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SUMMARY:Beatriz Moreiro. Habitantes del otro reino
DESCRIPTION:Sobre la exhibición\nHabitantes de otro reino?\, es una serie de dibujos y una instalación conformada por un fardo de eucaliptos poblados de hongos de acero inoxidable\, que recrean estas especies y que son habitués en la zona del Litoral.\nEl eucaliptus suplanta a los árboles originarios de la región\, que poco a poco\, se han ido extinguiendo por la depredación del hombre o del fuego. \nEn esos espacios\, antes monte o selva\, el hombre planta el eucaliptus para usar su madera y transformarla en postes de iluminación\, en muebles para el hogar y de esta manera preservar el monte natural. \nEn estos lugares\, habitados por árboles de distintas especies\, entre otros\, podemos encontrar una variedad de hongos que no son plantas\, es un mundo distinto constituído por una miríada de organismos esenciales para la vida en el planeta. \nTexto curatorial\nToda vez que los buscadores del oro han comenzado a destruir las selvas mediterráneas en nombre de la civilización\, y que sólo en un libro de este género podría sobrevivir un tenue soplo del misterio que ellas guardaron… \nRicardo Rojas El país de la selva (Advertencia preliminar) \nBeatriz Moreiro\, oriunda de Florida\, Buenos Aires\, se convirtió por elección y de manera progresiva en habitante de la tierra en una quinta al costado de la ruta que une las ciudades de Resistencia y Corrientes\, en la provincia del Chaco\, en contacto con el monte\, su flora y su fauna locales. \nEsta vez\, invitada por la galería Quadro de la Boca\, Buenos Aires\, donde las propuestas s? ite specific son bienvenidas\, eligió otra especie de su admiración\, los hongos\, cuya filiación al reino vegetal ha sido discutida por los expertos. Se trata de otros pobladores del monte – central razón para la artista- misteriosa e infinita especie que irrumpe al ras de la Tierra. Así\, a los hongos se los ha denominado\, a menudo\, como ‘habitantes de otro reino’. \nEn el singular espacio blanco de la galería\, la esquina en ochava de las calles Caffarena y Ministro Brin\, La Boca\, edificio centenario\, la artista proyectó una instalación mixta de elementos naturales y de dibujos. Los protagonistas en esta exposición de la artista chaqueña por adopción\, aparecen de dos maneras: el dibujo sobre papel y el grabado sobre metal. \nAsí\, en el gran escenario urbano y en el interior de la galería\, la artista proyectó una puesta en escena con elementos de su entorno natural. Creó en versión ?site specific\, ?un gran fardo de troncos de eucaliptos\, árbol que reemplaza a las especies autóctonas en extinción como los tipos diversos de quebracho. Estos fueron especialmente trasladados por barco desde Paso de los libres\, Corrientes. Rodeado por alambre\, ese gran objeto instalado en la parte inferior de la pared más visible de la galería\, evoca de manera simbólica al escenario donde los hongos surgen de manera natural en el monte chaqueño\, como también al cuidado acto simbólico de enfardar de la artista\, que marca también su acto de respeto hacia la naturaleza. Así\, los hongos de acero\, con sus líneas dibujadas y grabadas de manera sutil por la artista\, fueron dispuestos tal como lo suele dictar su propia biología en el entorno natural\, tanto sobre la madera como\, en su exceso\, trepando sobre la pared. \nAsí también\, como cierta elegida flora autóctona\, los hongos devinieron en tema de los dibujos de Beatriz Moreiro\, esta vez en gran tamaño. Y\, a través del trabajo experto de la artista con el grafito\, los hongos cobran en ellos un rol protagónico único que abarca casi la totalidad del soporte. Esto los vuelve magnificentes\, los agiganta. Se podría sugerir que ese cambio de escala sugiere de manera simbólica la valoración destacada de las ofrendas que el planeta Tierra le otorga al género humano\, y de la cuales la artista de manera sutil destaca. Por otra parte\, se vuelve necesario poner de relieve otro aspecto de estos dibujos\, y que les confiere también identidad. Aparece algo así como un rasgo interpretativo\, ya que en la observación atenta de estos diseños\, los hongos parecen por momentos metamorfosearse en flores\, producto tal vez\, de una imaginación fantástica. \n  \nBeatriz Moreiro\nHabitantes del otro reino\nDesde el 16 de octubre al 14 de diciembre de 2019 \nQuadro\nAgustín R. Caffarena 199\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Cesar Paternosto. La mirada excentrica
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 8 de octubre a las 19 “César Paternosto: la mirada excéntrica”\, una muestra curada por el director del Museo\, Andrés Duprat\, que reúne 38 obras del pintor\, escultor e investigador César Paternosto (La Plata\, Argentina\, 1931)\, creadas en los años 60\, 70 y 2000\, varias de ellas\, exhibidas al público por primera vez. \n“En la producción de Paternosto –explica el curador–\, la abstracción significa; abunda en connotaciones físicas e ideales que solo una visión lateral permite descifrar. Se trata de una geometría que reclama un pasaje al orden oculto de las cosas”. \nLa experiencia visual que plantea la producción de Paternosto –agrega Duprat– interroga sobre la presencia de las formas en el mundo. Pero\, además\, “lleva a los límites la bidimensionalidad de la pintura\, apostando a la deconstrucción de las convenciones pictóricas con una propuesta singular: trabajar sobre los bordes del cuadro”. \nUno de los núcleos de la muestra reúne obras de los años 60\, que se destacan por el uso del color y las formas ondulantes\, ritmos curvos de bandas coloridas que se recortan contra el marco y parecen exceder los límites de la tela. Se exhibirán “shaped canvases” y telas estructuradas que\, si bien son autónomas\, coparticipan de una imagen solidaria\, en colores planos y homogéneos. \nEn 1969\, Paternosto propuso el concepto de la “visión oblicua”: revirtiendo las jerarquías de los elementos del cuadro\, el borde del bastidor concentra el interés. “A fines de los 60\, comencé una serie de pinturas que se convirtieron en una dirección frecuente en mi trabajo –explica el artista–. En ese momento\, se evidenció claramente para mí que\, poniendo el énfasis en ubicar lo pintado sobre los extremos exteriores del bastidor de la pintura\, y dejando la superficie frontal en blanco\, vacía de toda imagen\, cuestionaba el hábito ancestral de solamente experimentar las pinturas desde sus frentes. Esta situación me develó la posibilidad de ʻlo lateral y ʻoblicuoʼ como modo de ver”. Esta estrategia de pintar los cantos –plasmada en algunas de las piezas que se exhibirán en la muestra– obliga al observador a desplazarse para lograr la imagen total. \nMuchas de las obras de la muestra –provenientes de la colección del artista\, y de colecciones públicas y privadas\, como el Bellas Artes\, el Museo Emilio Pettoruti\, el Museo de Arte Moderno y la colección Eduardo Costantini– se exhibirán al público por primera vez. \nNovedad de la exposición\, en la sala 40 del Museo se presentará una instalación de sitio específico inédita\, titulada “Deconstrucción pictórica”\, que es la consumación de la pintura-objeto del artista. Extremando sus postulados\, permitirá a los visitantes sumergirse en una de las creaciones de Paternosto a escala monumental: cada vista de la instalación propone tantos subcuadros como personas la recorran\, revirtiendo las jerarquías para que sea el espectador quien complete el sentido de la obra. Acompañará la pieza una serie de trabajos en papel realizados por el autor en las últimas décadas. \nTambién se exhibirá en la sala 38 una pieza de pintura acrílica sobre madera concebida específicamente para esta exposición\, “Continuidad tectónica”\, que pasará a integrar la colección del Bellas Artes. \nEn ocasión de esta muestra\, el Bellas Artes editará un catálogo bilingüe español-inglés que incluye el cuerpo de obra\, y textos de Duprat\, del director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza\, Guillermo Solana\, y de la historiadora del arte María José Herrera\, además de una cronología de Paternosto escrita por el artista\, con un recorrido detallado de su trayectoria. \nLuego de la inauguración\, el martes 8 de octubre a las 19\, “César Paternosto: la mirada excéntrica” podrá visitarse hasta el 2 de febrero de 2020 en las salas 37 a 40 del primer piso del Museo. \nHorarios:  martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado) \nAv. del Libertador 1473\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n\nDejamos aquí el catálogo de la exposición para su visualización o descarga. \nhttps://media.bellasartes.gob.ar/h/Publicaciones/paternosto.pdf \n\n\n+ INFO
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LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:Ladislao Magyar "Pinturas en tiempos confusos"
DESCRIPTION:«Pinturas en tiempos confusos» Exposición temporaria del 28 de septiembre al 27 de octubre. \n«La cultura líquida moderna ya no siente que es una cultura de aprendizaje y acumulación\, como las culturas registradas en los informes de historiadores y etnógrafos.\nA cambio\, se nos aparece como una cultura del desapego\, de la discontinuidad y del olvido»\nZygmunt Bauman \nEl sábado pasado Magyar puso nuevamente en escena la vigorosa y colorida imagen de sus pinturas en el Museo Benito Quinquela Martín. \nComo es característica en sus obras\, sus vigorosos personajes se entremezclan en diferentes planos y fragmentaciones que por momentos conforman escenas lindantes con el caos y que invitan a ser reconstruidas mediante la lectura. \nComo en otras oportunidades\, el eje central de su muestra gira alrededor de las convulsiones económicas que impactan sobre la vida cotidiana con sus consiguientes efectos asfixiantes sobre el hombre contemporáneo. \nLa muestra permanecerá en exhibición hasta el 27 de octubre  en Av. Pedro de Mendoza 1835\, La Boca\, Capital. \nEscrito por Mario Gilardoni
