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SUMMARY:Homenaje a Litania Prado.
DESCRIPTION:LITANIA PRADO \nLitania\, de 46 años\, ha sido discapacitada seriamente por una artritis reumatoide desde que tenía 15 años. Debido a esta grave enfermedad\, también quedo ciega hasta que mediante una operación pudo milagrosamente ver otra vez. En ese ir y venir a los hospitales y en las charlas de viaje le ofrecimos si le interesaba capacitarse en pintura como una actividad para generar ingresos. Por supuesto dijo que sí. Es así como el reconocido pintor salteño Jorge Marino\, le dio las primeras instrucciones de cómo preparar la base y luego pintar. A partir de ahí (1995) no ha cesado en este oficio y ha demostrado que hay un lugar para estos pintores en el espectro de pintura Argentina. La pintura la muestra tal cual es: feliz\, optimista y llena de vida. La pintura le ha cambiado la vida dándole independencia y dignidad. Detrás de sus obras hay una explicación en idioma Wichi y en castellano de lo que se ve en el cuadro. \nREINALDO PRADO \nSu verdadero nombre en Wichi \, es Ilhintes. Nacido en Misión Chaqueña en el año 1966. Hijo de Juan Prado\, pero fue criado huérfano por los misioneros debido a que su padre mato a su madre justo al nacer\, escapo al monte por temor a represalias y nunca más volvió. Reinaldo comenzó su trabajo creativo como artesano de la madera haciendo delicados pájaros en miniaturas. Hace unos 8 años se inicio con la pintura debido a que su hermana Litania \,se había largado con este oficio unos años antes. Es una persona muy callada\, respetuosa y observadora\, características todas estas de los Wichi. Su pintura describe con asombro detalle de las costumbres tradicionales de su pueblo y de su entorno. El monte y la relación de la gente con el monte están documentados en sus pinturas y será para las generaciones futuras un registro de su cultura y tradiciones. Todas las pintura tienen detrás una explicación de lo que se ve. En idioma Wichi y en castellano. \nHomenaje a “Litania Prado” los Wichi pintan su mundo. La muestra se podrá visitar en el horario de 9:00 a 19:30 hs. \nMuseo Casa Arias Rengel\, Sala Nº 2\, planta baja. \nPeatonal La Florida 20\, Ciudad de Salta \n+ INFO
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SUMMARY:Rómulo Macciò REPERTORIO bis
DESCRIPTION:Re-Inauguración y apertura al público jueves 26 de junio 19 h \nSala Cronopios \nHorarios: de martes a viernes de 13 a 20. \nSábados\, domingos y feriados de 11 a 20 \nDebido a la importancia del artista para las artes visuales de la argentina el Centro Cultural Recoleta realiza por primera vez en su historia una gran muestra dividida en dos partes. La primera se realizó desde el 29 de abril hasta el 28 de mayo y la segunda será desde el 19 de junio al 3 de agosto. \n“La inquietante y novedosa síntesis que Rómulo propuso en esta última producción artística\, así como la repercusión que obtuvo en todas las diferentes participaciones que acompañaron la muestra: espectadores\, críticos\, colegas\, coleccionistas y el público; promovieron el caluroso reclamo para poder disfrutar con mayor y detenida oportunidad\, la reiteración de esta sorprendente y novedosa producción del artista. El CCR repone la muestra\, respondiendo gratamente a esta sostenida demanda. La reinstalación guarda las mismas características de la primera exposición\, a la manera de un «bis»\, donde pueden analizarse\, con demorada observación\, los logrados intentos para connotar a las experiencias ya  realizadas\, una reveladora síntesis donde se expone con mayor énfasis y actualizada forma la vigencia plena de su obra”\,sostiene Claudio Massetti\, director del Centro Cultural Recoleta. \nRepertorio\, lejos de la tentación de ser una muestra retrospectiva\, es un encuentro con lo nuevo de uno de los artistas contemporáneos más importantes de nuestro país\, con un creador que\, en sus cincuenta años de trayectoria\, ha marcado y sigue marcando un rumbo a las generaciones de artistas visuales que lo sucedieron. \nMacció presentará una colección de treinta y ocho pinturas al óleo de gran tamaño que pertenecen a su última producción artística. La activa y presente obra del destacado pintor argentino tomará nuevamente al color y a la forma como herramientas para desafiar\, cuestionar y transformar la mirada. \nMacció nace en Buenos Aires en 1931. A los catorce años empieza a trabajar en una agencia publicitaria. Se especializa en artes gráficas y realiza decoraciones y escenografías teatrales. Comienza a dedicarse asiduamente a la pintura a partir de 1956 cuando realiza la primera exposición en Buenos Aires. Viaja a Nueva York y a varias ciudades europeas exponiendo en casi todos los países que visita. En 1961 se une con Ernesto Deira\, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega para organizar la muestra “Otra Figuración”\, con quienes realizará luego varias exposiciones. \nSu pintura es más abstracta que figurativa\, la figura humana\, generalmente fraccionada en líneas y planos y otras soluciones comparativas sirve a Macció para crear un espacio “sui generis” que no remiten a ninguna imagen. \nAutodidacta\, surrealista\, informalista\, uno de los grandes pintores argentinos del siglo XX. Creador junto a Noe\, Deira y De la Vega del movimiento Neo Figuración\, desde allí brindó una nueva mirada a la pintura abstracta incorporando al hombre a la misma. La obra de Macciò supo romper aquella falsa dicotomía entre abstracción y figuración. Iconoclasta\, sus cuadros significaron una respuesta al statu quo del mundo del arte. \nLejos de  convertirse en un objeto inerte su obra reciente señala el rol de la pintura en la actualidad. “La obra de Rómulo Macciò difunde con inusitada calidad y precisión la vigencia de la pintura como reveladora de las problemáticas urbanas contemporáneas” sostiene Renato Rita\, curador de la muestra.
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LOCATION:CCR | Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Víctor Grippo. Transformación
DESCRIPTION:Esta exposición comisariada por la española Alicia Chillida pretende ofrecer una amplia visión del trabajo de Víctor Grippo desde el inicio de su producción artística en los años sesenta hasta el 2002 tomando como referencia la idea de la transformación\, uno de los principios que fundamentan su práctica artística: transformación de la ciencia en arte\, de la materia en energía\, de la energía en conciencia\, de la muerte en vida. \nOriginalmente formado como químico\, Víctor Grippo comienza su trabajo como pintor en el cargado clima político de los años sesenta. A lo largo de su vida mantendrá un interés constante por las relaciones entre arte\, ciencia y vida cotidiana. Su fascinación por la transformación y la regeneración inherentes a la naturaleza\, por su poder alquímico\, impregna ya sus primeras esculturas e instalaciones en la década de los setenta. Ética y estética son cuestiones prioritarias para este artista que no concibe disociar el arte de la vida. La obra de Víctor Grippo\, en apariencia hermética\, nos expone a una poética cargada de utopía y humanismo. La revolución es en él silenciosa\, lenta pero continua. El objetivo crucial de su trabajo es provocar mayor conciencia en el hombre\, en la comunidad. \nLa exposición ha sido coproducida por el MUAC de México D.F y el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela\, cuenta con la colaboración de AC/E a través de su programa PICE para la internacionalización de la cultura española e itinerará posteriormente a la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá.
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LOCATION:MUAC. Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México\, Av. Insurgentes Sur 3000\, C.U.\, Coyoacán\, 04510\, Mëxico D.F
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SUMMARY:Bienal Internacional de Escultura 2014 "HOMONOVUS" Resistencia Chaco
DESCRIPTION:Resistencia es una ciudad que se caracterizó desde siempre con sus esculturas en plazas\, calles\, aceras\, así como en los ingresos de edificios\, comercios y viviendas. No es extraño\, entonces que  tengan tanto éxito las Bienales de Esculturas que se vienen realizando\, alcanzando la edición número catorce con una convocatoria nacional e internacional de suma importancia\, en cuyo marco se realizarán también talleres y otros eventos. \nPor ejemplo el escultor Juanjo Mosca\, de Buenos Aires\,   participará en la Bienal del Chaco 2014 y también en el taller “La Escultura Como Inclusión Social” que realizará junto con la escultora y docente en espacios terapéuticos Silvina Cipriani. \nTambién durante la Bienal del Chaco 2014\, el río Negro en la Provincia del Chaco se volverá a poblar de Esculturas Efímeras en su cauce y en su orilla. La escultora Paulina Webb en el agua y Alejandro Arce en arena. \nSe podrá ver el trabajo en vivo de los escultores que concurrirán a la Bienal del Chaco del 12 al 19 de Julio al Encuentro de Escultores Argentinos.\n– Francisco Ferrer y Ana Maria Medina\, trabajando la madera chaqueña.\n-Armando Ramaglia\, trabajará el acrílico y el metal.\n-Quique Gurevich\, trabajará planchas de Hierro\, madera y hierros estriados de Construcción\, materiales de deshecho.\n-Juanjo Mosca\, trabajará en Acero inoxidable\, vidrio\, acrílico\, iluminación en leds.\n-Rodolfo Soria\, trabajará caños redondos de metal.\n-Mauro Musante\, trabajará en metal y totora junto a 6 originarias chaqueñas. \nA continuación  los 11 participantes del Concurso Internacional del escultura de la Bienal del Chaco 2014\n10 artistas consagrados\, representando a distintos países de los cinco continentes\, competirán a cielo abierto y en público\, realizando una obra original e inédita teniendo como inspiración el lema de la Bienal:  “Homo Novus”.\nRobert Kögel (Alemania); Raúl Oscar “Pájaro” Gómez (Argentina); Josef Baier (Austria); Thierry Ferreira (Francia); Kei Nakamura (Japón); Piotr Twardowski (Polonia); Hugo Maciel (Portugal); Rubio Harak (Puerto Rico); Gleb Tkachenko (Rusia); Ilker Yardimci (Turquía); Raúl Zorrilla Soto-Percy (Perú). \nEl jurado de la Bienal del Chaco 2014 estará formado por los siguientes artistas consagrados internacionalmente:\nCristina Pizarro de Chile\nEva Lootz de España\nFernando Peláez de Colombia \nLos Talleres serán una actividad principal en el marco de la Bienal del Chaco 2014 \n#Talleres Bienal 2014 “La Escultura Como Inclusión Social”\nTrabajaran niños con diferentes discapacidades visuales\, con el apoyo y asistencia del Instituto Crecer Con Todos.\nEsta actividad estará a cargo del Escultor Educador por el Arte Juanjo Mosca y la Escultora Docente en Espacios Terapeuticos Silvina Cipriani. \n+ INFO
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LOCATION:Predio del MusEUM\, Parque 2 de Febrero y el Río Negro\, Resistencia\, Chaco\, Argentina
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SUMMARY:Abgrund
DESCRIPTION:Este Jueves 17 de Julio\, en el marco de la tercera inauguración del programa 2014 del Museo Emilio Caraffa\, en la Sala 2\, Andrés Waissman presentará «Abgrund»\, una muestra que hace resurgir la pregunta acerca del itinerario de cómo se gesta una obra. Materialidad tridimensional\, composiciones de enredos y nudos\, vivientes texturas de vegetales u órganos\, en la cual se dibujan futuras pinturas. \nSi bien Andrés Waissman es un pintor que comenzó a exponer muy tempranamente a fines de los 70\, compañero de carrera de Alfredo Prior y Eduardo Stupía\, con lo cual podríamos decir que pertenecería de alguna manera a la generación del 80\, sus largos años en el exterior\, lo alejan un poco de esas producciones locales\, y por su obra actual muy contemporánea\, es un referente para los artistas jóvenes de Buenos Aires y docente de programas de artistas\, como Proyecto PAC junto a Rodrigo Alonso\, Valeria Gonzalez\, Rafael Cippolini\, Eduardo Stupia y Gabriel Valansi. Figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. \n«Abgrund» es la caligrafía de un mundo estrictamente material. Una fundación sensible que se comporta conforme las desviaciones y azares de la experiencia. La visión se dinamiza en la búsqueda de formas y las referencias simulan aparecer entre sombras dislocadas. Abgrund de Waissman (Buenos Aires\, 1955) nace en la propia consecución de su obra\, en las creaciones preliminares denominadas virutas. En estas ambiguas composiciones de enredos y nudos\, vivientes texturas de vegetales u órganos\, se dibujan futuras pinturas. Así\, en la reiteración de cada evento pictórico\, se afirma una nueva fundación expresiva que se involucra con la materia del todo\, con la materia del mundo y de la carne. El pensamiento surge\, fluye\, en este itinerario donde el cuerpo no ha sido desplazado como agente distorsionador de las ideas. Por el contrario\, lo que existe encuentra su definición viral en la desmesura de lo que emerge naturalmente y se convierte en pintura. \n+ acerca Andrés Waissman:\nNace en Buenos Aires\, en 1955. Figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. Se formó en talleres independientes. Sus primeras muestras individuales se realizaron en la galería Lirolay\, Buenos Aires 1973 y 1977. Viajó a Europa en 1974 y trabajó en el taller de Augusto Torres en Barcelona y durante un año en 1978 con Antonio Seguí en París. En 1984 se radica en San Francisco\, Estados Unidos\, donde desarrolla una extensa carrera internacional. En 1992 regresa a Buenos Aires.