro\, bronce y aluminio\, de mediano y gran formato. En el trabajo de Gustavo Vélez\, sobre todo en la serie actual de obras\, se pueden apreciar conjeturas en torno a propiedades geométricas\, su progresión\, el pliegue\, en especial la geometría del cubo\, su superfoliado. Son intuiciones del espacio desarrolladas plásticamente. Vemos un ejercicio de (auto)didáctica esquemática en el desarrollo de prácticas de proporcionalidad\, esquemas con órdenes determinadas de construcción y desarrollo. \n«Busco la armonía en las líneas para que la dureza y la pesadez de los materiales tengan un toque de delicadeza y transparencia. Creo que el desafío es lograr que la escultura se vuelva ligera y que flote en el espacio como una provocación del infinito”. \n“Cuando estoy frente a un bloque de mármol\, quiero disolver ese cubo y convertirlo en movimiento\, girarlo sobre un eje. Geometría\, dentro de Geometría”. Gustavo Vélez \nEn Japón\, ha realizado muestras en galerías de Tokio\, Utsunomiya\, Iwaki y Yokohama. Su última exposición en Japón fue en 2015 en la Galería Seiho de Tokio. Vélez ha realizado exposiciones en reconocidas galerías y museos de China como el Museo de la Ciudad Imperial de Beijing. También ha participado en las ferias Art Shanghai\, KIAF de Corea y Art Stage de Singapur. En el 2009 realizó la escultura monumental “Flying”\, Mármol Blanco Coreano que se ubicó en el Parque de Esculturas Art Valley de Seúl. \nEn Europa\, Gustavo Vélez ha participado en ferias de arte en Londres\, Madrid\, Barcelona y Mónaco. Además\, cuenta con una trayectoria ya consolidada como artista presente en Pietrasanta\, Toscana Italiana a la que llegó en 1996 y en la que concentra la mayor parte de la creación de sus obras en mármol y bronce. En el 2013 fue elegido para la muestra individual de escultura que se realiza en esta localidad italiana\, en la emblemática Piazza del Duomo y la Chiesa di Sant`Agostino con esculturas de bronce\, acero y mármol que llegaban hasta los siete metros de altura y ocho toneladas de peso. \nEn el continente Americano ha participado en ferias y muestras en Estados Unidos\, Ecuador\, México\, Venezuela\, Panamá\, Colombia y Perú. Sus esculturas\, pudieron ser observadas durante el 2011 y 2012 en el Museo Arqueológico y Contemporáneo de Guayaquil\, el Museo de Arte Moderno de Cuenca y el Museo de Arte Moderno de Quito\, en Ecuador. Así como en el Museo de Arte del Tolima\, en Colombia. \nLa muestra GUSTAVO VÉLEZ podrá ser visitada en La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO hasta el día 1 DE JUNIO en el horario de lunes a sábados de 11.00 am a 8:00 pm; la entrada es libre y gratuita.
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LOCATION:Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Jirón Breña 281 Breña\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:TRANS / CIS
DESCRIPTION:  \nEn el concierto del arte contemporáneo peruano\, Jorge Eielson (1924-2006) y Emilio Rodríguez-Larraín (1928-2015) han pasado de ocupar lugares claves en un panorama a detentar posiciones francamente fundacionales en una historia. Contemplar el cambio en la fortuna crítica de ambos en el ámbito peruano desde 1979 a la fecha revela una transformación del gusto y un re-centramiento del arte actual en aras de la definición de una contemporaneidad propia\, al punto que al día de hoy la escena local de lo contemporáneo no podría imaginarse a sí misma sin la existencia de ambos: son figuras que ostentan procesos y trayectorias deslumbrantes. En el mundo de las consagraciones instantáneas que marcan la actualidad\, son dos individualidades creadoras que ejemplifican integridad y entrega\, audacia y sabiduría\, y de este modo resultan ejemplares entre los ya consagrados y se constituyen en verdaderos faros para los aspirantes. \nRevolver Galería ofrece al público un singular diálogo entre obras de ambos creadores en el espacio de su nuevo local en El Olivar de San Isidro. Desde la Bienal de Venecia de 1964\, en la que se destinó un área limitada para el montaje de los artistas que conformaban el envío peruano\, no se ha dado una presentación conjunta de obras de Eielson y Rodríguez-Larraín\, en profusión\, dentro de un mismo y acotado espacio expositivo. Ni siquiera en la III Bienal de Trujillo de 1987 estuvieron en esta proximidad. \nSus procesos creadores\, bien diferenciados entre sí\, se prestan\, sin embargo\, para evidenciar la riqueza inherente al nacimiento de lo contemporáneo en el Perú. