BEGIN:VCALENDAR
VERSION:2.0
PRODID:-//FADLA - ECPv6.15.20//NONSGML v1.0//EN
CALSCALE:GREGORIAN
METHOD:PUBLISH
X-WR-CALNAME:FADLA
X-ORIGINAL-URL:https://fadla.org
X-WR-CALDESC:Eventos para FADLA
REFRESH-INTERVAL;VALUE=DURATION:PT1H
X-Robots-Tag:noindex
X-PUBLISHED-TTL:PT1H
BEGIN:VTIMEZONE
TZID:America/Sao_Paulo
BEGIN:STANDARD
TZOFFSETFROM:-0200
TZOFFSETTO:-0300
TZNAME:-03
DTSTART:20190217T020000
END:STANDARD
END:VTIMEZONE
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20220304
DTEND;VALUE=DATE:20220501
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T190641Z
LAST-MODIFIED:20220403T190641Z
UID:33606-1646352000-1651363199@fadla.org
SUMMARY:Claude Viallat. Libertad de Colores
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar en Buenos Aires la exhibición Libertad de Colores de Claude Viallat\, que reúne un total de ochenta obras provenientes del estudio del artista en Nimes\, Francia. \nViallat\, fundador del movimiento Support Surfaces\, pinta sobre un soporte de género que puede ser una cortina\, una tela de carpa\, redes de pesca\, entre otros. Sobre esta diversidad de soportes plasma su motivo predilecto: una forma singular\, característica y particular\, entre taba y esponja. El artista compone desde hace más de 60 años un universo que estalla en colores\, dejando rastros de su poesía universal en el espacio y el tiempo. \nCon curaduría de Marie Sophie Lemoine\, la muestra llega a la Argentina gracias al apoyo de la galería Templon de París\, de Phillips\, de la Embajada de Francia y el Instituto Francés. \nClaude Viallat\nLibertad de Colores\nDesde el 4 de Marzo de 2022\nInaugura: 4 de Marzo\, 12hs.\nEntrada libre y gratuita \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\nAv. San Juan 328\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/claude-viallat-libertad-de-colores/
LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Claude_Viallat_Libertad_de_Colores.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20220303
DTEND;VALUE=DATE:20220331
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T173555Z
LAST-MODIFIED:20220403T173555Z
UID:33594-1646265600-1648684799@fadla.org
SUMMARY:Verónica Di Toro. El ojo móvil
DESCRIPTION:Verónica Di Toro\nEl ojo móvil \nVerónica Di Toro\, para quién la búsqueda cromática es un componente esencial del proceso de creación\, desarrolla una dinámica pictórica que no ha cesado de evolucionar coherentemente en los últimos diez años. La multiplicación de módulos\, el uso simultáneo de líneas horizontales y verticales\, la fragmentación de formas geométricas: todos estos recursos que van evolucionando a lo largo de su investigación coinciden en transmitir una sensación de inestabilidad\, un estado de tensión\, un sentimiento de un movimiento continuo que perdura más allá de la tela. \nHasta el 30 de marzo en la Galería de Arte “Alejandro Bustillo” del Banco Nación.  \nGratis. \nDesde el 3 de marzo al 30 de marzo de 2022 \nGalería de arte Alejandro Bustillo\nBanco de la Nación Argentina\nAv. Rivadavia 325\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/veronica-di-toro-el-ojo-movil/
LOCATION:Galería de arte Alejandro Bustillo Banco de la Nación Argentina\, Rivadavia 325\, CABA
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Veronica_Di_Toro_El_ojo_movil1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20220111
DTEND;VALUE=DATE:20220112
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220128T093706Z
LAST-MODIFIED:20220128T095931Z
UID:33467-1641859200-1641945599@fadla.org
SUMMARY:2º Conversatorio de la Muestra Sinestesia Aguda en los jardines del MNAD
DESCRIPTION:Diálogo entre la creación perceptiva de la pintura y la Inteligencia Artificial. \nA partir de un plano concreto bidimensional se crea un hacer pictórico mientras que por otro lado el mismo plano se transforma en virtual. \nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \nCoordinadora: Josefina Di Candia – Lic. en Artes Visuales \nInscripción previa vía mail: actividadesfried@gmail.com \nCupos limitados \nActividad gratuita \nMNAD El Decorativo – Av. del Libertador 1902.  CABA \n\n 
URL:https://fadla.org/calendario/2o-conversatorio-de-la-muestra-sinestesia-aguda-en-los-jardines-del-mnad/
LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902.\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/01/images.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211221
DTEND;VALUE=DATE:20220401
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T201015Z
LAST-MODIFIED:20220403T201015Z
UID:33622-1640044800-1648771199@fadla.org
SUMMARY:Arte en Juego. 100 artistas argentinos
DESCRIPTION:Arte en Juego. 100 artistas argentinos\nUna aproximación lúdica al arte argentino\, con curaduría de Rodrigo Alonso. La muestra pone de manifiesto la importancia que poseen los juguetes\, los juegos\, los deportes y las propuestas participativas en la inspiración y el imaginario de los artistas argentinos. Integrando el trabajo de realizadores de diferentes generaciones y extracciones estéticas\, ofrece una mirada inusual sobre la cantidad y variedad de producciones históricas y contemporáneas que destacan el valor de lo lúdico como herramienta de creación y reflexión. \nDesde los juegos inventados por Xul Solar a los videojuegos actuales\, pasando por los juguetes de autor\, los registros “retro” y nostálgicos\, las confrontaciones deportivas\, el arte para experimentar\, las apropiaciones de juegos comerciales\, la robótica lúdica y la construcción de mascaradas en las redes sociales\, las obras que se presentan en la exposición nos invitan a prestar atención a una línea consistente aunque poco advertida de la producción artística nacional. \nLa exposición comienza con una obra creada especialmente por Daniel Joglar a partir del vasto mundo de los juguetes de la infancia. Prosigue con los trabajos de casi 80 artistas que en algunos momentos de sus carreras\, o de manera prolongada\, hicieron de los juegos y sus efectos los ejes de una aproximación a su tiempo o su contexto. Hay autores que recurren a ellos para cuestionar la supuesta seriedad del arte\, otros para abrir nuevos senderos estéticos\, otros para reflexionar sobre el lugar social de lo lúdico\, otros para apelar a la memoria emotiva del espectador. Hay algunas miradas complacientes hacia ellos\, pero también otras irónicas o sumamente críticas. Lo mismo sucede en la sección dedicada a los deportes\, donde se ponen bajo la lupa cuestiones como la competencia\, la exigencia o el exitismo. Finalmente\, el último sector de la exposición se sumerge en las nuevas tecnologías\, la electrónica y las redes sociales. Aquí se pone el foco en el arte interactivo\, que promueve la participación y se vincula de manera especial con los dispositivos que conforman el ecosistema técnico en el cual vivimos. \nLa selección de obras incluye los más variados soportes: pintura\, escultura\, instalación\, fotografía\, video\, objetos\, arte interactivo. La exposición se complementará con un programa de actividades para los públicos más diversos que se desarrollarán durante todo el verano. \n  \nArte en Juego\n100 artistas argentinos\nDesde el 21 de diciembre de 2021 al 31 de marzo de 2022 \nFundación PROA\nAv. Pedro de Mendoza 1929\nCiudad Autónoma de Buenos Aires \n 
URL:https://fadla.org/calendario/arte-en-juego-100-artistas-argentinos/
LOCATION:Fundación PROA\, Av. Pedro de Mendoza 1929\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Arte_en_Juego_100_artistas_argentinos1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211218
DTEND;VALUE=DATE:20220301
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20221212T192258Z
LAST-MODIFIED:20221212T192258Z
UID:34244-1639785600-1646092799@fadla.org
SUMMARY:“Reflejos de inocencia” de Emaús Miciu
DESCRIPTION:El sábado 18 de diciembre a las 20 se inaugura la muestra de Casa Emaús en librería Hexámetro. \n“Entendí con el tiempo que no soy pintor de paisajes sino de emociones”\, dijo Emaús en una entrevista hace tiempo ante la reflexión de su obra. Justamente esas emociones\, esas pinceladas suaves de colores claros en distintos paisajes\, -que en esta ocasión se centran en la niñez- se podrán apreciar en la librería Hexámetro. \nLa muestra es presentada por la Casa Emaús\, espacio cultural que exhibe y resguarda la obra de este gran artista\, que expone desde los 14 años\, y quien atesora una gran formación familiar con una experiencia de una vida entera de pintor. Nieto del gran artista plástico Konstantino e hijo de Georg\, también artista plástico\, Emaús ha expuesto su obra en distintos lugares de la Argentina y de Europa. Vivió durante varios años en la Villa de Merlo\, San Luis donde dejó gran parte de su legado artístico. Actualmente reside en otras latitudes pero su obra se puede apreciar durante todo el año en Casa Emaús o a través de muestras artísticas. \n“Reflejos de Inocencia”  de Emaús Miciu Nicolaevici se basa en las expresiones de la niñez\, en distintos paisajes y situaciones\, que nos devuelven la inocencia en ese nacimiento de la humanidad. La muestra quedará inaugurada desde el sábado 18 de diciembre a las 20\, con la celebración del primer aniversario de Hexámetro\, un espacio de letras y arte\, en avenida del Ciprés 180\, Merlo\, San Luis.