\nHa realizado numerosas muestras individuales a nivel internacional y más de sesenta colectivas como por ejemplo\, en Argentina: Centro Cultural Recoleta; Fundación Jorge Luis Borges\, Bs. As.; CEC Centro de Expresiones Contemporáneas\, Rosario; Museo de Arte de Tigre; ECA de Mendoza; Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Salta\, Museo Caraffa de Córdoba y Museo Rosa Galisteo de Rodríguez\, Provincia de Santa Fe; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Palais de Glace\, Bs. As. y muestra itinerante por Museo de Tandil\, Museo de Olavarría y Museo de Bahía Blanca; Museo Nacional de Bellas Artes\, Bs. As.; Bienal de Arte Sacro\, Museo de Bellas Artes de Tandil; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Centro Cultural Parque España\, Rosario; Centro Cultural Nordeste\, Universidad del Nordeste\, Resistencia; Fondo Nacional de las Artes\, Bs. As.; C.A.Y.C.\, Bs. As.; Museo Nacional de Bellas Artes\, Bs. As; Museo Eduardo Sívori\, Bs. As. y en distintas ciudades del mundo como: en Pinacoteca Barao de Santos\, Bienal de Porto Alegre\, Brasil; Museum Jan var der Togt\, Amsterdam & Nijkerk\, Salentein Kunst\, Holanda; Kumho Museum of Art\, Seoul\, Corea; University of Essex\, UECLAA\, UK; Kerns Art Center\, Eugene\, Oregon; Santa Cruz State University\, California; Monterrey Península Museum of Art\, Monterrey; Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán\, México; Galleria Civica d’arte Contemporánea\, Marsala\, Italia; Galería Barbara Frigerio\, Milán\, Italia; Richmond Art Center\, California; University of Oregon\, Eugene\, Oregon; University of California\, Los Angeles; San Francisco Arts Institute; San Francisco Arts Commission Gallery; y The Mexican Museum\, San Francisco\, entre otras.\nHa participado de prestigiosas ferias internacionales como Pinta Londres\, Arte Lisboa; Arte Santander; Scope Miami\, Miami International Art Fair; ArteAmericas Miami; Art Chicago; Chicago Contemporary and Classic Art Fair; Ch.ACO Santiago de Chile\, MiART Milan Arte Contemporáneo\, y ArteBA en Buenos Aires.\nSus obras figuran en importantes colecciones privadas y museos nacionales e internacionales como: University of Essex Collection of Latinamerican Art\, (UECLAA) U.K.; MoLAA\, Museum of Latin American Art\, Long Beach\, CA; Jack Blanton Museum of Art\, The University of Texas at Austin; Judah Magnes Museum\, Berkeley\, California; Galleria Civica d´arte Contemporanea F. Pizzo\, Palazzo Spano Burgio\, Marsala\, Italia; Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; Colección Universidad Di Tella\, Buenos Aires; Colección UADE\, Buenos Aires; Museo Castagnino-MACRO de arte contemporáneo\, Rosario; Colección Museo Killka\, Mendoza\, entre otras.\nAlgunas de sus series como Las Multitudes\, El Alfabeto Perdido\, las pinturas en esmalte blanco y negro de la serie Fondo de Ojo\, los Animales Mitológicos y sus recientes Virutas\, lo ubican como un artista de sello propio. Su obra constituye una búsqueda filosófica y política\, además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. El nomadismo\, las migraciones son algunos de los conceptos con los que trabaja desde hace tiempo.\nEn el año 2005 se publicó el libro WAISSMAN (un artista peregrino) por Rodrigo Alonso y recientemente WAISSMAN\, un documental de Eduardo Montes Bradley para PBS (Estados Unidos) que se presentó también en el Malba\, Buenos Aires (2010).\nVive y trabaja en Buenos Aires donde desarrolla una intensa labor docente. Forma parte del equipo curatorial de Proyecto PAC – Prácticas Artísticas Contemporáneas\, un programa anual de encuentros de análisis\, crítica y producción de arte\, junto a Eduardo Stupía\, Gabriel Valansi\, Rodrigo Alonso\, Rafael Cippolini y Valeria González. \nInauguración: Jueves 17 de Julio  ::  19:30 hs.\nClausura:  Miércoles 20 de Agosto\nLugar: Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa (Av. Poeta Lugones 411)\nValor de las Entradas: Entrada general $10. | Combinable $12 (entrada Museo Caraffa y Museo Evita Palacio Ferreyra) | Menores de 12 años\, jubilados\, pensionados y estudiantes sin cargo | Grupo mayor de 20 personas $ 8 | Miércoles s/cargo.
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SUMMARY:Anselmo Piccoli. Rigurosa armonía
DESCRIPTION:El arte es una suerte de empresa epocal. No es la creación de una sola persona\, por más ingeniosa y creativa que sea. El artista es un trabajador del arte. Hay reglas que se deben seguir. Y hay responsabilidades. El artista es un ser ético\, las reconoce y las cumple. \nAnselmo Piccoli \n  \nComo muchos artistas de su generación\, Anselmo Piccoli realizó cambios profundos en su obra a lo largo de los años. En medio del fragor de una modernidad que cobraba cada vez más fuerza en nuestro país\, y ante la evidencia del anacronismo de los estilos pasados y de las academias\, emprendió un camino que lo llevó a aventurarse en los nuevos modos de representar\, y a replantearse su trabajo en diferentes momentos de su vida. Sin embargo\, si hay algo que no puede decirse es que su obra sea inconsistente. Bien por el contrario\, su consistencia se encuentra\, justamente\, en esas mudanzas\, animadas por la comprensión\, cada vez más clara\, de la rigurosidad que supone ser uno de los artífices de ese producto de la humanidad al que denominamos arte. \n  \nEl tránsito a lo largo de su trabajo pone de manifiesto no sólo una madurez plástica sino también intelectual. Para Piccoli\, el arte no puede ser sólo expresión\, escritura personal\, proposición hermética. Hay ciertos requisitos que debe cumplir y el más importante es\, sin dudas\, el estar arraigado en su tiempo y entorno social. Un tiempo y un entorno que necesitan de cierto orden\, de cierta racionalidad\, de equilibrios y armonías. Un tiempo y un entorno en el que el arte ocupa un lugar. \n  \n“Es necesario dejar en claro que es por calidad\, y no por eventual función ilustrativa\, que el arte contribuye a la transformación del mundo\, y contribuye a mejorar y crear nuevas relaciones entre el hombre y la realidad”. Con esta frase\, el artista rosarino anuncia una suerte de programa estético\, que lo aleja de la representación figurativa y lo aproxima al estudio de las formas y las estructuras que sustentan toda composición visual. Poniendo de manifiesto estas estructuras y formas\, el arte realiza un aporte a las personas\, entrena al ojo\, destaca lo constructivo sobre la anarquía\, apunta hacia la armonía como deseo y posibilidad. \n  \nEste programa toma fuerza a partir de la década de 1960\, cuando la geometría comienza a cobrar protagonismo en sus pinturas. Las líneas\, los planos y el color transforman a las superficies de las telas en espacios de investigación plástica\, dejando atrás al volumen perspectivo de la representación naturalista de su producción anterior. El pasaje\, aunque lento\, es decisivo\, porque está basado en una convicción que va más allá de planteos meramente estéticos. Se funda en una ética\, en un compromiso con la contemporaneidad que\, para el artista\, no puede ser desoído. \n  \nLa exposición Rigurosa armonía recoge un período de la producción de Anselmo Piccoli en el que la geometría ha alcanzado su más amplia plenitud. Es una etapa de madurez estética y teórica\, en la que se percibe la seriedad con que asume la creación\, separando esta tarea de toda relación con el ocio\, la pura expresión o la espontaneidad. Para Piccoli\, el arte es una empresa que implica una responsabilidad no sólo con el mundo del arte\, sino principalmente\, con el entorno epocal. \n  \nPor otra parte\, sus obras de estos años ponen de manifiesto hasta qué punto la simplicidad formal y las variaciones cromáticas son capaces de construir una experiencia estética compleja. En cada una de sus pinturas se establece un problema o un desafío a resolver estrictamente a través de los elementos del lenguaje plástico. Así\, la abstracción geométrica se demuestra como un campo de investigación en el que coinciden el desarrollo de un concepto y los procedimientos para materializarlo. “El pensamiento no es una cosa y a técnica otra – señala el artista –\, la técnica es el mecanismo imprescindible para expresar y desarrollar el pensamiento”. \n  \nLos primeros trabajos en esta línea ponen el acento en la ortogonalidad del plano pictórico. Las direcciones horizontales y verticales van construyendo una estructura sólida\, modulada por las intervenciones de un cromatismo suave. Éste suele ser el responsable del desenvolvimiento de un cierto ritmo que todavía no es protagónico. Obras como Color y forma\, Presencia de estructura y Relaciones equivalentes (todas de 1968)\, establecen desde sus títulos la centralidad que poseen los problemas plásticos en desmedro de los temas extrapictóricos. Sin embargo\, Piccoli no considera que la limitación a las herramientas básicas del lenguaje suponga una limitación de la creatividad. “Está comprobado que el arte que nace de la libertad es racional – asegura –\, es la coherencia de un programa. El arte que nace de la necesidad\, es anárquico\, exento de estructura”. \n  \nEn muy poco tiempo\, los ritmos comienzan a ocupar un lugar cada vez más preponderante. La introducción de las líneas curvas y los círculos aportan a la construcción de un movimiento formal que se complementa en las dinámicas impulsadas por los contrastes cromáticos. Si bien la estabilidad de la estructura general no desaparece – debido principalmente a la potencia de un centro organizador que nunca se abandona y a los equilibrios visuales constantes – las pinturas adquieren una movilidad evidente\, que se expresa también en los nombres que las identifican\, como Asimetría en la simetría (1975)\, Estructura en tensión (1975) y Ritmos (1976). \n  \nDe manera paralela\, Piccoli emprende una serie de homenajes a ciertos pintores a los que admira. En ella se vuelven a filtrar ciertos residuos figurativos\, pero sólo en la medida en que permiten poner de manifiesto las estructuras que subyacen a las representaciones clásicas. Como era de esperar\, la serie toma como punto de partida una investigación: “Mi serie de los homenajes no me exigieron concesiones – afirma – por la simple razón\, que no pretendí\, como dejé aclarado en su momento\, reubicar en el presente un pasado de la historia del arte; sería tarea imposible ya que las formas varían a través de las épocas. Mi actitud fue más modesta y cierta: busqué aclararme los procesos de realización de determinadas obras de grandes pintores del pasado\, penetrar en la estructura subyacente de la representación figurativa y tratar de descifrar la sugestión poética de ese clima misterioso de intensa repercusión en el espíritu del observador”. \n  \nEn los años siguientes\, Anselmo Piccoli refina sus recursos plásticos\, en un diálogo permanente con sus antecesores\, sus preocupaciones personales y el momento en el que vive. “El individuo no es nada más que una célula del cuerpo de la humanidad – observa. Su aporte\, por más importante que sea\, existe gracias al conjunto de aportes del pasado del cual él ha salido\, y de los contemporáneos\, del cual él representa una ínfima parte”. Formalmente\, el color adquiere un protagonismo cada vez más definido\, se torna intenso y dominante. Pero de manera simultánea\, desarrolla un conjunto de esculturas en las cuales son los materiales los que pasan a un primer plano. El juego de las formas se traslada al espacio sin perder de vista el fundamento estructural. Así\, la introducción del volumen no supone ningún desvío de su programa estético\, sino más bien todo lo contrario. \n  \nLos materiales suman un nuevo desafío a su producción pictórica de los últimos años. Las obras adquieren espesor debido a la adición de elementos rugosos que aportan texturas inéditas\, y al reemplazo de las líneas por perfiles de aluminio que se proyectan hacia el espacio real. Estos trabajos poseen una gran personalidad y se desprenden de los desarrollos de sus colegas interesados también en las inagotables posibilidades de la abstracción geométrica. \n  \nSin embargo\, fiel a sus ideales\, Anselmo Piccoli no ve en ellos el resultado de la expresión individual. Su preocupación sigue siendo la de aportar nuevos recursos a un arte que se inserta en su tiempo y en su entorno social a través de la potencia de sus formas. Dicho con sus palabras: “El símbolo del presente es anónimo\, parece existir por sí solo. A pesar de ello\, está imbuido de un inexplicable poder que radica en la magia de sus formas”. \n  \nLic. Rodrigo Alonso
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SUMMARY:Carlos Cañás Del suelo y la distancia.