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín se convirtieron en su larga estadía en Europa en peruanos esenciales que decantaron su comprensión de las distintas hebras de un patrimonio estético nacional\, en medio de intercambios con lo más radical del arte europeo de su tiempo\, a través de su amistad y condición casi de fellow-travellers\, o compañeros de ruta\, de los artistas europeos inconformistas de su tiempo. \nSi la propuesta de juntar obras de ambos resulta audaz es porque busca hacer del señalamiento de sus distancias estéticas el eje principal para construir el reconocimiento de una necesaria coexistencia complementaria\, piedra angular de la contemporaneidad artística peruana. Y no se trata de hacer el retrato de un punto de origen binario. Lejos de ello\, la muestra celebra lo proteico y contrastante tanto entre dos artistas de sensibilidades de una audacia irreprimible\, como dentro de los hoy inverosímiles procesos de creación que cada uno siguió. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín son de la estirpe de los creadores inclasificables que crean obra multiforme e inagotable\, podría decirse que siguiendo el comportamiento de la naturaleza. \nEn la práctica artística de ambos hubo lugar tanto para la creación material y las presencias objetuales\, como para planteamientos conceptuales-proyectuales y las presencias efímeras y deleznables. Pero\, mientras que es frecuente que el azar\, la desmesura y la exactitud geométrica se den cita paradójicamente en la sensibilidad visionaria de Rodríguez-Larraín\, en la de Eielson la materialidad y el color se tensan y amalgaman en un cuerpo sexuado y generan un efluvio gozoso que alude\, además\, a la incertidumbre como principio de la ciencia. \nRodríguez-Larraín y Eielson encontraron una razón de ser en el arte más allá de las convenciones y a través de sus obras se muestran innovadores en las profundidades del espíritu\, trabajadores incansables en una renovación cultural que aún está por venir. \nPor Jorge Villacorta
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LOCATION:Galeria Revolver\, Pasaje de José Olaya 110\, cercado de Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Clara Carrié. Los designios del grabado.
DESCRIPTION:En Sala 2\, el museo invita a una gran muestra homenaje de la artista Clara Estela Carrié Domínguez (Ushuaia 1901 – Buenos Aires 1985)\, quien tuvo vínculos familiares muy próximos con nuestra provincia. La exhibición de sus trabajos significa también la exhibición de su vida y pasiones\, su destreza técnica\, su mirada sobre los cuerpos y su representación. Se trata además de la puesta en valor de un riquísimo fondo de obras que salen a la luz\, producto de las tareas de rescate y estudio realizadas en nuestro museo.\nLa exposición dará cuenta de la labor de la artista en la disciplina del grabado y el dibujo\, rescatando gran parte de su producción conservada en el patrimonio del museo.\nLa artista Clara Carrié era hija de Félix Augusto Carrié y Romana Elisa Domínguez\, sanjuaninos que cumplieron importantes funciones públicas en la provincia y el exterior\, supieron sentar los lazos que la artista mantendría con San Juan y los artistas de la época.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:“Dinámicas Geométricas” de ROGELIO POLESELLO
