FADLA

Premio Adquisición 8M Ediciones 2021-2022-2023 en Casa Nacional del Bicentenario 23/09/2023 - 31/03/2024
2023-09-23 - 2024-03-31 | Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, CABA, Argentina
La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la exposición PREMIO ADQUISICIÓN 8M. Ediciones 2021-2022-2023, con los trabajos premiados en las tres ediciones de este certamen: 48 nuevas obras de arte contemporáneo que han sido incorporadas al patrimonio nacional.Se exhiben pinturas, esculturas, fotografías, videos, cerámicas, textiles e instalaciones que dan cuenta del trabajo de artistas argentinas provenientes de Mendoza, Santa Fe, Tucumán, Misiones, Corrientes, Córdoba, San Juan, Salta, Neuquén, la Provincia de Buenos Aires y CABA, en un recorrido sensible y material por temáticas y preocupaciones que las atraviesan de manera transversal: la sexualidad, la identidad, la maternidad, las tareas de cuidado, la educación, la religión, el cuerpo, la violencia, la poesía, los miedos, las ilusiones, los vínculos, las tradiciones.
El Premio Adquisición 8M, destinado a artistas mujeres, lesbianas, travestis, trans y no binarias/os, es la primera convocatoria impulsada desde el Estado nacional, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación, con el apoyo del Ministerio de las Mujeres, Géneros y Diversidad. Se enmarca en las múltiples acciones para conmemorar el Día Internacional de la Mujer Trabajadora y desarrollar políticas tendientes a revertir la desigualdad de género en todos los campos del arte y de la cultura. Se lleva adelante desde 2021, con el objetivo principal de revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas.
Se podrá visitar hasta el 31 de marzo de 2024 en el primer piso de la Casa de miércoles a domingo de 15 a 20hs en Riobamba 985.
Por Valeria Roberta González
Secretaria de Patrimonio Cultural
Ministerio de Cultura de la Nación

PABLO EDELSTEIN (1917-2010) LA MATERIA INFINITA
2023-11-11 - 2024-03-17 | Museo de Arte Tigre, Paseo Victorica 972, Tigre, Buenos Aires, Argentina
La materia infinita

Primera exposición antológica del artista en Museo de Arte Tigre (MAT)

La muestra La materia infinita reúne en cuatro salas de la planta baja del Museo de Arte Tigre “Intendente Municipal Ricardo Ubieto” (MAT) ubicado en el histórico edificio del ex Tigre Club en el Delta, 70 trabajos de este gran creador.
En la obra de Pablo Edelstein, materia e infinito son nociones compatibles. Muchas podrían ser las causas: la percepción de esa llanura pampeana de límites dilatados, en cuya tierra hundía las manos como lo haría en la arcilla; el partir siempre de los materiales para crear imágenes que aspiraban a cierta trascendencia. La idea de que “no existe el espíritu sin la materia”, en sus propias palabras. Los trabajos presentes en cuatro salas del Museo de Arte Tigre constituyen la primera exposición antológica del artista, a trece años de su fallecimiento, con más de 70 piezas del muy extenso acervo de este incansable creador, docente e impulsor del arte cerámico en la Argentina. El planteo curatorial propone un recorrido con la guía de sus esculturas en vinculación permanente con dibujos y pinturas en tinta, lápiz, pastel y acuarela. La propuesta surge al observar cómo los materiales determinaban decisiones plásticas equivalentes entre las distintas disciplinas en relación a líneas y curvas, texturas, formas, colores y planteos compositivos. Esta perspectiva permite advertir, asimismo, que si bien la producción del artista se mantuvo dentro de los cánones de una representación realista, con eje en la figura humana sobre todo femenina, no dudó en extremar los límites hasta llevarla, en ocasiones, al umbral de la abstracción. Cada pieza es consecuencia de un proceso creativo valorado en sí mismo resultando imágenes de cuerpos sensuales con reminiscencias a la mitología, a vínculos amorosos y sexuales, a la historia del arte, hasta llegar al mundo del boxeo protagonizado por la mujer. En tanto, toros, caballos, paisajes, adquieren la relevancia otorgada por Edelstein a la naturaleza y en conexión con intereses deportivos y culturales. Desde su infancia y juventud europea, Pablo tuvo conocimiento de la historia del arte en general y de las vanguardias históricas en particular. En 1944 se instaló en la Ciudad de Buenos Aires, dejando su vida de estanciero, con la convicción de emprender el camino artístico. Asistió al taller de Jorge Larco y, por su recomendación, formó parte de la histórica Escuela Libre de Artes Plásticas de Altamira. Allí encontró notables figuras que inmortalizó en una galería de grandes y enigmáticas cabezas, en chamotte, de Jorge Romero Brest, Raúl Soldi, Larco, entre otros. En ese ámbito conoció a Lucio Fontana, quien fue maestro/colega y amigo, compartiendo un extenso intercambio epistolar hasta el final de la vida del creador del “Espacialismo”. Jefe del Departamento de Escultura de la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano durante treinta años, Edelstein recordaba: “Viendo trabajar a Fontana [precursor de la cerámica abstracta] tomé por primera vez conciencia de la importancia de lo gestual”. La muestra en el Centro Cultural Recoleta, en 2007, constituyó el último eslabón consagratorio de una trayectoria que desde el inicio obtuvo visibilidad en galerías y espacios de arte de la Argentina y de Uruguay. En aquella muestra se desplegaron las cintas de Moebius –tema que aparece en su obra por primera vez en 1962– entre tréboles y origamis en chapa, bronce y acero inoxidable, con una notoria expansión de la escala respecto de su trabajo anterior, a partir del uso del metal. Culminaba búsquedas y exploraciones hasta encontrar “una imagen de síntesis”. El artista expresó en ese momento: “(…) hemos llegado a reconocer que la materia se puede transformar en energía y que a su vez la energía puede crear nueva materia, en el eterno y acelerado juego del cambio y la evolución”. La presente exposición comparte, así, un camino artístico vital, apasionado y comprometido –como era Edelstein– para volver a descubrir su aporte a manera de una estela que alumbra el presente y se proyecta hacia el futuro.
Laura Casanovas y Gabriela Vicente Irrazábal
Curadoras

Gerstein, Heras Velasco y Simon: Artífices del Metal
2024-03-19 - 2024-06-23 | Museo Nacional de Bellas Artes, Av. Del Libertador 1473, CABA, Argentina
Muestra temporaria con esculturas en el Museo Nacional de Bellas Artes. Entrada y libre gratuita.
¿Qué es?
Con curaduría de la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, la exposición temporaria Artífices del Metal pone en escena tres esculturas de grandes dimensiones realizadas en hierro, acero y aluminio entre finales de 1960 y comienzos de los años 70: Marejada (1970), de Noemí Gerstein; Transposeña (1971), de Juana Heras Velasco y Caja (ca. 1967), de María Simon.
¿Cuándo?
De martes a viernes de 11 a 20 h, y sábados y domingos de 10 a 20 h.
Disponible hasta el 23 de junio.
¿Dónde?
Museo Nacional de Bellas Artes; Av. del Libertador 1473, CABA. Edificio accesible.