URL:https://fadla.org/calendario/reflejos-de-inocencia-de-emaus-miciu/
LOCATION:Hexámetro\, Avenida del Ciprés 180\, Merlo\, San Luis\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/webp:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/12/xs.webp
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211217
DTEND;VALUE=DATE:20220228
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T211732Z
LAST-MODIFIED:20220403T211732Z
UID:33638-1639699200-1646006399@fadla.org
SUMMARY:Trama sinfónica. Muestra Colectiva
DESCRIPTION:Exposición que propone un entramado polifónico de visualidades convergentes y divergentes a través de variadas materialidades\, sensibilidades y poéticas. \nEl punto de partida es la obra “Sin-fonía” de Luis Felipe Noé. Esta pintura fue iniciada a fines de la década de 1980 y retomada por el artista durante la pandemia\, más de cuarenta años después\, en 2020. La obra desde su propia materialidad respira esos dos tiempos. A su vez\, en “Sin-fonía” Noé incorpora la línea vibratoria de color como recurso estético\, que forma parte de su lenguaje visual identitario. A este arco temporal\, se suma la espiral del caos como un gran atractor absorbente de distintas estéticas para proponer una nueva. \nLa obra de Noé nos invita a pensar la curaduría de esta exposición\, como una composición en tiempo y espacio\, que contempla un arco temporal caótico y la puesta en tensión de la materialidad a través de operaciones y recursos formales a los que les artistas recurren para explorar las posibilidades de la línea y las relaciones de color\, tanto en el plano como en el espacio expandido. \nEn este recorrido encontramos junto a Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete y Cristina Schiavi relaciones posibles\, contrapuntos y diálogos poéticos con el lenguaje visual de Noé. \nTrama Sinfónica es la primera de una serie de acciones que llevarán a cabo ambas fundaciones en conjunto en el marco de un programa de colaboraciones propuesto y coordinado por Luciana Salvá como integrante del Comité Artístico de la Fundación Tres Pinos. \nArtistas participantes\nLuis Felipe Noé\, Marina De Caro\, Matías Ercole\, Agustín González Goytía\, Mauro Koliva\, Catalina León\, Lucrecia Lionti\, Julia Masvernat\, Mónica Millán\, Alexis Minkiewicz\, Mauricio “La Chola” Poblete\, Cristina Schiavi.\nEquipo curatorial\nCecilia Ivanchevich\, Natalia Revale y Luciana Salvá. \nTrama sinfónica\nMuestra Colectiva\nDesde el el 17 de Diciembre de 2021 al 27 de Febrero de 2022 \nMARCO\nAv. Almirante Brown 1031\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/trama-sinfonica-muestra-colectiva/
LOCATION:MARCO\, Av. Almirante Brown 1031\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Trama_sinfonica_Muestra_Colectiva1.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211211
DTEND;VALUE=DATE:20220307
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T193404Z
LAST-MODIFIED:20220403T193404Z
UID:33614-1639180800-1646611199@fadla.org
SUMMARY:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención
DESCRIPTION:Archivo Filoctetes. Documentos de una intervención\nProyecto Filoctetes\, intervención urbana del artista Emilio García Wehbi que tomó “por asalto” las calles de la ciudad de Buenos Aires en el año 2002\, fue una respuesta estética al experimento neoliberal devastador que se puso en marcha durante el menemismo y que culminó con la crisis más dramática de la historia reciente de nuestro país. El proyecto interpeló al tejido social desde una perspectiva artística y visibilizó los cuerpos de los caídos que el sistema dejó esparcidos por el paisaje urbano. \nDos décadas después del estallido social del 2001\, se presenta Archivo Filoctetes: Documentos de una intervención\, exhibición que reúne un corpus documental heterodoxo\, clasificado y preservado de las cuatro ediciones de Proyecto Filoctetes realizadas en Buenos Aires\, Viena\, Berlín y Cracovia entre 2002 y 2008. Con curaduría de Maricel Álvarez\, los documentos del Archivo Filoctetes nos permiten reconstruir la memoria de una obra de arte efímero: fotografías\, videos y audios de la intervención\, notas periodísticas y entrevistas\, ensayos académicos y testimonios de quienes participaron de la experiencia permiten trazar relaciones entre los documentos que registran la acción y los que pueden reflexionar sobre ella. Un dispositivo para activar experiencias sensibles en el presente con el mismo tenor de densidad crítica que generó la obra originariamente. \nArchivo Filoctetes\nDocumentos de una intervención\nDesde el 11 de diciembre de 2021 al 6 de marzo de 2022\nPrimer subsuelo – Salas S101 y S122\nde miércoles a domingos\, de 14 a 20 h \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/archivo-filoctetes-documentos-de-una-intervencion/
LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Archivo_Filoctetes_Documentos_de_una_intervencion1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211204
DTEND;VALUE=DATE:20220314
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220426T162000Z
LAST-MODIFIED:20220426T162208Z
UID:33800-1638576000-1647215999@fadla.org
SUMMARY:Dante x Alonso
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes\, junto con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, abre al público desde el 4 de diciembre la muestra “Dante x Alonso”\, que reúne 45 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso (Mendoza\, 1929)\, inspirados en la obra del gran poeta florentino\, conmemorando el 700.° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nCon curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, las piezas que integran “Dante x Alonso” son dibujos\, collages\, grabados\, acuarelas y tintas que el artista dedicó al escritor en dos períodos distantes de su trayectoria: las primeras\, de los años 60 –muchas de ellas creadas en Italia\, en 1968– son mayormente retratos en pequeño formato\, mientras que el segundo conjunto seleccionado está fechado entre 2000 y 2009. \n“Estas obras –concluye el curador– conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días”. \nLos trabajos exhibidos en la muestra provienen de la colección personal del artista\, del Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel\, ubicado en la provincia de Mendoza\, y de colecciones particulares. \n“Dante x Alonso” podrá verse hasta el 13 de marzo de 2022 en la sala 33 del primer piso del Bellas Artes. Durante 2022\, está previsto\, además\, que la exposición itinere por museos de las provincias del país. \nAcompañando la muestra\, el Museo editará un catálogo español-italiano\, que incluye el texto curatorial de Duprat\, el cuerpo de obra\, el prólogo a la primera edición de obras de Alonso sobre la “Divina Comedia” escrito por Ernesto Sabato\, fragmentos de una entrevista al artista realizada por Diana Wechsler y José Emilio Burucúa\, y una cronología sobre Alonso. Próximamente\, la publicación estará a la venta en la Tienda Bellas Artes\, y también podrá leerse en línea o descargarse en versión digital ingresando en la web del Museo: www.bellasartes.gob.ar \nDante x Alonso \nLa exposición Dante x Alonso\, organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, reúne una serie de trabajos del maestro argentino inspirados en la obra del gran poeta florentino. Esta iniciativa se enmarca en la conmemoración del 700° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nHace siete siglos un exiliado de las luchas internas que afectaban al reino de Florencia terminaba de escribir en dialecto toscano —la base del italiano moderno— el mayor poema teológico de la cristiandad. \nLa Comedia diseñaba el esquema clásico donde las comarcas del trasmundo aguardan a los muertos. Merced al poema\, Infierno\, Purgatorio y Paraíso se volverían los tópicos que demarcarían penas y compensaciones a los pecadores. \nEl canto al amor profano —Paolo y Francesca\, amantes trágicos\, condenados a estar juntos en el Infierno\, y la búsqueda de Beatriz\, la amada muerta\, a la que Dante encuentra en la cima del Paraíso— y la vindicta de los injustos de su época\, a los que coloca en la infernal montaña invertida\, son momentos que serán tematizados por las artes a lo largo de los siglos. El artista Carlos Alonso (Mendoza\, 1929) se basó en el último de esos ejes para realizar una crítica de nuestra época. \nEn marzo de 1968\, Carlos Alonso viajó a Florencia\, y residió allí durante seis meses con el propósito de llevar a cabo una experiencia inmersiva en el universo de Dante que le permitiera realizar una serie de trabajos inspirados en su figura y su obra. \nSu indagación se centró en replicar la vivencia del poeta reponiendo su figura en la vida cotidiana. La pregunta acerca de qué vería Dante hoy\, cuál sería su mirada sobre el mundo contemporáneo\, lo llevó a la realización de más de 250 obras\, entre dibujos y collages\, con las que se inscribió en la larga y prestigiosa lista de artistas que se interesaron e inspiraron en el gran poema universal\, como Sandro Botticelli\, Gustave Doré\, Auguste Rodin\, Edgar Degas\, Giorgio de Chirico\, Eugène Delacroix y Salvador Dalí. \nAlonso coloca a Dante\, al igual que sucede en la Divina Comedia\, como testigo de situaciones críticas\, cruzadas por la estética pop y la efervescencia que en esos años se vivía en Europa —por el Mayo francés—\, plena de reclamos\, consignas y protestas. Realizadas en pequeño formato\, las obras presentan múltiples versiones del retrato del poeta florentino replicado por medio de diversas técnicas\, así como escenas inspiradas en diferentes pasajes del poema\, traídos al presente como prueba de que esos horrores siguen ocurriendo bajo nuevas apariencias y formatos. \nSi bien la idea original de Alonso contemplaba que estos trabajos ilustraran una nueva edición en español de la Divina Comedia\, el proyecto no pudo ser concretado. \nCuando el artista regresó a la Argentina\, la empresa Olivetti adquirió varios de esos trabajos. Fueron divididos en las series El Dante y La divina comedia e impresos en publicaciones numeradas de edición limitada\, con prólogo del escritor Ernesto Sabato. \nCon esas obras\, Alonso realizó en 1969 una exposición en Art Gallery de Buenos Aires. El montaje de la muestra era singular\, ya que se trataba de una gran instalación en forma de un laberinto que recorría el Infierno y el Purgatorio\, hasta llegar al Paraíso. En 1971\, el artista mostró las series en la galería Giulia de Roma y\, en 1972\, en la galería Eidos de Milán. \nEl interés por Dante y la Divina Comedia siguió acompañando al artista a través de los años. En 2004 inició una serie de obras sobre papel que denominó Carlos Alonso en el infierno\, varias de las cuales forman parte de esta exposición\, y en 2008 realizó un grupo de obras tridimensionales en torno al rostro del poeta. \nEn la serie Carlos Alonso en el infierno vuelve a reinterpretar distintos momentos del poema para señalar lo ominoso\, lo siniestro\, la violencia y los prejuicios que nos habitan. Algunas de estas piezas presentan escenas apocalípticas\, multitudinarias y complejas\, al estilo del Bosco\, en las que en ocasiones está presente el propio Dante. \nPero hay sin duda mayor énfasis en su crítica al presente. Pues entre aquel momento inicial\, pleno de esperanza emancipatoria\, y el nuevo contexto de crisis\, ha sucedido la tragedia de la dictadura en la Argentina\, de la que Alonso fue víctima y por la cual\, como Dante\, conoció el exilio\, que sin duda tensó y resignificó su visión de los infiernos contemporáneos. De ese modo\, sus obras conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Carlos Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días. \nAndrés Duprat \nCurador de la exposición. Director del Museo Nacional de Bellas Artes
URL:https://fadla.org/calendario/dante-x-alonso-2/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/CE.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211202
DTEND;VALUE=DATE:20220228
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220128T095433Z
LAST-MODIFIED:20220128T100715Z
UID:33474-1638403200-1646006399@fadla.org
SUMMARY:Sinestesia Aguda
DESCRIPTION:Una muestra para experimentar con todos los sentidos.\nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \n\n\n¿Qué es? \nUna experiencia interactiva en la que distintos lenguajes de las artes plásticas y visuales se potencian entre sí para ofrecer al espectador la posibilidad de experimentar un “estado sinestésico”. \nSe ofrece así al visitante una experiencia plagada de estímulos visuales\, auditivos y táctiles\, que activa la sensibilidad e invita a establecer relaciones causales entre cada uno de los momentos que la componen. \nEs una muestra para experimentar con todos los sentidos\, e invitar a otros a compartirla. \nInformación del evento \nDel 2 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022. \nDe martes a domingos de 13 a 19 hs. \n¿Dónde? \nEn el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902\, CABA). \nActividad gratuita \nRequiere inscripción previa completando este formulario.