DESCRIPTION:Nacido en 1928\, comenzó su camino artístico desde muy joven. Enérgico\, emprendedor\, pasional y a la vez reflexivo Carlos Cañás no cesa jamás de crear. A principios de la década del ‘50 comenzaba con sus primeros envíos a los salones y a exponer su obra con más asiduidad\, siendo reconocido y premiado en varias oportunidades hasta hoy. \nEn ésta ocasión\, y fiel a su espíritu siempre renovador presenta sus pinturas más recientes. \nHace algunos años atrás dijo en una entrevista: “siento mucho el color\, con todas las variantes\, por ahí aterrizó en tonos bajos\, pardos o en grises y de pronto en una exaltación polícroma. El uso del color está ligado al estado de ánimo o a una decisión totalmente deliberada de estar observando.” Y que mejor lugar\, el Museo que creara Benito Quinquela Martín\, para exponer las obras de éste gran artista. \nSabrina Díaz Potenza Curadora MBQM \nCarlos Cañás \nNació en Buenos Aires\, Argentina\, en 1928. Se formó en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes “Manuel Belgrano”\, “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto De La Cárcova”. \nComenzó sus envíos a salones en 1953. En 1961 viajó a Europa becado por el Fondo Nacional de las Artes y luego a Brasil\, invitado por la Embajada Argentina. En 1962 realizó su primera muestra individual y hasta la actualidad desarrolla su obra artística en forma ininterrumpida. Presentó más de 140 exposiciones individuales en Argentina y el exterior. Participó de numerosas muestras colectivas junto a destacados artistas. \nObtuvo importantes distinciones\, entre ellas destacándose el “Primer Premio del Salón Nacional de Córdoba” en 1966\, el “Primer Premio del Salón Nacional de Tucumán” en 1969 y el “Gran Premio de Honor del LXVI Salón Nacional de Artes Plásticas” en 1977. Sus obras se encuentran en colecciones de Argentina\, Chile\, Paraguay\, Uruguay\, Brasil\, EE.UU.\, Francia\, Italia\, España\, Japón e Israel.
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:EGGO 2014
DESCRIPTION:En el Centro Cultural Recoleta\, Sala Cronopios\, Junín 1930\, Ciudad de Buenos Aires\, en  el stand número 35\, la Galería Centoira\, realiza una exposición de obras del Maestro Benicio Núñez\, nacido el 23 de agosto de 1924\, en Ia Provincia de Corrientes y fallecido en Buenos Aires a los 73 años de edad en 1997. \nLa muestra podrá ser visitada desde el jueves 2 a las 18 horas\, hasta al lunes 6 de octubre de 2014 y el horario es de 14 a 21 horas. \nIntegran la exposición 17 obras\, de distintos tamaños. \n  \nMaestro Benicio Oscar Nuñez \nPor el Dr Gabriel Pirato Mazza \nEn sus inicios en sus trabajos se adhirió como fundador\, al“grupo arte concreto invención”\, conjuntamente con grandes maestros\, que siguieron enmarcados en dicha veta especifica. Después\, derivo en un arte figurativo simbólico\, con aspectos y estilos naif. \nCabe destacar que entre sus maestros más relevantes\, está la figura del Arquitecto Tomás Maldonado. \nEn el Maestro Benicio Núñez\, es difícil no encontrar similitudes\, semejanzas y aires vinculantes entre sus trabajos. \nLas obras elegidas lo muestran en forma palpable. \nNo debemos olvidar que hay trabajos del maestro Núñez\, diseminados en toda América y Europa\, dado que en su larga estada en Italia\, produjo una serie de trabajos que coleccionistas de Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza\, Gran Bretaña\, Austria\, etc\, conservan entre sus elegidas. \nTuvo numerosos premios a lo largo de su vida\, incluyendo un honroso tercer premio en la Segunda Bienal Internacional de San Pablo Brasil (1952). \nTambién integró la memorable exposición “50 años de la Pintura Argentina”\, que recorrió por dos años\, Chile\, Perú\,  Ecuador\, Colombia y Venezuela. \nIntegró una exposición itinerante en los Estados Unidos de América. \nEsta muestra\, quiere expresar\, diversas misturas de la forma y el relato que produce la lectura de cada una de sus obras. \nNo podemos eludir nunca\, la imaginación que en cada una de sus obras\, luce sin falta\, porque la fantasía\, la visión\, el ensueño y la imaginación del maestro\, luce permanentemente. \nSu obra es constante\, invariable y entera. En realidad es más: perenne. \nLa fluidez de sus trazos y a la vez\, puntualmente encuadrados\, finamente definidos\, la hacen irreproducible y única. Por tal motivo\, se puede concluir\, que cada obra\, es imposibles de imitar . \nHay en todos sus trabajos\, -indefectiblemente-\, una intención y objetivo innato\, de mostrar diversos aspectos de la vida\, reflejados en sus personajes\, vestidos\, en el sentido atávico y recurrente\, con formas\, runas y perfiles\, que le dan acento modular\, que armonizan con su idea primigenia. \nLo mismo sucede\, -como en esta presentación-\,  con plantas\, animales\, cosas y objetos\, que adquieren una identidad tan especial como exclusiva. \nTodas las formas que utiliza nuestro maestro\, encerradas en cada obra\,  unas veces personales\, otras\,  a veces simplistas\, -a primera vista-\, luego complejas\,  liadas y envueltas\, entretejidas por rasgos de sencillez y humanidad. \nCada obra tiene una lectura única. \nCada dibujo\, cada color que lo impregna\, posee la luz del alma\, del espíritu y de la energía de los sentidos. \nA medida que se penetra en cada uno de sus trabajos\, se comprende la profundidad de sus creaciones\, apasionadas y muchas veces exaltadas\, por la condición humana. \nLo de Benicio\, es tal cual\, siempre revivió en su pincel y en sus colores\, su imaginación y ensueño\, para hacerlo realidad en cada hoja fría e inhóspita del papel\, para vestirlo después\, de manera emotiva y conmovedora. \nSala Cronopios-Stand 35. Galería Centoira \nBuenos Aires\, Octubre 2014 \n…………………. \nMás Info: \nwww.maestrobenicionunez.com \ncontacto@maestrobenicionunez.com \n 
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LOCATION:Stand 35\, Galería Centoira\, Sala Cronopios\, CCR\, Junín 1930\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Carlos Victorica: Un príncipe en la República de la Boca.