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SUMMARY:Alfredo Londaibere. Yo soy santo
DESCRIPTION:Para Alfredo Londaibere (Buenos Aires\, 1955-2017) la pintura podía concentrar toda la capacidad expresiva de un artista y toda la verdad sobre el arte. El Museo de Arte Moderno celebra su obra con una exposición retrospectiva con curaduría de Jimena Ferreiro. La pintura para Londaibere representó su medio\, su lenguaje y su campo de acción\, que exploró desde múltiples perspectivas a través de sus diferentes roles como artista\, docente y curador. También se convirtió en una herramienta para la experimentación de diversas técnicas con las que revisitó los géneros tradicionales\, y se transformó en una vía para alcanzar un estado espiritual que se hizo cada vez más explícito en su obra. Su espiritualidad se expresó en un modo de hacer metódico\, intimista y solitario que delimitó un programa estético gobernado por la intuición\, el goce y la contemplación que configuró un ethos de trabajo austero y disciplinado\, que lo fue alejando de las rutinas de la sociabilidad contemporánea. \n  \nAlfredo Londaibere\n(Buenos Aires\, 1955 – 2017)\nSe formó en el taller de Araceli Vázquez Málaga durante gran parte de los años 70\, donde estudió visión\, composición\, teoría del color\, historia del arte\, dibujo y pintura. Durante los 80 continuó su formación brevemente con Oscar Smoje. Producía obra sistemáticamente\, aunque no participaba prácticamente del circuito de exposiciones y salones de la época. En paralelo\, mantenía un vínculo fluido\, aunque no regular\, con el Grupo de Acción Gay\, con quien compartió lecturas sobre teoría social\, un activismo micropolítico y una sociabilidad que lo relacionó con Jorge Gumier Maier y Marcelo Pombo. Hacia el final de la década asistió a las clínicas de obras de Pablo Suárez\, Luis Wells y Kenneth Kemble en el Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (actual Recoleta). Un poco más integrado\, expuso sus primeros trabajos en bares y discotecas como Cemento y Bolivia. Desde la fundación de la galería de arte del Centro Cultural Recoleta formó parte del grupo de artistas vinculados a la gestión de Gumier. Allí presentó en 1989 su primera exposición individual Mapas y pinturas\, la cual consideró como una “retrospectiva”. Luego volvió a exponer en 1991\, con curaduría de Magdalena Jitrik\, y una última vez en 1992. \n  \nEn 1991 participó de la primera edición de la Beca Kuitca junto con Jitrik\, Graciela Hasper\, Tulio de Sagastizabal\, Daniel García\, Daniel Besoytaorube\, Sergio Bazán\, entre otros. Fue becado por la Fundación Antorchas en 1995 para asistir al taller de Barracas\, bajo la dirección de Luis Fernando Benedit y Pablo Suárez. Fue docente también en el área de artes plásticas del Centro Cultural Ricardo Rojas hasta su muerte\, y en su taller donde tuvo numerosos alumnos. En 1997 reemplazó a Gumier Maier como curador en el Rojas hasta 2002. \nExpuso en forma individual en la galería Mun (1993)\, Instituto de Cooperación Iberoamericana (1996)\, Alianza Francesa (1998)\, Belleza y Felicidad (2000 y 2002)\, Centro Cultural San Martín (2005)\, Centro Cultural Recoleta (2009)\, Jardín oculto (2011) y Galería Nora Fisch (2015)\, entre otras. \n  \nAlfredo Londaibere\nYo soy santo\nDesde el 26 de septiembre de 2019 al 23 de marzo de 2020 \nMAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Imágenes de ida y vuelta.
DESCRIPTION:El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires inaugura la exhibición Imágenes de ida y vuelta. Artistas españoles y argentinos a comienzos del siglo XX el viernes 6 de septiembre\, a las 18:30. Ese mismo día se inaugurará el nuevo teatro-auditorio que presentará una variada programación para todas las edades. \nEsta exhibición da inicio al eje Color del programa anual Narrativas Cruzadas\, un proyecto de la Dirección General de Patrimonio\, Museos y Casco histórico mediante el cual se interrelacionan las distintas formas de entender las dinámicas artísticas que atraviesan las colecciones de los Museos de la Ciudad\, con las nuevas muestras y el público. Curaduría del Eje Color: Sebastián Vidal Mackinson. \nLa exposición propone una relectura contemporánea de las relaciones artísticas entre España y Argentina. En total se presentarán 51 obras -incluyendo documentos\, cartas y notas- que recrean la relación de nuestra historia del arte con la del país ibérico\, sobre todo durante las primeras tres década del siglo XX. \nEl guión curatorial de María Elena Babino gira en torno a las obras que los artistas españoles y argentinos de principios del siglo XX produjeron en el entramado de sus relaciones y en la experiencia de sus viajes. Desde la centralidad que tuvieron Joaquín Sorolla\, Hermenegildo Anglada Camarasa e Ignacio Zuloaga entre los artistas argentinos de comienzos del siglo XX se analizarán las identidades y alteridades. \n\n\n\n\n\nActividades complementarias:\nMiércoles 11 de septiembre 18 h.\nConferencia: «El mito adquiere forma: Mallorca pintada por artistas argentinos». Dra. Francisca Lladó Pol\, Universidad de las Islas Baleares. \nArtistas españoles y argentinos a comienzos del siglo XX\, a cargo de Francisca Lladó Pol\, especialista e investigadora de la Universidad de las Islas Baleares. \nJueves 12 de septiembre 17 h.\nVisita comentada con la curadora de la exposición\, María Elena Babino y Francisca Lladó Pol\, investigadora mallorquina.\nActividad libre con la entrada al museo. \nMiércoles 9 y 16 de octubre 17h.\nVisita comentada con la curadora de la exposición\, María Elena Babino.\nActividad libre con la entrada al museo. \n\nHorario de visita a la muestra:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes desde las 12 a las 19 h.\nSábados y domingos desde las 10 a las 20 h.\nMartes cerrado al público \nEntrada general: $50\nJubilados\, personas con discapacidad y estudiantes con acreditación: gratis\nMiércoles: entrada libre y gratuita. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Larreta\, Juramento 2291\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:BAphoto 2019 en La Rural
DESCRIPTION:Posicionadas estratégicamente en la zona central del pabellón\, las 29 galerías nacionales e internacionales que constituyen el Sector Principal de BAphoto 2019 representan la producción más relevante de la feria. Artistas con trayectoria y galerías con peso en el mercado del arte son los protagonistas del sector. \nLas galerías que forman parte del Sector Pincipal en esta décimo quinta edición son:\n AG Studio (Buenos Aires)\, Aldo de Sousa (Buenos Aires)\, Arte Online (Buenos Aires)\, Artis (Cordoba)\, ASZ Fine Art (Buenos Aires)\, Black Gallery (Maldonado)\, Carmen Araujo (Caracas)\, Cecilia Caballero (Buenos Aires)\, Crudo Galeria (Rosario)\, DC Arte (Bogotá)\, Diego Ortiz Mujica (Buenos Aires)\, Eduardo Lira (Chile)\, Fotema (Buenos Aires)\, Gachi Prieto (Buenos Aires)\,  Gallery Labs (Miami)\, Imaginario (Buenos Aires)\, La Sala (Santiago de Chile)\, Matilde Bensignor (Buenos Aires)\, Nora Fisch (Buenos Aires)\, Oda Oficinas de Arte (Buenos Aires)\, OM Arte Contemporáneo (Buenos Aires)\, Pasto (Buenos Aires)\, Quimera (Buenos Aires)\, Rolf Art (Buenos Aires)\, Ruth Benzacar Galería de Arte (Buenos Aires)\, Sasha D (Córdoba)\, Struka (Buenos Aires)\, Via Margutta (Cordoba)\, Younique (Lima)\, Vasari (Buenos Aires)\, Zona de Photo (Buenos Aires).\n\nInformación útil:\n6 al 8 de Setiembre de 2019 – 14 a 21 hs.\nLugar: La Rural. Predio Ferial de Buenos Aires Pabellón 8. Avenida Sarmiento 2704\, CABA\nEntrada general: 200 pesos\nEntrada reducida: 100 pesos (Jubilados y estudiantes acreditados)\n2×1 Club de La Nación\n+ INFO
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LOCATION:La Rural. Predio Ferial de Buenos Aires Pabellón 8.\, Avenida Sarmiento 2704\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:José Luis Maccari Enigma y seducción
DESCRIPTION:Maccari refiere a la travesía del Eros en consonancia con la sabiduría del pintor que pretende dar testimonio de su capacidad creadora sin hacer concesiones\, sin caer en la copia y el narciso. Un desafío que emprende en los años sesenta\, en la serie “Relieves”: construcciones abstractas\, geometrías paradigmáticas que nos arriman al eneagrama\, un esquema volumétrico de transformación personal en el que se involucrará años más tarde. En su última producción\, “Constructivismos disruptivos”\, deviene el color y la materia. Lo gestual se presenta como discurso de su infancia en el barrio de la Boca\, con sus casas de madera\, sus paredes descascaradas donde habita el corroer del tiempo. Ambos períodos invitan a recorrer la seducción por el relieve. Una travesía de encuentros con el pasado. Un compromiso de autoconocimiento (por Ana Raviña)
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LOCATION:Museo Lucy Mattos – Arte Contemporáneo\, Av. Libertador 17.426 Beccar\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Juegos de azar"\, de Alda Armagni.