URL:https://fadla.org/calendario/sinestesia-aguda/
LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902.\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/01/sinapsis_ii.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211104
DTEND;VALUE=DATE:20220315
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T204251Z
LAST-MODIFIED:20220403T204251Z
UID:33630-1635984000-1647302399@fadla.org
SUMMARY:Madalena Schwartz. Las metamorfosis
DESCRIPTION:Malba presenta la exposición Las metamorfosis\, dedicada al ensayo fotográfico en el que Madalena Schwartz (Budapest\, 1921 – San Pablo\, 1993) retrató a las travestis y transformistas que frecuentaban la escena alternativa de San Pablo durante la primera mitad de la década de 1970\, en plena dictadura militar. Se trata de la primera colaboración de Malba con el Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil\, en cuya sede de San Pablo se presentó la muestra entre febrero y septiembre de 2021. \nEn diálogo con las imágenes de Schwartz\, la muestra ofrece además un breve panorama de la fotografía latinoamericana dedicada a la vida trans de esos años con obras de distintos autores y colectivos de Argentina\, Chile\, Bolivia y otros países de la región. En total\, la exposición reúne 112 fotografías de Schwartz y más de 70 piezas históricas como periódicos\, documentos\, películas e imágenes que dan cuenta del contexto en el que la fotógrafa realizó su obra. La curaduría es de Gonzalo Aguilar\, miembro del Comité Artístico de Malba y profesor de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires\, y Samuel Titan Jr.\, Coordinador Ejecutivo del Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil y docente de Teoría Literaria en la Universidad de San Pablo. \nComo punto de partida\, la muestra presenta la trayectoria singular de Schwartz\, una de las grandes exponentes de la fotografía brasileña\, cuyo acervo está bajo el cuidado del IMS. Nacida en 1921 en Budapest\, Schwartz emigró a los doce años a Argentina. En Buenos Aires\, la joven húngara se casó y tuvo dos hijos. En 1960\, a punto de cumplir cuarenta años\, se mudó con su familia a San Pablo\, donde abrió una lavandería en el centro de la ciudad. \nSu vida cambiaría cuando\, a mediados de la década de 1960\, uno de sus hijos ganó una cámara fotográfica en un concurso televisivo. Schwartz se interesó inmediatamente por el artefacto\, realizó cursos en el legendario Foto Cine Club Bandeirante y\, casi a los cincuenta años\, inició una nueva y sorpresiva carrera que la transformaría en una figura expresiva única. \nEsta exposición se concentra en un conjunto específico de imágenes de Schwartz\, parcialmente publicado en el libro Crisálidas (2012). En él\, la fotógrafa documenta los universos travesti y transformista del centro de San Pablo en los años setenta. Son personajes que ella conoció en su vida cotidiana\, en el trayecto entre la lavandería y el edificio Copan (un enorme rascacielos residencial diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer)\, donde vivía con su familia y tenía su estudio. \nAmante del teatro\, Schwartz inició una serie de retratos con personalidades de ese mundo y de la televisión: los integrantes del grupo Dzi Croquettes\, el cantante Ney Matogrosso\, la actriz Elke Maravilha y el performer argentino Patricio Bisso (vecino suyo del Copan)\, entre otros. Continuando la misma línea\, se dedicó también a fotografiar a personas menos conocidas que se ganaban la vida en salones de peluquería o en clubes nocturnos. Gran parte de esos retratos eran realizados en un estudio improvisado en su propia casa\, en un ambiente de intercambio y complicidad. \nAdemás de las fotos de Schwartz\, la muestra presenta ejemplares de los periódicos de vanguardia Lampião da Esquina y Chana com Chana (voces de la comunidad gay y lésbica de la época)\, afiches de films como La reina diabla (1974) y El beso de la mujer araña (1985)\, clips televisivos y fotos de archivos personales\, entre otros ítems que documentan ese universo de crítica a los patrones conservadores vigentes. También se destaca un mapa del centro de San Pablo en la década de 1970\, concebido especialmente para la muestra\, que incluye los puntos alternativos de la ciudad en el período. \nSobre el escenario político en que Schwartz produjo sus imágenes\, dicen los curadores\, Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.: “No se trataba de un momento histórico cualquiera\, sino de los años de plomo de la dictadura militar brasileña bajo el gobierno del general Emílio Garrastazu Médici. Años opresivos y violentos\, pero también paradójicamente fértiles: expulsada del ámbito político-partidario\, la protesta se hacía sentir por otros canales\, estéticos\, comportamentales\, eróticos. Madalena captó en sus fotografías esa tremenda explosión de color y energía utópica”. \nMadalena Schwartz\nBudapest\, 1921 – San Pablo\, 1993\nEn 1934\, luego de la muerte de su madre\, viajó junto a su hermano a la Argentina\, quien se encontraba radicado en el país. En 1960\, casada y con dos hijos\, se mudó a San Pablo\, Brasil\, donde vivió hasta su muerte. Comenzó a trabajar con la fotografía tardíamente\, a punto de cumplir los cincuenta años. Fue miembro del Foto Cine Club Bandeirante y de la denominada Escuela Paulista\, junto a otros fotógrafos como Marcel Giró\, José Yalenti​ y Gaspar Gasparian. Schwartz inició una serie de retratos de protagonistas del mundo del teatro y la televisión\, algunos muy conocidos como el cantante Ney Matogrosso\, y otros que se ganaban la vida en los clubes nocturnos del centro de la ciudad\, donde ella vivía. También retrató a artistas plásticos\, músicos e intelectuales brasileños\, como Sérgio Buarque de Holanda y su hijo Chico Buarque\, Clarice Lispector\, Jorge Amado y Carlos Drummond de Andrade. \n  \nMadalena Schwartz\nLas metamorfosis\nDesde el 4 de noviembre de 2021 al 14 de marzo de 2022\nInaugura: 4 de noviembre\, 19:00.\nCuradores: Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.\nSala 3\, nivel 1 \nFundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/madalena-schwartz-las-metamorfosis/
LOCATION:Fundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Madalena_Schwartz_Las_metamorfosis1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211029
DTEND;VALUE=DATE:20220130
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220730T125709Z
LAST-MODIFIED:20220730T130401Z
UID:33970-1635465600-1643500799@fadla.org
SUMMARY:Gorriarena\, color y materia
DESCRIPTION:Diseñada por su compañera de vida\, Silvia Vezco\, y con texto curatorial de Fernando Farina\, la muestra propone un recorrido por distintos períodos de la producción de Gorriarena: pinturas sobre tela y papel en gran formato en las que se advierte su habitual potencia expresiva\, complementadas por una selección de textos del artista sobre las artes plásticas\, la Argentina y la época que le tocó vivir.\n“La pintura es forma\, materia\, color\, espacio. No creo en los que pintan discursos. Si una obra no está lograda pictóricamente […] \, no me interesa”\, declara uno de esos textos\, del que la muestra toma su título.\nAsí como descreía de los discursos en la pintura\, Gorriarena rechazaba la belleza banal y el buen gusto de lo decorativo. “Gorriarena no está aquí para decorar el mundo\, sino para develarlo”\, señalaba el crítico Miguel Briante a principios de los 90\, comentando una muestra antológica de Carlos Gorriarena en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En coincidencia con esa mirada de Briante\, el propio artista solía repetir: «Un cuadro debe romper la pared»\, metáfora con la que cuestionaba cualquier noción ornamental de la pintura.
URL:https://fadla.org/calendario/gorriarena-color-y-materia/
LOCATION:Quinta Trabucco\, Melo 3050\, Florida\, Vicente López.\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/07/Sur-en-el-sur1-2001-160x140-1-scaled-2.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211027
DTEND;VALUE=DATE:20211212
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T205812Z
LAST-MODIFIED:20220403T205812Z
UID:33634-1635292800-1639267199@fadla.org
SUMMARY:Andrés Waissman. Arrabio Escarlata
DESCRIPTION:En Arrabio Escarlata\, Andrés Waissman presenta una serie de pinturas realizadas en los últimos años. En ellas\, Waissman despeja lo insensato y contradictorio de algunas formas amorfas de la naturaleza\, les detiene su fuerza y su tensión interna para alejarlas y redescubrir qué hay detrás: nuevas formas\, nuevos seres y nuevos paisajes\, aunque todos indefinidos\, en el momento preciso de su descubrimiento. \n  \nAndrés Waissman (Buenos Aires\, Argentina\, 1955)\nAndrés Waissman es considerado una figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. Sus pinturas utilizan la pura expresión en favor de la comunicación; no son meras crónicas ficticias\, sino un posicionamiento real en el mundo contemporáneo. En lugar de un universo que desaparece\, Waissman representa un mundo emergente\, situaciones cada vez más inevitables que exigen reflexión y mirada consciente. \nAlgunas de sus series como Multitudes\, Blanco & Negro\, Animales mitológicos\, Virutas y Albur\, lo colocan como un artista con su propia impronta. Su obra constituye una búsqueda filosófica y política además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. En esta línea de pensamiento conceptos como nomadismo y migración se vuelven centrales en su producción. \nAndrés Waissman se formó en diversos talleres y comenzó a exponer muy tempranamente a mediados de los 70\, realizando sus primeras muestras individuales en la Galería Lirolay en 1973 y 1977\, respectivamente. \nEn 1974 vivió en Barcelona y trabajó en el taller de Augusto Torres y en 1978 con Antonio Seguí en París. En 1984 se radicó en San Francisco\, Estados Unidos y desarrolló una importante carrera internacional exponiendo en diferentes galerías y museos de Los Ángeles\, San Francisco\, Nueva York\, Portland\, Dallas\, Miami y diversas ciudades de Europa. En 1992 regresó a Buenos Aires\, donde retomó la enseñanza. \nEn 2005 se publicó el libro Waissman (un artista peregrino) con textos de Rodrigo Alonso\, Jordi Aladro\, Fabiana Barreda\, Florencia Gró y María Paula Zacharías. En 2010 se presentó en MALBA el documental Waissman\, de Eduardo Montes Bradley para PBS de Estados Unidos. En 2020 editó su reciente publicación Blanco & Negro – Encapotado – Emboscada. \nSu trabajo fue expuesto en numerosas exhibiciones individuales como Miro la esquelética rama (Museo MACA\, Junín\, Buenos Aires) Emboscada (MUNAR\, Buenos Aires\, Argentina\, 2018)\, Encapotado (Gachi Prieto Galería\, Buenos Aires\, Argentina\, 2016) Abgrund (Museo Emilio Caraffa\, Córdoba\, Argentina\, 2014)\, Multitudes (Townsend Center for the Humanities\, University of Berkeley\, California\, Estados Unidos\, 2015)\, Fondo de Ojo (Centro Cultural Recoleta\, 2015)\, entre las más recientes. \nSu obra forma parte de importantes colecciones privadas e institucionales como: University of Essex Collection of Latin American Art (Essex\, Reino Unido); Museum of Latin American Art (California\, Estados Unidos); Jack Blanton Museum of Art\, The University of Texas (Estados Unidos); The Magnes Collection of Jewish Art and Life (Berkeley\, California\, Estados Unidos); Galleria Civica d’arte Contemporanea F. Pizzo\, Palazzo Spano Burgio (Marsala\, Italia); MUNTREF (Buenos Aires\, Argentina); Museo Castagnino-MACRO (Rosario\, Santa Fe\, Argentina); Museo de Arte Contemporáneo de Mendoza (Mendoza\, Argentina); Colección Universidad Di Tella (Buenos Aires\, Argentina); Colección UADE (Buenos Aires\, Argentina); Colección Museo Killka (Mendoza\, Argentina); Colección Madres de Plaza de Mayo (Buenos Aires\, Argentina)\, entre otras.\nVive y trabaja en Buenos Aires donde desarrolla una intensa labor docente. \n  \nAndrés Waissman\nArrabio Escarlata\nDesde el 27 de octubre al 11 de diciembre de 2021\nHorarios de atención: martes a viernes de 14.30hs a 19hs\,\nturnos de media hora con cita previa. \nGachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano\nUriarte 1373\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/andres-waissman-arrabio-escarlata/
LOCATION:Gachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano\, Uriarte 1373\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Andres_Waissman_Arrabio_Escarlata4.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211016