DESCRIPTION:Atractiva propuesta\, que invita a visitar un recorrido por las obras del reconocido artista como también dibujos\, documentos y objetos personales que se presentan por primera vez al público. \nHuellas muy significativas de su mundo íntimo\, objetos y documentación\, generosamente donados al Museo por el Dr. Oscar Cavarra\, que nos aproximan tanto a datos de alto valor documental\, como a pintorescas anotaciones domésticas. Objetos que formaron parte de sus naturalezas muertas\, libros de cabecera e imágenes de santos que reflejan el fervor religioso de Miguel Carlos Victorica. \nAsí como los sumarios apuntes realizados a lápiz o carbón\, configuran un conjunto de “instantáneas” capaces de graficar la biografía del artista\, y las íntimas pulsiones a partir de las cuales construía su tan particular modo de ver el mundo\, es decir\, su obra. \nVictorica fue un artista de gran oficio\, que comenzó a recibir lecciones de pintura a edad muy temprana. Más adelante estudió en la Academia de la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, donde tuvo como mentores a De la Cárcova\, Sívori\, Della Valle\, Giudice\, entre otros. Gracias a una beca\, continuó sus estudios en Europa y allí completó su formación\, alternando las lecciones en el taller de Desiré Lucas con visitas a los grandes museos. \nComo explica Victor G. Fernández\, Director del Museo\, “Una vez de regreso a la Argentina iba a seguir sus propios caminos. Ya no habría huellas para continuar sino horizontes por explorar”. Su producción\, siempre figurativa\, se ajustará a los géneros tradicionales: retratos\, paisajes\, naturalezas muertas\, desnudos y temas religiosos. Su originalidad radicará menos en el “qué” pinta\, que en el “cómo” lo pinta. No habrá soluciones o recetas uniformes; era su inspiración\, pero siempre acompañada por su oficio\, que le permitía abordar con igual eficacia los rumbos que sus búsquedas le dictaban. \n\n\n\n\n\nMiguel Carlos Victorica \nNace en Buenos Aires el 4 de enero de 1884. Tempranamente\, inicia sus estudios artísticos e ingresa a la escuela de la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, donde tiene por maestros a Ángel Della Valle\, Eduardo Sívori\, Reinaldo Giudici\, y Ernesto de la Cárcova\, entre otros. En 1911 viaja a París y obtiene una beca del Gobierno para continuar allí sus estudios. A su vuelta\, en 1922 instala su taller en la Vuelta de Rocha y se dedica a la vida de artista bohemio en el barrio de la Boca. En 1931 realiza su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte. \nObtiene varios premios\, entre ellos\, le otorgan el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional en 1941. Sus obras son enviadas a la Bienal de Venecia en 1952. Es homenajeado en la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos y obtiene tres años antes de su muerte\, el Gran Premio de Honor en el Salón Anual de Santa Fe. Fallece en Buenos Aires a los 71 años de edad y es velado en el Museo de Bellas Artes Quinquela Martín. \n\n\n\n\n\nMiguel Carlos Victorica\nUn príncipe en la República de La Boca \nLugar: Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1843.\nFecha: hasta el 7 de diciembre.\nHorario: mar a vier\, 10 a 18; sáb y dom\, 11 a 18.  Inaugura: 13hs\nEntrada: Bono contribución $10.-
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LOCATION:MUSEO DE BELLAS ARTES BENITO QUINQUELA MARTÍN\, Av. Pedro de Mendoza 1835 - La Boca\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:1/100 Manzanas en una ciudad\, del Arq. Clorindo Testa\, pinturas
DESCRIPTION:El Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino invita a la inauguración de : 1/100 Manzanas en una ciudad\, del Arq. Clorindo Testa\, pinturas. La muestra se realizó con la curadoría  de Juan Fontana \nSobre su inicio como pintor\, Clorindo Testa expresó: \n«yo sé cuál fue mi primer cuadro. No el primer dibujo sino la primera obra que realmente estaba hecha con la intención (…) de ser un cuadro de un pintor. Hasta ese momento habían sido dibujos de arquitecto\, los arquitectos dibujan\, los chicos dibujan… El momento del cuadro fue en 1951. Un cuadro que es el cuarto de una pensión en Sevilla\, cuando estaba viajando por Italia. Ese fue un cuadro donde no representaba la realidad\, sino que ya había otra intención adentro. Vos podés decir que ese es mi primer cuadro\, aunque hubiera dibujado miles de cosas antes. » \nParalelamente a su actividad como arquitecto\, como pintor desde 1952 realizó infinidad de muestras individuales y colectivas\, en diversos museos y galerías. \nInauguración de la muestra 1/100 Manzanas en una ciudad\, el viernes 17 de octubre a las 19:30 hs. con entrada libre y gratuita \nClorindo Manuel José Testa (Nápoles\, 10 de diciembre de 1923 – Buenos Aires\, 11 de abril de 2013)1 fue el arquitecto argentino que ha logrado mayor consideración2 en la segunda mitad del siglo XX. Entre sus obras más importantes de la historia de la arquitectura argentina\, se encuentran el ex Banco de Londres y la Biblioteca Nacional. Fue además un artista plástico de trayectoria permanente\, con premios y participaciones en bienales y museos. \nMuseo Castagnino- Av. Pellegrini 2202\, Rosario
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LOCATION:Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino\, Av. Pellegrini 2202\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:Páez Vilaró\, Sin fin
DESCRIPTION:Páez Vilaró\, Sin fin – Tigre homenajea al artista de las dos orillas\,  abre sus puertas al público en el emblemático Museo de Arte Tigre y podrá ser visitada entre el 1 de noviembre y el 14 de diciembre. \nEl Municipio de Tigre rinde un merecido homenaje a uno de sus vecinos más queridos. Distinción que surge de un abrazo de dos orillas\, en el afecto que se prodigaron desde que se conocieron: Carlos Páez Vilaró y Sergio Massa. \nLa muestra incluye la recreación de sus murales realizados por artistas locales\, fotos históricas\, filmes\, objetos del atelier “Bengala” de Tigre y una recreación de su complejo arquitectónico “Casapueblo”. La exposición documental y testimonial celebra la vida del artista\, el amigo\, el padre\, en síntesis\, del inquieto personaje que fue Carlos Páez Vilaró. \nAl bucear en su trayectoria\, en sus legados y en sus expresiones artísticas\, se evidencia  que la línea\, una línea “Sin Fin” es la secreta protagonista de sus obras. \nLa muestra pensada para que la disfrute toda la familia\, contará con un taller de arte\, espacio especialmente ambientado y equipado por Colorín para que los niños visitantes  puedan recrear las obras del gran maestro\, guiados por artistas talleristas de la Agencia de Cultura de Tigre. Estará abierta al público desde el 1 de noviembre hasta el 14 de diciembre\, de 14 a 17 horas y los sábados\, domingos y feriados de 12 a 19 horas (cierre de accesos 18:30).  \nLos talleres para niños se realizan los sábados\, domingos y feriados de 14 a 17 horas y en vacaciones de verano de miércoles a domingos y feriados de 14 a 17 horas. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Tigre\, Paseo Victorica 972\, Tigre\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:ALFREDO JAAR. ESTUDIOS SOBRE LA FELICIDAD
DESCRIPTION:La exposición que presentamos reúne la casi totalidad de la producción temprana de Alfredo Jaar realizada en Chile entre 1973 y 1981\, y se completa con algunas obras que refieren a Chile y que fueron llevadas a cabo en Nueva York. Estos trabajos\, exhibidos por primera vez en Buenos Aires\, plantean su singular modalidad de abordar el hecho artístico y de construir una poética propia\, pero\, fundamentalmente\, presentan algunas de las estrategias que aún hoy forman parte de su práctica artística: las intervenciones en el espacio público\, la reflexión sobre el modo en que la información es manipulada por los poderes hegemónicos y la reposición poética de las imágenes que son suprimidas por el régimen dominante de la información. \nCuando Chile “se apagó”\, al decir de Patricio Fernández\, Jaar tenía diecisiete años. Así\, sus primeros ejercicios como artista se vinculan con el intento por elaborar\, resistir\, disentir\, en definitiva\, lidiar -poéticamente- con una realidad brutalmente impuesta. De este intento dan cuenta las obras que conforman esta exposición\, que toma su nombre del primer proyecto de largo aliento que el artista realizó en Chile entre 1979 y 1981. \nEstudios sobre la Felicidad es una obra que\, en plena dictadura\, se apropió del espacio público para instalar en la ciudadanía una pregunta aparentemente ingenua pero que\, en ese contexto\, encerraba una profunda dimensión política: “¿Es usted feliz?”. A través de una serie de encuestas\, Jaar solicitaba a los transeúntes que votaran por sí o por no. Los resultados\, dispuestos en paneles y volcados a través de material audiovisual\, conforman un proyecto que conjuga las estrategias propias del arte conceptual pero que\, a la vez\, excede los marcos del arte para convertirse en un espacio de libertad -de expresión\, de ejercer el derecho a votar- e incluso\, un espacio de reflexión personal y existencial que\, al ser desplegado en la vía pública\, activa significativamente su dimensión social. \nHaber dejado Chile para radicarse en Nueva York no implicó para Jaar dejar de ocuparse de Chile\, sino más bien lo contrario. Así\, varias de las obras incluidas en esta exposición y producidas entre 1983 y 2012 dan cuenta de un arco extenso de tiempo en el que\, obstinadamente\, Jaar se empeñó en articular un proyecto que deja ver a las claras lo que todos intuimos o sospechamos desde siempre: el gobierno de Estados Unidos estuvo directamente implicado en los golpes de Estado que varios países latinoamericanos sufrieron cuando intentaban emprender procesos revolucionarios. \nPor supuesto que no es necesario preguntarse el por qué de una exposición de Alfredo Jaar en el Parque de la Memoria. Pero si lo fuera\, una de las tantas respuestas posibles podría buscarse en el carácter “aspiracional” y en la vocación política del arte de Jaar\, un arte que\, al igual que el Parque de la Memoria\, anhela movilizar certidumbres\, deshabituar pensamientos y que\, a pesar del desafío que implica\, asume día tras día la difícil tarea de articular poética y política\, ética y estética. \nFlorencia Battiti\, curadora Parque de la Memoria – Monumentos a las Víctimas del Terrorismo de Estado \nAlfredo Jaar. Punto Ciego \nDentro de este espacio se expone el film de una imagen que apenas sucede. Durante gran parte del día solo veremos un plasma vacío\, con cierto gránulo\, silencio. El escenario de un acontecimiento casi imperceptible. En ciertos momentos se percibe un espacio interior\, inmóvil\, determinado por tres planos que se juntan\, tres líneas unidas en un punto: un ángulo\, la esquina de un vacío. Un punto de fuga\, el punto ciego de la historia. \nLa imagen corresponde a un espacio que existe en algún lugar del Parque de la Memoria\, que sostiene un vínculo con el espacio exterior y que es\, por lo tanto\, sensible a los cambios de la luz del día. El tiempo es real\, lo que vemos es lo que en ese instante está sucediendo. La imagen se impregna de verdad. \nPunto Ciego representa un movimiento reductivo\, radical en su renuncia absoluta a todo efecto seductor. La no-imagen nos empuja dentro de nosotros mismos. Conforma una estructura meditativa. Es\, podríamos pensar\, una respuesta reactiva ante el frenesí por los archivos que invade las expresiones del arte contemporáneo. En lugar de alinear documentos en una operación fetichizante que en ocasiones despolitiza (el empaste de registros que no permite ver\, no permite escuchar\, no permite pensar). Jaar busca aproximarnos a una política de la percepción. La no-imagen\, esa ausencia\, el texto que antes de entrar nos informa y nos predispone: un mecanismo acotado que luego nos deja quietos\, solos. \nToda la obra de Alfredo Jaar podría pensarse como una investigación intensa en torno al poder de las imágenes. Su construcción y su instrumentalización. Los dispositivos que conforman su capacidad de conmover\, que la vuelven ineludible y que activan su fuerza transformadora. Imágenes que en el acto de percepción se vuelven inolvidables. El poder de una imagen de impregnar el acto de verla con una particular emoción que deja una marca\, un recuerdo específico. No el que proviene del espectáculo de la violencia ni de su estetización ni de la acumulación de documentos\, sino el que proviene tanto del tiempo en el que navegamos en nuestros recuerdos del momento al que la obra remite\, como del tiempo real\, verdadero\, con el que se conecta: el tiempo presente en el que transcurre nuestra percepción. \nAndrea Giunta\, Universidad de Buenos Aires \n+ INFO
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LOCATION:Parque de la Memoria\, Av. Costanera Rafael Obligado 6745\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:IV BIENAL ARTE CONTEMPORÁNEO DEL FIN DEL MUNDO: "Contrastes & Utopías".