DESCRIPTION:Desde el viernes 9 de agosto a las 19 hasta el domingo 15 de septiembre de 2019 de martes a viernes de 10 a 19\, sábados y domingos de 16 a 19\, con entrada libre y gratuita.\nRecordando los relatos que alguna vez le contaron sus amigos y las leyendas collas que tantas veces leyó en su taller de grabado en Buenos Aires\, mientras prepara sus matrices\, Alda Armagni incursiona en la aventura de nuevas experiencias gráficas.\nY si cada discurso entraña una historia\, si los relatos siempre emergen en un contexto y son frutos de su tiempo\, se harán evidentes en cada una de sus estampas. Además de los lenguajes lejanos en el tiempo\, aparecen en sus obras huellas semánticas del caótico y convulsionado Siglo XX.\nComponer y descomponer\, construir y deconstruir\, de eso se trata el proceso de producción de esta artista.\nAllí van sus seres\, generando nuevas historias\, pero sobre todo compartiendo un mismo destino: lo imprevisible.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti\, Av. 51 525\, Casco Urbano\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Panorama. Artistas de Jujuy
DESCRIPTION:El jueves 8 de agosto a las 19hs se inauguró en las Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones (San Martín 857\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires)\, una nueva edición de Panorama\, ciclo que apoya y difunde la escena contemporánea de las artes visuales de las distintas regiones del país. \nEn esta ocasión\, se exhiben dibujos\, pinturas\, esculturas e instalaciones de artistas de la Provincia de Jujuy: Andrea Campos\, Froilán Colque\, Alejandro López\, Antonio Mamani\, Víctor Montoya\, Alejandro Teves y María Candelaria Traverso. Curador invitado: Sergio Cruz. \nARTISTAS \nAndrea Campos\nNació en San Salvador de Jujuy. En 1994 comenzó sus estudios artísticos\, especializándose en la disciplina de Pintura. Desde 2001 participa en salones a nivel provincial y nacional\, en los que recibió premios y menciones. Expuso sus trabajos en muestras colectivas e individuales en las provincias de Salta\, Córdoba\, Santa Fe\, Buenos Aires. Participó del programa Argentina Pinta Bien bajo la selección de Florencia Battiti. Con el tiempo se inclinó a estudiar Teatro y a producir obras teatrales como directora y autora de obras desde 2005 hasta la actualidad. Incursionó también desde el espacio y el concepto con Instalaciones de las que recibió menciones. Actualmente se desempeña como artista y docente en escuelas de su provincia. \nFroilan Colque\nNació en 1967. Realizó sus estudios artísticos en el Profesorado de Artes Plásticas de Jujuy. Participó en diversas muestras en distintos puntos del país: Museo de Arte Contemporáneo de La Plata (MACLA)\, Museo del Banco Provincia en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. A nivel Internacional\, expuso su obra en Francia\, Brasil y Chile. Entre sus últimos premios\, se destacan el Primer Premio Salón de Artes Visuales Provincial en 2015 en la categoría Dibujo y el Primer Premio de Pintura del Salón de Escribanos de Jujuy en 2016.\nwww.facebook.com/froilan.colque.9 \nAlejandro López\nNació en 1983 en San Salvador de Jujuy. Actualmente reside en la Ciudad El Carmen\, Provincia de Jujuy. Tomó clases particulares con el artista Tulio De Sagastizábal en Buenos Aires durante 2018. En 2017 obtuvo la Beca de Formación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes (FNA). Fue convocado a participar en el Programa “La Marca Original” Arte contemporáneo argentino en la TV Pública\, representando a la Provincia de Jujuy. Integró el proyecto de residencia y muestra visual “Arte Contemporáneo Andino: Argentina\, Chile\, Bolivia\, Hoy”\, auspiciado por el Ministerio de Cultura de la Nación en 2016. Ganó el 2° Premio en el Vº Salón de Dibujo y Grabado de Jujuy 2018\, el 1º Premio en el Salón Provincial de Pintura “Rodrigo Pereira” Jujuy 2017\, 3º Premio “Concurso Ledesma” Jujuy 2015 y Mención de Honor “1er. Salón Provincial de Artes Visuales de Jujuy” 2014\, entre otros. Resultó seleccionado para el Programa “En Frecuencia” por el Consejo Regional Norte Cultura en 2017. Fue Jurado en el XXXIXº Salón Provincial de Pintura “Rodrigo Pereira” Jujuy 2018. Integra el 1º catálogo de artistas MUVIPA – México 2016. Resultó seleccionado por el Fondo Nacional de las Artes para asistir a 2 talleres de Artes Visuales en 2015. Realizó diversas muestras individuales y colectivas en Buenos Aires\, Jujuy\, Salta\, Tucumán\, Santiago del Estero\, La Rioja\, Catamarca y Córdoba. Realizó residencias de arte y resultó seleccionado en salones provinciales y nacionales.\nwww.alejandrolopezarte.com\nwww.facebook.com/alelopez07 \nAntonio Mamani\nNació en 1978 en Palpalá\, Provincia de Jujuy. Desde 2006 vive entre el barrio de La Paternal\, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y su tierra natal\, Palpalá. Es Profesor de Artes Visuales (IFDC N°4 Raúl Scalabrini Ortiz)\, realizó seminarios de perfeccionamientos en la Escuela Superior de Artes Ernesto de la Cárcova\, con orientación Escultura y Dibujo y cursó en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Participó en diversos encuentros y simposios de escultores nacionales e integró distintas muestras colecticas e individuales\, como la Muestra Colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata (MACLA)\, 2018; y Muestra Colectiva en el Banco Provincia de Buenos Aires\, 2018\, entre otros. Hace más de 10 años trabaja y vive del oficio de Escultor realizando producciones escenográficas para TV\, teatros\, parques temáticos y publicidades. Obtuvo distinciones y selecciones en diversos Salones de Artes: Selección en Pintura\, Salón Provincial\, Jujuy\, 2018; Salón Manuel Belgrano\, Museo Sívori 2017 (Selección Escultura – 2018)\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Salón Provincial de Artes Visuales (Selección Instalación – 2017)\, Jujuy; Salón Provincial de Artes Visuales (Selección Dibujo – 2017)\, Jujuy; Salón Manuel Belgrano\, Museo Sívori (Selección Escultura – 2016)\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires; Primer Premio en Escultura Salón Provincial de Artes Visuales 2015\, Jujuy; Salón Nacional de Artes Visuales\, Palais de Glace (Selección Escultura – 2015)\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires y Salón Manuel Belgrano\, Museo Sívori (Selección Escultura – 2014).\nwww.instagram.com/antoniomamanni\nwww.facebook.com/antonio.mamanni \nVíctor Montoya \nNació en Córdoba y desde 1970 reside en Jujuy. Estudió en la Escuela Provincial de Artes de San Salvador de Jujuy.  Ejerció la docencia durante varios años y actualmente desarrolla una ininterrumpida actividad profesional en su taller\, participando en innumerables muestras colectivas e individuales en el país y el extranjero. Sus obras se encuentran en museos y colecciones públicas y privadas de Argentina\, Colombia\, Bolivia\, República Dominicana\, Estados Unidos\, Francia y China. Sus obras participaron en subastas del Museo Eduardo Sívori\, en Buenos Aires\, Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles (MOLAA\, Estados Unidos) y en subastas de beneficencia. Sus obras fueron expuestas en la Secretaría de Cultura de la Nación\, Museo Rosa Galisteo de Rodríguez (Santa Fe)\, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano MACLA\, etc.\, y colecciones públicas y privadas del país y el mundo. Obtuvo numerosos premios\, entre los que destacan: Primer Premio Pintura Salón de la Fundación Ingenio Ledesma\, Jujuy (2005 y 1987); Premio Mención\, Salón Manuel Belgrano\, Museo Eduardo Sívori (2005); Premio “Pedro Víttori” Museo Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fé (2001); Mención Honorífica\, Salón Nacional de Pintura Museo Fernando Fader\, Mendoza (1997)\, Primer Premio Pintura LXXXV° Salón Nacional de Pintura\, Secretaria de Cultura de la Nación\, Rosario (1996); Primer Premio Pintura\, Salón Provincial de Pintura\, Dibujo y Grabado de Jujuy (1990 y 1991); Mención Especial del Jurado “VIII° Salón de la Fundación Banco del Noroeste Coop. Ltda.”\, Salta (1988).\nwww.artemontoya.com\nwww.instagram.com/montoya2784\nwww.facebook.com/victor.montoya.16 \nAlejandro Teves \nEs artista plástico y Profesor en Artes Visuales (IES N° 4 “Raúl Scalabrini Ortiz” – Jujuy). Actualmente reside en la Provincia de Jujuy. Obtuvo varios premios y distinciones\, entre los que sobresalen: Mención Especial del Jurado\, Salón Provincial de Artes\, Jujuy (2019); 3er Premio Salón Regional NOA de Pintura Bicentenario del Éxodo Jujeño\, Jujuy (2012); Primer Premio de la 3ª Bienal Nacional de Pintura Ciudad de Rafaela\, Provincia de Santa Fe (2009); Selección Premio Argentino de Artes Visuales de Fundación OSDE\, Muestra Nacional Galería Imago\, Buenos Aires (2006); y Mención de Honor del Jurado del Concurso Bienal Premio Federal Artes Visuales 2004\, organizado por el Consejo Federal de Inversiones (CFI). Realizó diversas muestras individuales\, entre las que destacan: “20 abriles”\, en el Centro de Arte Joven Andino (CAJA) en San Salvador de Jujuy (2019); “Pinturas\, Ale Teves 17/18”\, en el Centro Cultural Tizón\, en San Salvador de Jujuy (2018); “Pinturas\, Alejandro Teves 2016”\, en Culturarte\, San Salvador de Jujuy (2016); “Un passo attraverso” en la Galleria Amantea\, en Italia (2016); “Qui homo spectat”\, en la Galería de Arte Virginia Cornejo\, Jujuy (2014) y en Gallery Art Collective Florianópolis\, en Brasil (2014); “Pinturas y dibujos”\, en Culturarte\, Jujuy (2014) y Galería Mamore\, Salta (2014); “Relación y sensación”\, en el Aarhus Art Gallery\, Santa Fe (2010). También participó en diversas muestras colectivas\, como “Pintar un futuro”\, Galería Chen’s Art en Taipei\, Taiwán (actualmente en exhibición); “Pintar un futuro”\, Chiayi performing Arts Center\, Taiwan (2016); “Movements in freedom”\, De Kunstpraktijk Galerie\, en Holanda www.dekunstpraktijk.nl (2016); “No Boundarie International Art Colony” www.nbiac.org en Wilmington\, Carolina del Norte\, Estados Unidos (2014); “Pintar un futuro”\, George Town y Ciudad del Cabo\, Sudáfrica\, Brasil y Francia (2006-2011).