DTEND;VALUE=DATE:20220308
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T195513Z
LAST-MODIFIED:20220403T200434Z
UID:33618-1634342400-1646697599@fadla.org
SUMMARY:Carla Grunauer. Las oferentes
DESCRIPTION:Carla Grunauer. Las oferentes\nComo seres mitológicos que regresan para realizar un antiguo ritual\, los personajes del bestiario que Carla Grunauer (Tucumán\, 1982) reúne en esta primera exposición individual en un museo transmiten la presencia mágica de dioses arcaicos\, mitad humanos y mitad animales\, reencarnados en nuevas formas modernistas que les otorgan una extraña y sugerente luminosidad. \nTras una trayectoria centrada en el dibujo y la pintura\, Grunauer desarrolla un trabajo escultórico inédito\, con piezas en las que las formas biológicas parecen recrear el proceso vital de criaturas blandas en constante trance y metamorfosis. Junto con una serie de pinturas realizadas con fibra sobre tela de polietileno de las que parecen surgir partes de esqueletos o restos óseos\, la exposición reúne un conjunto de obras en las que la fragmentación y la transformación orgánica de los cuerpos componen una imagen potente de ofrenda y sacrificio. \nEl carácter solemne y religioso que aparece con la presencia de esculturas y frisos en el espacio contrasta con el humor y la vivacidad que les da a las obras la fosforescencia de su paleta de colores y la inclusión de objetos inesperados\, como nidos y tacones de zapatos. Así\, el panteón de criaturas que habita la exposición puede sorprendernos con el encuentro inesperado entre un pie gigante\, una cabeza aplastada y una lombriz que se contorsiona. \nA través de estas imágenes\, Grunauer amplía un imaginario centrado en el cuerpo y la experimentación con sus límites. Su interés por la variación constante y la transformación se plasma en las características fluidas de las formas\, acentuadas por el tono acuoso de las piezas. Entre el nido\, la oruga y el esqueleto\, Grunauer atrapa en sus obras el carácter continuo y multiforme de la vida\, que no dejará nunca de cambiar. \nCuraduría Lucrecia Palacios \nCarla Grunauer\n(Tucumán\, 1982) es artista plástica. Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Tucumán\, participó en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella\, en Buenos Aires\, en 2018. Entre sus últimas exposiciones\, se destacan: Cartas para un animal que sueña\, Espacio Tucumán\, Buenos Aires\, 2019 (exposición individual con curaduría de Belen Romero Gunset); El fuego de un brazalete\, Galería Piedras\, Buenos Aires\, 2018 (exposición individual con curaduría de Guadalupe Creche)\, y Una historia de la imaginación en Argentina\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, 2019 (exposición colectiva con curaduría de Javier Villa). Vive y trabaja en Buenos Aires. \nCarla Grunauer\nLas oferentes\nDesde el 16 de octubre de 2021 al 7 de marzo de 2022 \nMAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/carla-grunauer-las-oferentes/
LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Carla_Grunauer_Las_oferentes1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211013
DTEND;VALUE=DATE:20211018
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210825T081430Z
LAST-MODIFIED:20210825T081430Z
UID:33260-1634083200-1634515199@fadla.org
SUMMARY:BAphoto 2021
DESCRIPTION:BAphoto 2021 abrirá del 13 al 17 de octubre en el predio porteño de La Rural con una edición presencial y cerca de 30 galerías que formarán parte de los tradicionales segmentos para artistas emergentes\, homenajeados\, jóvenes y consagrados. \nEl BAphoto 2020\, por la pandemia\, se realizó en formato digital\, lo que obligó a los organizadores a repensar algunas cuestiones “y este año volvemos a la presencialidad con ideas frescas y\, espacialmente\, ansiosos por reunirnos con apasionados del medio fotográfico”\, compartió Diego Costa Peuser\, director de la feria\, en Instagram. \nBuenos Aires Photo es una de las ferias de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica. Desde su surgimiento en 2005\, trabaja para promover el desarrollo de la fotografía dentro del campo artístico y poner en valor su producción a nivel internacional. \nCon 16 años de trayectoria\, la feria ha logrado convertirse en un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas\, curadores\, críticos\, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio. \nDesde el año 2016 BAphoto se realiza en el histórico pabellón de las caballerizas de La Rural\, el predio ferial de la ciudad de Buenos Aires\, ubicado en avenida Sarmiento 2704. “Este cambio es el resultado del crecimiento sostenido de la feria a través de 12 años ininterrumpidos\, lo cual permite sumar nuevos protagonistas y ampliar su presencia en el campo artístico internacional”\, señalaron los organizadores.
URL:https://fadla.org/calendario/baphoto-2021/
LOCATION:La Rural\, Av. Sarmiento 2704
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/08/baphoto-750x450-1.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20211006
DTEND;VALUE=DATE:20220501
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220403T202729Z
LAST-MODIFIED:20220403T202901Z
UID:33626-1633478400-1651363199@fadla.org
SUMMARY:Simbiología. Muestra colectiva
DESCRIPTION:A partir de mañana\, 6 de octubre\, se podrá visitar en el Centro Cultural Kirchner esta exposición con obras de más de 140 artistas de todo el país. \nEl Ministerio de Cultura de la Nación inaugura mañana la muestra «SIMBiOLOGÍA. Prácticas artísticas en un planeta en emergencia»\, que reúne obras de más de 140 artistas de todo el país en once salas del Centro Cultural Kirchner.\nLa curaduría está a cargo de un equipo dirigido por Valeria González\, secretaria de Patrimonio Cultural\, e integrado por Mercedes Claus\, Florencia Curci y Pablo Méndez.\n“Simbiología” es una palabra inventada para desplazar los significados del arte (simbología) hacia la generación de relaciones con otros seres (simbiosis). La exposición reúne más de 170 obras de arte argentino contemporáneo que exploran nuevas vinculaciones y mixturas entre lo humano y lo no humano. Dicha exploración emerge en una época en que la crisis de habitabilidad del planeta suscita profundos cuestionamientos de los modelos dominantes de acción\, conocimiento y sentimiento. \nLa muestra -que ocupa once salas de los pisos 6 y 7 del Centro Cultural Kirchner- se desarrolla a través de seis ejes y cuatro proyectos especiales:\nEcología política se centra en los vínculos entre el arte y la ecología.\nCatástrofes y cuidados\, que alude a los desastres producidos por el extractivismo humano y también al modo en que la Tierra “responde” mediante cataclismos inesperados.\nEn Inter-agencias tienen lugar producciones en co autoría entre personas artistas y otros actantes\, o experiencias de devenir conjunto entre especies diferentes.\nAnimismo explora diversas cosmogonías del continente\, las simbiosis corporales entre lo humano y lo no humano y los moldes culturales entre presente y pasado\, arte y artesanía.\nEn Simbiontes\, los cuerpos recombinantes y las estéticas queer se piensan en relación con los manifiestos feministas de Donna Haraway y su inspiración en biologías contrahegemónicas.\nDerechos no humanos propone una reflexión sobre las consecuencias legales de la nueva ecología política\, que reconoce el bienestar como un entramado vital de actantes humanos y no humanos\, en contra del modelo extractivista de progreso heredado por la modernidad. \nArtistas participantes:\na77 (Gustavo Diéguez y Lucas Gilard) • Felipe Álvarez Parisi • Marcelo Alzetta • Ar Detroy (Leandro Perez\, Ariel Pumares\, Fernando Dopazo\, Ariel Casas\, Marcelo Acuña\, Marcelo Valiente\, Juan Manuel Salas\, Miguel Mitlag\, Charly Nijensohn) • Nicanor Aráoz • Marcela Astorga • Mercedes Azpilicueta • Elba Bairon • Luis Fernando Benedit • Érica Bohm • Sofía Bohtlingk • Virginia Buitrón • Mildred Burton • Adriana Bustos • Juan José Calarco • Casa Río Lab • Constanza Castagnet • Verónica Cerrota • Gabriel Chaile • Cooperativa Sub • Eduardo Costa & Raimundas Malašauskas • Jimena Croceri • Joaquín & Isabella Cófreces • Ariel Cusnir • Flavia Da Rin • Sebastián Díaz Morales • Toto Dirty • Matías Duville • Fermín Eguía • El pelele • Tomás Espina • Faivovich & Goldberg • Lorena Fernández • Claudia Fontes • Julián Galay • Margarita García Faure • Nicolás García Uriburu • Agustín Genoud • Carlos Ginzburg • Mónica Giron • Max Gómez Canle • Lucila Gradín • Víctor Grippo • Etcétera (Loreto Garin Guzmán y Federico Zukerfeld) • Mauro Guzmán • Miguel Harte • Annemarie Heinrich • Carlos Huffmann • Iconoclasistas (Julia Risler y Pablo Ares) • Bruno Juliano • Fernanda Laguna • Alma Laprida • Donjo León • Leonel Luna • Cecilia Azniv Lutufyan • m7red (Pío Torroja y Mauricio Corbalan) • Verónica Madanes • Marcela Magno • Liliana Maresca • Matilde Marín • Vicente Marotta • Sabrina Merayo Nuñez • Guadalupe Miles • Mónica Millán\, Adriana Bustos & Conamuri Paraguay y Movimiento Nacional Campesino • Ad Minoliti • Marta Minujín • Eduardo Molinari • Romina Orazi • Julia Padilla • Margarita Paksa • Ariadna Pastorini • Máximo Pedraza • Mariana Pellejero • Federico Manuel Peralta Ramos • Andrés Piña • Malena Pizani •Alfredo Portillos • Fabián Racca • Emilio Renart • res • Reynols (Miguel Tomasín\, Roberto Conlazo\, Alan Courtis y Patricio Conlazo) • Florencia Rodríguez Giles • Tomás Saraceno • Mariela Scafati • Rosana Schoijett • Marcia Schvartz • Paula Senderowicz • Sirenes errantes (Florencia Carrizo\, Melisa Chetto\, Marta de la Gente\, Julia Hadida\, Meme Liebana\, Alejo Petriz\, Silvia Estrin\, Martín Tchira y Bautista Viera\, Violeta Mansilla\, Nina Kovensky\, Osías Yanov) • Ester Solano • Juan Sorrentino • Grete Stern • Paula Surraco • Mariana Telleria • Francisco Vázquez Murillo • Adrián Villar Rojas • Xul Solar • Guido Yannitto • Osías Yanov •Mariela Yeregui • Leonello Zambón & IF – Investigaciones del Futuro. \nSimbiología\nMuestra colectiva\nDesde el 6 de octubre de 2021 al 30 de abril de 2022\nmiércoles a domingos\, de 14 a 20 h\nWeb:https://simbiologia.cck.gob.ar/ \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
URL:https://fadla.org/calendario/simbiologia-muestra-colectiva/
LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/Simbiologia_Muestra_colectiva2.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210921
DTEND;VALUE=DATE:20220215
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220419T080745Z
LAST-MODIFIED:20220419T080745Z
UID:33777-1632182400-1644883199@fadla.org
SUMMARY:Rafael Barradas Hombre flecha
DESCRIPTION:En el marco de la conmemoración del veinte aniversario del Museo\, Malba presenta una exposición antológica dedicada al gran artista uruguayo Rafael Barradas (Montevideo\, 1890-1929)\, un pionero de la vanguardia internacional. Organizada en colaboración con la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay\, la exhibición reúne más de 130 obras\, entre óleos\, acuarelas y obras sobre papel\, provenientes de la Colección del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV)\, junto a una selección de importantes préstamos de colecciones privadas y públicas de Montevideo y de Buenos Aires. \nLa muestra abarca uno de los períodos más fructíferos en la producción del artista\, de 1913 a 1923\, durante su estadía en Barcelona y Madrid. A lo largo de estos años\, Barradas presentó las bases de su concepción estética: el vibracionismo\, en el que el artista descompone las escenas geométricamente para plasmar el dinamismo de la ciudad moderna\, siguiendo las direcciones del cubismo y del futurismo. \n“A sus veintidós años\, Barradas llega al techo en su tierra natal y ambiciona conocer de primera mano el arte producido en el viejo continente a comienzos de siglo XX\, para incorporar a su poética recursos de la vanguardia que le permitieron desarrollar un lenguaje pictórico propio denominado vibracionismo”\, explica el curador Enrique Aguerre. “Es entre los años 1917 y 1921 donde haremos foco para establecer nuevos abordajes al movimiento vibracionista y sus desarrollos vinculados al teatro. Si bien Barradas experimenta soluciones formales de diferentes momentos de su carrera\, es en este período en el que su producción alcanza una relevancia central”\, destaca. \nCurador: Enrique Aguerre. Director del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Uruguay.