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) abrió este viernes sus puertas a “Dinámicas Geométricas” de Rogelio Polesello\, uno de los artistas más importantes de la historia pictórica argentina. \nA través de sus obras el espectador transita “un largo recorrido que va desde los agitados años sesenta hasta nuestros días”\, detalló Ivana Quiroga\, coordinadora de Museos\, y explicó que este pintor y también escultor “utilizó diferentes técnicas\, disciplinas y lenguajes\, explorando los límites de la abstracción geométrica\, óptica y cinética”. \nRodrigo Alonso\, curador de la exposición\, ahondó en la profundidades del creador del arte óptico\, “logrando ser considerado uno de sus mayores exponentes en Latinoamérica”. “Trabajó desde un lugar lúdico\, colorido y con mucha participación del espectador” y “a lo largo de su carrera transitó por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico”. \nRespecto a las obras\, el curador describió que son pinturas y acrílicos y que el reconocimiento del artista fue en década del 60 “por la producción de unos acrílicos con lentes que hace que todo lo que se vea a través de ellos se distorsione en sus lienzos”. \n“Aquí es donde entra la participación del espectador porque se ve muy diferente a través de estos acrílicos”\, concluyó Alonso. \nLa muestra que inaugura este viernes y que se podrá ver hasta el 3 de junio\, reúne piezas de acrílico y pinturas que pertenecen a las últimas producciones de Polesello\, además de algunas piezas consideradas representativas de los años sesenta. \nComo es habitual\, el ingreso al MNBA Neuquén es abierto y gratuito\, en tanto que las visitas guiadas se realizan de martes a domingo\, puntualmente a las 19. \nINAUGURACIÓN Dinámicas Geométricas de Rogelio POLESELLO  \nViernes 23/3 – 20 hs en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Neuquén \n Entrada libre y gratuita
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LOCATION:MNBA Neuquén\, Calle Mitre y Santa Cruz\, Patagonia\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:Josefina Robirosa\, Antológica 1956-1997
DESCRIPTION:“El cuadro se pinta solo. Al pintar hay un mapa interior que uno pone afuera. Claro que el cuadro es mejor cuanto mejor es ese mapa”. \nJosefina Robirosa -de ella es la cita- ciertamente tenía un atlas maravilloso en su interior\, un mapamundi que traspasó las fronteras de los estilos\, una cartografía que utilizó para pintar una trayectoria plena de riqueza y sentido\, un plano que la guió en sus numerosas búsquedas y que derivó en múltiples hallazgos. Muchos de ellos forman parte de “Antológica 1956-1997”\, la muestra que se exhibe en Casa Victoria Ocampo\, en Barrio Parque. Con esta contribución a la revisión y revalorización de la obra de Robirosa\, el Fondo Nacional de las Artes(FNA) abre el calendario de exposiciones artísticas temporarias 2018\, año de su 60º aniversario. \nDesde sus inicios en la pintura\, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo\, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora\, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90\, y durante ocho años\, formó parte del directorio de la entidad. En 2016\, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales. \nMercedes Casanegra\, curadora de la muestra\, comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que\, a mediados de los años 50\, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega. \nEn 1957\, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de ´Siete Pintores Abstractos´\, entre quienes se contaban Martha Peluffo\, Kazuya Sakai\, Rómulo Macció y Clorindo Testa. \nEn esa época\, Robirosa “practicaba una abstracción cálida\, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea\, inmediata\, en un tono contenido y sutil”\, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas\, que disponía\, a menudo\, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes\, que plasmó en témperas\, dibujos y monocopias”\, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas\, a otros seres animados\, al universo\, a las máquinas imaginarias. \nHacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. “En esa vertiente\, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego\, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo”\, explica Casanegra. \nHacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”\, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”\, dijo en el momento del cambio. \nEste encuentro con la naturaleza\, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra\, pueden verse del 15 de marzo al 15 de mayo en la muestra de CVO.