\nwww.instagram.com/teves_alejandro\nwww.facebook.com/alejandro.teves.9 \nMaría Candelaria Traverso\nVivó su niñez en Jujuy y realizó sus estudios en la UNC\, en donde se graduó en Artes Visuales. En 2017 se trasladó a Buenos Aires en donde realizó el programa de Agentes de CIA y la Beca ABC. Realizó diversas muestras en Buenos Aires\, Córdoba y el NOA\, como “LXS CHACRAS” (Castillo Arte Contemporáneo\, Valle Viejo\, Catamarca\, 2018)\, “ABC / muestra colectiva” curada por Claudio Ongaro Haelterman\,(Galería Gachi Prieto\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, 2018)\, “Geométrica y Barata” / Muestra de Agentes de CIA\, (Casa Traxión\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, 2017)\, “Made In” (Centro Cultural Recoleta\, CABA\, 2018) “Entreladazos”\, (Laboratorio\, CABA\, 2017)\, “Ius solis / apropiación del suelo”\, (La Paternal Espacio Proyecto\, CABA\, 2016)\, por nombrar algunas. Formó parte de residencias artísticas\, como Sala/Taller\, en el EAC de Montevideo (Uruguay\, 2018)\, La Paternal Espacio Proyecto (LPEP) en la ciudad de Buenos Aires (2016)\, Muela\, residencia para artistas del NOA (2016) y Residencia Yungas coordinada por Raúl Flores en Tucumán (2015). Sus últimos trabajos fueron seleccionados y expuestos en los premios de la Escultura del Salón Patio Olmos (Córdoba) donde ganó el 2° Premio con su obra “Chakana”\, en la Bienal de Arte Joven de la ciudad de Buenos Aires (2017) en Proyecto A (2017)\, en Fundación Williams de Arte Textil y en el Museo Benito Quinquela Martín (2016)\, entre otras.\nhttp://cargocollective.com/mariacandelaria\nwww.facebook.com/cande.traverso\nwww.instagram.com/maria._.candelaria \n+ INFO
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SUMMARY:COGHLAN de Edgardo Coghlan
DESCRIPTION:El Museo Virreinal de Zinacantepec recibió la exposición “Coghlan”\, para mostrar la obra de Edgardo Coghlan\, uno de los pintores mexicanos más importantes que desarrolló con maestría la técnica de la acuarela. \nEsta muestra refleja el talento que lo ha colocado como referente de la pintura del siglo XX\, ya que sus imágenes son tan realistas que dan la impresión de ser fotografías. \nLos elementos en sus obras incluyen paisajes\, senderos\, océanos\, volcanes\, personas y tradiciones mexicanas. \nEl artista gozó de gran renombre a lo largo de su trayectoria\, enriqueciendo el patrimonio cultural del Estado de México\, entre sus muchos reconocimientos\, fue ganador del Premio Nacional de la Acuarela y el Premio Sinaloa de Ciencias y Artes. \nLa exposición está compuesta por más de 20 obras que pertenecen a la familia del maestro Edgardo Coghlan\, en las que se incluyen también óleos\, acuarelas y dibujos. \nLa muestra se divide en dos partes\, la primera con retratos y costumbres; la segunda\, en paisajes\, la mayoría mexiquenses. \nAlgunos de los títulos de las pinturas expuestas son “El Valle”\, “Astilleros”\, “Venecia”\, “Casa Vieja”\, “Mi camino”\, “La vereda”\, “Niña con cántaro” y “Vendedora de cempasúchil (1 y 2)”\, entre otros. \n“Coghlan” permanecerá abierta al público hasta el día 15 de octubre en el Museo Virreinal de Zinacantepec\, ubicado en Avenida 16 de Septiembre\, San Miguel Zinacantepec\, Estado de México\, con un horario de lunes a sábado de 10:00 a 18:00 horas y domingos de 10:00 a 15:00 horas\, con entrada gratuita.
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SUMMARY:Julio Le Parc. Un visionario
DESCRIPTION:En el marco del homenaje nacional a su trayectoria se presenta la gran retrospectiva Julio Le Parc. Un visionario\, una exhibición que se despliega en múltiples espacios del CCK. El sexto piso reúne una extensa selección de obras del multifacético artista. En la Gran Lámpara se podrán recorrer instalaciones lumínicas y obras que dan cuenta de sus investigaciones cromáticas en grandes telas. La Terraza de la Sala Sinfónica invita al público a participar activamente de los juegos presentados por Le Parc. Por último\, en el subsuelo se podrá ver por primera vez en la Argentina La Tortura\, una obra que evidencia el compromiso del artista por reivindicar los derechos humanos\nJulio Le Parc. Un visionario cuenta con la curaduría de Gabriela Urtiaga –historiadora del arte y Curadora general de Artes Visuales del CCK– y la dirección artística de Yamil Le Parc\, hijo del artista y director artístico del Atelier Le Parc (París\, Francia). \nLa exhibición está abierta al público hasta el día martes 19 de noviembre\, ese día abrirá excepcionalmente como despedida de 13 a 20h. En ocasión de las actividades de Octubre Le Parc y hasta el cierre de la exhibición\, a partir del sábado 12 de octubre la entrada es gratuita para todo público. \nJulio Le Parc. Un visionario celebra los noventa años del artista pionero del arte cinético a nivel mundial\, y su larga y prolífica trayectoria internacional dedicada a la creación. La exhibición recorre la vasta producción de Le Parc\, desde sus primeras obras realizadas en Argentina en 1958 hasta sus creaciones más recientes\, producto de sesenta años de investigación con la luz\, la pintura\, la escultura\, y experiencias participativas. Tras haber sido expuestas en París\, Londres\, Miami\, Brasil y Nueva York\, arriba a Buenos Aires un conjunto de obras imaginadas y realizadas en París. \nLa selección reúne más de 160 obras de Julio Le Parc\, tanto históricas como recientes: desde gouaches y acrílicos sobre tela hasta esculturas lumínicas\, grandes instalaciones móviles\, obras de luz y un espacio nuevo de realidad virtual. \nDurante su trayectoria\, diversas investigaciones llevaron a Le Parc a realizar grandes innovaciones en los campos de la luz\, el movimiento y la percepción\, y a crear obras que estuvieran en constante transformación y alentaran una relación activa entre el espectador y el objeto artístico\, generando situaciones y sensaciones de inestabilidad. Esta fuerte impronta participativa de las obras invita al público a ser protagonista de la gran exhibición. \nComo desde los inicios de su carrera\, Le Parc continúa viendo al arte como un laboratorio social capaz de producir situaciones impredecibles y llevar al espectador a la acción. \nLa exhibición en el CCK se enmarca en el homenaje nacional que se lleva a cabo en conjunto con el Museo Nacional de Bellas Artes\, donde se expondrán las obras realizadas por Le Parc durante su primera década de trabajo\, previamente al viaje a París donde luego estableció su residencia. \nEsta exhibición cuenta con el apoyo de la Embajada de Francia en Argentina y del Institut Français d’Argentine. \nJulio Le Parc. Un visionario\nDel 20 de julio al 10 de noviembre de 2019\nMiércoles a domingos y feriados\, de 13 a 20h \nEntrada general: $100\, incluye el ingreso a las exhibiciones de Julio Le Parc en el CCK y a la muestra Julio Le Parc. Transición Buenos Aires – París 1954/1959 en el Museo Nacional de Bellas Artes.\nMenores de 18 años\, estudiantes\, docentes\, jubilados y personas con discapacidad\, presentando acreditación: sin cargo.\nMiércoles\, entrada general sin cargo. \n\nAcerca de Julio Le Parc\nNacido en Mendoza en 1928\, Julio Le Parc es considerado uno de los grandes representantes del arte cinético y contemporáneo. Se radicó en París en 1958 y en 1960 fundó allí el Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV\, Grupo de Investigación de Arte Visual)\, espacio que se mantuvo activo por diez años. Desde siempre investiga el movimiento y el rol del espectador en el arte. En 1966 obtuvo el Gran Premio de Pintura internacional en la Bienal de Venecia\, evento artístico en el que ha participado en tres oportunidades. La primera retrospectiva de su obra se realizó en Buenos Aires en el Instituto Torcuato Di Tella en 1967. Ha exhibido individualmente en diversas instituciones y museos del mundo\, tales como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York\, el Palais de Tokyo en París\, el Pérez Art Museum Miami (PAMM) en Miami\, el Instituto Tomie Ohtake (ITO) en San Pablo y el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) en Buenos Aires\, entre otros. La BBC produjo un documental sobre su vida y su obra en 1978\, y en 2017 el Canal Encuentro le dedicó un documental que puede verse por la plataforma digital Contar. \n\n+ INFO