DESCRIPTION:IV Edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Fin del Mundo: «Contrastes & Utopías». \nEntre el 12 de diciembre de 2014 y el 22 de febrero de 2015\, más de 150 artistas\, de 35 países de los 5 continentes\, serán los protagonistas de la Bienal Argentina\, a la que se integrará un nuevo Festival de Música Popular Contemporánea. \n\n\nSu sede central será Mar del Plata\, pero tendrá intervenciones especiales en Valparaíso y Punta Arenas\, entre febrero y marzo del 2015\, transformándola en binacional al incorporar a Chile como parte de este fin del mundo regional. \nLa Dirección Artística es de Massimo Scaringella (Italia)\, también a cargo de la dirección del Comité de diez curadores/selectores internacionales. Cuenta también con la colaboración especial del reconocido intelectual chileno Justo Pastor Mellado. \nDesde julio pasado\, la Bienal del Fin del Mundo fue elegida\, en Berlín\, Miembro Pleno de la International Biennial Association (IBA)\, prestigiosa institución con sede en Corea del Sur que nuclea a las principales bienales del mundo. \nEsta 4ta Edición tendrá a Italia como país invitado de honor. Participarán además: Albania\, Australia\, Bélgica\, Bolivia\, Brasil\, Chile\, China\, Costa de Marfil\, Cuba\, Estados Unidos\, España\, Finlandia\, Guatemala\, Macedonia\, Holanda\, India\, Israel\, Méjico\, Perú\, Rusia\, Suiza\, Taiwan\, Turquía\, Uruguay y Venezuela\, entre otros.\nLa propuesta reúne a los artistas: Joan Jonas (EEUU)\, Tracy Moffat (Australia)\, Liliana Porter (Arg)\, Karen Cytter (Israel)\, Regina Galindo (Guatemala)\, Matteo Basilé (Italia)\, Juan Doffo (Arg)\, Toshihiko Kato (Japón)\, Andrés Denegri (Arg) y Marinella Senatore (Italia)\, entre otros. \nLa Bienal explora temas culturales\, ambientales y ecológicos con el objeto de generar espacios interdisciplinarios de reflexión e investigación de los problemas contemporáneos\, propone aportes desde sus diversas temáticas bajo el lema «Pensar en el fin del mundo\, qué otro mundo es posible»\, y forma parte del Proyecto «Polo Austral de las Artes\, la Ciencias\, el Turismo y la Ecología». \n«…La particularidad que distingue a la Bienal del Fin del Mundo es su formato nómade\, que posee una significativa dimensión regional e internacional\, integrando países y ciudades del polo austral y generando valiosas experiencias de desarrollo en el terreno de la intervención social a través de residencias y exhibiciones en distintas disciplinas todas ellas de gran calidad\, produciendo una importante fortificación de las escenas culturales locales…» \nUn nuevo concepto geográfico\nLas versiones anteriores de la Bienal tuvieron a Ushuaia como ciudad anfitriona. La propuesta de renovar el lugar para desarrollar esta exposición internacional\, responde a su crecimiento y consolidación\, abarcando así en forma amplia la región mas austral del planeta e incorporando a Chile como parte insoslayable de ese «fin del mundo»\nHabiendo acordado con la Municipalidad de General Pueyrredón la instalación de su sede permanente principal en Mar del Plata\, realizará también importantes acciones en forma de sedes anexas en el Museo Río Seco y en el Faro San Isidro\, ambos de Punta Arenas y en el reconocido Parque Cultural de Valparaíso con exposiciones\, residencias\, talleres\, performances\, charlas y conferencias. \nParafraseando las palabras del Papa Francisco\, la Bienal confirma su concepto de «fin del mundo» regional e integra y vincula a su propuesta a las dos ciudades con puertos de mar más importantes del cono sur de América. \nAdemás de su Proyecto Central «Contrastes y Utopias»\, la Bienal plantea los siguientes proyectos especiales\, a cargo de importantes curadores: \n• PROSPECTIVA ITALIANA\, curado por Massimo Scaringella\n• AL LIMITE DEL CIELO QUIERO POSAR LA OFERTA DEL BLANCO\, curado por Vittoria Biasi\n• VISIÓN ELECTRÓNICA: Curado por Alessandro Demma\n• GIMNASIA DE LA VISIÓN\, Curado por Paolo Angelosanto\n• BORDERS\, RUPTURAS FORMALESY CONCEPTUALES: curado por Micol Di Veroli\n• EL RITMO DEL ARTE SE ENCUENTRA EN UN LUGAR INTERMEDIO\, curado por Fortunata Calabró\n• RIGOR SENCILLO\, LA PRESENCIA POBRE EN EL ARTE BRASILEÑO ACTUAL\, curado por Daniel Rangel\n• NI TAMBOR\, NI TAMBORINES\, curador Rafael Raddi\n• COMICS\, QUÉ PASIÓN!\, curado por Maurizio Escudero\n• PABELLÓN ESPECIAL DEL TÍBET\, curado por Ruggero Maggi \nACTIVIDADES COLATERALES OFICIALES\n• «MOTOR VEHICLE SUNDOWN» (Performance para autos en la vía pública)\, de George BRECHT\, con la Dirección Artística de Martin Virgili\n• «ESPACIO MAR DEL PLATA»\, (enero 2015)\, Importante presentación de Artistas de Mar del Plata formando parte y en articulación con la muestra internacional de la Bienal del Fin del Mundo\, Curado por Loredana Manca \nLUGARES DE EXPOSICIÓN Y DE INTERVENCIÓN ARTÍSTICA\nHall Central del Palacio Municipal\nEspacio Cultural UNZUÉ\nTorre Tanque\nPlaza del Agua\nVilla Mitre\nCasa del Puente\nHall del Museo MAR\nCentro Cultural Soriano\nTorreón del Monje\nEscuela Pascuala Mugaburu \nEntrada libre y gratuita en todos los lugares donde se exponen las obras de la Bienal \nPATROCINANTES\nPresidencia de la Nación Argentina\, Ministerio de Cultura de la Nación\, Ministerio de Desarrollo Social de la Nación\, Ministerio de Turismo de la Nación\, INPROTUR\, INAMU (Instituto Nacional de la Música)\, Gobierno de la Provincia de Buenos Aires\, Municipalidad de General Pueyrredon \nAUSPICIOS INSTITUCIONALES\nMinisterio de Relaciones Exteriores de Italia – «Cultura Italiana en Sudamérica»\, Ministerio de Bienes y Actividades Culturales y de Turismo\, Ministerio de Cultura/Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (Chile)\, Istituto Nazionale della Musica (ITALIA)Fundación MEMORIAL del Parlamento Latinoamericano (San Pablo\, BRASIL)\, \, Instituto Italiano de Cultura en Buenos Aires\, \, University of Delaware (USA)\, CAS Office of the Dean (USA)\, Office of the Provost (USA)\, Department of Art Office of Undergraduate Research (USA)\, Centro Cultural Coreano de Buenos Aires\, Yokohama College of Art and Design (Japón)\, World Art and Culture Exchange (Tai)\, \, Embajada de Italia en la Argentina\, Embajada de Italia en Chile\, Consulado de Italia en Mar del Plata\, Academia de Bellas Artes de Roma\, IGAV (Instituto Garuzzo para el Arte Contemporáneo\, TORINO\, ICCo (Brasil)\, Venice International University (VIU di VENEZIA)\, Federculture\, Museo de Ciencias Naturales de Mar del Plata. \nOrganiza: FUNDACIÓN BIENAL DEL FIN DEL MUNDO \n\n+ INFO
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LOCATION:Hall del Museo MAR\, Av. Félix U. Camet 800\, Mar del Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007"
DESCRIPTION:La muestra «Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007» le propone al público patagónico una impactante retrospectiva\, la más grande realizada en el país desde su muerte\, y que además de la exhibición de sus trabajos recrea su último taller y proyecta un video con el aporte de varias personalidades de la cultura sobre su vida y obra. \nLa exposición «Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007» se podrá visitar durante todo el verano\, con entrada gratuita\, en el Museo Nacional Bellas Artes de Neuquén\, ubicado en calle Mitre y Santa Cruz\, Parque Central\, Neuquén Capital. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/perez-celis-medio-siglo-de-pintura-1957-2007/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes Neuquén\, Mitre y Santa Cruz\, Parque Central\, Neuquén Capital\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:“Digo la Cordillera”  El viaje como obra
DESCRIPTION:Digo La cordillera. El viaje como obra\, marca el cierre del ciclo de itinerancia de la exposición luego de haber visitado los museos más importantes de Argentina. Por primera vez llega al Museo Franklin Rawson un conjunto de 90 obras del reconocido artista plástico Carlos Gómez Centurión. La muestra\, conformada por pinturas\, dibujos\, vídeo y objetos\, resume más de diez años de trabajo del destacado pintor sanjuanino. El proyecto consta de cinco viajes\, entre los que se incluyen; no sólo la expedición al Mercedario\, sino además las expediciones al norte (yungas y puna jujeñas)\, al sur (Chaltén) y Mendoza  (Las leñas). \n  \nUn viaje de más de diez años\nLa cordillera y el viaje atraviesan la obra que viene desarrollando Carlos Gómez Centurión desde hace más de diez años. En el cruce del motivo y la acción pone en juego desafíos e interrogantes\, aventuras y búsquedas. Se mezcla una pasión\, con una pregunta acerca del arte. Porque no hay certezas\, es solo un camino donde las obras van dando cuenta de los pasajes.\nEn un sentido\, pareciera que fuera la misma cordillera la que lo seduce y obliga a recorrerla. Es que se le presenta potente\, inabarcable\, enigmática. Acaso lo invita a develar sus secretos\, a que sea él quien se convierta en su interlocutor\, quien la diga de alguna manera.\nPero si descubrirla en su totalidad es imposible\, también lo es representarla. De allí que decir la cordillera es en realidad una serie de intentos\, de aproximaciones\, que a lo largo del tiempo van mutando. Por eso no es casual que Gómez Centurión aun busque las más diversas formas de abordarla.\nLa pluma\, el lápiz\, el pincel fueron herramientas fundamentales\, pero él nunca se mostró conforme: necesitó caminarla\, tocarla\, sufrirla\, tratar de impregnar las telas con sal o embeberlas de las superficies rojizas de los cerros. Y también quiso invitar a otros a que vivan la experiencia\, a que la digan de otra manera\, con fotos\, con películas\, con palabras…\nLa relación de Gómez Centurión con la cordillera no siempre fue amigable -se trata más bien de un amor donde están en juego muchas pasiones-\, y los resultados nunca fueron una postal\, sino una especie de conjunto de esbozos\, como ensayos; obras que son procesos y que se continúan unas a las otras\, pero que aportan siempre algo distinto.\nAsimismo hay en sus pinturas un macro y un micromundo. Cada una tiene detalles que están entre la figuración y la abstracción\, entre el registro y el invento\, y para verlas hay que sumergirse en ella\, alejarse y volver a entrar\, porque en ese ir y venir\, aparecen otros universos.\nEl viaje le imprime algo adicional a esta búsqueda. Hay en él algo épico: subir a la montaña\, con todos los riesgos que implica\, aceptarlos y seguir a pesar del tremendo esfuerzo\, de las dificultades. Pero además el propio viaje -la acción de pintar en la montaña- es una obra. Y acaso lo que siempre se termina mostrando no son más que retazos de ella.\nLa referencia a la historia también está presente\, seguramente porque es inevitable retomar el camino de los pintores viajeros\, y la “fisionomía” resuena (esa creencia de que el artista puede decir algo que no puede registrar una cámara). Un misterio. Todos sabemos o al menos sospechamos que eso sucede pero no tiene explicación.\nTenemos la sensación de que quienes hicieron ese camino antes saben algo más que nunca revelaron. La idea romántica invade y aparece continuamente. Porque la obra no es un viaje que concluyó sino que es una pregunta que transcurre a lo largo del viaje\, de tantos años\, de muchas geografías.\nY hay otro mundo que se abre: el de las energías\, de los colores\, las sensaciones\, las formas\, los olores\, que quedan guardados en algún lugar (como impregnando la memoria\, pero no necesariamente la retina) y que comienzan a pelear por aparecer en las telas.\nLas obras ya no copian un referente sino que son otra historia. Una mezcla de sentimientos\, de percepciones\, de vivencias que quedaron en la memoria y reaparecen con o sin su voluntad.\nA veces los cielos y las aguas se revuelven y se confunden con la cordillera\, en otros casos la roca o la selva pasan a ser protagonistas\, y siempre pervive cierta belleza y una desbordante inquietud. \nFernando Farina \n  \nBiografía\nCarlos Gómez Centurión nace en San Juan\, Argentina. Vive en Buenos Aires entre 1970 y 1982. En 1988 reside en la Citè Internationale des Arts en París donde realiza su primera exposición individual. Actualmente vive y trabaja en San Juan\, Argentina. Durante la década del 90 y hasta inicios de la actual\, su trabajo se concentró fuertemente en el universo de la mitología americana. Fue miembro fundador del grupo El Mito Real. \nCarlos Gómez Centurión tiene una vasta trayectoria\, ha realizado diversas exposiciones en ciudades argentinas como Buenos Aires\, Rosario\, Córdoba\, Tandil\, Tucumán\, Salta\, Ushuaia\, Mendoza\, San Juan\, San Luis y\, en el exterior;  París\, Santiago de Chile\, Guayaquil\, Quito\, entre otras. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson.\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste\, San Juan\, San Juan\, Argentina
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SUMMARY:ROBERTO TABBUSH   en Playas Blancas
DESCRIPTION:Tabbush indaga en las exploraciones cromáticas a partir de el uso del óleo\, la acuarela y el pastel. Así construye sus paisajes en donde pareciera que predomina una abstracción de la que emergen figuras. \nActualmente presenta en Punta del Este una serie de paisajes en donde sedimentan los viajes y experiencias transitadas por el artista uruguayo. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/roberto-tabbush-en-playas-blancas/
LOCATION:Puerto de Arte-Espacio Cultural\, Gorlero 535\, Esquina Calle 11\, Punta del Este\, Maldonado\, Uruguay
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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:Alma sonora & Divide dos\, divide uno
DESCRIPTION:Este jueves 5 de febrero se realizó la inauguración de la Muestra «Alma sonora & Divide dos\, divide uno»\, de la artista coreana Kim Yun Shin\, en el Museo de Arte Moderno. La exposición\, que permanecerá hasta el 22 de febrero\, consta de pinturas y esculturas de distintas etapas de esta plástica que está radicada en el país hace ya 30 años y posee un museo propio en Buenos Aires. \nEn la apertura estuvo presente la propia artista junto con el Agregado cultural coreano YI Chongyul\, la directora del MMAMM\, Laura Valdivieso\, y el Secretario de Cultura\, Guillermo Romero. \nCon esta muestra\, la colectividad coreana está celebrando el 50 aniversario de la primera inmigración coreana a la Argentina. Ante eso Kim Yun Shin manifestó su alegría de poder exhibir en este museo y expresó un profundo agradecimiento a los presentes y a quienes posibilitaron que esto sucediera. \nPor su parte\, Romero subrayó el valor de que desde un país tan lejano posen su mirada en nuestra provincia y que espera que se realicen muchos intercambios más para contribuir con la apertura cultural. \nLa obra de Kim Yun Shin\, en palabras de la directora del MMAMM\, es «arte moderno que refleja un proceso de expansión y mixtura entre países». De esa manera se combinan «tradiciones culturales con poéticas locales y rasgos de artistas que se apropian de esos lenguajes». \nLas creaciones de esta artista de 80 años tienen un fuerte sello espiritual en su concepto. Se aprecian series más pasionales y de colores cálidos\, otras más frías y racionales\, así como expresiones de un tono más colorido y naíf.