URL:https://fadla.org/calendario/rafael-barradas-hombre-flecha/
LOCATION:MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/La-catalana-tren-de-caballos-1918-Colección-MNAV..jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210827
DTEND;VALUE=DATE:20211025
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210825T090955Z
LAST-MODIFIED:20210825T090955Z
UID:33265-1630022400-1635119999@fadla.org
SUMMARY:Fantasías plebeyas
DESCRIPTION:“Fantasías plebeyas” da título a la muestra que podrá visitarse desde el próximo sábado 28 de agosto hasta el 24 de octubre en el Museo Nacional de Arte Decorativo\, una serie de instalaciones específicas que reflexionan\, recurriendo al juego y al humor\, sobre un tiempo pasado de opulencia que\, probablemente\, no haya sido mejor que un presente despojado y plebeyo. \nLa exhibición está compuesta por una escultura de Luciana Lamothe\, cerámicas de Gabriel Baggio e instalaciones de Emil Finnerud\, de Noruega\, y Mehryl Levisse\, de Francia. Los sitios específicos dialogan con la historia del edificio ubicado en Avenida del Libertador 1902\, de la ciudad de Buenos Aires\, y su colección de manera lúdica y proponen fantasías mediante operaciones de construcción que escapan a la nostalgia por la belle époque. \n  \nInauguración: 27 de agosto  \nExposición abierta al público desde el sábado 28 de agosto \nVisitas: de martes a domingos de 13 a 19h. Con reserva previa desde la web del Museo Nacional de Arte Decorativo \n¿Por qué seguimos observando los palacios porteños con añoranza? La admiración de estas arquitecturas de la opulencia suele estar acompañada de un sentimiento de decadencia frente al presente al imaginarlas como evidencias de un tiempo glorioso que perdimos. En esta ensoñación que revive la vida en sus salones y nos proyecta en ella\, sin embargo\, quedan olvidadas sus condiciones originales de posibilidad: la desigualdad abismal entre regiones del país y entre clases sociales. \nNos situamos entonces en el Museo Nacional de Arte Decorativo abordando la potencia de su devenir –de residencia aristocrática en museo público– a través de una pregunta: ¿cómo sostener una valoración de este patrimonio que pueda abrir lugar a otros deseos y miradas? \nEnsayamos posibilidades a partir de instalaciones de sitio específico que dialogan con la historia del edificio y su colección de manera lúdica. Proponen fantasías plebeyas mediante operaciones de construcción\, reconstrucción y deconstrucción que escapan a la nostalgia por la belle époque. Invierten signos\, valores y lógicas espaciales\, proponen otros órdenes de diseño\, resaltan los contrastes o empujan las incoherencias estilísticas existentes hasta llegar al kitsch. Estas estrategias diversas permiten revisar críticamente el patrimonio expandiendo el goce que nos produce la exuberancia ornamental hacia nuevos horizontes de imaginación colectiva.  Leandro Martínez Depietri \nSobre las obras que integran la muestra \nLUCIANA LAMOTHE (Argentina) \nRepetición x Quiebre \nEscultura. Tirantes de madera. \n2021 \nLa escultura surge de una reflexión sobre la crisis actual\, con su potencia desestabilizadora y capaz de engendrar nuevos órdenes y horizontes culturales. Se impone sobre el pórtico del palacio. Contra la sobriedad de la piedra París y la solidez del edificio\, destacan su color estridente y su madera quebrada de puntas salientes. Tiene forma de columna caída\, aunque no es un elemento de sostén sino un pasaje que amplifica la experiencia incierta de atravesar un umbral. La artista busca una situación inmersiva que nos obliga a transitar por esta estructura que aparenta estar al borde del colapso. Sus puntos de quiebre\, sin embargo\, suponen una paradoja constructiva ya que son justamente aquello que la mantiene en pie. Mientras la arquitectura envolvente fue pensada para una eternidad imaginada de grandeza y estabilidad para pocos\, la intrusa expone un diseño de contingencia que se abre a las mutaciones del porvenir. \nGABRIEL BAGGIO (Argentina) \nLa pampa se ve desde adentro \nCerámica esmaltada con lustre de oro \n2016 \nColección José Luis Álvarez Mientras las artes decorativas han estado dominadas por motivos de la naturaleza\, alegorías en cuerpos de estilizadas figuras femeninas\, relatos mitológicos y escenas galantes\, la obra de Baggio toma un conjunto de herramientas como elemento ornamental. Son una réplica\, a escala real\, de aquellas que empleó para la construcción de una casa de adobe en la llanura pampeana\, performance en la que aprendió esta ardua tarea. Invierte así los valores de la ornamentación tradicional al centrar su atención en el trabajo manual por sobre iconografías asociadas al ocio y a la cultura erudita de las clases pudientes. Su ubicación en la antecámara del palacio irrumpe dentro del relato que portan los objetos legados por la familia Errázuriz Alvear\, sus antiguos propietarios\, y a cuyos retratos se contrapone. Si el título afirma un cambio de perspectiva sobre el campo\, su emplazamiento en la exhibición opera como memoria de la desigualdad que hizo posible la exuberancia de esta arquitectura. Interroga críticamente al patrimonio público a partir de la seducción plebeya de sus formas.  \nEMIL FINNERUD (Noruega) \nDeath Drive \n2021 \nInstalación. Serigrafías\, esculturas en yeso\, bronce madera\, impresiones 3D y partes varias de un vehículo Porsche 911\, polvo de ladrillo\, pintura. \nEl título de esta obra supone un juego de palabras en inglés. Death Drive es tanto una carrera automovilística mortal como una pulsión de muerte en los términos de la teoría psicoanalítica de Freud. El doble sentido\, problema predilecto del Surrealismo\, da lugar en esta instalación a una escena siniestra de carácter barroco en la que elementos fragmentados de un automóvil de lujo adquieren el lugar de ornamentos\, presentes en las esculturas y las serigrafías\, que se esparcen por una cancha de tenis llevada al extrañamiento. Estas partes fueron modeladas a partir de piezas involucradas en accidentes reales. La reunión atípica de la ostentación ornamental y un deporte tradicionalmente exclusivo construyen una crítica de la cultura contemporánea sustentada en el mérito\, la competencia y el individualismo. Su emplazamiento en este edificio recuerda un episodio clave de la historia revolucionaria que fue inmortalizado en pintura por Jacques-Louis David: el juramento del juego de pelota en el Palacio de Versalles en 1789\, cuando los diputados ocuparon este espacio de ocio del rey Luis XVI exigiendo una Constitución para Francia. \nMEHRYL LEVISSE (Francia) \nThe Naive Decorators \n2021 \nInstalación. Impresión sobre vinilo\, textiles de manufactura\, máscaras \nMehryl Levisse reparte su tiempo entre Francia y Marruecos nutriéndose de múltiples tradiciones artísticas en su trabajo. Mientras que el orientalismo en las artes decorativas ha desarrollado una mirada exotizante sobre las estéticas de Asia y el norte de África\, Levisse realiza una operación similar e irreverente sobre el canon occidental y sobre el eclecticismo que caracteriza a la gran arquitectura porteña del cambio de siglo entre el XIX y el XX. El Palacio Errázuriz Alvear cuenta con distintos salones diseñados cada uno según un estilo diferente dentro de la historia canónica del arte. Este diseño ecléctico que funcionaba simbólicamente como una afirmación de clase\, sofisticación y conocimiento de mundo contrasta con un proceso análogo en la instalación de Levisse que lleva la hibridación al extremo del pastiche y el kitsch. Sus formas exuberantes resultan del encuentro desenfadado de elementos que van de los muros pompeyanos al rococó\, pasando por los manuscritos iluminados del Medioevo y las máscaras del carnaval veneciano. Dan lugar a nuevas miradas sobre el cuerpo y su ropaje dentro de un ambiente de singular belleza en el que se alojan también objetos de la colección del museo\, planteando una apropiación lúdica y desafiante de la tradición y los relatos académicos. \nComo parte de los Programas Públicos de BIENALSUR 2021\, que incluyen\, entre otras acciones -presenciales y online-\, activaciones de las muestras\, desde el domingo 29 de agosto y hasta el 24 de octubre\, los domingos a las 16 h se presentarán performances a cargo de egresados del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín.  \nFantasías plebeyas se presenta en BIENALSUR 2021 con el apoyo de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. \nAcompañan la presentación en BIENALSUR 2021 del artista noruego Emil Finnerud\, Nordisk Kultur Fond (NKF) y Office for Contemporary Art Norway (OCA); del artista francés Mehryl Levisse\, la Embajada de Francia en Argentina\, el Institut Francais y la Alianza Francesa; y de la artista argentina Luciana Lamothe\, Atilio Bugliotti. \nFotografía: La pampa se ve desde adentro\, de Gabriel Baggio (2015). Cerámica esmaltada y lustre de oro. Colección José Luis Álvarez. Foto de Nicolás Levin.