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LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Benicio Núñez\, El Fausto Criollo”
DESCRIPTION:Exhibición “Benicio Núñez\, El Fausto Criollo” en la Casa Nacional del Bicentenario. \n¿Qué es? \nLa exhibición reúne las 21 ilustraciones originales con las que el artista argentino Benicio Núñez versionó “El Fausto criollo”\, de Estanislao del Campo. Un recorrido por la particular lectura del clásico nacional\, en la imaginativas y coloridas tintas de uno de los tantos artistas argentinos a redescubrir. La muestra se completa con un video que conjuga el trabajo de Núñez y Del Campo\, realizado en 1985 por la Fundación Alon para las Artes\, organizadores del proyecto. \n¿Por qué ir? \nEs una oportunidad única para conocer la obra de este gran artista que supo alcanzar un grado de afinidad e intimidad con la chispeante versión criolla del Fausto. Sus ilustraciones se alejan\, al igual que el poema\, de la literalidad de los acontecimientos representados\, y es a través de la parodia que ambos –autor e ilustrador– llevan a nuestras pampas un drama universal y lo presentan en clave gauchesca. \n¿Cuándo? Del miércoles 17 de julio al 12 de enero de 2020. Martes a domingos\, de 11 a 20 h \n¿Dónde? Riobamba 985\, CABA \n\nInformación del evento\n\n\nHasta el 12 de enero de 2020\nMartes 11:00 a 20:00 | Miércoles 11:00 a 20:00 | Jueves 11:00 a 20:00 | Viernes 11:00 a 20:00 | Sábado 11:00 a 20:00 | Domingo 11:00 a 20:00 | Feriados 11:00 a 20:00\nActividad gratuita
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SUMMARY:“Bahía de Lima ”\, nueva exposición de Ricardo Wiesse
DESCRIPTION:La municipalidad de Miraflores presenta “Bahía de Lima”\, muestra de pinturas al óleo sobre lienzo que\, en una forma abstracta\, muestran el paisaje costero de Lima mediante la línea y el color. La exposición es realizada por el artista Ricardo Wiesse\, quien sintetiza la observación del horizonte con especial atención en los trazos precolombinos de la Cultura Nazca o en la austeridad de los maestros de la Cultura Chancay. \nLa inauguración de esta colección se realizó el 17 de julio en la renovada Sala Luis Miró Quesada Garland con la presencia del burgomaestre de nuestro distrito\, Luis Molina Arles\, quien habló del trabajo que se hará con Wiesse en el mural de Vía Expresa. \nLa exposición estará abierta al público desde el 18 de julio al 15 de setiembre desde las 10 de la mañana hasta las 10 de la noche y es un perfecto lugar para pasar un tiempo en familia. \nPalabras del Alcalde Luis Molina Arles      \nEs un honor para mí\, inaugurar la magnífica Exposición de pintura “Bahía de Lima” del gran artista Ricardo Wiesse\, y es una satisfacción presentarla en nuestra renovada Sala Luis Miró Quesada Garland. \nQuiero referirme a Ricardo Wiesse\, un extraordinario artista plástico que enseña\, produce y genera trascendencia. Estudió Letras y Pintura en la Universidad Católica del Perú\, y Grabado en el Atelier 17 de París y en la Escuela de Bellas Artes de Londres. \nSu pintura se caracteriza tanto por el dominio de la abstracción\, como de la figuración en la representación del paisaje\, manteniendo en simultáneo ambas propuestas pictóricas. Su arte está influenciado por las cultura pre-incas\, sobre todo las de la Costa\, como las culturas Nazca y Chancay. \nHoy nos brinda a todos los vecinos\, visitantes y turistas\, esta exposición de pinturas en óleo sobre lienzo\, acerca del paisaje costero de Lima. Ricardo busca condensar y reducir los componentes paisajísticos de la costa y sus elementos visuales a elementos básicos\, y lo reconfigura a través de su pintura\, la línea y el color. \nLa Municipalidad de Miraflores promueve el arte y la cultura en sus diferentes expresiones. El contacto con el arte contribuye a despertar y desarrollar aspectos de nuestro ser\, que nos permiten vivir de una manera más integrada y plena. \nAgradecemos a Ricardo Wiesse por su constante aporte al desarrollo artístico y cultural de nuestro distrito.
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LOCATION:Sala Luis Miró Quesada Garland\, Av Jose Larco 450\, Miraflores\, Lima
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SUMMARY:Duilio Pierri "Paradigmas de la Reconquista. Más allá de la ilusión"
DESCRIPTION:La exhibición inspirada en el Desembarco de Santiago de Liniers será inaugurada el 29 de junio\, en el Museo de la Reconquista. Se podrá visitar de manera libre y gratuita\, hasta el 18 de agosto. \nEl Municipio de Tigre invita a la presentación de la nueva muestra de Duilio Pierri\, «Paradigmas de la Reconquista. Más allá de la Ilusión»\, que se realizará el 29 de junio a las 12.30hs\, en el Museo de la Reconquista\, Av. Liniers 818. \nLa exposición contará con 15 obras inspiradas en el hecho histórico y fundante del museo: el desembarco de Santiago de Liniers con sus tropas frente a la institución\, lugar donde se inicia la marcha hacia la Reconquista de Bs As durante la invasión británica de 1806. Se podrá visitar hasta el 18 de agosto. \nEl artista\, vecino del distrito\, hace un recorrido desde el suceso de la derrota de Juan Calchaquí con los indios Quilmes hasta el hundimiento del crucero General Belgrano. Realiza una mirada a las relaciones entre la Argentina y sus habitantes de esa época\, tanto criollos como pobladores originarios\, con el imperio inglés. Algo interesante y distintivo es que Pierri deja todo abierto a la interpretación del público. \nEl Museo de la Reconquista presenta en sus 6 salas permanentes la historia natural y social del partido de Tigre\, desde la formación de las islas del Delta\, los legados de los pueblos originarios y la gesta de Liniers hasta la pujanza inmigrante que dio origen a cada una de sus localidades.Con entrada libre y gratuita\, se puede recorrer de miércoles a domingos y feriados de 10 a 18hs. \n+ INFO
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LOCATION:MUSEO DE LA RECONQUISTA\, Av. Liniers 818. Tigre\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:ANART-PERÚ
DESCRIPTION:Felicitaciones ANART-PERÚ.! \nANART-PERÚ cumple seis años.\nLa institución\, a través del reconocido artista plástico JOSÉ DE LA BARRA y equipo\, trabaja incansablemente brindando apoyo a estudiantes de arte\, autodidactas y artistas profesionales\, asumiendo el compromiso de buscar espacios públicos y galerías para su difusión.\nCon motivo de este nuevo año al servicio de la comunidad artística\, la institución realiza un festejo que esta encabezado por quienes llevan adelante esta iniciativa y\, en esta ocasión\, cuenta con el apoyo del Alcalde Giancarlo Cassasa\, junto a funcionarios de la Municipalidad de Surquillo. \n\nDesde la Fundación Arte de las Américas apoyamos y acompañamos este nuevo aniversario.!
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LOCATION:Parque Héroes de la Paz\, Cdra. 39 y 40 de Av. Aviación\, Surquillo\, Lima
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SUMMARY:Rafael Soriano: Cabezas
DESCRIPTION:Desde el jueves 20 de junio\, El Art Museum of the Americas presenta Rafael Soriano: Cabezas\, una exposición individual del pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015). Bajo la curaduría de Alejandro Anreu (Profesor de Historia del Arte y Estudios Latinoamericanos\, en la William Paterson University) y Kristen Evangelista (Directora de la William Paterson University Galleries). \nLa exhibición muestra el desarrollo del estilo biomórfico único de Soriano\, que culminó en un conjunto específico de pinturas de la cabeza humana. \nAcerca de Rafael Soriano \nRafael Soriano nació en 1920 en la ciudad de Cidra en la provincia de Matanzas\, Cuba. Después de completar siete años de estudio en la Academia de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana\, se graduó en 1943 como profesor de pintura\, dibujo y escultura. Luego regresó a Matanzas y fue uno de los fundadores\, y más tarde director\, de la Escuela de Bellas Artes de Matanzas. En 1962\, Soriano se exilió y se estableció en Miami\, Florida\, con su esposa Milagros y su hija Hortensia. Trabajó como diseñador gráfico y ocasionalmente enseñó\, primero en el Catholic Welfare Bureau\, y luego en el Programa Cultural Cubano en la Universidad de Miami. Vivió en Miami\, donde murió a los 94 años. \n  \nRafael Soriano: Cabezas \nDónde: Museo de Arte de las Américas \nClausura: 29 de septiembre \nUbicación: 201 18th Street NW\, Washington\, DC 20006 (en la esquina de 18th Street y Constitution Ave.) \nHorario: martes a domingo\, de 9:30 a 13:00 horas y de 13:30 a 17:00 horas. \nEntrada: gratuita \n  \n  \n  \n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Arte de las Americas\, 201 18th Street NW\, Washington\, DC\, United States
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SUMMARY:La Boca y mis monstruos\, por Roberto Cortés
DESCRIPTION:El próximo 15 de junio\, nuestro amigo Roberto Cortés inaugura en el Museo Benito Quinquela Martín la exposición «La Boca y mis monstruos». \nInauguración:\n15 de junio a las 13 horas.\nMuseo Benito Quinquela Martín\nAv. Don Pedro de Mendoza 1835 – CABA\nActividad libre y gratuita.