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LOCATION:Museo Municipal de Arte Moderno de Mendoza- MMAMM\, Plaza Independencia\, Gral. Espejo\, Mendoza\, Capital\, Pcia Mendoza\, Argentina
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SUMMARY:POR Y SOBRE MUJERES ARGENTINAS
DESCRIPTION:“Por y Sobre MUJERES ARGENTINAS” es presentada por el Área de Géneros en el Arte del Centro Cultural Borges. En su segundo año consecutivo y en el marco de las conmemoraciones por el Día Internacional de la Mujer se reúnen  obras  de importantes artistas argentinas y de distintas generaciones a quienes las une una forma de ver la vida\, de develar sus experiencias y deseos y\, ante todo\, sus luchas y logros a través de diferentes lenguajes artísticos. \nSe exhiben pinturas\, dibujos\, objetos\, esculturas\, libros de artista\, fotografías\, instalaciones\, video y performances. \nParticipan:  Gabriela Aberastury \, Olga Autunno\, Norma Bessouet\, Graciela  Borthwick\, Anahi Caceres\, Alicia Diaz Rinaldi\, Marta Diez\, Luciana Estevez\, Nora Garcia\, Marcela Girotti\, Monica Goldstein\, Graciela Henriquez\, Carmen Imbach\, Zulema Maza\, Lucia Pacenza\, Marga Pels\, Ana Tarsia\, Ita Scaramuzza \, Maria Zorzon\, Helen Zout\, Rosemarie Allers y Liliana Livneh (vive y trabaja en Israel). \nPor y sobre MUJERES ARGENTINAS \npor Pelusa Borthwick \nEn mi carácter de Curadora del Área de Géneros en el Arte del Centro Cultural Borges que creamos en Marzo 2014\, me enorgullece presentar esta muestra nucleadora de obras de artistas de la generación intermedia unidas por la admiración y el respeto a los movimientos de mujeres en nuestro país. \nHoy presentamos mujeres de esta región que con mayor o menor reconocimiento conforman  desde siempre el corpus de  “Nosotras\, las Mujeres Argentinas”. \nDesde el campo artístico reflexionamos sobre la desigualdad que afecta a los géneros y convocamos a crear conciencia para el cambio \nLas mujeres hemos adquirido un mayor conocimiento de nuestros derechos y de nuestro lugar en el mundo. El arte feminista latinoamericano agradece nuestra complicidad. \nAquí están las obras de arte como instrumento para el análisis y denuncia de las experiencias de género. \nEsperamos que estas artistas y sus propuestas traigan a la memoria a todas las mujeres que tienen un papel extraordinario en la historia cotidiana junto a las que lo han tenido  en la historia de nuestro país. \nPor y Sobre MUJERES ARGENTINAS \nMuestra colectiva\n\n05/03/2015 – 24/03/2015\n\n\n\nCCB | Centro Cultural Borges\nViamonte 525\n\n\n\n\n\nInauguración: Jueves 5 de marzo 2015\, 19hs. \nSala Berni\nCuraduría: Pelusa Borthwick. \n\n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/por-y-sobre-mujeres-argentinas/
LOCATION:CCB | Centro Cultural Borges\, Viamonte esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:NOCTURNOS de Ricardo Cinalli
DESCRIPTION:El Palais de Glace exhibe «Nocturnos»\, una muestra de pinturas\, dibujos y esculturas de Ricardo Cinalli\, que puede visitarse del 12 de marzo de 2015 al 12 de abril de 2\, con entrada libre y gratuita. \nLa obra de Ricardo Cinalli puede estar marcada por estudios realizados en obras de la antigüedad\, ya sea por las posiciones de los cuerpos (que bien podrían recordarnos a los personajes esculturales de Miguel Ángel)\, algunos de los temas mitológicos que representa y sus simbologías\, y su apoyo en la perspectiva renacentista. Además\, no es azarosa la elección del tamaño de sus obras\, ya que pueden remitir a frescos como los de la Capilla Sixtina; y su conversación directa con la arquitectura. \n«Reconocido muralista de edificios públicos y privados situados en Italia e Inglaterra\, el derrotero pictórico de Cinalli guarda relación con la magnificencia de sus frescos»\, señala Oscar Smoje\, director del Palais de Glace. «Magnificencia en esta doble acepción correlativa: son obras de tamaño grande (cada uno de los cuatro Nocturno aquí exhibidos mide 315 x 315 cm) que abrevan del acervo histórico-cultural acumulado por la Humanidad»\, agrega. \nLa muestra se puede recorrer de martes a viernes\, de 12 a 20; y sábados\, domingo y feriados\, de 10 a 20. Además\, los sábados\, de 17 a 18\, se ofrecen visitas guiadas. \nInauguración 12 de Marzo \nHasta el 12 de Abril\nPalacio Nacional de las Artes (ex Palais de Glace)\nPosadas 1725\, Ciudad de Buenos Aires\, Argentina. \n 
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LOCATION:Palais de Glace\, Posadas 1725\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Escenas de la vida tumultuosa" de Mariano Sapia
DESCRIPTION:La exposición «Escenas de la vida tumultuosa»\, de Mariano Sapia\, que se inaugura el martes 7 de abril a las 19 hs. en el Centro Cultural Borges\, permite acceder a la obra reciente de uno de los pintores argentinos más originales de la actualidad\, cuyas coloridas crónicas visuales de la vida cotidiana componen una excepcional y aguda antología de tipos\, escenarios y costumbres. \nNacido en Buenos Aires\, en el seno de una familia de artistas\, Mariano Sapia comenzó a estudiar dibujo a los 15 años con Ernesto Pesce y\, luego\, pintura con Carlos Gorriarena. Realizó su primera exposición individual en 1984 y desde entonces ha exhibido su obra regularmente en el país y en el exterior. Ha recibido numerosas distinciones\, entre ellas el tercer premio del Dibujo en el Salón Manuel Belgrano\, y su obra integra el patrimonio de importantes instituciones\, como el Museo Metropolitano de Nueva York.\nSus pinturas son un reflejo fiel pero transformado del paisaje suburbano: fábricas y camiones\, auto viejos amontonados\, gente humilde mirando un partido de fútbol por televisión bajo un puente\, parejas besándose o tocándose contra una pared o bajo unos árboles\, chicos jugando a la pelota en potreros y cirujas merodeando el lugar\, se contraponen con las imágenes de siluetas esbeltas de los carteles publicitarios\, que despiden su ideología consumista\, en medio de altos y grises edificios de departamentos.\n\n«Nací y viví 22 años en Lugano y allí está todo mezclado –dice Sapia-. De repente pasás de un barrio ‘barrio’\, a monoblok\, a villa\, a chalets paquetes y todo muy rápidamente\, y cuando uno es chico\, cosas extrañísimas y contrapuestas se las toma con naturalidad. (…) Pero mis pinturas no son una denuncia. ¿Qué estoy denunciando? ¿Cosas que todo el mundo ya sabe? Hay tantos canales de noticia que si la gente no quiere ver las cosas que pasan\, tampoco las va a ver en mi pintura. Siempre se puede hacer una lectura social pero el centro del relato pasa por otro lugar».\n\nLa exposición se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos de 12 a 21 hs. en Viamonte 525\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
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LOCATION:Centro Cultural Borges\, Viamonte 525\, esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“La mirada interior”
DESCRIPTION:“La mirada interior”\, la primera muestra integral de Eugenio Cuttica que llega al Museo Nacional de Bellas Artes y reúne pinturas\, esculturas e instalaciones interactivas desde los años ’70 hasta la actualidad\, tuvo el martes 14 de abril una inauguración multitudinaria. \n“Exponer acá es muy emocionante para mí\, porque desde los 14 años visito el Museo para ver obras como las de Fader\, Berni o Seguí. Este edificio siempre fue como un templo\, un lugar sagrado para mí; y esta exposición es una manera de desarrollar el legado que ellos dejaron en mí”\, expresó Cuttica. \nDurante el acto\, el Museo vio colmada la capacidad del pabellón de exposiciones de la planta baja y los visitantes debieron ingresar por tandas. Acompañaron a Cuttica la directora ejecutiva del MNBA\, Marcela Cardillo; el curador de la muestra\, Pablo De Monte; y autoridades y personalidades del arte y la cultura. \n“Esta es una muestra consagratoria”\, definió De Monte y luego detalló: “Armarla nos llevó cerca de siete meses: juntar la obra\, seleccionarla\, hablar con coleccionistas. La exposición funciona como una suerte de retrospectiva\, pero no hicimos foco en la cuestión cronológica\, sino que la armamos de acuerdo con aspectos expresivos o visuales”. \nPor su parte\, Cardillo manifestó: “Es muy importante hacer una retrospectiva como la de Eugenio Cuttica\, en la cual se involucran todas las áreas del Museo; y la excelencia del montaje tiene que ver con cómo trabaja el MNBA”. \nLa exposición cuenta con tres obras de grandes dimensiones elaboradas por el artista especialmente para esta muestra\, y también incluye el cuadro de Fernando Fader “El corral de las cabras”\, de 1926\, perteneciente a la colección del Mueso. De Monte explicó: “Cuando surgió la idea de hacer esta muestra\, le preguntamos a Eugenio sobre los cuadros que él había visto como estudiante y resultó que su obra preferida era esta de Fader”. El curador agregó: “Creemos que el Museo tiene una dimensión formativa para los artistas. Ahora está en el público encontrar las conexiones con la pintura de Cuttica\, pero ahí están”. \nAl respecto\, el artista contó: “La obra de Fader no se sabe si es figurativa o abstracta. Y casualmente ayer\, después de 40 años\, me di cuenta de que lo que yo vengo haciendo deriva también de este concepto”. \nEn la apertura de “La mirada interior”\, que puede visitarse hasta el 31 de mayo\, también hubo tiempo para disfrutar de la música de cámara: la orquesta Capella Pellegrina interpretó “El canto de Luna”\, pieza musical compuesta por el director Gustavo Twardy inspirada en uno de los cuadros del pintor. \nCuttica también se mostró sorprendido por la cantidad de asistentes: “Esta exposición ha sido hecha para la gente. Considero que el artista tiene una función social\, y he trabajado toda mi vida para dejar un mensaje. Espero que vengan a verla muchos más”. \nCardillo agregó en la misma línea: “Esta muestra es una propuesta muy atractiva. Hemos tenido una inauguración exitosa\, con muchísima afluencia de público\, que es lo que pretendemos: que el MNBA sea un museo de puertas abiertas”. \nLa muestra que recorre las obras del pintor desde la década del ’70 hasta el presente\, puede visitarse hasta el 31 de mayo.