Giacoya. Pintor del Pueblo
2024-05-16 - 2024-08-11 | Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, CABA, Argentina
Exposición temporaria en la Casa Nacional del Bicentenario.
¿Qué es?
Giacoya. Pintor del Pueblo presenta treinta y dos pinturas de mediano y gran formato (paisajes rurales, bodegones, naturalezas muertas, marinas y pinturas constructivas) que Mario Giacoya realizó entre 2007 y el presente año, con énfasis en su última producción.
Curador: Enrique Aguerre, director del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, Uruguay.
¿Cuándo?
Del jueves 16 de mayo hasta el 11 de agosto; miércoles a domingos, de 15 a 20 h.
¿Dónde?
Casa Nacional del Bicentenario; Riobamba 985, CABA. Edificio accesible.

Rosas de León Ferrari
2024-06-19 | CCR – Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA, CABA, Argentina
Ciudad de Buenos Aires, 12 de marzo de 2024) – El próximo martes 19 de marzo el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA), dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, inaugurará de forma simultánea seis nuevas propuestas, recuperando así el protagonismo de las artes visuales en este espacio icónico de la Ciudad.
Durante esta gran apertura podrás visitarse la nueva sala 1, que llevará el nombre de Sala Histórica , destinada a narrar la historia de la institución y que a su vez albergará un homenaje a los artistas míticos en la vida de la Recoleta. El primero de ellos será León Ferrari, que regresa al Centro Cultural después de 20 años con la exposición de dos de sus obras originales: Rosas y una segunda pieza sin título (caja collage con mariposas) , en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari. . Arte y Acervo.
A continuación se desplegará en la sala 3, llamada Sala Abierta, la exhibición “Nueva edición Argentina. 1999-2024, 25 años de edición independiente” curada por Damián Tabarovsky con una mirada sobre la producción de libros, el papel de las editoriales independientes y la exhibición de primeras ediciones con más de 50 tapas de libros.
Luego podemos encontrar cuatro muestras de arte contemporáneo argentino propuestas por el nuevo equipo de programación de Visuales del Recoleta, integrado por los curadores Carla Barbero y Javier Villa, con la producción de Verónica Otero.
Con curaduría de Barbero llegan las exhibiciones “Centinelas” de la artista Victoria Liguori (sala 4) y “La multitud agazapada” de El Pelele (sala 10). Liguori presenta una serie de dibujos que abordan la relación entre cuerpo y tecnología desde la ciencia ficción. El Pelele dará a conocer diez obras, entre pinturas e instalaciones, desde una narrativa que oscila entre lo monstruoso y lo romántico.
Con curaduría de Villa inauguran “Función privada” de Bruno Gruppalli (sala 6) con pinturas de gran formato protagonizadas por personajes solitarios sentados a la mesa de algún café concert , donde experimenta con nuevos protocolos de uso y percepción del espacio pictórico y “Odaraia” de Jazmín Berakha (sala 5), ​​una de las artistas pioneras en la reelaboración contemporánea de disciplinas como el bordado, el tapiz o el pachtwork , técnicas que habían sido relegadas al ámbito doméstico.
En palabras de los curadores, “iniciamos la programación 2024 con cuatro artistas que exploran en profundidad la representación del cuerpo en la contemporaneidad. La selección se basó en una búsqueda de empatía con los cuerpos que han estado presentes en el Centro Cultural en los últimos tiempos, a través de experiencias de danza urbana, espacios de trabajo compartidos y actividades recreativas. Al destinar varias salas para las artes visuales, estas primeras exposiciones buscan generar un diálogo y una apertura a la imaginación entre los cuerpos presentes y los representados”.
Finalmente en las salas 7, 8 y 9 comenzará la exhibición “ Grupo Joven, arte y desacato en los años 50”, que recorre el camino histórico de la agrupación artística con sus primeras experimentaciones geométricas en papel construidas lúdica y colectivamente. Con obras de José Arcuri, Diana Chalukian, Alfredo Carracedo, Augusto Cuberas, Domingo Di Stefano, Eduardo Mac Entyre, Víctor Magariños D., Pedro De Simone y Miguel Ángel Vidal . Y el diálogo de ellos con artistas contemporáneos como Francisca Amigo, Amadeo Azar, Tulio De Sagastizábal, Silvia Gurfein, Cristian Mac Entyre, Roger Mac Entyre, Marina De Caro, Andrés Sobrino y otros.
CENTRO CULTURAL RECOLETA | Gran inauguración: martes 19/3, 18h
Junín 1930, CABA. www.centroculturalrecoleta.org. Entrada libre y gratuita.
Martes un viernes de 13.30 a 22h. Sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22 h.

El buen lugar. Pinturas y dibujos 2017 – 2024
2024-06-19 - 2024-09-29 | Museo de Arte Contemporáneo, Av. Grau 1511 - Barranco, Lima, Peru
El buen lugar

La exposición El buen lugar consta de 16 pinturas de gran formato y 24 dibujos en técnica mixta de mediano formato realizados por el reconocido pintor Ramiro Llona, entre los años 2017 y 2024. Llona ha declarado, en más de una oportunidad, que para él creer en la pintura es un acto de fe. «Yo creo que el gran reto para mí radica en cómo plasmar una sensibilidad contemporánea sobre un soporte [la pintura] que con los años parece, en un sentido casi peyorativo, cada vez más tradicional», nos dice, en una entrevista de hace más de veinte años. De manera que no resulta difícil, me aventuro a decirlo, plantear que ese «buen lugar», al que hace alusión el título de la exposición, es la pintura misma.
Con más de cincuenta años en su experiencia de artista, Llona ha accedido a un lenguaje y a una factura, hoy por hoy reconocible por la fascinación que suscita el complejo equilibrio que logra entre gestualidad y geometría en cada uno de sus lienzos. Heredero y crítico de la pintura abstracta, de mediados del siglo XXI, tanto local como internacional, su aprendizaje personal señala hacia procesos personales de ruptura e identificación progresiva con automatismos que detonan situaciones en la superficie de la tela. Por un lado, los «personajes» de sus pinturas que atienden al acontecimiento y al gesto crecen literalmente junto con la mancha. Mientras que, por otro, la geometría que la voz lúdica y autorreflexiva de sus títulos propone como ideal, pero también como sueño, invita a imaginar recintos. Ámbitos en donde el juego entre el «interior» y el «exterior» se resuelve en flujo y perspectivas ilusorias, líneas de fuga especulares y, en el caso de las pinturas, colores saturados que son capaces de atrapar al ojo más desprevenido. En este caso, el aspecto narrativo de sus imágenes surge a través de una exploración en dos o, incluso, tres zonas, cuyas secuencias de izquierda a derecha invitan a buscar relaciones. Flujos no lineales que hay que aprender a intuir e imaginar. Son composiciones que, en tanto unidades visuales, eventualmente, nos remiten a alguna cita visual tomada de la historia del arte occidental o, incluso, de sorprendentes esquemas pre-renacentistas.
En algún sentido estas obras de Llona, realizadas en los últimos ocho años, son evidencia de un proceso de trabajo que, al absorber el actual tiempo distópico, traslada, a su manera, el frágil equilibrio existencial de la época que nos ha tocado vivir a ciertas claves visuales mucho más estables y que obedecen a experiencias previas del artista. Llona que incluso fotografía, en algunos casos, los distintos momentos de una imagen, desde su primera aparición sobre el lienzo en blanco como mancha inicial hasta su acabado como escena terminada. Con ello, señala hacia la necesidad de ver este conjunto de obras como una exploración inconsciente, entre aquello que, finalmente estructura visualmente y una serie de imaginarios posibles. Entre la evidencia de lo real y la fuga de una ficción.
Augusto Del Valle Cárdenas
Curador del MAC — Lima.