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:EL CLUB DE LOS ARTISTAS INGENUOS Y OTROS SOCIOS
DESCRIPTION:SOBRE LA MUESTRA \nLa muestra “El Club de los Artistas Ingenuos y Otros Socios” que presentamos en el Genaro Pérez combina artistas ingenuos\, junto a otros de la colección del Museo y algunos creadores contemporáneos.\nManuel Mujica Láinez escribió en los años 70\, dos fascículos para Viscontea Editores\, dentro de la serie La Argentina en el Arte (ambos dedicados al arte ingenuo)\, en donde presenta obras de artistas que estaban fuera del sistema del arte establecido\, no sólo desde lo comercial\, sino también con los métodos que utilizaban para sus pinturas\, y sus diversas profesiones\, nada parecidos a lo que se consideraba Arte en aquél momento. Arreglos florales\, animales\, parejas de la mano como en el paraíso\, árboles con dimensiones de fantasía\, todo sobre soportes que no siempre eran telas\, sino papeles\, cartón. \nARTISTAS\nAmalia Amoedo\, Marcelo Alzetta\, Diego de Aduriz\, Líbero Badíi\, Héctor Basaldúa\, Oscar Benedectti\, Inés Beninca\, Max Cachimba\, Cecilia Candia\, Estela Capdevila\, Carlos Crespo\, Oscar Curtino\, Tamara Domenech\, Leónidas Gambartes\, Enrique Gandolfo\, María Guerrieri\, Fernanda Laguna\, Enrique de Larrañaga\, Jorge Gumier Maier\, José Luís Menghi\, Mónica Mórtola\, Manuel Mujica Lainez\, Andrés Müller\, Alita Olivari\, Juan Otero\, Dinorah Pastorello\, Marcelo Pombo\, Claudia del Río\, Fabio Risso Pino\, Cristina Schiavi\, Augusto Schiavoni\, Ana Sokol\, Leonor Vassena\, Ramiro Vázquez\, Ana Wandzik. \nCURADORES\nGustavo Piñero\nPaola Vega
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LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez\, Avenida General Paz Centro\, X5000 JLA\, Córdoba\, Córdoba\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:Emancipadxs. Estereotipos\, luchas y conquistas
DESCRIPTION:La muestra organizada por la Biblioteca Nacional difunde\, a través de los materiales de su acervo\, parte de la historia de lucha de las mujeres argentinas recorriendo el camino de sus fatigas y conquistas y poniendo de manifiesto los estereotipos a los que se vieron sometidas. \nEste recorrido se inicia en el ámbito del hogar\, sobre el que paradójicamente las mujeres no tenían potestad legal\, continúa con el ingreso al mercado laboral y a la participación sindical\, el acceso a la universidad\, el demorado derecho al voto\, las voces contestatarias de la cultura ante los modelos impuestos\, hasta llegar a los reclamos y logros más recientes de los distintos colectivos que reconfiguran la sociedad desde lo personal. \nLa Biblioteca Nacional cuenta con las primeras publicaciones redactadas y/o dirigidas por mujeres\, que datan del siglo XIX\, como La Aljaba\, La Camelia o Álbum de señoritas\, entre otras. También con las tesis con las cuales se graduaron las primeras universitarias argentinas como Cecilia Grierson\, Elvira Rawson\, Elvira López y Alicia Moreau. \nLas obras de mujeres de la cultura que tempranamente alzaron su voz para oponerse a los estereotipos dominantes -entre las que cabe mencionar a Alfonsina Storni\, Victoria Ocampo\, Alejandra Pizarnik\, María Elena Walsh\, María Luisa Bemberg y Angélica Gorodischer- también tienen su lugar aquí. Por último\, los movimientos colectivos que con su lucha provocaron cambios decisivos en la sociedad argentina\, como Madres y Abuelas de Plaza Mayo o #NiUnaMenos\, entre otros\, están representados en esta muestra\, así como algunas de sus protagonistas. \n  \nEmancipadxs\nEstereotipos\, luchas y conquistas\nDesde el 6 de junio de 2019 al 30 de abril de 2020 \nBiblioteca Nacional\nMuseo del libro\nAv. Gral. Las Heras 2555\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Biblioteca Nacional Museo del libro\, Av. Gral. Las Heras 2555\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:José Pedro Costigliolo:  La vida de las formas
DESCRIPTION:José Pedro Costigliolo\nLa vida de las formas\nMuestra retrospectiva de José Pedro Costigliolo «LA VIDA DE LAS FORMAS»\, organizada por el Museo Nacional de Artes Visuales y la Fundación Pablo Atchugarry. La misma se configura en tres muestras complementarias y autónomas. La primera se inauguró el pasado el 3 de diciembre en Miami\, en la nueva sede de la Fundación Pablo Atchugarry – Atchugarry Art Center\, la segunda el 29 de diciembre en la sede de Manantiales de la Fundación Pablo Atchugarry y la tercera el 6 de junio del 2019 en Montevideo en el Museo Nacional de Artes Visuales. \n«José Pedro Costigliolo ha conseguido de manera magistral\, y a través de sesenta años de trayectoria\, consolidar un universo plástico singular con mínimos recursos y máximos resultados. De la mirada aguda de uno de sus pares\, como lo es José Luis Tola Invernizzi (1918-2001)\, al hacer referencia a la «pequeña historia de los hacedores de arte»\, afirma en una carta: «(pienso en el empecinamiento irrenunciable de Spósito y Costigliolo\, por ejemplo). Ello da cierta tranquilidad al alma.» \nHay en la obra del artista un marcado disciplinamiento para alcanzar un estilo\, una incuestionable certeza que oficie como verdad. La autenticidad por sobre las tendencias de moda dotan al trabajo de Costigliolo de una ética que vertebra toda su trayectoria. \nLa exposición «José Pedro Costigliolo – La vida de las formas» es un sentido homenaje y un justo reconocimiento a un artista y a una obra impar que con el paso del tiempo ha trascendido el espíritu de una época para volverse atemporal» \nDesde el jueves 6 de junio al domingo 29 de setiembre de 2019\nSala 2 \nEnrique Aguerre\nDirector del Museo Nacional de Artes Visuales\nCurador de la exposición \n+ INFO
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LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig. Parque Rodó -\, Montevideo -\, Uruguay
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SUMMARY:Muestra-homenaje a la artista salteña María Martorell
DESCRIPTION:El jueves 30 de mayo se inauguró\, en las Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones\, una nueva edición de ¡Gracias Maestro! \nSe trata del ciclo que\, desde hace una década\, viene destacando el legado de artistas que trascendieron fronteras y dejaron marcado un camino que aún hoy es transitado por nuevas generaciones. \nEste año\, se presenta un homenaje a María Martorell (1909-2010)\, destacada artista salteña que desarrolló una fecunda carrera e impuso un estilo propio\, dejando una huella imborrable en el ámbito cultural del noroeste argentino. \n“Esta salteña supo recorrer un camino inusual siempre en constante crecimiento. Desde sus tardíos inicios con obras de corte figurativo\, hasta las etapas posteriores en que su espíritu curioso y su predisposición para el estudio\, generaron una búsqueda expresiva que le permitió abordar lenguajes no figurativos conectados al arte concreto\, hasta su arribo finalmente a las características ondas que definieron su última etapa creativa”\, señala Sergio Bravo\, Secretario de Cultura de la provincia de Salta. \nLa exposición podrá visitarse de lunes a viernes\, de 12.00 a 19.00\, hasta el viernes 19 de julio inclusive\, en las Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones (San Martín 857\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires). \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/muestra-homenaje-a-la-artista-saltena-maria-martorell/
LOCATION:CFI\, San Martín 857\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Martha Zuik
DESCRIPTION:El día 29 de mayo a las 18:30hs. en Dain Usina Cultural\, la artista plástica MARTHA ZUIK\, presenta sus libros\nMartha Zuik\, 1986-2018\nMartha Zuik\, Sobre Papel 1952-2017 \n\nDain Usina Cultural\nThames 1905\nC.A.B.A. \nActividad gratuita. \n\n+ INFO
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LOCATION:Dain Usina Cultural\, Thames 1905\, C.A.B.A.\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:NO UTOPÍA
DESCRIPTION:NO UTOPÍA \nEn la acción cotidiana; evolucionando continuamente; con la mirada en el cielo y en la tierra; con la información necesaria para ir hacia el equilibrio (ese estado tan necesario en el ser humano y sociedad); todas estas enumeraciones pueden ser\, servir para crecer. \nHoy la lucha está en poder ver el interior personal\, y buscar en lo cotidiano esa luz\, pequeña o grande\, opaca o fulgurante; para así sumarse y multiplicarse y poder iluminar la oscuridad que parece estar ahogando  la belleza de la humanidad: El Ser. \nEn una sociedad utópica\, según Tomas Moro los habitantes debían emplear su tiempo libre en lectura y el arte. Así la sociedad viviría en Paz y Armonía. Tan sencillo y ¿Realizable? \nSi la utopía es un no-lugar\, un lugar que no existe\, entonces tal vez está latente en el interior de cada persona con diferente intensidad\, latiendo como  una brújula para encontrar ese espacio real\, y luego poder manifestarse. \n  \nInauguración: 15 de mayo de 17 a 19hs \nCierre: 1 de Junio 2019. \nComuna12 – Holmberg 2548 casi esq. Av. Monroe \nActividad gratuita \n+ INFO
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SUMMARY:PEDRO ROTH "Yo lo hice despierto"