URL:https://fadla.org/calendario/fantasias-plebeyas/
LOCATION:MNAD – Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/08/Museo-Nacional-de-Arte-Decorativo-en-la-ciudad-de-Buenos-Aires-Foto-MNAD.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210520
DTEND;VALUE=DATE:20211016
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210903T074243Z
LAST-MODIFIED:20210903T074507Z
UID:33291-1621468800-1634342399@fadla.org
SUMMARY:REVELACIONES BRILLANTES: LOS ALIVIOS DE LUIS TOMASELLO
DESCRIPTION:La Galería Ascaso se complace en presentar su tercera exposición individual dedicada a Luis Tomasello\, que destaca una selección de una treintena de Atmosphères chromoplastiques \, Objets plastiques y Lumières noires seminales que abarcan casi cuarenta años de actividad creativa\, desde 1976 hasta 2012. \n“Parto de una idea y\, a veces\, el resultado me sorprende y se valora más de lo que esperaba. Que el espectador lo reciba con la misma sencillez ”. \nLuis Tomasello nació en La Plata\, Argentina\, en 1915. A los 36 años visitó Europa por primera vez y seis años después\, en 1957\, hizo de París su hogar permanente. Fue allí\, en 1958\, donde realizó sus primeras obras de relieve cinético que tituló Réflexion . Más tarde\, el crítico de arte y poeta Carlo Belloli\, en el catálogo de la segunda exposición individual en la Galerie Denise René en 1965\, las rebautizó como Atmosphères mobiles chromoplastiques . (Los primeros coleccionistas de Tomasello en la galería fueron Marguerite Arp y Philip Johnson). \nA lo largo de su vida\, la reputación internacional de Luis Tomasello creció\, a partir de estas primeras exposiciones individuales\, realizadas en 1962 en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) en Buenos Aires y la Galerie Denise René en París\, a través de su participación en todos los grandes eventos internacionales dedicados a la lumino -arte cinético. \nTomasello tiene obras en muchas colecciones públicas y privadas importantes\, incluida la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo\, el Museo de Bellas Artes – MFAH en Houston y la Fundación de Arte Cisneros Fontanals – CIFO en Miami. En Europa el Musée national d’Art Moderne (Centre Pompidou) y la Bibliothèque nationale de France (biblioteca nacional francesa)\, ambos en París\, el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Países Bajos)\, la Tate Modern de Londres y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid albergan obras suyas\, al igual que numerosos museos de Argentina: el Museo de Arte Moderno (MAMbA) y el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) de Buenos Aires\, entre otros. También produjo una gran cantidad de obras arquitectónicamente integradas tanto en Europa como en América. Murió en París en 2014. \n“Con lo mínimo\, alcanza lo máximo” fue el principio que me dejó Mondrian\, y he trabajado con él toda mi vida. Mis objets plastiques o atmosphères chromoplastiques \, unen escultura y pintura en un solo idioma y permiten su integración en la arquitectura ”.
URL:https://fadla.org/calendario/revelaciones-brillantes-los-alivios-de-luis-tomasello/
LOCATION:Ascaso Gallery\, 1325 NE 1st Ave\, Miami FL.\, United States
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/09/Luis-Tomasello-en-su-estudio-París-años-60-Foto-de-André-Morain.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210416
DTEND;VALUE=DATE:20210823
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210818T084336Z
LAST-MODIFIED:20210818T084336Z
UID:33231-1618531200-1629676799@fadla.org
SUMMARY:Verónica Di Toro - El color es una línea en el tiempo
DESCRIPTION:«En la forma – color se inicia la obra de Di Toro. Sus investigaciones se traducen en series que por primera vez son exhibidas en el MACLA\, donde explora una interrelación fundamental dentro de la abstracción geométrica» escribió Joaquín Almeida en el catálogo de la muestra. \n«Al igual que maestros como Albers\, Tomasello\, Espinosa\, esas exploraciones sobre una misma forma\, que denomina Cuadrículas\, demuestran las muchas posibilidades que ofrece un camino aparentemente estrecho». \n«Rigurosa\, precisa en la confección hard edge del detalle\, Di Toro impacta en los tonos que elige\, porque no es complaciente. En sus indagaciones el color es una línea en el tiempo que marca cada trabajo\, cada serie. Una intensidad que parece nunca haberla abandonado». \nLa muestra cuenta con un catálogo impreso y un catálogo digital que puede descargarse de forma gratuita desde macla.ar. \nA partir de las medidas sanitarias implementadas en todo el territorio nacional\, es obligatorio el ingreso a las salas con tapa boca y nariz\, higienizarse las manos con alcohol\, el distanciamiento de social y el control de temperatura. No podrán permanecer al mismo tiempo más de 8 personas por sala.
URL:https://fadla.org/calendario/veronica-di-toro-el-color-es-una-linea-en-el-tiempo/
LOCATION:MACLA\, calle 50 e/ 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/08/Puerta-N-¦6-150-x-150-cm-2015.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210326
DTEND;VALUE=DATE:20211108
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20231130T094314Z
LAST-MODIFIED:20231130T095749Z
UID:36365-1616716800-1636329599@fadla.org
SUMMARY:DESPUÉS DE BABEL. TRADUCCIONES RIOPLATENSES
DESCRIPTION:Tres años atrás\, múltiples reuniones con Barbara Cassin nos permitieron avizorar la posibilidad de una versión rioplatense de Después de Babel. \nLa pandemia no impidió que se siguiera trabajando para hacerla realidad y para que\, con el impulso creativo de nuestra directora artística Diana Wechsler y la investigación y el cuidado trabajo de los curadores Marina Aguerre y Leandro Martínez Depietri\, se llegase a esta muestra para la que es difícil encontrar adjetivos que puedan describir su calidad\, belleza y ajustada dimensión política\, que puede sintetizarse en la frase que desarrolla la obra que nos recibe al ingresar al Hotel de Inmigrantes\, sede de nuestro MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo: La igualdad no tiene fronteras. \n  \nAníbal Y. Jozami \nDirector general MUNTREF \nhttps://untref.edu.ar/muntref/es/muestras/despues-de-babel/
URL:https://fadla.org/calendario/despues-de-babel-traducciones-rioplatenses/
LOCATION:Muntref\, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero Centro de Arte Contemporáneo\, Sede Hotel de Inmigrantes.\, Av. Antártida Argentina s/n\, entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus. Ingreso por Apostadero Naval. Puerto Madero\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2023/11/Banner_1264x770.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210326
DTEND;VALUE=DATE:20210530
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20230918T193617Z
LAST-MODIFIED:20230918T193617Z
UID:35781-1616716800-1622332799@fadla.org
SUMMARY:“Líquido Cielo. Obras 1976-1988”
DESCRIPTION:La galería Diego Obligado de Rosario exhibe en estos días “Líquido Cielo. Obras 1976-1988”\, una serie de pinturas y pasteles de Juan Grela pertenecientes a la colección Ocáriz. El catálogo recorre la extensa trayectoria de un artista que protagonizó gran parte de los movimientos gestados en Rosario\, desde la Escuela Taller de la Mutualidad Popular de Estudiantes y Artistas Plásticos\, en las décadas del 30 y 40\, el grupo Litoral en la del 50\, y la politizada vanguardia de los años 60. La muestra\, curada por el teórico Guillermo Fantoni\, indaga con especial dedicación la “etapa orgánica”\, período donde Grela amplificó su sensibilidad. \nEn la muestra hay paisajes y formas flotantes que de inmediato se asocian a la flora y la fauna del río. El espectador puede bucear en ese “Líquido Cielo”\, un río imaginario forjado por la mitología personal que busca ingresar al universo del espíritu. En el umbral de la abstracción\, Grela pinta la naturaleza\, pájaros\, peces\, plantas\, rostros\, flores\, caracoles. La marea de colores arrastra su propia identidad. Lejos de utilizar colores saturados\, se sirve preferentemente de los grises o los tierras\, elaborados con escasos contrastes. \nGuillermo Fantino destaca el encuentro del artista con el automatismo y lo surreal. Aclara que hay figuras que “comenzaron a gravitar antes de que el artista direccionará sus investigaciones hacia el dadaísmo y el surrealismo. En diversas oportunidades Grela declaró que para la realización de los collages y de los relieves en maderas utilizaba un ‘automatismo mecánico’ de ascendencia Dadá”. \nLa pintura sigue el ritmo del pensamiento de Baudelaire: “Infinitas capas de ideas\, imágenes y sentimientos cayeron sucesivamente sobre nuestro cerebro\, tan dulcemente como la luz. Pareció que cada una sepultaba la anterior\, pero\, en realidad\, ninguna había desaparecido”.
URL:https://fadla.org/calendario/liquido-cielo-obras-1976-1988/
LOCATION:Diego Obligado Galería de Arte\, Güemes 2255\, Rosario\, Provincia de Santa Fe\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2023/09/Juan-Grela.-Kamyyaykja-XI-1985-oleo-sobre-hardboard.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210325
DTEND;VALUE=DATE:20210809
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220717T095541Z
LAST-MODIFIED:20220717T095541Z
UID:33941-1616630400-1628467199@fadla.org
SUMMARY:Mario Arroyo - Surrealismo rioplatense
DESCRIPTION:Esta muestra reúne obras y documentación de la colección personal del artista (catálogos\, fotografías\, documentos\, artículos de prensa\, cartas\, ahora pertenecientes a la sucesión de su viuda\, Petrona Méndez de Arroyo)\, y de algunas colecciones particulares de Uruguay. \nGran parte de la producción del artista está radicada en el exterior\, en colecciones de Argentina\, Brasil y Estados Unidos\, inaccesible para este proyecto. Con mucho esfuerzo se han reunido 33 pinturas originales\, catálogos y afiches de las muchas exposiciones individuales y colectivas que el artista realizó en vida\, además de colaboraciones para revistas y textos literarios de su época. \nRealizó su primera obra casi a los 40 años; falleció a los 68\, luego de una larga enfermedad\, por lo que fueron alrededor de 25 años de producción artística. \nSu forma de trabajo era concienzuda\, exigente y meticulosa; en cada obra se reflejaba una parte de él\, plasmada con clara y prolija rigurosidad plástica. Arroyo gozó en vida de éxito comercial; su obra\, apenas era producida\, se comercializaba con facilidad en las mejores galerías de la época. \nLa confluencia de estos aspectos hizo que la obra disponible en Uruguay fuera escasa\, así como también la colección familiar. \nLas líneas finales de la crónica de Juan Pedro Carbajal en la revista Imágenes dedicada a «Trece pintores uruguayos»\, de 1980\, reflejan la realidad: «…una búsqueda que prosigue con un andar pausado\, trazando cientos de dibujos\, bocetos\, pintado con total exigencia y con una producción limitada por sus propias reservas y limitaciones autoimpuestas por el creador». \nLa vida artística de Mario Arroyo se desenvolvió en un entorno muy exigente\, con grandes galerías de arte que promocionaban a los artistas: Contemporánea\, Losada\, Bruzzone\, Moretti\, Aramayo\, Tempo\, Karlen Gugelmeier\, Río de la Plata\, U\, Latina\, así como marchands y críticos de arte que generaron mucho valor y crecimiento a la plástica nacional. \nAdemás del éxito comercial\, también obtuvo importantes