Exposición / Museo de Arte Contemporáneo – Lima (MAC)
CUÁNDO:
19 jun de 2024 – 29 sep de 2024INAUGURACIÓN:
19 jun de 2024
ORGANIZADA POR:
Museo de Arte Contemporáneo – Lima (MAC) – Av. Grau 1511 – Barranco / Lima, Perú

ARTISTAS PARTICIPANTES:
Ramiro Llona

ENLACES OFICIALES
Web

"Hermenegildo Sábat: Maestro del Retrato"
2024-07-03 - 2024-07-20 | Museo Nacional de Arte Decorativo, Av. del Libertador 1902, C1425 CABA, CABA, Buenos Aires, C1425, Argentina
Recorridos por la exhibición a cargo de su co-curadora, Cristina Santa Cruz. Actividad libre y gratuita.
¿Qué es?
Recorridos por la muestra temporaria Hermenegildo Sábat. Maestro del Retrato junto a su co-curadora, Cristina Santa Cruz.

Duración aproximada: 60 minutos
Actividad libre y gratuita

Sobre la muestra y su autor «Menchi» Sábat, por Cristina Santa Cruz y Hugo Pontoriero, sus curadores:
«Sábat, ser esencialmente libre, no se limita al arte del retrato, sino que también incursiona con maestría en la pintura, la ilustración, el periodismo gráfico, la edición de libros, la fotografía, la música, la escultura e incluso la poesía. Sábat fue un precursor al contar la Historia en tiempo real —tan en línea con la instantaneidad actual— y no como una estampa del pasado. Su sentido de la observación se ve reflejado en sus ilustraciones periodísticas, aclamadas por su humor mordaz e inteligente y su crítica social. Así como los artistas de la ilustración francesa y británica de los siglos XVIII y XIX, Sábat supo expresar su visión del mundo a través de acertados tonos en cada retratado. Asimismo, Sábat continuó la saga de artistas ilustradores en Argentina de la generación anterior: Alejandro Sirio, Gregorio López Naguil, Jorge Larco y Juan Ballester Peña, entre otros.
Además de su destacada carrera en el periodismo y la ilustración, Sábat fue honrado con el título de Personalidad Emérita de la Cultura Argentina en 1996 y ocupó la presidencia de la Academia Nacional de Periodismo. En 2012 es parte de la Comisión Directiva Honoraria del Museo del Humor, acompañado por Quino, Manuel García Ferrer, Guillermo Mordillo y Carlos Garaycochea, a la cual se suman Carlos Nine y Fernando Sendra, y dirigido por Hugo Maradei. En 2017 recibe el galardón Konex de Brillante de Comunicación-Periodismo.
El guión curatorial de la exhibición rescata textos relativos a Sábat firmados por personalidades cercanas al maestro: María Elena Walsh, Julio María Sanguinetti, Roberto Fontanarrosa, Robert Cox y Horacio Spinetto. Asimismo, según reseña María Elena Walsh: «Sábat nos enseña a leer imágenes. La rutina no lo petrifica, la precariedad de la impresión lo estimula y entonces cambia de estilo, despista a sus imitadores y se torna más inconfundible».
¿Cuándo?
En julio: miércoles 3/7 a las 16 h; domingos 7/7 y 14/7 a las 15 h; jueves 18/7 a las 15 h y sábado 20/7 a las 15 h.
¿Dónde?
Museo Nacional de Arte Decorativo; Av. del Libertador 1902, CABA.

Información del evento

Hasta el 20 de julio de 2024
Miércoles 16:00 a 17:00 | Jueves 15:00 a 16:00 | Sábado 15:00 a 16:00 | Domingo 15:00 a 16:00
Actividad gratuita

"Gubia y Pincel" de Silvina Baz
2024-09-26 - 2024-10-26 | Complejo Cultural Itaca, Humahuaca 4027, CABA, Argentina
Estimados amigos,

Es un placer invitarlos a la inauguración de la muestra «Gubia y Pincel» de Silvina Baz, una talentosa creadora que nos invita a explorar su universo artístico a través de sus obras. Este evento es una oportunidad única para disfrutar de su visión y sensibilidad artística, que ha sabido plasmar con maestría en cada una de sus piezas.

Queremos aprovechar esta ocasión para felicitar a Silvina Baz por su emprendimiento y dedicación, que la han llevado a este importante logro en su carrera. Su pasión por el arte es inspiradora, y estamos convencidos de que esta exposición será un éxito.

La muestra tendrá lugar el día 26 de septiembre, a las 19hs, en Ítaca Complejo Cultural, Humahuaca 4027 CABA. Será un honor contar con su presencia para celebrar juntos el arte y el talento.

Saludos cordiales,

Roberto Lagar
Fundación Arte de las Américas

"Olga de Amaral: Vanguardia Textil"
2024-10-12 - 2025-03-16 | Fundación Cartier de Arte Contemporáneo, 261 Bv Raspail, París, France
La artista textil colombiana Olga de Amaral presentará su primera exposición retrospectiva en París. La nueva exposición de la aclamada artista se exhibirá en la Fundación Cartier de Arte Contemporáneo de la ciudad. Estará abierta al público del 12 de octubre al 16 de marzo de 2025.
La Fundación Cartier eligió esta gran retrospectiva de Amaral para despedir su emblemático edificio de los años 90 en el distrito parisino de Montparnasse. El próximo año, la Fundación se trasladará al distrito del Palais Royal.
La muestra integral abarca la prolífica carrera de Amaral, desde la década de 1960 hasta la actualidad, y celebra su extraordinario legado en el arte textil.
INFORMACIÓN PRÁCTICA
Olga de Amaral
Hasta el 16 de marzo de 2025
Comisaria de la exposición: Marie Perennès
Fondation Cartier
261 Bd Raspail
75014 París
Horario de apertura: Todos los días de 11 a 20 horas, excepto los lunes.
Apertura tardía los martes, hasta las 22.00 horas.
https://fondation-cartier.tickeasy.com/fr-FR/accueil
Foto: La exhibición ha sido diseñada por la arquitecta franco-libanesa Lina Ghotmeh, quien creó un entorno que refleja las fuentes de inspiración de Olga de Amaral. Foto cortesía Cartier. /

ANTOLÓGICA 1991-2025
2025-02-08 - 2025-03-08 | PDVSA La Estancia, Av. Francisco de Miranda, URB. Floresta, Caracas, Venezuela
JORGE DAGER – ANTOLÓGICA 1991-2025