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LOCATION:Casa Victoria Ocampo\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Vallejo y otras tintas
DESCRIPTION:La Galería Modus Operandi presenta “Vallejo y otras tintas” una muestra individual del artista peruano Ricardo Wiesse uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria muy sólida. Un pintor formado por sus lenguas\, mitos y tradiciones artísticas e influido por sus raíces indígenas sudamericanas. Ricardo Wiesse (Lima\, 1954) estudió Letras y Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, y Grabado en el Atelier 17 en París y en la Slade School of Fine Arts en Londres. Ha sido profesor en diversas escuelas de Arte y es autor de varios murales cerámicos a escala urbana. Desde 1999\, produce paralelamente óleos abstractos y realistas\, paisajes del santuario prehispánico de Pachacámac\, el desierto de Ica y la costa de Lima. Sus imágenes no figurativas fusionan influjos visuales del arte contemporáneo occidental y la estética del mundo andino prehispánico. \n«Vallejo y otras tintas» se asienta sobre cuatro series realizadas en los últimos años. La principal y de la que toma el título la muestra es “Azules de Vallejo”\, 34 páginas sueltas que pueden colgarse en un muro\, juntarse en una caja u ocupar el estante de una biblioteca. Cada una lleva el título del poema donde he encontrado la palabra “azul”\, o voces afines. Estructuras lineares entrecruzan Imágenes y textos en planteos lúdicos. Cada verso o segmento presentados han sido los puntos de partida\, pretextos para componer este tributo visual a una obra escrita imperecedera. \nDe un intenso periodo de duelo nació la serie “Noche cerrada”\, un trabajo sobre papeles negros y grises\, el conjunto explora territorios definidos por curvas intersectadas\, figuras geométricas\, o retículas que conviven con destellos mínimos en el espacio sombrío. \n“Hojas de álbum” son tramas formadas por círculos y conexiones ondulantes de tonos desvaídos rojo sepia que aluden a los textiles bordados o pintados por los artistas originarios de los desiertos y montañas andinas. \n“Álbum” es una sola hoja doblada y extendida que se inició al lado derecho y concluyó al izquierdo\, al revés de la convención lectora de los textos occidentales. Abiertos como un acordeón desmontado\, sus temas y variaciones engarzan presentes simultáneos\, y la sucesión\, un story board de siluetas que parecen hundir sus señas en la arena. Este diario gráfico de marzo de 2016 transcurre entre rectas\, curvas abiertas y cerradas\, paralelas\, contornos de ancho diverso\, puntos que se esfuman en el vacío intacto. \n+ INFO
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LOCATION:Galeria Modus Operandi\, Calle Lope de Vega\, 31\, Madrid\, Madrid
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SUMMARY:Roberto Cortés  "Viva la Vida"
DESCRIPTION:Viva la Vida es un recorrido por las obras más recientes de Roberto Cortés. La muestra trata de las pinturas que nacieron o que acompañaron al artista en un camino a través de la enfermedad\, su anticipación mística y su resolución redentora. La presencia de la muerte\, los recuerdos de la infancia\, las preguntas filosóficas y otras que no lo son tanto\, aparecen contadas con el humor y color que caracterizan la obra de Cortés\, con un estilo muy sólido y definido. Un viaje desde y hacia la vida. \nArtista: Roberto Cortés \nCurador: Tobías Cortés \nMás sobre el artista y el curador \nRoberto Cortés es egresado de las escuelas Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano\, Prilidiano Pueyrredón (Especialidad Pintura y Grabado)\, y de la superior Ernesto de la Cárcova (Especialidad Pintura). Participa de los cursos Introducción a la Creatividad por E. Renart\, y Jung y los Símbolos del Arte por H. Haber. Asistió a numerosos salones y recibió varios premios\, entre los que se destacan el  1er .Premio Salón de Rafaela\, 2do Premio Salón Boca Juniors y Mención de Honor en Salón Banco Provincia 2017. \nTobías Cortés es egresado de la Universidad del Cine en Dirección\, trabajó en Cine y TV con directores como Hugo Santiago\, Miguel Kohan e Inés de Oliveira Cezar\, como Asistente de Dirección y Producción\, Montajista y Camarógrafo. Desde el 2006 trabaja en diversos teatros independientes de Lomas de Zamora como actor\, director\, tallerista\, gestor y productor. Gestionó el 1er. Festival de Varieté y Café Concert del Conurbano Sur 2015. Como dramaturgo y director\, se destacan sus trabajos “Amputar”\, “Espiritismo” y “Livor Mortis”. \n  \nCentro Cultural Recoleta: Junín 1930 – CABA \nEntrada: Gratuita \nHorarios: Martes a viernes de 13.30 a 22:00 hs. Sábados\, domingos y feriados de 11.30 a 22:00 hs. \nSalas 3\, 4\, y 5 \n#VivalaVidaenelRecoleta\n#CortésenelRecoleta