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LOCATION:Museo Nacional  de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Metáforas de vida
DESCRIPTION:TEXTO DEL ARTISTA \n\n\n\nTomar distancia y recorrer con la mirada obra por obra\, en el silencio del taller\,  me produce una sensación extraña y difícil de transmitir. \nCada una de mis esculturas es la materialización de una vivencia profunda. \nHaber podido transcribir en imágenes\, en otros cuerpos\, sensaciones\, sentimientos insoslayables\, hacen de estas esculturas “metáforas de vida”. Son instantes secretos ligados a  los afectos\, a la historia\, a la memoria\, a las emociones. \nEl trasmutar alquímico de la materia primordial\, “el barro”\, me otorga el privilegio de resignificar y corporizar  imágenes. Estas se multiplicaran  con la interpretación de  cada espectador\, armando una trama invisible de infinitos  vínculos. \nPor eso cuando me preguntan de qué material están hechas mis esculturas\,  contesto de un material sutil: \nDe sueños\, deseos\, pesares\, emociones y sobre todo mucha pasión. \nMarina Dogliotti \n  \n\nFotografía – Pablo Jantus \n\n\n+ INFO
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LOCATION:ESPACIO DE ARTE BANCO CIUDAD\, Esmeralda 660\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Marcia Schvartz “Marciamundi”
DESCRIPTION:La muestra incluye trabajos de los dos últimos años y puede visitarse hasta el 28 de junio.\n\nLa artista plástica inauguró el 15 de mayo\, en la sala de exposiciones de la Casa Central de la Cultura Popular\, la muestra “Marciamundi”\, con más de 35 piezas\, la mayoría de reciente creación\, que puede recorrerse con entrada libre y gratuita. \n“Me siento muy comprometida y feliz. Esta Casa es un lugar al que vienen muchos chicos a tomar cursos\, talleres\, y en donde hay gran movimiento de gente; es un lugar vivo en el que tiene sentido venir a mostrar mi obra\, que tiene mucha relación con la gente”\, manifestó Schvartz al ingresar a la sala. \nEn el acto de inauguración\, estuvieron presentes la asesora de la ministra Teresa Parodi Jorgela Argañarás; la coordinadora general de la Casa\, Julieta Chinchilla; la coordinadora de la sala de exposiciones del espacio y también curadora de esta muestra\, Guadalupe Fernández; el diseñador del montaje\, Adrián Paiva; además de amigos\, artistas y referentes del barrio. \n“Conocí la obra de Marcia a los 19 años\, cuando vine por primera vez a Buenos Aires. Me quedé impactada por un cuadro de ella\, y ahora pasar a ser retratada es muy impactante”\, contó Mariana Condorí\, quien posó en la obra “Marianita y sus amigos”\, realizada en 2013 con técnica mixta sobre lino\, de 150 x 180 cm. \nCondorí y Schvartz se conocieron en un encuentro en Jujuy. Luego\, casualidad o no\, se cruzaron en la Plaza de Mayo el día del fallecimiento de Néstor Kirchner. Ya entonces charlaban la idea de que “Marianita” quedara plasmada en un cuadro. Historias como estas son las que inspiran a Schvartz\, quien\, desde los años 80\, es reconocida por retratar personajes suburbanos de clases populares. \nSchvartz se involucró con la vida artística de la Casa Central de la Cultura Popular desde su inauguración: donó una de sus obras\, que forma parte de la muestra “Artistas x la 21”\, patrimonio permanente de la Casa de Barracas. \n“La gente del barrio es bárbara porque no tiene filtros\, no piensa qué voy a decir ni se preocupa por meter la pata; en cambio\, se acercan\, se emocionan\, les gusta”\, afirma la artista. “Hay un cuadro\, ‘Bailanta top’ (2011\, óleo sobre tela\, 190 x 140 cm) con el que las chicas de acá\, ayer cuando colgábamos las obras\, nos decían que se sentían identificadas. Es algo espontáneo\, no hay un discurso en el medio\, entonces\, es fabuloso”\, agregó Schvartz. \nEntre risas\, fotos y charlas\, la gente de la Villa 21-24 se acercó a recorrer la exhibición. “El sueño de toda persona a la que le gusta el arte es poder tener acceso a muestras\, sobre todo\, que los chicos vean arte en su propio barrio\, al toque de su casa. Además\, siempre usamos las obras expuestas para trabajar\, para pintar o dibujar”\, explicó Pablo Soler\, profesor del taller de plástica de la Casa\, que se dicta de martes a viernes\, a la mañana y a la tarde\, y al que concurren más de 150 personas\, entre niños\, adolescentes y adultos. \nComo complemento de la exposición\, el jueves 28 de mayo a las 17.30\, Schvartz brindará una charla abierta en el Auditorio de la Casa\, en la que presentará su obra a través de imágenes digitales y el público participará con preguntas. \n“Marciamundi” puede visitarse de martes a sábados\, de 10 a 21\, y los domingos\, de 15 a 21\, en Av. Iriarte 3500\, Ciudad de Buenos Aires. \nEntrada libre y gratuita\, como todas las propuestas de la Casa Central de la Cultura Popular.
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SUMMARY:VIK MUNIZ BUENOS AIRES
DESCRIPTION:La Universidad Nacional de Tres de Febrero presenta la muestra VIK MUNIZ EN BUENOS AIRES\, la primera gran exposición retrospectiva del reconocido artista brasilero en Argentina; en la cual también se podrá apreciar la obra Buenos Aires\, de su serie Postales de ningún lugar. \n“Vik Muniz es un gran creador que a través de la fotografía cuestiona la realidad al tiempo que admiramos la belleza de las imágenes que produce\,” expresó Aníbal Jozami\, rector de la Universidad y director del MUNTREF. Esta postal de Buenos Aires “es una imagen que tiene un profundo significado y que nos llena de satisfacción ya que refleja un paisaje típico de nuestra ciudad; sin embargo\, está construida con infinidad de fragmentos fotográficos de otros lugares. Por eso Vik la identifica como una postal de ningún lugar”. \nA su vez\, Diana B. Wechsler\, directora del Departamento de Arte y Cultura de la UNTREF\, señala: “Vik es un fotógrafo que se pregunta por la fotografía\, sus condiciones de producción y de lectura. Su propuesta estética trabaja en la tensión entre proceso y obra. Expone ante el espectador fotografías que sean el punto de partida de una narrativa que le permita recuperar diferentes dimensiones presentes en esa imagen. En este sentido\, la imagen de Buenos Aires condensa tantas experiencias de lectura como el observador sea capaz de desarrollar según su capital cultural\, pensando en términos de cultura visual\, él como artista se ofrece como intermediario”. \nLa muestra se complementa con visitas guiadas\, talleres y la exhibición de una película. Los sábados y domingos a las 17 habrá visitas guiadas. Además se ofrecerán una serie de talleres: collage y fotografía para chicos\, los sábados y domingos a las 15.00 horas; collage con artistas con la participación de Eduardo Stupía\, Rosanna Schoijett y Gabriel Di Giuseppe. También se exhibirá la película Waste Land\, enfocada en el trabajo de Vik Muniz en Jardim Gramacho\, sábados a las 15.00 horas. \nLa inauguración está prevista para el jueves 21 de mayo a las 13 horas\, en el MUNTREF\, Centro de Arte Contemporáneo sede Hotel de Inmigrantes. Avenida Antártida Argentina 1355. (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebús)\, Retiro. Entrada por Apostadero Naval\, Dársena Norte. \nCon entrada gratuita\, la muestra podrá visitarse de martes a domingos de 11 a 19\, y los fines de semana contará con visitas guiadas previstas para las 17\, tras lo talleres de fotografí­a y collage para niños que desde las 15 ofrecerán artistas como Eduardo Stupí­a\, Rosanna Schoijett y Gabriel Di Giuseppe; en paralelo\, los sábados\, a la proyección del filme «Waste Land»\, enfocada en el trabajo de Muniz en la favela de Jardim Gramacho. \n+ INFO
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LOCATION:MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo\, Av. Antártida Argentina 1355\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:REFLEJOS INTERNOS Y LA OTRA REALIDAD
DESCRIPTION:REFLEJOS INTERNOS Y LA OTRA REALIDAD. Obra Gráfica. Muestra de Silvina Baz.\nEn tiempos de unidad\, reflejamos la vida y otorgamos herramientas para que la sociedad pueda pescar por sus propios medios los valores otorgados por el arte.\nLos grabados presentados en el Museo Provincial del Dibujo y Grabado Artemio Alisio pertenecen a la Trilogía Vivencias de la esclavitud del cuerpo construida en base a escritos y máximas de Epícteto (filósofo estoico de 55 d.C.); interpretaciones de Alejandro Díaz sobre San Francisco de Asís; manifiestos y pensadores existencialistas; y en reflexiones contemporáneas donde el contenido esencial es la libertad.\nEl trasfondo de la muestra es impulsar a pensar y reflexionar sobre temas actuales y controversiales: La Comunicación y Cómo recibimos lo externo. Y así llegar a cómo no sólo lo que está cerca y lo que vemos influye en nosotros sino también que el mundo de lo pequeño y el mundo de lo grande ejerce su acción sobre el hombre.\nSe trata de lo individual-universal. En ese trascender de lo personal reside la vida que buscamos. Comparto con Artaud al decir: “Se trata del pensamiento absoluto\, es decir\, de la vida”. Ese pensamiento absoluto es lo concreto extra temporal\, aquello que está fuera del tiempo. Siendo lo absoluto la libertad misma.\nEsta trilogía considera al arte como vida que se vuelve trascendente. Intencionalmente ser reflejo de la realidad. La realidad del hombre en simbiosis con su entorno\, el entorno cotidiano\, social y espiritual.\n“Ser libres o esclavos no depende de la ley ni del nacimiento\, sino de nosotros mismos”. Epícteto \n+ INFO
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LOCATION:Museo Provincial del Dibujo y Grabado Artemio Alisio\, Juan Domingo Perón 82\, Concepción del Uruguay\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:Ignacio Iturria: Pintar es soñar
DESCRIPTION:El título de la muestra: Pintar es soñar\, actúa como un concepto-metáfora para indicar que el núcleo de la pintura de Iturria se sitúa en ese plano del soñar despierto\, del ensueño\, que conlleva una ampliación de los límites de la vida humana en los planos del deseo y la imaginación. \nJosé Jiménez\, curador \nDesde el jueves 9 de julio al domingo 6 de setiembre de 2015\nSalas 2\, 4 y 5 \nMuseo Nacional de Artes Visuales\nTomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig\nParque Rodó – Montevideo – Uruguay\nTel.: +598 27116054 – 27116124 – 27116127 \nHorarios al público: martes a domingos de 13:00 a 20:00 horas.