Un realismo que trasciende la representación

El pasado 8 de Febrero, se inauguró con un gran éxito en las Salas Principales de PDVSA La Estancia la exposición antológica de Jorge Dager, que abarca desde 1991 hasta 2025. Esta muestra es un testimonio del compromiso del artista con la redefinición de la pintura figurativa en el contexto venezolano. A través de una cuidadosa selección de sus obras más emblemáticas, realizadas por el curador Félix Hernández, la muestra revela la maestría técnica de Dager, así como su capacidad para infundir a sus temas una profundidad conceptual que trasciende la mera representación. Esta muestra no se limita a una presentación cronológica del trabajo de Dager. En cambio, se organiza en torno a temas recurrentes que han obsesionado al artista a lo largo de su carrera. Estos ejes temáticos permiten al espectador apreciar la evolución de Dager como artista, al tiempo que reconoce las preocupaciones estéticas y personales que han guiado su trabajo por más de treinta (30) años. Uno de los aspectos más destacados de la obra de Dager es su habilidad para revitalizar géneros tradicionales de la pintura, como el bodegón y la naturaleza muerta. En sus manos, estos temas clásicos se transforman en exploraciones de la luz, la textura y la forma. Dager parece no conformarse con imitar la realidad; en cambio, la interpreta y la reconfigura, creando imágenes que son a la vez familiares y sorprendentes. Los «Reflejos, transparencias y reflectancias» es un ejemplo perfecto de esta capacidad de transformación. Al representar objetos cotidianos como canicas, Dager nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de la percepción y la forma en que la luz puede alterar nuestra comprensión del mundo que nos rodea. Por otro lado, la fascinación de Dager por los caballos también ocupa un lugar destacado en la exposición. Sus representaciones de estos majestuosos animales capturan su fuerza y elegancia, pero también transmiten una sensación de intimidad y conexión. Los caballos de Dager no son simplemente objetos para ser contemplados; dan la sensación de transmitir una vitalidad existencial. La exposición también ofrece una visión del interés de Dager por la escultura y la orfebrería. Estas obras, aunque diferentes en forma y escala a sus pinturas, comparten el mismo cuidado por el detalle y la misma atención a la materialidad. Ya sea que esté trabajando en bronce, mármol o madera, Dager demuestra un dominio excepcional de su oficio. Es destacable el uso de la Realidad Aumentada en alguna de sus obras. Esta iniciativa enriquece la experiencia del público y abre nuevas vías de diálogo entre el arte y la tecnología. En este sentido, la obra de Dager, con su meticuloso realismo y su atención al detalle, se presta de manera natural a este tipo de intervención digital. La Realidad Aumentada, sin sustituir a la obra de arte, potencia la interacción entre el sujeto y el objeto al estimular la imaginación y evocar emociones, llevando la experiencia estética a un nuevo nivel. Esta muestra es por mucho, una celebración de la pintura en su máxima expresión y un testimonio del poder del arte para capturar la belleza y la complejidad del mundo que nos rodea. Pero es también una invitación a mirar más allá de la superficie de las cosas, a cuestionar nuestras percepciones y a descubrir nuevas formas de ver la realidad. Antes de concluir, deseo destacar el valioso apoyo de la Fundación Telefónica Movistar y la empresa Servicios y Suministros de Oriente (SSO) al maestro Dager. Este compromiso ha sido fundamental para la producción de esta muestra y el programa educativo asociado, siendo un importante ejemplo de cómo la empresa privada puede contribuir al desarrollo de nuestros artistas y a la construcción de la memoria visual de nuestro país. La exposición, que durará hasta mediados de abril, es un evento significativo en el calendario cultural. No solo celebra la obra de un importante artista para la historiografía del arte venezolano, sino que también reafirma la importancia del arte como una forma de conocimiento y expresión, donde la visión de Dager nos recuerda que la belleza y la verdad aún pueden ser encontradas en los pequeños detalles. Lic. Irarkil Rangel / @sermuseal

Jorge Dager

Pintor venezolano, hiperrealista, bodegonista, conocido por el manejo forzado del close up dentro de la composición, creando obras en mediano y gran formato al óleo sobre tela. Inicia sus estudios en las artes plásticas bajo la orientación del Maestro José Mohamed, de quién aprendería la técnica y el oficio y la admiración hacia los grandes maestros de la plástica mundial, Posee estudios de orfebrería, esmalte sobre metal y escultura. En sus primeras obras Jorge Dager nos conduce a una de las tradiciones artísticas más importantes: la naturaleza muerta. Su pintura viene empapada de un gran realismo, de una refundación del tema con un reenfoque del objeto pictórico. Dager nos presenta las frutas como protagonistas, acompañadas de guacales y cuerdas que las contienen y atrapan. Años posteriores, estos elementos serán sustituidos por la representación del vidrio y el plástico, logrando llamar la atención, en esa etapa de “Transparencias”, de los críticos de la Unión Europea, quienes le otorgarían el Premio Internacional de Bellas Artes Salvador Dalí en Praga, República Checa, convirtiéndolo así, en el único venezolano con este honor hasta la fecha. La continua búsqueda e inquietud del artista lo lleva años después a representar al Caballo y la faena del campo, integrando por vez primera la figura humana en sus obras. Es una etapa de introspección, que refleja el mundo de vivencias personales que lo atan de una manera más activa con la Naturaleza. En esta época Dager forma parte del Proyecto International Solidarity for Human Rights, representando con su obra el artículo primero de la declaración Universal de los Derechos Humanos en Miami, Florida. Regresa a taller y comienza la aproximación hacia nuevos elementos de la contemporaneidad, a lo que Dager involucra las grandes esferas en su obra; y es así como se percibe el perfeccionamiento de la pincelada y el manejo de las luces. En la actualidad el artista Jorge Dager continúa afrontando nuevos lenguajes, combinando la pintura y escultura en su taller, e involucrándose de manera directa en todo el proceso creativo de cada una de sus obras.

GRAND PALAIS, PARÍS 2025 - JOSEFINA DI CANDIA
2025-02-18 - 2025-02-21 | GRAND PALAIS, SALON COMPARAISONS, PARÍS, France
Artiste peintre
ART CAPITAL – SALON COMPARAISONS
Vernissage sur invitation : mardi 18 février de 15 à 22h
Ouverture au public : mercredi 19 & jeudi 20 de 11 à 20h,
vendredi 21 de 11 à 22h, samedi 22 de 10 à 18h.
Es un verdadero placer invitarlos a mi muestra en el magnífico Grand Palais de París, cuyos detalles están incluidos en este correo.
Me encantaría contar con su presencia y compartir con ustedes mi arte. En esta ocasión, a través de la pintura, les presento obras que surgen de mis sensaciones y emociones más profundas.
¡Los espero!

JOSEFINA DI CANDIA

La artista que despliega pura potencia.

Hay que atravesar un exuberante jardín, con palmeras y flores multicolores que rodean un aljibe donde se pasean gatos como panteras, en Temperley (Buenos Aires), para zambullirnos en el fascinante mundo de Josefina Di Candia.

Desde 2014, la artista se lanzó a la abstracción durante una residencia en la Cite Internationale des Arts, en París. Tras estudiar en la Escuela Nacional Manuel Belgrano y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Licenciada en artes visuales, Universidad Nacional de Artes, realizó talleres con Rubén Locaso, Guillermo Roux (Di Candia fue la primera artista seleccionada por el maestro para dar clases en su taller), Fermín Eguía, Josefina Robirosa, Antonio Pujía, Alpuy (Escuela Torres García), Miguel Ángel Vidal y Pablo Suárez, entre muchos otros.