DESCRIPTION:El Pabellón de las Bellas Artes exhibe una selección de obras de Pedro Roth acerca de relevantes temas que forman parte de su esencia\, en una destacada muestra. Pinturas y significativos dibujos\, que a su vez reflejan al artista polifacético que ha transitado la fotografía\, el cine\, la pintura y el ensayo\, evidencian un elocuente itinerario y la autenticidad que lo caracterizan. \nDientes amenazadores\, que advierten una mordedura letal! líneas blancas y negras que declaman la vestimenta de uso obligatorio para las personas privadas de libertad; el símbolo violento de los alambres de púas que demarcan el encierro\, el confinamiento y el castigo\, con la intención de causar daño\, a quien no respete su condena! en «Seiscientos por diezmil»\, son exaltados por reveladores ojos que transcurren el horror de un holocausto! por grandes manos que reclaman socorro al mundo! por un negro que es el encarcelamiento en una caverna y las entrañas del abismo; por la intensidad de un rojo que denuncia la anarquía de la guerra y la sangre de sus asesinatos! y con el que Roth logra insertar\, en pleno dolor y sufrimiento\, un gran corazón de AMOR. \n«El Camino» de Pedro Roth es el de la liberación y la libertad. Se aventura a lo desconocido\, buscando descubrir una nueva ruta con sensación de sentido\, una dirección para seguir frente al desorden\, y a la percepción de que los acontecimientos de la vida son inconsistentes y caprichosos. Lo sutil y perspicaz de la imagen sale a relucir con una paleta que ataca directamente el sentido de la vista. La energía radiante del rojo\, un amarillo exultante\, un verde de esperanza\, un azul que atrae y el negro de la introspección\, se yuxtaponen vigorosamente\, creando seres extraños y alucinantes\, imprimiéndoles su fuerza emocional. Algunos con alas a los que se les permite escapar de la tensión de la vida terrestre y volar por la imaginación\, y otros con brazos largos y manos significativas\, activados por sentimientos intensos de la realidad concreta del mundo\, pero todos con aquellos ojos de la experiencia y los secretos del alma. \nEn «La Creación del Golem» Roth interpreta\, con geniales artificios\, a «El Golem» de Jorge Luis Borges. «Verde» y «con torpes manos» personifica al Rabino en Praga\, aquel que labra su muñeco y a quien el mismo Judá León le revela los misterios «de las Letras\, del Tiempo y del Espacio»\, en imágenes con multitud de detalles\, distribuidas de modo meticuloso y caótico\, escenificadas como flotando alrededor del Golem en el aire\, pero junto al gato del rabino que a su paso se escondía. \nLa obra de Pedro Roth\, cuyo ojo mira hacia afuera y hacia adentro\, revelando\, percibiendo\, viendo el trasfondo de las cosas y la verdad de ellas\, irradia la expresión y la vulnerabilidad humanas. La muestra\, invita a un recorrido de meditada reflexión en todas sus facetas. \nEn palabras del artista: «Adela González Balcarce de Peralta Ramos\, la madre de mi amigo Federico Manuel\, decía que en sueños hizo de todo. Yo lo hice despierto». \nLic. Cecilia Cavanagh\nCuradora\nDirectora del Pabellón de las Bellas Artes
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LOCATION:Pabellón de las Bellas Artes  UCA\, Av. Alicia Moreau de Justo 1300\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:María Obligado\, pintora
DESCRIPTION:El Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia invita a la exposición “María Obligado\, pintora”\, que se habilitará este jueves a las 18 horas en el museo “Julio Marc” de la ciudad de Rosario. La apertura contará con la presencia de Georgina Gluzman\, curadora de la muestra. \nLas actividades en el espacio cultural ubicado en Avenida del Museo s/n\, en el Parque de la Independencia\, incluyen la conferencia “Intervenciones feministas\, archivos patriarcales y otras escrituras en la historia del arte”\, que se dictará el jueves a las 18 horas. \nEn tanto el viernes\, también a las 18 horas\, habrá un recorrido por la exposición junto a Gluzman. Ambas actividades son con entrada libre y gratuita. \nLA EXPOSICIÓN\n“María Obligado\, pintora” es la primera presentación de una amplia selección del trabajo de la pintora argentina María Obligado (1857-1938). La artista creció en un ambiente familiar muy estimulante que compartió con su hermano\, el célebre poeta Rafael Obligado (1851-1920). \nComenzó su entrenamiento pictórico en su juventud\, con el profesor italiano José Agujari\, y continuó sus estudios bajo la guía de Reinaldo Giudici\, ambos maestros de otras jóvenes con inclinaciones artísticas\, aunque pocas alcanzarían los niveles de dedicación y visibilidad de Obligado\, quien se distinguió rápidamente en el panorama de las artistas argentinas\, prueba de ello es que continuó pintando hasta el final de su vida. \nComo otras mujeres artistas contemporáneas\, María Obligado abordó en su larga trayectoria una gran diversidad de géneros artísticos. A pesar de ser recordada principalmente por sus numerosos paisajes\, en los escasos textos que se ocuparon de su carrera\, también realizó retratos\, desnudos\, escenas de género\, pintura de temática histórica\, cuadros de animales y naturalezas muertas. Abordó el autorretrato\, en uno de los pocos ejemplos de autorrepresentación de las artistas de su generación. El análisis de su trayectoria devuelve la imagen de una artista infatigablemente curiosa\, siempre en la búsqueda de horizontes nuevos. \nGEORGINA GLUZMAN\nEs doctora en Historia y Teoría de las Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Actualmente es becaria posdoctoral del Conicet\, con sede en el Instituto de Altos Estudios Sociales de la Universidad Nacional de San Martín\, y se desempeña como profesora en la Universidad de San Andrés. Ha sido becaria de la Getty Foundation y del Institut
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LOCATION:Museo Histórico Provincial Julio Marc\, Av. del Museo s/n\, Parque Independencia\, Rosario\, Santa Fe
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SUMMARY:PAISAJE URBANO
DESCRIPTION:Visita guiada y encuentro con la artista en Galeria Artemio. \nEl pasado 26 de Abril quedo inaugurada la muestra “Paisaje Urbano». Un recorrido simbólico\, visual e imaginario\, por algunos lugares del mundo. Ani Fernandez de Larrabide encuentra en esta selección de obras las huellas del hombre que son testigos de las distintas civilizaciones\, donde queda grabada la pasión\, el ingenio y la sabiduría para adaptarse y dialogar en torno a la naturaleza construyendo nuevos desafíos de hábitat.\nEn esta oportunidad la artista realizará una visita guiada donde compartirá sus experiencias y hará comentarios en torno a sus obras. \nNo te lo podes perder!!!\nTe esperamos el Viernes 31 de Mayo a las 18.00 hs en Galería Artemio.\nEntrada libre y gratuita. \n\n\n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Galeria Artemio\, Av. Marconi 1101\, Tandil\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ana Castro Feijóo El Color del Viento
DESCRIPTION:  \nLa multifacética artista despliega en esta muestra un desborde de entramados coloridos que atrapan al espectador por su intensidad y diversidad. Ana Castro Feijóo construye su propio universo simbólico a través de movimientos intuitivos y rítmicos\, impregnado\, quizás por las frondosas imágenes de sus viajes y de su vida interior. Ana crea y recrea; explora\, busca y descubre un abanico abrumador de tonos y formas. Sus pinceladas erigen un camino de luz y profundidad\, invitándonos a transfigurar el mundo de lo sensible. \nCuradora Sylvie Nante
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LOCATION:Vocacion Humana\, Aráoz 1942\,\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Carlos Alonso. Pintura y memoria
DESCRIPTION:Llega al Bellas Artes “Carlos Alonso. Pintura y memoria” \nEl Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 12 de abril\, a las 18\, la muestra “Carlos Alonso. Pintura y memoria”\, que reunirá en el Pabellón de exposiciones temporarias 54 obras del artista argentino. “No puede pensarse la historia del último medio siglo de la Argentina sin la obra de Carlos Alonso”\, asegura el director del Bellas Artes\, Andrés Duprat. “Es un hilo que la tensa\, la denuncia\, la interpela y la enmienda\, a la vez que la sabe irreparable. Entre la alegoría y el realismo crudo\, descalabrada por las violencias usuales\, la producción del artista discurre por temas\, formas y preguntas\, con la sospecha de que la respuesta nunca cambiará. Y de que hay horror en ella”\, agrega. La exhibición\, curada por María Florencia Galesio y Pablo De Monte\, investigadores del Museo\, incluye pinturas y collages creados entre 1963 y 1989\, y se organiza en dos ejes temáticos que permiten comprender cómo la reiteración de temas –la carne de res o humana\, por ejemplo–\, en distintas épocas de la producción de Alonso\, opera como nexo para construir nuevas lecturas. El primero de los ejes es “Pintura y tradición”\, que comprende los collages de la serie “Blanco y negro”\, y las piezas que citan y rinden homenaje a sus maestros y a grandes artistas de la historia del arte\, entre ellos\, Lino Enea Spilimbergo\, Vincent van Gogh\, Gustave Courbet y Pierre-Auguste Renoir. El segundo núcleo\, “Realidad y memoria”\, presenta trabajos en los que el artista reflexiona sobre la historia argentina y manifiesta su compromiso social y político\, como en la serie dedicada a la muerte de Ernesto “Che” Guevara. Además\, la reconstrucción de la instalación “Manos anónimas”\, originalmente creada en 1976\, ocupará un lugar central en el recorrido de la muestra. La pieza fue realizada para “Imagen del hombre actual”\, una exposición que iba a presentarse en el Museo Nacional de Bellas Artes\, pero que fue suspendida como consecuencia del golpe de Estado. Las obras exhibidas provienen del patrimonio del Bellas Artes\, la colección del artista\, el Museo Provincial de Bellas Artes “Timoteo E. Navarro”\, el Museo Municipal de Bellas Artes “Dr. Genaro Pérez”\, Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”\, la Fundación Alon\, la Fundación Amalia Lacroze de Fortabat y coleccionistas particulares. En opinión de los curadores\, el artista\, nacido en 1929 en Mendoza\, pone al servicio de la expresión recursos técnicos que maneja con gran ductilidad. “Historia\, memoria y realidad encuentran en la obra de Alonso una síntesis y una mirada crítica\, potenciada por una imagen de gran expresividad que esta exposición invita a descubrir”\, sintetizan Galesio y De Monte. “La exposición es una manera de honrar la figura\, la producción y la trayectoria de Alonso; pero sobre todo\, es un modo de agradecer la persistencia de una mirada inclaudicable que da sustancia a la memoria plástica de nuestro país”\, concluye por su parte Duprat. “Carlos Alonso. Pintura y