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SUMMARY:RODIN\, CENTENARIO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje al escultor francés a un siglo de su muerte con la exhibición de un conjunto de esculturas y dibujos de la colección del Museo. Dos obras clave\, La Tierra y la Luna y El beso\, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin\, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó nuestro museo nacional. \nSalas 10 y 20\, Planta baja \nCurador/a: Mariana Marchesi
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LOCATION:Museo Nacional Bellas Artes\, Av. del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Sueños de una pluma" de SiLvina Baz
DESCRIPTION:«El arte no se explica\, se siente»\nBaudelaire \nSilvina Baz conoce su oficio. Es de esas artistas que nunca paran de aprender\, que siempre están ávidas de conocer algo más: una nueva técnica\, un nuevo recurso\, una manera más de aproximarse a la imagen. Trabaja incansablemente\, tiene una actitud de búsqueda permanente y de experimentación constante. \nPor eso su obra se diversifica\, y lo que le despierta interés se puede encontrar en grabados\, pinturas\, dibujos o fotografías. Esta diversidad no se plantea desde las certezas\, sino como una necesidad expresiva. Porque toma un tema y lo desgrana en toda su extensión\, lo aborda por todos los ángulos posibles\, no renuncia hasta no sentir que de verdad le sacó todo el provecho necesario. Ahondando en cada tema\, de una misma matriz consigue obras no sólo diferentes sino casi opuestas\, apelando a los colores y a las maneras de disponer los elementos. La obra se va convirtiendo en un juego donde las reglas se van construyendo a medida que se avanza. \nLas plumas ejercen una doble fascinación sobre Silvina Baz: como símbolo\, como metáfora\, pero también como elemento en sí mismo. La pluma como ejemplo de equilibrio\, de simetría\, de forma\, pero también como herramienta\, como dueña del hacer\, como vehículo de la acción. Dentro de la obra\, la pluma se convierte en sujeto\, dibujado\, tallado\, grabado\, y en objeto\, entintada\, agregada o pegada directamente sobre el papel\, con su presencia real\, interrogándonos. \nToda la obra remite a una simbología personal\, individual\, que sin embargo cada espectador siente extrañamente cercana. Silvina trabaja con la pasión de quien se sabe vulnerable\, transformando su fragilidad en la energía desbordante con la que enfrenta cada obra. \nFlorencia Salas\nCuradora\, Dibujante\, Gestora de Arte
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LOCATION:Museo Municipal de Artes Plsticas «Juan Bautista Tapia»\, Matheu 322\, San Antonio de Areco\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“El escarabajo en los Mundos Imaginarios”
DESCRIPTION:Este sábado\, a partir de las 20.00 horas\, en el Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio se llevará a cabo la muestra “El escarabajo en los Mundos Imaginarios” de Hugo Urlacher\, pintor oriundo de Buenos Aires\, donde la figura humana es el eje de su obra\, es su expresión más íntima. \nEl secretario de Cultura\, Adrián Vila expresó: “es un gran pintor argentino\, sus trabajos son hermosos; esperemos que los vecinos chivilcoyanos puedan venir a disfrutarlo porque va a ser una muestra de un pintor excelente”. \nLuego agregó: “en el marco de la muestra\, el pintor nos va a donar una de sus obras para el Museo. Para nosotros es un honor\, hace un tiempo que estamos con la idea de ampliar el patrimonio del Museo y esto es un buen inicio”. \nAsimismo\, desde el Pompeo se tiene programado como posibilidad\, que\, si esta muestra tiene buenos resultados y repercusión\, el centro de la primera muestra que se realice el año próximo podrá ser la obra de arte donada por Urlacher. \nCabe destacar que\, en la exhibición de este sábado\, Urlacher va a realizar una pintura en vivo.