Lo suyo es la experimentación sin red: no hay especulación, sino salto al vacío. La música, que estudió desde muy niña, en su obra, juega un papel central. En sus composiciones, los signos y lo orgánico ocupan un lugar clave. Hay que adentrarse en sus obras —a veces, un profuso caos controlado—, para descubrir mensajes crípticos visuales. En sus piezas, los signos se entrelazan hasta conformar nuevos alfabetos imaginarios. “En el círculo azul”, por dar un ejemplo, aparece su pasión por la caligrafía. En ocasiones, el lienzo deviene pentagrama musical: en lo gestual se vislumbra una caligrafía personal única.

Di Candia se nutre de sus viajes por el mundo, donde crea y expone. En el último tiempo viajó a Francia, donde hizo residencias en París y recorrió la campiña. Viajó por EE.UU., Turquía, Italia, Reino Unido, España, Alemania, Holanda, Bruselas. Qatar, Kuala Lumpur, Malasia, Colombo (Sri Lanka), Australia y Japón. Cada viaje evidencia nuevas búsquedas en su creación.

Proveniente de familia de artistas, Di Candia comenzó a dibujar en talleres a los 7 años. Tras estudiar formalmente en escuelas de arte, dio sus primeros pasos en el surrealismo. Luego continuó con la figuración, con paisajes y naturalezas muertas silenciosas. Tuvo influencias del constructivismo.

Prolífica y avezada dibujante, sus trabajos incluyen desde su serie de juguetes, en el límite difuso entre lo siniestro y lo infantil, hasta hipnóticos collages sobre arpillera, que son un desafío técnico y conceptual. Hizo música experimental, conciertos, performances en las que sumó a artistas de todos los continentes.

Trabajó con tintas chinas. Con economía de recursos, desplegó “El poder de la mujer”, una serie de cajas – cofres con personajes humanoides bellamente siniestros. Hizo un gran juego de ajedrez con figuras humanas, inspirado en nuestro sino ineludible. Para la artista, los rostros están sujetos a infinitas modificaciones, tallados por el tiempo.

Di Candia trabaja con biromes, fibras, tintas; hace libros de artista, cuadernos, xilografías, litografías, monocopias; hace objetos con cristales quebrados de autos destrozados. Se lanza a la abstracción geométrica y a una más aérea inspirada en lo que ve desde los aviones. Otras composiciones son espiraladas, con el frenesí del movimiento imparable.

Expuso, entre muchos otros sitios, en el Grand Palais. Capital del Arte. Salón Comparaisons (París), en MoMA PS1 (Nueva York), Galería Salomón Tribeca (Nueva York), Residencia en la Cité Internationale des Arts. Le Marais. París, Galerie Shchukin (París), y en Art Solfrid Olette Mortesen (Noruega). Participó en una exposición colectiva en la Galería de Arte del Consulado Argentino en Nueva York, y expuso en el Museo Sívori, en el Centro Cultural Borges, en el Museo Quinquela Martín y en el Museo de Bellas Artes de Salta, estos cuatro últimos en Argentina. Durante 30 años, dio clases en el Museo de Arte Decorativo.

Sus deslumbrantes pinturas expresionistas conforman un capítulo aparte. Pasó de la silenciosa figuración a una explosiva desintegración de la imagen. Con óleos y acrílicos, pinta con devoción. Sus obras son híper gestuales y frescas, hechas de una vez, sin boceto, correcciones ni retoques. Con colores saturados, vibrantes, en sus composiciones es posible contemplar la potencia de la materia. “Cada uno sabe en qué sitio efímero habita”, dice la artista, viajera imparable. Hay que sumergirse en su obra para experimentar un golpe de singular alegría: hay allí pasión. Pura potencia.

Por Marina Oybin, crítica de arte.

www.josefinadicandia.com

https://fadla.org/artistas/josefina-di-candia/

Ella - Silvina Baz
2025-02-28 - 2025-03-28 | Honorable Concejo Deliberante de San Isidro, 25 de Mayo 459, San Isidro., Argentina
Invitación EspecialEstimados amigos y amantes del arte,Nos complace invitarlos a la inauguración de la exposición «Ella», una muestra de las obras más recientes de la talentosa artista SILVINA BAZ, miembro destacado de la Fundación Arte de las Américas.Contaremos con la presencia de la artista, quien compartirá algunas palabras sobre su proceso creativo y su inspiración. Además, disfrutaremos de un brindis y un espacio para conversar y apreciar el arte en un ambiente cálido y acogedor.«Ella”Curaduría: Federico PrasselEn la Sala de exposiciones del Honorable Concejo Deliberante de San Isidro25 de Mayo 459,San Isidro.La Inauguración es el Viernes 28 de Febrero 17:30hsSe expondrán obras realizadas entre el 2009 al 2024 muchas de ellas son inéditas con tema la mujer en el marco de 8MLos esperamos!

EN MOVIMIENTO
2025-03-06 - 2025-04-26 | Galería Albarrán Bourdais, / Barquillo, 13, Madrid, Spain
DESCRIPCIÓN DE LA EXPOSICIÓN
La galería Albarrán Bourdais, en su sede madrileña, acoge la muestra En movimiento, de Julio Le Parc (Mendoza, Argentina, 1928). Con cierto carácter de celebración, pues se trata de la primera individual que se le dedica al argentino en España en los últimos treinta años, la exposición recorre parte fundamental de la producción del maestro del arte cinético y op-art y lo hace con la selección de varias piezas que ilustran periodos clave. Sin llegar a ser retrospectiva, hay algo de esa esencia en cómo se presenta el recorrido, que plantea, a través de grupos conectados, una propuesta de análisis de la conexión del pasado con el presente.
Recibe al visitante Sphère bleu foncé (2013), una suerte de esfera móvil de más de dos metros de diámetro compuesta por piezas azules. Aunque de producción mucho más cercana en el tiempo, nos remite a la experimentación que desarrolla el argentino sobre la luz y el movimiento en la década de los sesenta. Sirva esta obra para introducir espacialmente al espectador en el entorno, salas amplias que se ven marcadas por lienzos de eminente carácter geométrico, pero que esconden, de nuevo, análisis del maestro.
Se presentan varias series enraizadas en sus inicios, aunque de manufactura más actual. Estas nos permiten analizar esa progresión teórica y práctica dentro de un marco que se extiende en el tiempo. Onde y Série 16, lienzos trabajados con aerógrafo que reverberan sobre los principios de organización y su influencia en la expresión, pero, sobre todo, en esa práctica sobre las limitantes -a la par que infinitas- escalas de catorce colores con las que Le Parc trabaja desde hace más de medio siglo.
Alchimies, serie que tiene su origen en el último periodo bonaerense del artista, participa de la misma forma. En su progresión cronológica, las obras expuestas enlazan las últimas obras realizadas con otras más lejanas. En ella, podemos observar el mantenimiento de las formas, quizá de la esencia, algo que parece remoto por la técnica empleada. Los flujos delimitan esa morfología del área y de la influencia de lo cinético y la luz y se sobreponen a lo visual, esencialmente parecido, pero de resultado diferente.
Entre ambas, quizá planificada de manera estratégica en el orden, una sala degrada el color hasta convertirlo en escala de blancos y negros. Las piezas que se recogen en esa ruptura del recorrido nos recuerdan cuánto de claves fueron los inicios teóricos de un arte óptico enormemente geométrico. Rozando la práctica del estudio, resalta la importancia primigenia de esas investigaciones sobre las sombras y la disposición sobre el lienzo y que también recogen la preciosa colección de bocetos y estudios que se despliega a lo largo de la muestra.
En este sentido, el final propuesto lo representa Relief couleur (1973), relieve de madera que se plantea a medio camino entre esas investigaciones y el resultado de una obra de enorme plasticidad y que recoge la intención propuesta por la galería: un reconocimiento didáctico sobre Le Parc.