premios. Si bien Arroyo no concursaba voluntariamente en certámenes de pintura\, participaba cuando era especialmente invitado. Su obra fue premiada en la Primera Bienal Internacional del Deporte en las Artes Plásticas en 1980\, con el óleo El último instante que se exhibe en la presente muestra en el verano del año 1978; obtuvo el Premio Ford en el II Premio del Este de Pintura Uruguaya del Museo de Arte Americano de Maldonado\, galardonado junto a destacados pintores como Miguel Battegazzore\, Carlos Tonelli\, Gustavo Alamón\, Hugo Longa\, y Gustavo Vázquez. \nAsimismo\, obtuvo juicios muy favorables de la crítica de la época\, entre los que destacan los análisis de María Luisa Torrens en el diario El País\, que ante la primera muestra individual tituló su crónica como «Un brillante debut»; la de Eduardo Vernazza en el diario El Día\, la de Alfredo Washington Torres en el semanario Marcha\, la de Jorge Nieto en el diario El Popular y la de varios críticos extranjeros. \nEn muestras colectivas expuso junto a importantes artistas como Fernando Cabezudo\, Clarel Neme\, Jorge Damiani\, Hugo Longa\, Oscar García Reino y Hermenegildo Sábat. Precisamente\, integra la presente exhibición una caricatura de Mario Arroyo realizada por su amigo Menchi Sábat en el año 1980\, con la siguiente dedicatoria: «…para Mario\, un recuerdo de su hermano Menchi»\, quien además y a decir del poeta Horacio Ferrer\, le había afirmado que «…para mí\, en arte\, Mario tiene todas las cuentas pagadas» (la nota de Ferrer forma parte del presente catálogo). \nEn junio del año 2016 en Tacuarembó –la tierra del «zorzal criollo del tango\, Carlos Gardel (1887-1935)»–\, en el Museo de Artes Visuales de Tacuarembó (muart)\, se realizó una exposición de obras de Mario Arroyo que se llamó Tango y bohemia. \nPosteriormente\, en abril de 2018\, en el aniversario 100 años + 1 de La Cumparsita\, en una gala tanguera en el Teatro Solís\, fueron homenajeados el director de orquesta\, bandoneonista y compositor ítalo-uruguayo Donato Racciatti (1918-2000) y los pintores Mario Arroyo\, Jorge Páez Vilaró y Martha Escondeur. \nLa calidad de la pintura de Arroyo\, su profundidad temática y conceptual\, así como su originalidad y particularidad en el panorama de la pintura de la región y su época\, son apreciables en esta muestra. Esperamos que la exhibición\, además de presentar a este artista para el redescubrimiento del público uruguayo\, sea un acicate para un estudio y análisis profundo de su obra\, a la que el propio Arroyo calificó como un «surrealismo rioplatense». \nCarlos Castro\nMarcelo Guadalupe \nDesde el jueves 25 de marzo al domingo 8 de agosto de 2021\nSala 3 \nMuseo Nacional de Artes Visuales\nTomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig. Parque Rodó – Montevideo – Uruguay \nHorarios al público: martes a domingos de 13:00 a 20:00 horas. \n 
URL:https://fadla.org/calendario/mario-arroyo-surrealismo-rioplatense/
LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig. Parque Rodó -\, Montevideo -\, Uruguay
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/07/Mario-Arroyo-Terceto-nocturno-1989.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210325
DTEND;VALUE=DATE:20210906
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20220408T111408Z
LAST-MODIFIED:20220408T111408Z
UID:33708-1616630400-1630886399@fadla.org
SUMMARY:Ferrari infinito
DESCRIPTION:De marzo a junio\, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la muestra “Ferrari infinito”\, que reúne una selección de más de cien obras gráficas producidas por León Ferrari durante las décadas de 1970 y 1980. \nCon curaduría de Carolina Jozami\, de la Dirección Artística del Bellas Artes\, esta exposición se realiza en el marco del centenario del nacimiento del artista y celebra el ingreso a la colección del Museo de una importante donación de obras provenientes de la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA). \nLas piezas exhibidas dan cuenta de los temas recurrentes a lo largo de la trayectoria de Ferrari –la existencia urbana; la estrategia\, la lógica y el pensamiento desde tableros de ajedrez y laberintos; el lenguaje y las estructuras de la comunicación; y la civilización occidental y cristiana–\, que desarrolló a partir de su experimentación con la línea\, la escritura y la abstracción\, y empleando diversas técnicas: la litografía\, la xerografía\, el aguafuerte y el arte postal\, entre otras. \nGran parte del corpus reunido fue creado durante los años en que Ferrari residió en Brasil\, adonde se exilió en 1976\, época en la que comenzó a utilizar imágenes estandarizadas de Letraset\, incursionó en el arte correo y abordó distintas técnicas de reproducción mecánica\, como la fotocopia.
URL:https://fadla.org/calendario/ferrari-infinito/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes – Sala 33 / Primer piso\, Av. Del Libertador 1473\, CABA
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2022/04/León-Ferrari.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210317
DTEND;VALUE=DATE:20210501
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20240210T085423Z
LAST-MODIFIED:20240210T085423Z
UID:36899-1615939200-1619827199@fadla.org
SUMMARY:Silvia Torras Juventud y alegría; una alegría que no es la exuberancia boba\, sino la verdadera alegría
DESCRIPTION:Juventud y alegría; una alegría que no es la exuberancia boba\, sino la verdadera alegría.\nEl movimiento Informalista que dominó la escena en Buenos Aires entre finales de la década del 50’y el primer lustro de los sesenta fue conducido por un grupo de jóvenes con hambre revolucionario. Compartían un visceral rechazo por el arte dominante al que consideraban apagado\, previsible\, aburrido; querían un arte nuevo fundado en el derrumbe del Buen Gusto. La pintura abstracta que de allí nació\, hecha de pinceladas veloces cargadas de materia\, a menudo incrustadas con algo abyecto del mundo y del cuerpo – orina\, sangre\, basura – tomó las salas de las galerías de la ciudad con igual ritmo vertiginoso.\nLa excitación no tardó demasiado en diluirse. Percibieron que la fuerza había sido absorbida por el sistema oficial; o que la Pintura había agotado su ciclo vital – hacia mediados de los 60’ el centro del debate estético estaba dominado por la afirmación: La Pintura Está Muerta– fueron dos perspectivas que digirieron las aventuras hacia nuevos caminos experimentales. Pop\, Conceptualismo\, Happenings\, fueron los nombres bajo los cuales se alumbraron nuevas formas para un tiempo que requería y obtenía renovaciones enérgicas\, constantes\, volcánicas.\nCuando el movimiento se había disipado Kenneth Kemble y Alberto Greco\, los grandes agitadores\, habían logrado instalarse en el escenario principal de Las Grandes Rupturas y estos cortes significan el gran capital de la historia del arte. Otros nombres serían indisociables del Pop\, el arte de acción\, las ambientaciones o el land-art y su paso por el Informalismo quedaría asentado como un bautismo en la gramática moderna. Una gran cantidad de valiosas intervenciones quedaron rezagadas\, inexploradas\, semi-olvidadas: gran parte de ellas corresponden a las mujeres del Informalismo. En este punto se introduce la obra de Silvia Torras.\nEn los primeros tres años de los sesenta Silvia Torras además de formar parte de experiencias colectivas fundacionales para el devenir de la instalación y el Conceptualismo\, como Arte Destructivo – 61’– y El Hombre antes del Hombre –62’– produjo un poderoso caudal de pinturas. Algunas de ellas fueron vistas en las exhibiciones individuales que tuvo en la Galería Peuser – 60’ – y en la Galería Lirolay –61– \, o en prestigiosos premios\, como el Di Tella y Ver y Estimar en 1963. Este año clausura definitivamente su trayectoria artística\, su vida en Buenos Aires y su matrimonio con Kemble. Murió en 1970\, a los 34 años en Cuernavaca\, México.\nLa tentación de presentir un recorrido trunco al advertir una muerte tan joven se desvanece al conocer su intenso y extenso trabajo: para Silvia Torras el tiempo en el arte fue suficiente para legar una obra en la que confluyen pathos y ornamentación. A diferencia del lugar común informalista tan moderado\, áspero en el uso del color\, Torras se distingue por tomarlo como emblema: amarillos\, azules\, verdes\, rojos vibran como selvas o tempestades de lava. El sentido dramático de su pintura tiene puntos muy altos\, arrolladores cuando se dirige a enormes lienzos – otra singularidad suya en una época que reservaba formatos contenidos\, no demasiado grandes para las mujeres y así moderaran sus ambiciones – sin embargo\, no claudica al reducirse. Volver sobre el trabajo de Silvia Torras es fundamental para continuar hilando una historia del arte diversa\, hecha también de olvidos\, fragmentos y apariciones intempestivas. \nFlorencia Qualina\nMarzo\, 2021.
URL:https://fadla.org/calendario/silvia-torras-juventud-y-alegria-una-alegria-que-no-es-la-exuberancia-boba-sino-la-verdadera-alegria/
LOCATION:MCMC Galería\, Av. Mariscal Ramón Castilla 2871\, 10 A\,\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2024/02/Silvia-Torras-Sin-titulo-1960-63-3-Oleo-sobre-tela.-.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210310
DTEND;VALUE=DATE:20210522
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20230505T145754Z
LAST-MODIFIED:20230505T145754Z
UID:34594-1615334400-1621641599@fadla.org
SUMMARY:“Oviedo introspectivo”
DESCRIPTION:En una concurrida ceremonia se dio apertura la galería con la muestra titulada: “Oviedo introspectivo”\, que cuenta con 26 autorretratos del ilustre maestro. \nCon la exposición “Introspectivo”\, el Ministerio de Cultura reabrirá la galería dedicada a la trayectoria de Ramón Oviedo\, extinto maestro de la pintura dominicana condecorado con las más altas distinciones e importantes premios nacionales e internacionales a lo largo de su carrera. \nLa muestra será inaugurada próximo nueve de marzo\, a las 11:00 a.m. y abierta al público al día siguiente\, hasta el 10 de mayo de este año. Por la situación sanitaria actual\, los visitantes deberán respetar las medidas de protección establecidas por las autoridades. \nLa Fundación Ramón Oviedo informó que la exposición contará con más de 20 autorretratos del maestro\, entre pinturas sobre lienzos de gran formato y dibujos\, algunos de ellos no conocidos por el público. \n“Agradecemos a los coleccionistas privados Isaac Rudman\, Kelvin Naar\, Fernando Báez\, Alberto Cruz\, Purísima de León\, Omar Molina y Antonio Ocaña\, quienes han cedido las piezas para la actividad”\, añadió. \nAl evento asistieron figuras del ámbito artístico\, diplomáticos\, coleccionistas y familiares del fenecido artista\, respetando el debido protocolo dispuesto por el Ministerio de Salud Pública para frenar la propagación del covid-19.
URL:https://fadla.org/calendario/oviedo-introspectivo/
LOCATION:Ministerio de Cultura\, Ave. George Washington esq. Pte. Vicini Burgos\, Santo Domingo\, República Dominicana
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2023/05/R-Oviedo.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20210302
DTEND;VALUE=DATE:20210503
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210706T100123Z
LAST-MODIFIED:20210706T100123Z
UID:32975-1614643200-1619999999@fadla.org
SUMMARY:Antonio Pezzino 1921-2004/Retrospectiva en su centenario.