“Vamos a tener la oportunidad de disfrutar\, de ver como pinta y los colores que nos interesa tanto en la piel que utiliza Urlacher”\, explicó María del Carmen Ruggirello. \nTambién\, en el marco de dicha exposición estarán presentes artistas locales\, del “Grupo de Arte Pinceladas Chivilcoyanas”\, integrado por María Alejandra Ranni\, Ana Peiti\, Analía Roggiano\, Cecilia Simone\, Claudia Alessandrini\, Fabiana Rocha Plaul\, Gastón Banfi\, Gisela Bengochea\, Graciela Granero\, Graciela Piñeiro\, Griselda Martínez\, Jorge Torricelli\, Julio Orihuela\, Mónica Cauda\, Paola Gusmerotti\, Soledad Gusmerotti\, Patricia Conde\, Sandra Palmentieri\, Sonia Ippólito\, Fernanda Torricelli\, Martha Plaul Rocha\, Nicolás Torricelli\, Elizabeth Ortiz y María del Carmen Ruggirello. \nPor su parte\, Adrián Vila manifestó que se anunciará “el primer Salón Adquisición de esta gestión\, que hace del año 1997 que no se hace. Es una gran muestra donde se van a exhibir aquellos trabajos que concursan. Los tres primeros trabajos ganadores van a tener un premio\, y después van a haber algunas menciones. Un premio con la adquisición de 10 mil pesos\, otro de 8 mil y otro de 5 mil pesos”. \nLos jurados serán: el Curador del Museo Sívori y Profesor de la Universidad de Buenos Aires\, Nicolás Javaloyes; la artista plástica Mirta Narosky y Carla Moyano\, Profesora y Directora de la Escuela de Artes Visuales de Chivilcoy. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio\, Bolívar 319\, Chivilcoy\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PERLA MARGULIES “De mitos y leyendas”
DESCRIPTION:La Secretaria de Cultura de Entre Ríos a través del Museo Artemio Alisio\, invitan a la inauguración de la muestra titulada “De mitos y leyendas”\, de la artista de Buenos Aires PERLA MARGULIES en la misma se exhibirán\, aguafuertes\, monotipos y técnicas mixtas. \nLa misma se inaugurara el viernes 3 de noviembre de 2017 a las 20\,00 hs\, en Sarmiento 612\, de Concepción del Uruguay\, Entre Ríos. \nLa muestra se podrá visitar de martes a sábados de 8\,30 a 12\,00 hs. y de 17\,00 a 20\,30 hs. \nSeries: “El flechero”\, “Suspendidos”\, “Desborde” y “Religiosidad popular” \nEn “De mitos y leyendas”\, Perla Margulies presenta el fruto de una década de trabajo resumido en cuatro series de grabados. Consolidadas sus imágenes a partir de la investigación iconográfica y técnica\, los rasgos recurrentes son el lirismo y la expresividad\, engarzados en la arquitectura de la composición\, y un juego de texturas que crean ambientes psicológicos inquietantes. Figuras humanas\, estructuras y paisajes se organizan a partir de la resignificación de la memoria\, el testimonio directo\, la realidad social o el mito. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/perla-margulies-de-mitos-y-leyendas/
LOCATION:Museo Artemio Alisio\, Sarmiento 612\, Concepción del Uruguay\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea en el MACBA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea\, una exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. \nTras la primera muestra de Arte Generativo –realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960– Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos\, próximos al arte concreto\, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético. \nInternacionalmente reconocido por su imagen generativa\, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión\, mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que\, dentro de sus últimos trabajos\, interpretaron un grupo de piezas de arte africano. \nEl guión curatorial reúne pinturas\, cajas cinéticas\, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana\, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia\, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma. \nHorario de visita:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes: 11 a 19hs.\nSábados y domingos: 11 a 19:30 hs.\nMartes: cerrado. \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires: Av. San Juan 328\, San Telmo \n 
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LOCATION:MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rafael Soriano: El artista como místico