Reseña del artista
Nacido en Mendoza, Argentina, en 1928. Vive y trabaja en París. Julio Le Parc es una de las figuras más reconocidas y pioneras en el campo del arte cinético y el op-art. En 1960 fundó el influyente Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) junto a los artistas Horacio García Rossi, Francisco Sobrino, François Morellet, Joël Stein y Jean-Pierre Vasarely (Yvaral). Desde mediados del siglo XX, Le Parc ha desarrollado una prolífica carrera con obras vibrantes e instalaciones inmersivas, creadas a partir de rigurosos sistemas de composición y correlación de formas. En paralelo a su trabajo colectivo con otros artistas, Le Parc ha desarrollado una obra pionera en el campo del arte cinético y óptico, explorando la inestabilidad de la percepción a través de importantes creaciones basadas en la luz y el movimiento. Aplicando principios organizativos en su pintura, desde el uso de catorce escalas cromáticas hasta combinaciones infinitas y precisas de blanco, gris y negro, Le Parc sitúa al espectador en el centro de su obra. A través de dispositivos ópticos que incluyen secuencias, rotaciones y progresiones, invita al público a revitalizar su capacidad de observar, reaccionar, reflexionar, comparar y crear. Le Parc ha realizado exposiciones individuales en instituciones como el Met Museum, Nueva York; Palais de Tokyo, París; Tabakalera, San Sebastián; Pérez Art Museum, Miami; Serpentine Gallery, Londres; Museo de Arte Moderno, México; Moderna Museet, Estocolmo, entre muchas otras. Su obra gira en torno a la experimentación constante, lo que le ha valido premios como el Gran Premio Internacional de Pintura en la 33ª Bienal de Venecia en 1966. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones colectivas sobre arte óptico y cinético en instituciones como el Whitney Museum of American Art, Nueva York; MoMA, Nueva York; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Grand Palais, París; Palazzo Grassi, Venecia; Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Centre Pompidou, París y Metz, entre otras. Su obra forma parte de las colecciones de instituciones como el MoMA, Nueva York; Tate Gallery, Londres; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, entre otras.
Julio Le Parc. En movimiento puede verse hasta el 26 de abril en la galería Albarrán Bourdais, Barquillo, 13, Madrid (España).

Relieves de José Luis Maccari
2025-04-17 - 2025-08-04 | Museo Juan B Castagnino, Av. Carlos Pellegrini 2202, Rosario, Argentina
Agenda cultural
Inaugura «Relieves de José Luis Maccari»
Del 17 de abril al 3 de agostoLa muestra se compone de una serie de estructuras geométricas de rigurosa ejecución, que el artista creó desde finales de los años 60 hasta la década del 80.Un proceso a la vez arduo y poético de superposición y ensamble de fragmentos blancos sobre blanco, que componen estructuras precisas, estrictas, concretas.Maccari se enfoca en la búsqueda de la armonía, en la esencia de las formas, en la sutileza de los reflejos y de las sombras.MUSEO MUNICIPAL DE BELLAS ARTES JUAN B. CASTAGNINODirección: Av. Carlos Pellegrini 2202. RosarioMiércoles a viernes de 16 a 20 horas
Entrada gratuita

ARTBO 2025
2025-04-25 - 2025-04-27 | Casco Historico, La Macarena, Teusaquillo, Chapinero Central, San Felipe y Chapinero Norte., Bogotá, Colombia
Del 25 al 27 de abril, los visitantes de ARTBO | Fin de Semana podrán disfrutar en forma gratuita de 86 espacios expositivos, una muestra comercial, así como charlas y encuentros editoriales en torno al mundo del arte. Adicionalmente, brinda un espacio para la exhibición de arte emergente y consolidado, al tiempo que impulsa el reconocimiento de nuevas propuestas y promueve una oferta artística diversa y accesible para todos los públicos.
Una de las novedades de la novena edición de ARTBO | Fin de Semana es la Ruta del Libro, un recorrido que les permitirá a los asistentes conocer librerías enfocadas en publicaciones artísticas que contarán con actividades especiales durante los tres días.
Las seis librerías que forman parte de esta ruta son Matorral, ubicada en el circuito de La Macarena; Nada, Wilborada 1047 y Santo & Seña, en Chapinero Central; Villegas, en Chapinero Norte, y Garabato Librería, en el circuito de Teusaquillo.
En 2025, esta fiesta del arte llega a su novena edición con una programación especial de recorridos gratuitos por 86 espacios culturales, en horario extendido. Del 25 al 27 de abril, las personas podrán visitar 32 galerías, 12 instituciones, 10 museos, 6 librerías, 16 espacios autogestionados y 8 espacios de diseño ubicados en los seis circuitos artísticos de la ciudad: el Centro Histórico, La Macarena, Teusaquillo, Chapinero Central, San Felipe y Chapinero Norte.
Horarios:
Viernes y sábado: 11:00 a. m. – 8:00 p. m.
Domingo: 11:00 a. m. – 6:00 p. m.

La mudanza
2025-05-14 - 2025-06-14 | Colegio Inmobiliario, Adolfo Alsina 1382, CABA, Argentina
Para reservar la fecha!!

El próximo miércoles 14 a las 18hs inauguramos «La mudanza»

Junto a grandes artistas amigos!
Carlos Kravetz – Flor Salas – Lucia Torres – Ruben Sassano – Silvina Baz.

En el Colegio Inmobiliario
Adolfo Alsina 1382 CABA

Te esperamos.

KUITCA 86
2025-06-12 | MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA, Argentina
Malba PM
Kuitca 86
Jueves 12 de junio de 19:00 a 21:00. Sala 5, Nivel 2
Celebramos el cierre de la muestra de Guillermo Kuitca con un evento abierto a todo el público y entrada gratuita. Durante dos horas se podrá recorrer la exposición, que reúne de manera inédita un conjunto de pinturas y series icónicas, junto a una selección de dibujos y documentos. La actividad incluye una visita guiada a cargo del equipo de Educación del museo.
En un contexto cada vez más afincado en la concepción performativa de las prácticas culturales, esta exposición también pone en foco la condición escénica que caracterizó tempranamente al lenguaje de Guillermo Kuitca. En este sentido, explora los diálogos del artista con el teatro expandido como una instancia generadora de experiencias pictóricas y teatrales liminares. Además, aborda la producción del artista como una referencia ineludible del arte del sur global, e indaga en el impacto de su figura en el entramado discontinuo que constituyen el arte moderno y contemporáneo latinoamericanos.
Luego del Malba PM quedarán solo cuatro días más para recorrer la exposición, que cierra de forma definitiva el lunes 16 de junio.
Actividad gratuita. No requiere inscripción previa.