DESCRIPTION:La exposición Antonio Pezzino 1921-2004/Retrospectiva en su centenario\, abre sus puertas al público el martes 2 de marzo a las 13 horas en Sala 4 del Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo\, Uruguay)\, propone un recorrido a través de la obra plástica y de los proyectos realizados en el área del diseño gráfico por este artista cordobés que comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes «Dr. José Figueroa Alcorta»\, aunque siendo muy joven partió hacia Montevideo en busca de las enseñanzas del maestro Joaquín Torres García\, convirtiéndose en su discípulo y desarrollando su vida y toda su trayectoria en esta ciudad. \nLas obras están organizadas en módulos integrados por\, la etapa formativa\, el período constructivo\, los procesos de transformación de la imagen y los desarrollos de una abstracción libre y sígnica. En ellos se pueden seguir desde el momento de asimilación de la lección constructiva hasta la rearticulación de la imagen a partir del encuentro con otras culturas\, especialmente las experiencias del budismo Zen que impulsaron el gesto espontáneo. Otro núcleo se dedica a desplegar sus trabajos en diseño gráfico\, área a través de la cual logró insertar el carácter sensible de su arte en las piezas gráficas. \nA cien años de su nacimiento la presentación de Antonio Pezzino 1921-2004/Retrospectiva en su centenario\, constituye un merecido reconocimiento para este artista quien comprendió que el camino del arte\, debía abrirse paso en el tiempo buscando su propia identidad hacia un lenguaje plástico universal. \nAntonio Pezzino nació el 5 de diciembre de 1921 en la ciudad argentina de Córdoba\, donde comenzó su formación artística en la Academia de Bellas Artes «Dr. José Figueroa Alcorta». Desde 1945 se sumó al Taller Torres García (TTG) de Montevideo\, como discípulo directo de Joaquín Torres García. \nEn 1954 realizó un viaje de estudios a España\, Francia e Italia\, donde se acercó a los maestros del arte occidental que admiraba y\, al mismo tiempo\, tomó contacto con el arte y la filosofía oriental\, ideas que abrieron una nueva dirección en su concepción plástica. \nTambién desde mediados de los años 50 se desempeñó como artista gráfico en la imprenta AS\, diagramó la revista Removedor del TTG y el diario El País\, ilustró la sección literaria de este diario\, del semanario Marcha y de la revista Tres\, y encaró numerosos proyectos de diseño gráfico. \nFormó su familia con Leticia Barrán -también integrante del TTG- y en 1980 obtuvo la carta de ciudadanía uruguaya. Sus obras participaron en las exposiciones del Taller\, así como en numerosas muestras individuales y colectivas. \nFalleció en Montevideo el 29 de abril de 2004\, a los 82 años. \nEn 2006 el Ministerio de Educación y Cultura declaró su obra de «Interés Cultural». \nLa muestra permanecerá abierta hasta el domingo 2 de mayo de 2021 en:  \nMuseo Nacional de Artes Visuales\nTomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig\nParque Rodó – Montevideo – Uruguay\nTels.: +598 2711 6054 – 2711 6124 – 2711 6127
URL:https://fadla.org/calendario/antonio-pezzino-1921-2004-retrospectiva-en-su-centenario/
LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig - Parque Rodó\, Montevideo\, Montevideo\, Uruguay
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/07/Antonio-Pezzino-Ventana-al-puerto-sf-óleo-sobre-cartón.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20201203
DTEND;VALUE=DATE:20210308
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20201113T212845Z
LAST-MODIFIED:20201113T212845Z
UID:31511-1606953600-1615161599@fadla.org
SUMMARY:Amalia Nieto  Retrospectiva 1925-2003
DESCRIPTION:Apertura al público\, jueves 3 de diciembre de 2020 de 13.00 a 20.00 horas.\nSala 5 \nEl propósito de la gran retrospectiva de la obra completa de Amalia Nieto (1907-2003) es dar a conocer y poner en valor la pintura de esta gran artista uruguaya\, moderna y vanguardista. Amalia estudió en Francia e Italia\, fue alabada por Torres García\, representó al Uruguay en la Bienal de San Pablo\, ganó innumerables premios\, entre ellos el gran premio del Salón Nacional de Pintura de 1967 y el de escultura 1969. Y\, sin embargo\, se la conoce como «la segunda mujer de Felisberto Hernández». De hecho\, una importantísima exposición de Amalia en Buenos Aires en 2015 se llamó «Cartas a Felisberto». \nUna de las características distintivas de la retrospectiva en la que se trabaja para diciembre de 2020\, en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo\, es que esta muestra recoge ejemplos de toda la carrera de Amalia\, de un inventario de más de mil obras\, entre óleos\, acrílicos\, grabados\, bocetos\, así como cartas\, fotografías y documentos; que se sumarán a las obras en poder de los principales museos y colecciones nacionales y extranjeras. Amalia pintó hasta el último día de su vida\, que se apagó en el verano de 2003. \nLa otra razón de importancia de esta muestra es que\, aunque Amalia expuso innumerables veces a lo largo de su vida\, muchas veces las exhibiciones se concentraban en la temática\, técnica o «serie» del momento. La posibilidad de ver juntas todas las diferentes maneras de expresión plástica de la artista nos permite advertir el carácter abstracto o figurativo (pero casi nunca naturalista\, con libertad de colores y en muchas oportunidades franco desdén por el claroscuro) de sus obras y establecer\, o no\, hilos conductores\, temas recurrentes\, temas abandonados. Esta exposición nos da la oportunidad de conocer el trabajo completo de Amalia. Será tarea de cada espectador imaginar sus opiniones\, preferencias\, y razones\, ya que la artista fue muy escueta en sus declaraciones y jamás «explicó» sus obras ni habló de ellas. Este misterio hace aún más atractivo acercarse a su arte\, tan diverso. A la vez\, esta exposición podrá interesar a los investigadores tanto uruguayos como extranjeros por la fusión de las diversas vanguardias en la obra de Nieto. \nSoledad Hernández Montañés y Héctor Pérez\nCuradores \nLa muestra permanecerá abierta hasta el domingo 7 de marzo de 2021.
URL:https://fadla.org/calendario/amalia-nieto-retrospectiva-1925-2003/
LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig Encontrar en el mapa Parque Rodó\, Montevideo\, Uruguay
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2020/11/Amalia-Nieto-Autorretrato-1930-París.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20201101
DTEND;VALUE=DATE:20210201
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20210430T191424Z
LAST-MODIFIED:20210430T191952Z
UID:32497-1604188800-1612137599@fadla.org
SUMMARY:HOMENAJE - ROBERTO DIAGO
DESCRIPTION:El artista ha querido rendir homenaje a su abuelo Roberto Diago Querol (1920 –1955)\, cuyo centenario conmemoramos\, mediante la inclusión de un autorretrato y el retrato que de él pintó Loló Soldevilla. Diago Querol dejó una huella perdurable en la historia de las artes plásticas cubanas de la medianía del siglo pasado\, legado del que todos somos deudores. \nMás allá del merecido y sentido tributo\, la continuidad entre la obra de aquel y el Diago de hoy no solo es motivo inspirador\, sino pauta para el enriquecimiento de nuestra experiencia. \nFragmento palabras del catálogo
URL:https://fadla.org/calendario/homenaje-roberto-diago/
LOCATION:Galeria de Arte Villa Manuela\, Calle H No. 406 e/17 y 19 Vedado\, Habana\, Ciudad de la Habana\, Habana\, Cuba
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2021/04/Roberto-Diago-Hombre-de-lucha-2020-scaled.jpeg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20201030
DTEND;VALUE=DATE:20210301
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20201108T221021Z
LAST-MODIFIED:20201108T222026Z
UID:31444-1604016000-1614556799@fadla.org
SUMMARY:NICANOR ARAOZ: SUEÑO SÓLIDO
DESCRIPTION:El Museo Moderno se enorgullece de presentar esta exposición individual de Nicanor Aráoz (Buenos Aires\, 1981)\, artista central en el panorama de la escultura argentina contemporánea. En sus obras\, Aráoz ha investigado las formas del cuerpo humano para crear imágenes en las que el cuerpo se deshace y se recompone al enfrentarse a la violencia\, al desenfreno y al erotismo\, a través de diferentes procesos de metamorfosis. La transformación de la materia es un elemento central en su trabajo\, por lo que\, con el correr del tiempo\, sus exposiciones se han ido poblado de humanoides\, formas larvales y referencias orgánicas de todo tipo\, que el artista sitúa en escenas propias de la ciencia ficción\, el retrofuturismo o el ciberpunk. \nLas obras de Aráoz nos vuelven testigos de su preocupación por cómo el ser humano padece\, habita y se relaciona con un mundo inestable y en tensión. Para abordar estos temas complejos\, recurre sistemáticamente a Internet\, entendiendo a la web como un sueño colectivo y social o un archivo surrealista veloz\, del que toma elementos tan diversos como la estética del animé\, el diseño de marcas comerciales\, el universo de la rave y sus ritos\, los universos ficcionales de los videojuegos\, la poesía existencial\, las tradiciones místicas y las formas de los organismos biológicos\, sobre todo las asociadas con lo monstruoso. \nEn Sueño sólido\, proyecto creado especialmente para las salas del Museo Moderno\, Nicanor Aráoz le dio forma a un paisaje con cuatro grandes piezas que ponen en escena diversos procesos de rehabilitación. Conviven en el espacio la capacidad regeneradora de una floración\, la delicadeza de la cerámica o la emotividad de la música vintage que reproduce una rockola con las energías destructivas de los tornados\, la violencia de la guerra y la agresividad de los materiales sintéticos\, como el poliuretano. Si en varias de sus exposiciones anteriores Aráoz había trabajado sobre las pulsiones reprimidas –el crimen\, la sexualidad\, la tortura–\, aquí el artista se aleja del relato traumático y se pregunta por la posibilidad de existencia de nuevas formas de vida que reúnan la tecnología y la naturaleza.
URL:https://fadla.org/calendario/nicanor-araoz-sueno-solido/
LOCATION:Museo Moderno\, Av. San Juan 350. San Telmo\, CABA\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://fadla.org/wp-content/uploads/2020/11/IMG_0170-foto-Sol-Navedo.jpg
END:VEVENT
BEGIN:VEVENT
DTSTART;VALUE=DATE:20201024
DTEND;VALUE=DATE:20201201
DTSTAMP:20260502T200101
CREATED:20201028T201844Z
LAST-MODIFIED:20201028T201844Z
UID:31239-1603497600-1606780799@fadla.org
SUMMARY:Crear Mundos
DESCRIPTION:Este sábado inauguración por Instagram Live con las artistas! A las 17 hs\, en el marco del festival #LosMuseosIluminan\, presentamos la sala 1 de la muestra Crear Mundos en vivo desde Instagram con la presencia de las artistas Delia Cancela\, Nicola Costantino\, Mónica Giron\, Alicia Herrero\, Dalila Puzzovio\, Mariela Scafati\, Mini Zuccheri y la asesora académica Dra. María Laura Rosa.\nEsta sala destaca la versatilidad de las prácticas artísticas en un vasto cuerpo de obras que van desde los atuendos mapuches y la imagen tergiversada de un jarrón chino en la obra de Alicia Herrero\, pasando por los objetos de indumentaria y textil de Delia Cancela\, Nicola Constantino\, Mónica Giron\, Mónica Millán\, Dalila Puzzovio\, Mariela Scafati y Mini Zuccheri hasta el Globo de acero de Mona Hatoum\, que explora el concepto de hogar desde la perspectiva del exilio palestino y resulta ser la pieza fundamental para pensar “Crear Mundos”. Las artistas toman objetos del mundo cotidiano y se valen de distintos materiales para crear obras que cuestionan los límites del arte y el rol de la mujer.
URL:https://fadla.org/calendario/crear-mundos/
LOCATION:FUNDACIÓN PROA\, Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito\, Buenos Aires\, Argentina
ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://fadla.org/wp-content/uploads/2020/10/Crear-Mundos_nota.png
END:VEVENT
END:VCALENDAR