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LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig Encontrar en el mapa Parque Rodó -\, Montevideo\, Uruguay
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SUMMARY:Oswaldo Vigas - Antológica 1943 - 2013
DESCRIPTION:«Oswaldo Vigas-1943-2013\,» es una exhibición itinerante que tendrá una duración de 3 años y que incluye 70 pinturas y 5 esculturas del fallecido artista venezolano. Organizada por la Fundación Oswaldo Vigas y bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez\, podrá ser vista en el Museo de Arte Moderno Bogotá (MAMBO) desde el 16 de Julio de 2015. «Oswaldo Vigas-1943-2013» fue inicialmente lanzada en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC). La exhibición se trasladó luego al Museo Nacional de Bellas Artes de Chile (MNBA) en Santiago. Después de visitar Bogotá\, la exhibición viajará a São Paulo\, Ciudad de México y algunas ciudades de los Estados Unidos de América. Nacido en Valencia\, Venezuela\, en 1923\, Oswaldo Vigas falleció en Caracas el 22 de Abril de 2014 a la edad de 90 años. Aclamado como un pionero del arte Latinoamericano\, al igual que Lam\, Matta y Tamayo\, Vigas sintetizó sus raíces Latinoamericanas con las corrientes pictóricas más avanzadas de la modernidad. Al igual que Philip Guston\, Vigas en su búsqueda por encontrar su propia voz\, experimentó tanto con la pintura figurativa como con la abstracta. Se han realizado más de 100 exhibiciones de las pinturas\, esculturas\, grabados\, tapices y cerámicas de Vigas. Su obra está incluida en las colecciones de muchas instituciones tanto públicas como privadas a nivel internacional. «Oswaldo Vigas es uno de los verdaderos artífices del arte Latinoamericano»\, expresó el poeta y crítico de arte Jean Clarence Lambert. «Él contribuyó a mantener vivas las tendencias culturales de Sudamérica»\, las cuales son\, como Vigas mismo las describió\, pre-lógicas\, mágicas\, mitológicas y anti-racionalistas». Influenciado por el arte pre-Hispánico\, por estatuillas de «Venus»\, estatuas africanas\, las pinturas de Velázquez y Goya y por las obras de los artistas Expresionistas Abstractos y Neo Expresionistas como Jackson Pollock y George Baselitz\, Vigas desarrolló la icónica imagen de la «Bruja»\, que se volvió un tema recurrente en su obra. Entre los años 50 y 60\, fue reconocido como un talento emergente importante\, asociado con el resurgimiento del arte figurativo de la post-guerra. Un viaje a París le dio a Vigas la oportunidad de reflexionar acerca de su identidad y sus raíces. Durante sus años en Francia\, comenzó a pintar de manera abstracta\, y su vocabulario visual personal\, comenzó a incorporar el constructivismo y la geometría. Él describió su obra como «un sistema de signos y símbolos\, una manera personal de concebir objetos\, figuras\, colores\, líneas y espacio.» Vigas regresó a Venezuela a finales de los años 50 y luego volvió a París al principio de los años 60. En esta época\, su acercamiento al proceso de pintar tuvo un giro dramático hacia el estilo gestual\, asociado primeramente con el expresionismo abstracto y luego con la abstracción lírica. Sus nuevas obras se enfocaron en la fuerza motriz de las emociones\, la materia y el mero acto de pintar. Las pinturas de Vigas de este periodo\, aun influenciadas por la prehistoria y la mitología\, rebozan con trazos gruesos de pintura\, y evocan el arte hecho por niños como los artistas del movimiento artístico CoBrA. En 1964 Vigas dejó París y regresó a Venezuela\, donde vivió por el resto de su vida. Las pinturas pertenecientes al comienzo de este periodo muestran una marcada ambivalencia entre lo representativo y lo abstracto. Elementos neo-figurativos recurrentes empiezan a aparecer en sus nuevas pinturas de estilo cubista. Sus líneas negras\, tan características de su obra\, se estrechan a medida que coloca figuras geométricamente semejantes en espacios comprimidos. En los años 70 y 80\, Vigas continúo pintando y empezó a experimentar con la escultura\, tapices\, grabados y cerámicas. Al igual que sus pinturas\, la nueva obra estaba enraizada en la reducción de la figura hacia elementos abstractos con referencias tanto a las civilizaciones antiguas como al mundo contemporáneo. En los años 90\, Vigas continuó desarrollando su estilo primitivista\, enfocándose en figuras centrales de su mitología personal que incluían demonios\, bestias\, aves\, mujeres y brujas. Sus pinturas y esculturas de los años 90 continúan fusionando ambas\, la abstracción y la figuración\, con la meta de liberar al arte de las rígidas estructuras formales. Al final de su vida\, Vigas fue sobrepasado por una necesidad insaciable de dibujar y escribir poesía\, una pasión que tuvo desde siempre en su vida. En sus últimos años\, empezó una serie de pinturas sobre la Crucifixión\, inspiradas por los dibujos que había realizado en pedazos de periódicos y programas de conciertos. Hasta los últimos momentos de su vida realizó exposiciones individuales en la Dillon Gallery en Nueva York y en la Ascaso Gallery en Miami.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO)\, Calle 24 Nº 6-00\, Bogotá\, Colombia
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SUMMARY:GEOMETRIZAR LA LUZ: MARIA SUARDI EN EL MACLA
DESCRIPTION:Todo objeto\, toda forma\, todo espacio\, funciona en virtud de la luz. La luz que distribuye y oculta; que compone y ensambla; la luz que da energía y proyecta. María Suardi trabaja\, desde hace años\, en complicidad con la luz. Con la geometría como argumento\, con la básica estructura del cuadrado que asocia y disocia desarrollos\, con la apertura a otras experiencias del plano\, su obra está signada fundamentalmente por la luz. \nToda una vida consagrada a la gráfica\, con notables matices fácticos y matéricos\, le han permitido pasar de la investigación a la experiencia\, de la búsqueda y el juego de replanteos\, a la afirmación definidora. Su obra es el resultado de una inteligente batalla entre recursos y usos\, entre ideas y concreciones. Siempre en la abstracción que no desoye la construcción formalista\, el despliegue y los enlaces de una geometría sensible. \nLa pintura entra a su credo artístico como una consecuencia lógica. Esa luz que alimenta el color\, que le da resonancia pigmentaria\, cumple desde ahí -siempre las mismas planimetrías y similares interrelaciones de cuerpo/espacio- las leyes del diseño ordenador. Suardi hace dialogar las formas a través del espacio; formula relaciones y acuerdos morfológicos; alcanza contrapuntos notables. Y su obra (dentro de una coherencia admirable) adquiere una unidad lógica que está no sólo en el presupuesto plástico que utiliza\, cuanto en el nodo estético desde el cual se identifica. \nEn un permanente desafío a nuevos tiempos conceptuales\, asume en el último lustro el replanteo objetual de esas formas todavía sujetas al muro. Aparecen así sus relieves\, sus desarrollos de polípticos y estructuras\, ganando una gozosa libertad. La construcción de una metáfora del espacio conquistado. Y el despliegue cromático armonizando ritmos. \nDesde ahí al otro objeto cifrado siempre en el diseño constructivo-ortogonalista\, sólo un paso. Sus esculturas (basamentadas más en el predicado de la adición de cubos) revalorizan el sentido de Suardi por mantenerse fiel a sus originales principios abstraccionistas Y ello\, en la diversidad de desarrollos\, da la unidad de concepto que han eslabonado a lo largo de casi cinco décadas sus rigurosos postulados de visión. \nEs importante que esta muestra de obras de los últimos cinco años de María Suardi se exhiba en el MACLA: templo del arte concreto. Ante todo\, lo es porque el selectivo conjunto de grabados\, relieves sobre soportes\, pinturas y objetos escultóricos ofrecen el decurso de una mirada abarcativa\, profundamente sustancial en sus secuencias. \nDesarrollo y orden\, proyección y límite\, composición y materia\, espacio y plano\, dialogan sin interrupción en el  lance perceptual que exigen sus trabajos. Formas interpenetradas entre sí\, para ser abarcadas por el ojo entrenado de Greenberg. Formas que -cuadrados\, triángulos\, tetraedros- establecen sus propios acuerdos de perfección estable\, para ser rearticulados. Planos y relieves que dan sustento a los verdes tamizados tamizados y a los rojos en saturación; que profundizan los negros de la estampa y sin embargo aceptan la irrupción triunfante de los blancos; que armonizan los ocres netos con las texturas\, dentro de tensiones y vuelos y cadenas. Siempre dentro de la geometría rectora. \nTambién es importante esta muestra hoy\, porque entra en el centenario del amanecer de la conciencia abstraccionista en el mundo. Esos primeros capítulos inscriptos no con vacilación\, sí con trémulo deslumbre .Las Improvisaciones y las Memorias de Kandinsky\, El Cuadrado negro sobre fondo blanco de Malevich. Los sueños iniciáticos de Mondrian\, de Van Doesburg y Vantongerloo. Las Ventanas simultáneas de Delaunay. El sincronismo de Russel y Mac Donald Wright\, en la otra orilla. Los elementos geométricos de Léger\, en fin. La plástica pura abriendo otros caminos. El ritmo individual en un naciente proceso colectivo. \nNo se debe excluir la importancia que esta muestra acceda al Museo después de la partida del inolvidable César López Osornio\, propulsor y generador del mismo\, a cuya memoria y reconocimiento está consagrada. \nJ. M. TAVERNA IRIGOYEN \nMiembro de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes Miembro de la AACA / AICA Curador \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/geometrizar-la-luz-maria-suardi-en-el-macla/
LOCATION:MACLA\, calle 50 e/ 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Mildred Burton
DESCRIPTION:El jueves 23 de julio de 2015\, el Consejo Federal de Inversiones (CFI)\, a través de su Programa de Cultura\, inauguró una nueva edición de su ciclo ¡Gracias\, Maestro! Esta vez\, la muestra rindió homenaje a la artista entrerriana Mildred Burton. \nJuan José Ciácera\, Secretario General del CFI\, señaló: “Mildred Burton fue una artista de vanguardia que abrazó la profesión con pasión y genialidad y con el compromiso de los grandes. Es un honor para el CFI poder compartir con el público esta maravillosa puesta de esta artista que nació en Paraná y se extendió al mundo”. \nPor su parte\, el crítico de arte y poeta Raúl Santana comentó: “Su vasta producción presenta un incandescente imaginario elaborado durante casi cinco décadas\, en las que la artista abordó los más variados géneros con extraordinaria solvencia artística\, en los que lo predominante ha sido la figuración”. \n+ INFO
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LOCATION:CFI\, San Martín 857\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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