“Pedro Roth: como en casa”
2025-06-27 - 2025-07-27 | Casa Victoria Ocampo, Rufino de Elizalde 2831, CABA, Argentina
Con la presencia del secretario de Cultura, Leonardo Cifelli, inauguró el miércoles 25 una instalación inmersiva que replica el universo íntimo del artista en Casa Victoria Ocampo.
Con una inauguración que fusionó emoción, memoria y celebración, el miércoles 25 abrió al público Pedro Roth: como en casa, una instalación inmersiva presentada por el Fondo Nacional de las Artes en la Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, CABA). La muestra propone un recorrido singular por la intimidad creativa de uno de los referentes indiscutidos del arte contemporáneo argentino.
Durante un mes, las salas de la emblemática casona de Barrio Parque que perteneciera a Victoria Ocampo se transforman así en una réplica del hogar del artista. Un living colmado de pinturas, una mesa lista para agasajar y el propio Roth habitando ese espacio todas las tardes hacen de la muestra un ecosistema creativo, donde las fronteras entre arte y cotidianidad se desdibujan.
En las paredes, además de su producción, cuelga su colección personal: obras de figuras centrales del arte argentino como Luis Fernando Benedit, Yuyo Noé, Marta Minujín, Federico Manuel Peralta Ramos, Pier Cantamessa y Juliano Borobio, entre muchos otros. Una constelación de amistades y afinidades que refuerza la idea de que Roth vive el arte como una práctica colectiva y hospitalaria.
“Es un honor para el Fondo Nacional de las Artes abrir las puertas de la Casa Victoria Ocampo para presentar una muestra que trasciende los límites de una exhibición tradicional. Para los visitantes, la experiencia combina la posibilidad de disfrutar de un conjunto de magníficas obras, y también sumergirse en el universo íntimo y creativo de un artista como Roth. Entre los numerosos premios que él recibió a lo largo de su prolífica carrera, se incluye el Premio Trayectoria del FNA en 2020, uno de los reconocimientos con los que este organismo celebra a las figuras fundamentales de nuestra cultura y sin duda Pedro es una de ellas”, expresó por su parte Tulio Andreussi Guzmán, presidente del organismo.
La exposición fue ideada por dos referentes de la gestión cultural: el arquitecto y curador Andrés Duprat —actual Director del Museo Nacional de Bellas Artes— y la curadora Adriana Rosenberg, directora de Fundación PROA. Ambos proponen una mirada que excede la exhibición tradicional para homenajear a este pintor, fotógrafo, coleccionista, exiliado húngaro y porteño bohemio, cuya vida y obra forman una unidad.
«La muestra intenta representar el mundo Roth. Por eso se llama ‘Como en casa’, para también visibilizar sus intercambios con los artistas argentinos más importantes de la mitad del siglo XX en adelante. De alguna manera permite reconstruir ese universo de relaciones», explicó Duprat.
Para Rosenberg, Roth siempre fue «un faro» en el mundo del arte. «Lo conozco hace 20 años. No había exposición argentina que Pedro no documentara. La Fundación PROA, en un año, ya digitalizó 8.000 fotografías de su archivo personal, y eso es solo el 10 % o 20 % del acervo. En un gesto extraordinario, Pedro donó al Archivo General de la Nación toda la documentación que tiene sobre el movimiento artístico que representó el Centro de Arte y Comunicación».
Sobre la mesa exhibida en el centro de la sala, Pedro Roth sacó su cuaderno y comenzó a dibujar ante el público para obsequiarle uno al secretario Cifelli. «¡Si me habré empachado comiendo sobre esta mesa, que perteneció a la galerista Ruth Benzacar!», relató. Detrás suyo, un enorme y bello óleo con dos figuras humanas e intensos azules y naranjas. «Somos mi papá y yo, cuando íbamos de vacaciones al lago Balatón, en Hungría, antes de que los nazis lo mataran en Auschwitz. Vivo rodeado de estos cuadros. Es la primera vez que expongo en la Casa de Victoria Ocampo, pero muchos de mis amigos lo han hecho. Me siento como en casa», finalizó.
La apertura contó con un concierto en vivo de SwinGardel, grupo que fusiona jazz con tangos y milongas. La banda, integrada por Enzo Buono (voz y guitarra), Esteban Faroldi (voz y bajo), Patan Vidal (piano) y Pedro Colpachi (batería), llenó de música los salones de la casona.
Pedro Roth: como en casa se puede visitar con entrada libre de lunes a viernes, de 11 a 19 h, en Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, CABA). Además, habrá visitas guiadas los lunes, miércoles, jueves y viernes, a las 11 y 15 h.
Sobre el artista
Pedro Roth nació en Budapest, Hungría, el 8 de julio de 1938. Es licenciado en Realización Cinematográfica por la Universidad Nacional de La Plata. Inició su carrera como fotógrafo en 1960 y su carrera plástica en 1973, realizando numerosas muestras en Argentina y en el exterior.
Como gestor cultural, ha promovido el arte argentino a nivel internacional a través de diversos proyectos. Su labor ha permitido registrar los movimientos artísticos más relevantes desde la década de 1960, creando un archivo histórico único en Argentina, el Archivo Roth, que incluye la digitalización del archivo fotográfico del CAYC en conjunto con la Fundación PROA. Además, es realizador de numerosas piezas audiovisuales.
Ha sido reconocido con importantes galardones como el Premio a la Trayectoria en Pintura del Fondo Nacional de las Artes (2020) y el Premio a la Trayectoria Artística del Salón Nacional de Artes Visuales en dos ocasiones (2023). Fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires (2010).
Sus obras forman parte de destacadas colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina), la Galería Point of Contact (Siracusa, USA), el Museo Történeti (Budapest, Hungría), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano (MACLA) de La Plata, el Museo Judío de Praga, y el Museo Judío de Buenos Aires, entre otras.

“Más aquí. Polesello 1970–2000”
2025-07-16 - 2025-12-21 | Centro Cultural Borges, Viamonte 525, esquina San Martin, CABA, Argentina
Se inauguró “Más aquí. Polesello 1970-2000” en el Centro Cultural Borges
Más aquí. Polesello 1970-2000 propone una experiencia visual inmersiva, donde el juego óptico, la precisión técnica y el espíritu lúdico invitan al espectador a mirar de otro modo. Es también una celebración del carácter experimental y sensorial que definió su obra y su pensamiento artístico. La muestra incluye una amplia selección de obras pertenecientes a la colección de Naná Gallardo, material de archivo del propio Polesello, así como piezas de colecciones privadas de todo el país.
Sobre Rogelio Polesello (1939–2014)
Figura central del arte óptico y cinético en América Latina. Su obra atraviesa el diseño, la pintura, la escultura y la gráfica. Integrante del grupo Arte Nuevo y exponente del Op Art en la escena internacional, desarrolló una estética singular que jugó con la distorsión visual, la geometría y el movimiento. Participó de numerosas bienales y su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales.
“POLE”, como se lo llamaba dentro de la comunidad artística, se transformó desde muy temprano en una figura central de la escena cultural latinoamericana. Su obra forma parte de la colecciones del MOMA, el Guggenheim en New York, del Museo Nacional Bellas Artes, Moderno y Macba. Trabajador incansable, se ha destacado por su búsqueda de movimiento en lo estático y por articular de manera innovadora las relaciones arte-diseño-industria y arquitectura. En ese marco, la experimentación con nuevos materiales –especialmente el acrílico– le aportó una impronta distintiva a su producción. Las combinaciones de orden y aleatoriedad, y la audacia en la utilización del color, una marca de originalidad constante a lo largo de toda su producción, han impactado con un sello indiscutible en la producción artística argentina.
Ha expuesto su trabajo en la 3a Bienal de París en 1963, la 8a Bienal de San Pablo en 1965; la exposición Plástica con Plásticos la mostró en el Museo Nacional de Bellas Artes en el 1966, el Instituto Torcuato Di Tella en 1967 y 1968; en el Center for Inter-American Relations de Nueva York 4 en 1968; en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2000; en la galería Ruth Benzacar en 2003; en el Centro Cultural Recoleta en 2005 y en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2012. En 2003 recibió el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes.
Más aquí. Polesello 1970-2000 se podrá visitar hasta el 21 de diciembre, de miércoles a domingos, de 14 a 21 h, en el Espacio Berni del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA).