DESCRIPTION:La mayor exhibición de la obra del pintor cubano Rafael Soriano\, que muestra no solo su mundo geométrico y surrealista sino también objetos personales\, abrirá sus puertas este sábado en Miami en el Museo de Arte Patricia y Phillip Frost de la Universidad Internacional de la Florida \nEl pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015) fue un aclamado maestro de la abstracción geométrica y una figura mundial en el mundo del arte del siglo XX; Su trabajo resonó con artistas internacionales de origen latinoamericano como Roberto Matta\, Rufino Tamayo y Wifredo Lam. Como resultado de la Revolución en Cuba\, en 1962 Soriano emigró a los Estados Unidos. Un examen sin precedentes de la obra de su vida\, esta exposición se centra en las múltiples influencias que alimentaron un estilo donde\, en sus palabras\, «lo íntimo y lo cósmico convergen». Con más de noventa pinturas\, pasteles y dibujos de la Colección de la Familia Rafael Soriano\, así como otras instituciones y colecciones privadas\, El artista como místico\, comienza con las obras de Soriano en el estilo abstracto geométrico cubano. Luego se traslada a su transición\, pinturas experimentales de los años 1960 y 1970 que recuerdan el biomorfismo surrealista. La exposición concluye con imágenes luminosas y místicas en pinturas de la madurez de Soriano. Organizada por el McMullen Museum of Art del Boston College en colaboración con la Fundación Rafael Soriano\, la exposición ha sido comisariada por Elizabeth Thompson Goizueta\, miembro de la facultad del Departamento de Lenguas y Literaturas Románicas de Boston College. El Boston College y los Patronos del Museo McMullen han proporcionado un gran apoyo. El catálogo de la exposición que acompaña es publicado por el Museo McMullen y editado por Elizabeth Thompson Goizueta. \n+ INFO
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LOCATION:The Patricia & Phillip Frost Art Museum (FIU) / Florida International University\, University Park. 10975 SW 17th Street\, Miami\, Florida\, United States
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SUMMARY:“Formas dulces y sentimentales” Jorge Demirjian
DESCRIPTION:El pintor Jorge Demirjian inaugurará la exposición “Formas dulces y sentimentales” en el Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia (Armenia 1366\, CABA) el próximo jueves 26 de octubre a las 19:30 hs. \n“Jorge Demirjian es uno de los representantes más genuinos del genio creador del pueblo armenio y orgullo de nuestra comunidad”\, destacaron desde la Asociación Cultural Armenia. \nLos organizadores de la muestra explicaron que Demirjián es “una de las figuras más representativas de las artes plásticas contemporáneas\, precursor de la neofiguración en nuestro país\, una escuela que abrió nuevos surcos en la plástica moderna“. \nLas obras de Demirjian están en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Arte Contemporáneo (Buenos Aires)\, Museum of Modern Art (Nueva York)\, University Art Museum (Texas)\, Museo de Arte Moderno (Bogotá)\, Museo de Bellas Artes de Ereván (Armenia)\, Biblioteca Nacional de París\, Banco de Boston y Fond National d´Art Contemporain (París). \nLa exposición se puede visitar hasta el 14 de noviembre con entrada libre y gratuita\, lunes y sábados de 11 a 20 hs. y domingo de 11 a 15.
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LOCATION:Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia\, Armenia 1366\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Diez miradas sobre Buenos Aires
DESCRIPTION:Horacio Coppola\, Guido Chouela\, Sara Facio\, Alberto Goldenstein\, Nacho Iasparra\, Claudio Larrea\, Sameer Makarius\, Gian Paolo Minelli y Harry Grant Olds. \nUna exposición sobre Buenos Aires con la obra de diez fotógrafos de distintas generaciones\, estilos y puntos de vista que han registrado diferentes aspectos de La Ciudad. Se trata de un cruce de miradas que es a la vez testimonio y celebración de un lugar. \nLas fotos tienen a la vez un gran sentido estético según\, como se dijo\, la época a la que cada uno de ellos pertenece y su propio estilo y concepto artístico. Pero a la vez es indudable que todos\, con estas fotografías\, dejan un testimonio invalorable de diferentes lugares de esta ciudad. \nEn uno de los tantos poemas que Jorge Luis Borges dedica a su ciudad leemos: “La ciudad está en mi como un poema / Que no he logrado detener en palabras” \nQuizás la fotografía logre aquello a lo que alude nuestro gran escritor y consiga fijar en imágenes lo que la palabra apenas puede insinuar. \n+ INFO
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LOCATION:jorge Mara\, Paraná 1133\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Exhibición del artista italiano Alfredo Lazzari (1871-1949)