memoria” cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. La inauguración de la muestra será el viernes 12 de abril\, a las 18\, con entrada gratuita. Del 13 de abril al 14 de julio\, podrá visitarse de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20. El Museo\, dependiente de la Secretaría de Cultura de la Nación\, está ubicado en Av. del Libertador 1473 (Ciudad de Buenos Aires). El valor de la entrada para argentinos y residentes en el país será de $100 (cien pesos)\, exceptuando de su pago a menores de 12 años\, personas con discapacidad\, jubilados y docentes con acreditación\, y grupos de estudiantes. Los visitantes extranjeros abonarán $200 (doscientos pesos)\, monto que incluye el ingreso al Pabellón de exposiciones temporarias. Los martes el ingreso será gratuito\, y todos los días\, desde las 18.45 hasta el horario de cierre del Museo (lunes: cerrado). \nSobre Carlos Alonso \nNació en Tunuyán\, Mendoza\, el 4 de febrero de 1929. A los 14 años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo\, donde tuvo como maestros a Sergio Sergi en dibujo y grabado\, Lorenzo Domínguez en escultura\, o Francisco Bernareggi y a Ramón Gómez Cornet en pintura. En 1953\, se trasladó a Buenos Aires y expuso su obra en la Galería Viau. Esta galería le proporcionó una suerte de beca para viajar a Europa y recorrer París\, Madrid y Londres\, donde visitó los grandes museos. En 1957\, ganó el concurso convocado por la editorial Emecé para ilustrar la segunda parte de Don Quijote de la Mancha y\, en 1959\, ilustró el “Martín Fierro”. Unos años más tarde\, se trasladó a la Toscana para conocer de primera mano los escenarios de la vida de Dante\, ante de realizar las ilustraciones de “La Divina Comedia”. En 1976\, tras el golpe de Estado\, se exilió en Italia. En 1977\, su hija Paloma desapareció. Dos años más tarde se instaló en Madrid. En 1981\, regresó a Buenos Aires y\, al año siguiente\, se radicó en Unquillo\, Córdoba\, donde reside en la actualidad. En 1990\, le encargaron las pinturas para los paneles centrales en la cúpula del Teatro Libertador General San Martín de esa provincia. A lo largo de su extensa carrera\, realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Argentina y en el extranjero\, tanto en museos como en galerías de arte: Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo Eduardo Sívori\, Centro Cultural Recoleta\, Art Gallery International\, Galería Palatina\, Ro (Buenos Aires)\, Museo Nacional de Bellas Artes (México)\, Museo de Arte de La Habana (Cuba)\, Galería Giulia (Roma)\, Eidos (Milán)\, Bedford Gallery (Londres) y Galería Juana Mordo (Madrid)\, entre otros. Entre otras distinciones\, recibió el Premio Konex de Platino en dos ocasiones (1982 y 1992)\, y en 2012\, el Premio Konex Mención Especial a la Trayectoria en Artes Visuales\, por el trabajo de toda su vida. En 2018\, obtuvo el Premio Nacional a la Trayectoria Artística del 107.° Salón Nacional de Artes Visuales\, otorgado por la Secretaría de de Cultura de la Nación. \nEl arte acoge la historia y nos la ofrece de diversos modos: como telón de fondo\, bajo la forma de una vaga alusión\, ocupando la escena en forma plena. Se trata de un doble movimiento: mientras sucede la historia en el arte\, también sucede la historia del arte. No puede pensarse la historia del último medio siglo de la Argentina sin la obra de Carlos Alonso. Es un hilo que la tensa\, la denuncia\, la interpela y la enmienda\, a la vez que la sabe irreparable. Entre la alegoría y el realismo crudo\, descalabrada por las violencias usuales\, la producción del artista discurre por temas\, formas y preguntas\, con la sospecha de que la respuesta nunca cambiará. Y de que hay horror en ella. En Alonso siempre hay un exceso: de representación\, de clausura de la representación\, de alegorismo político y de enigma irresuelto. La carne se vuelve violencia\, historia del drama argentino que retorna como pesadilla desde la gauchesca del siglo de las montoneras federales hasta los desaparecidos. Pero\, además\, se vuelve carne\, materia primaria de la vida que muestra la muerte. Hay cadáveres\, una y otra vez. Para que haya Argentina\, ha de haber cadáveres\, como en La lección de anatomía\, de Rembrandt\, recuperada por Alonso en la escena mortuoria del Che Guevara. Y hay invariantes históricas. Sin pan y sin trabajo o Sin pan y con trabajo son anverso y reverso de un mismo dolor replicado en abismo por la historia nacional\, que insiste en sus pulsiones oscuras. Hay cuartos revueltos\, hombres de gafas oscuras y bigotes castrenses\, y vísperas de un suceso luctuoso. Se trate de Vincent van Gogh o de Lino Enea Spilimbergo\, sus sombras tutelares\, en las que el artista se ampara y sobre las que funda su estética\, las escenas donde retrata a personajes desencajados son sobrecogedoras: algo ha sucedido allí y algo está por suceder. Es la tragedia humana vista por el artista y vuelta a ver por el espectador que es observado desde el lienzo. Estas y otras dimensiones de la experiencia –ver la obra de Alonso es\, ante todo\, una experiencia de la que no salimos incólumes– son propuestas en esta exposición del Museo Nacional de Bellas Artes\, a manera de honra a su figura\, a su producción y a su trayectoria. Pero sobre todo\, es un modo de agradecer la persistencia de una mirada inclaudicable que da sustancia a la memoria plástica de nuestro país. \nAndrés Duprat / \nDirector Museo Nacional de Bellas Artes \n  \nCarlos Alonso. Pintura y memoria \nInauguración: 12 de abril/ Cierre: 14 de julio de 2019 \nLugar: Museo Nacional de Bellas Artes Av. del Libertador 1473\, Buenos Aires +54 11 5288 9900 www.bellasartes.gob.ar \nHorarios: de martes a viernes\, de 11 a 20\, y sábados y domingos\, de 10 a 20
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SUMMARY:Retrospectiva de Rodolfo Schenone
DESCRIPTION:El viernes 12 de abril\, a las 20\, el Museo de Bellas Artes René Brusau – MUBA (Marcelo T. de Alvear y Mitre) inaugurará una muestra retrospectiva de Rodolfo Schenone. La exposición se habilitará en la Sala 1 de la institución dependiente del Instituto de Cultura del Chaco\, con entrada gratuita. \n“Se percibe en la obra de Schenone un relato visual que une los colores y el aroma de América. Esta retrospectiva captura la esencia del vivir chaqueño. La realidad mágica que presenta en su obra nos llena los sentidos de sustancias propias de nuestro entorno\, cautiva la originalidad y picardía con que organiza los espacios y sus personajes”\, describieron los organizadores. \n“Su vida es una constante búsqueda y creación de un universo propio. Cada detalle de su producción posee su impronta\, pues su imaginación creadora es única”\, agregaron. \nPor su parte el artista manifestó: “desde muy pequeño se despertó en mí la vocación de ser pintor\, deseando expresarme a través del dibujo y la pintura. Vivía maravillado por los múltiples e interminables colores de la naturaleza; y fue ese afán\, de atrapar en una síntesis expresiva un universo de sensaciones y vivencias\, el que hizo que con el tiempo me insertara con entera pasión en este complejo mundo”. \nCon respecto a la retrospectiva\, consideró que “después de haberme dedicado más de 65 años a esta actividad\, veo que la misma ha sido muy intensa\, variada y en gran medida gratificante. Fue siempre una búsqueda de identidad\, de un lugar propio que me contenga y exprese”. \n  \nRodolfo Schenone \nDesde 1965 al 2000\, fue docente en el Taller de Artes Visuales de la Universidad Nacional del Nordeste (UNNE)\, como profesor Adjunto de Pintura y Escultura. \nDictó clases y conferencias sobre su especialidad en Resistencia y provincias del Nordeste. \nEntre 1964 y 2013\, realizó 123 exposiciones individuales de sus obras y participó en 145 muestras colectivas\, en Chaco y Argentina. También\, expuso en el exterior en países como Suiza\, España\, Italia y Estados Unidos. \nObtuvo más de 20 importantes premios en salones y certámenes en el país. \nPoseen obras suyas 13 museos de Buenos Aires y un gran número de instituciones públicas y privadas. \nParticipó en el 2001\, con dos obras en representación de Argentina en la segunda Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia\, Italia.
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SUMMARY:“Tarsila popular”.
DESCRIPTION:Dentro de las actividades del Museo de Arte de San Pablo Assis Chateaubriand\, este año enteramente dedicado a la obra de mujeres artistas\, se expone actualmente la muestra “Tarsila popular”. \nCon 92 pinturas reunidas\, procedentes de museos y colecciones privadas\, la exposición es presentada como la más importante de las hasta ahora realizadas en homenaje a Tarsila do Amaral (1886-1973)\, figura considerada como clave en el desarrollo de las artes en Brasil. \nCon curaduría de Fernando Oliva y Adriano Pedrosa\, la muestra explora desde los orígenes de la vocación de esta artista paulista\, sus comienzos\, su etapa formativa en París\, donde fue alumna de Ferdinand Leger y de André Lothe\, hasta su regreso a Brasil y su rol fundamental en el movimiento de asimilación cultural de las vanguardias europeas y las fuentes propias de su país natal\, incluídas las aborígenes y las africanas. Este proceso\, al que sus impulsores denominaron “antropofagia”\, y al que definieron como un programa poético que les permitía “canibalizar” las referencias culturales europeas\, creando algo único y propio\, encontró en Tarsila do Amaral su más clara y reconocida expresión artística. \nEntre las obras expuestas podemos señalar el “Autorretrato (1923)” que ilustra estas líneas\, “Segunda clase”\, expresiva nota de tono social y\, bien conocido por el público porteño\, el “Abaporú” de nuestro Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba-Fundación Costantini).
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LOCATION:Museo de Arte de San Pablo\, Av. Paulista\, 1578 - Bela Vista\, São Paulo\, São Paulo\, Brasil
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