TEX-COLLAGE - Josefina Di Candia
2025-08-08 | MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO BEATO ANGÉLICO, Diagonal 73 esq. 47, La Plata - Buenos Aires, Argentina
TEX-COLLAGE

Inauguración viernes 8 de agosto, 19:00hs

En esta serie nueva que se desarrolla entre el año 2022 y 2023, encontré en estos materiales una renovada forma representativa de mi búsqueda o de mi obsesión al encuentro de combinaciones de signos.
He comenzado con signos trazados a pincel y tinta china, sobre un papel envejecido por el tiempo; dándome cuenta que forman un abecedario críptico. Que dice, en el silencio y en el espacio. Lo que aporta la áspera arpillera conviviendo con la suavidad y calidez de pañolenci, es justamente esa contradicción de sensaciones y un aporte nuevo en mis creaciones: el impacto de color saturado que hace que sea un creación feliz, a modo de Matisse en sus collages de papeles. Sin buscar una afiliación a Matisse, encontré que el collage se mostraba y se siente dócil y amable al hacerlo, lo cual absorbió mi atención. Muchas veces pienso que si uno se pierde en lo que hace y no es consciente de su hacer, es que, uno está creando algo nuevo.
-Josefina Di Candia

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO BEATO ANGÉLICO
Diagonal 73 esq. 47. La Plata
Capital de la Provincia de Buenos Aires

XIX Binacional de Artes Plásticas y Visuales de Loja – Ecuador-Perú 2025
2025-09-08 - 2025-10-16 | Sala Eduardo Kingman de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Núcleo de Loja., 6 de Diciembre y Patria, Loja, Ecuador
¡El Municipio de Loja invita a la inauguración de la XIX Binacional de Artes Plásticas y Visuales de Loja – Ecuador-Perú 2025! Museo Puerta de la Ciudad Viernes, 19 de septiembre | 11h00#LojaEsArteYCultura #FIAVL2025 #JuntosSomosElFestival

— en Puerta De La Ciudad Loja.

MARGARITA PAKSA. Ideas correspondientes, 1964-1984
2025-12-11 - 2026-02-15 | Fundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA, Argentina
MARGARITA PAKSA. Ideas correspondientes, 1964-1984, exposición que rinde homenaje a esta figura fundamental del arte de Argentina y América Latina.Curada por Nancy Rojas, la exposición reúne más de sesenta piezas gráficas y objetuales, instalaciones y documentación de proyectos que dan cuenta del devenir de esta artista prolífica, pionera en el desarrollo de narrativas artísticas contemporáneas vinculadas al arte multimedial.La exhibición reescribe el mapa de una artista que no solo fue clave para la vanguardia argentina de los 60, sino también para la construcción de un pensamiento estético que dialogó con los debates globales de la época: revolución sexual, luchas feministas, avances tecnológicos y movimientos políticos radicalizados.Margarita Paksa (Buenos Aires, 1932 – 2020). Son numerosas sus muestras individuales y colectivas en Argentina, Brasil, Paraguay, Canadá, Inglaterra, Francia y Egipto. Entre ellas destacan: La Memoria. Escalas y Variaciones, Centro Cultural San Martín, Buenos Aires, 1986; Margarita Paksa. Drawings-dessins, National Library of Canada (Ottawa, 1986); Margarita Paksa. Instalaciones, Museo Municipal de Bellas Artes de General Roca (Río Negro, 1989) Paksa 1963-1989, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires (1990), Las flores de mi país, mural cerámico emplazado en la Estación Ángel Gallardo de la línea B de Subterráneos de Buenos Aires (1992), Instalaciones Multimedia, Centro de Artes Visuales, Museo del Barro, Asunción (1994), Paksa. El partido de tenis y otros proyectos, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (1997). En 2012 el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires realizó una gran muestra retrospectiva que abarcó obras desde los años 50 hasta los 2000.Sus obras forman parte de importantes colecciones: Museum of Modern Art (Nueva York), The Bronx Museum of the Arts (Nueva York), The Drawing Center (Nueva York), Centro Georges Pompidou (París), Embajada Argentina en Ottawa, (Canadá), Museo del Barro (Asunción), Museo Nacional de Bellas Artes (Montevideo), Malba – Fundación Costantini (Buenos Aires), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Buenos Aires), Colección Citibank (Buenos Aires), Colección Cancillería Argentina (Buenos Aires), Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Museo de Arte Eduardo Minnicelli (Río Gallegos), Museo Nacional de Bellas Artes (Neuquén), Museo Municipal de General Roca (Río Negro), y diversas colecciones privadas de Argentina y del extranjero.Datos útilesDónde: Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos AiresMuestra: Ideas correspondientes, 1964-1984. Curaduría: Nancy RojasClausura: Lunes 16 de febrero

Charly García visitó el Malba y se detuvo ante una obra clave de Antonio Berni
2026-03-18 | Fundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA, Argentina
Charly García visitó el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) en una recorrida que no pasó desapercibida. El músico se desplazó por las salas del museo, siguió con atención las explicaciones de las guías y se permitió una pausa especial frente a “Manifestación”, de Antonio Berni, una de las piezas más emblemáticas del arte argentino.

"Emboscadas" Nueva exposición temporaria.
2026-06-07 | Museo Histórico del Norte, Caseros 549, Salta, Salta., Argentina
¿Qué es?
La muestra parte de una pintura de la colección del museo para recrear la escena que representa y transformarla en una experiencia más dinámica. A través de esta reinterpretación, busca ayudar al visitante a comprender mejor el contexto histórico de la Guerra de la Independencia en el norte argentino, destacando la estrategia de la emboscada y ofreciendo una forma más interactiva de vincularse con el patrimonio.
¿Cuándo?
Inaugura el 5 de abril. Disponible hasta el 7 de junio 2026.
Martes a viernes de 9 a 17 h, sábado de 14 a 18 h y domingo 10 a 14 h.
¿Dónde?
Museo Histórico del Norte, Caseros 549, Salta, Salta.