DESCRIPTION:Llegado a la Argentina en 1897\, Alfredo Lazzari (1871-1949) es reconocido por la calidad de su obra y su labor docente al frente de un importante grupo de artistas boquenses entre los que destacan Benito Quinquela Martín\, Fortunato Lacámera\, Arturo Maresca\, Luis Ferrini y Santiago Stagnaro. \nLa exhibición incluye un destacado conjunto de obras provenientes en su mayoría de la colección familiar\, que abarcan no sólo su valioso repertorio de paisajes\, sino también otras obras vinculadas a la producción religiosa y de temática orientalista. El conjunto incluirá también piezas nunca antes vistas como bocetos y cerámicas decorativas que denotan su variada formación técnica. \n\n\n\n\n\nClausura 4 de diciembre.\nSalas Eduardo Sívori y Miguel C. Victorica.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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SUMMARY:La única verdad - Mario Gómez
DESCRIPTION:Mediante una profunda exploración técnica\, las obras presentadas en esta muestra del destacado artista nacional Mario Gómez\, lidian con los problemas del material y el color como agentes de una narrativa propia. Esta se presenta despojada de pautas o coordenadas que ordenen las razones de ser de los silenciosos individuos que habitan sus paisajes\, como la maduración del pintar y su relación –siempre presente– con la inagotable búsqueda por hallarse tras la imagen. la muestra la componen pinturas sobre tela y papel y esculturas en bronce y cerámica\, que resumen la producción del artista de los últimos años.\nHorarios ciclo Lunes a sábado\, 10 a 20 hrs.\nentrada general ciclo Entrada liberada.\nFecha inicio y finalización:  11 de octubre al 30 de noviembre 2017.
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LOCATION:Universidad Catolica de Chile\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 340\, Santiago\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:LILIANA MARESCA: EL OJO AVIZOR. OBRAS 1982 – 1994
DESCRIPTION:Esta gran retrospectiva de la obra de Liliana Maresca (Buenos Aires\, 1951 – 1994) recorre 12 años de su producción artística\, desde 1982 hasta 1994\, año de su muerte. La exposición se basó en un trabajo de cuatro años de investigación\, con el que el Museo se propuso rendirle homenaje y recuperar la potencia de una artista sumamente necesaria para entender el presente. \nMaresca fue una de las constructoras más activas de una comunidad artística interdisciplinaria gestada en el under hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales de la sociedad\, como la situación política del país y el VIH\, que la afectó personalmente. \nCon una energía siempre avasallante\, buscó expandir las fronteras del arte\, desdibujando sus espacios\, categorías y disciplinas\, siempre en confrontación con la realidad sociopolítica. Además de estimular la reconstrucción comunitaria en democracia\, tuvo la capacidad de captar y retransmitir —como si ella misma fuese una poderosa antena— aquello que era central y urgente en un contexto social agitado. Su práctica artística abarcó desde un manifiesto íntimo y político sobre el cuerpo\, el amor y la sexualidad\, hasta la violencia social\, tanto de la Argentina como internacional. \nAlgunas de las obras expuestas fueron: Una bufanda para mi ciudad\, Mascaritas\, Lavarte\, Kermesse\, las series de fotografías realizadas en colaboración con Marcos López\, las esculturas de la serie “No todo lo que brilla es oro”\, la instalación Recolecta y videos que documentan la obra Ouroboros y la exposición La Cochambre. Asimismo\, se reconstruyeron las instalaciones Wotan Vulcano\, Imagen pública- Altas esferas y El Dorado. La exposición cierra con dos proyectos en la sala del 1° piso: Espacio disponible y Maresca se entrega a todo destino. \nBio\nFue principalmente autodidacta\, aunque a mediados de los setenta comenzó a asistir a talleres en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y tomó clases con algunos artistas\, entre ellos Emilio Renart. A principios de 1980 comenzó a participar activamente en la escena artística del under porteño\, en espacios como el Café Einstein y la revista El Porteño . Además de organizar y participar en exposiciones colectivas\, trabajó en forma colaborativa con artistas como Ezequiel Furgiuele y el fotógrafo Marcos López. A principios de los noventa\, expuso sus proyectos en el Centro Cultural Recoleta y en el Casal de Catalunya.
URL:https://fadla.org/calendario/liliana-maresca-el-ojo-avizor-obras-1982-1994/
LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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