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SUMMARY:A 18 Minutos del Sol
DESCRIPTION:La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia\, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.  En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo\, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino\, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia\, y toda la historia del arte de nuestro país\, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos\, para entender cómo es el mapa que creamos\, desde el sur\, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos. \nLa exhibición subraya los lazos populares\, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior\, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local\, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa\, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos. \nCuraduría: Javier Villa y Marcos Krämer \nArtistas participantes: Erik Arazi\, Nicolás Bacal\, Gonzalo Beccar Varela\, Antonio Berni\, Diego Bianchi\, Erica Bohm\, Martha Boto\, Manuel Brandazza\, Adriana Bustos\, Colectivo Cabezudxs\, Feliciano Centurión\, Mauricio Cerbellera\, Elda Cerrato\, Germaine Derbecq\, Sebastián Diaz Morales\, Diana Dowek\, Faivovich & Goldberg\, Beatriz Ferreyra\, Pauline Fondevila\, Lucio Fontana\, Raquel Forner\, Gertrudis Frischenschlager\, Daniel García\, Carlos Luis García Bes\, Maia Gattás Vargas\, Noemí Gerstein\, Sebastián Gordín\, Víctor Grippo\, Diego Gravinese\, Alberto Greco\, Silvia Gurfein\, Miguel Harte\, Alberto Heredia\, Alicia Herrero\, Alfredo Hlito\, Agustín Inchausti\, Enio Iommi\, Gyula Kosice\, Fernanda Laguna\, José Luis Landet\, Benito Laren\, Daniel Leber\, Lux Lindner\, Raúl Lozza\, Lea Lublin\, Víctor Magariños D.\, Liliana Maresca\, Juan Melé\, Sebastián Mercado\, Estanislao Mijalichen\, Mauro Millán\, Emiliano Miliyo\, Ad Minoliti\, Eduardo Molinari\, Eduardo Navarro\, Héctor G. Oesterheld\, Ogwa\, Martha Peluffo\, Alicia Penalba\, Andrés Pereira Paz\, Emilio Pettoruti\, Duilio Pierri\, Alberto Pilone\, Micaela Piñero\, Rogelio Polesello\, Marcelo Pombo\, Emilio Renart\, Francisca de los Reyes\, Ingrid Roddick\, Federico Roldán Vukonich\, Christian Román\, Hernán Salvo\, Damián Santa Cruz\, Rubén Santantonín\, Mario Scorzelli\, Francisco Solano López\, Xul Solar\, Cecilia Sosa\, Grete Stern\, Axel Strachnoy\, Diana Teira\, Julián Terán\, Colectivo Thañí/Viene del monte\, Andrés Toro\, Joaquín Torres García\, Rodrigo Túnica\, Adrián Unger\, Georges Vantongerloo\, Gregorio Vardánega\, Mariano dal Verme\, José Villalonga\, Adrián Villar Rojas\, Wüsüwül Wirka A Pana\, Osías Yanov\, Yente. \nA 18 Minutos del Sol\n100 Artistas Argentinos en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350. Buenos Aires\n\n03/06/2023 – 31/12/2023
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SUMMARY:Ides Kihlen
DESCRIPTION:Hasta el 6 de agosto\, el Paseo de las Artes Duhau exhibe más de 40 pinturas de la longeva y activa artista santafesina. “Pinta por el solo placer de hacer la obra”\, dice la historiadora de arte Andrea Giunta \nLas pinturas más recientes de la longeva artista Ides Kihlen\, quien a sus 106 años sigue pintando cada mañana de manera prolífica\, y que ha trabajado secreta y silenciosamente durante décadas\, a espaldas de las modas\, las escuelas o los movimientos artísticos locales\, se exhiben en el Paseo de las Artes Duhau\, la galería ubicada en el subsuelo de este antiguo palacio del barrio porteño de Recoleta que se puede visitar las 24 horas del día. \nSi bien en los últimos años Kihlen ha recibido numerosos homenajes –incluida una gran exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes–\, su historia no deja de sorprender: en el año 1999\, un galerista entró a la casa de Ides interesado en comprar una obra que había heredado la familia –de otro artista–\, y de casualidad vio detrás de una puerta entreabierta las pinturas de esta santafesina nacida en 1917\, así que se ofreció a llevarlas a la feria arteBA\, donde al año siguiente se vendieron todas con gran éxito. \nDesde entonces\, esta mujer nacida el 10 de julio de 1917 –que además toca el piano– ha escrito las líneas de una de las carreras más atípicas e interesantes en la historia del arte local: luego de la primera exposición de su vida\, a los 84 años\, no ha dejado de exhibir en diferentes museos\, espacios y galerías de todo el mundo\, pero su pasión no tiene nada que ver con entregas\, encargos ni ventas de obras; lo suyo es pintar cada mañana\, desde bien temprano\, tal como lo hace desde que tiene 6. \n”Ella pinta todas las mañanas\, se levanta bien temprano y empieza. Después se tira a dormir un rato. Luego se levanta\, va a la cocina y se queda ahí sentada\, sola. Le digo ‘Mamá\, ¿qué hacés? ¿Estás aburrida?’\, y ella me responde ‘No\, estoy pensando qué es lo que voy a pintar’”\, cuenta Ingrid\, la hija de Ides\, durante la recorrida por la flamante exposición. Son más de 40 obras\, en diferentes tamaños\, que se pueden ver a lo largo del Paseo de las Artes –ubicado en este clásico palacio francés de la Belle Époque de Buenos Aires–\, un derrotero visual que permite acercarse a la producción más reciente\, realizada entre 2022 y 2023\, de esta pintora hija de padre sueco y madre suiza\, quien fuera alumna de Juan Batlle Planas\, Benito Quinquela Martín y Emilio Pettoruti\, luego de estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Escuela Ernesto de la Cárcova. \n  \n”Mamá hace por los menos una obra por día. No tengo idea cuántas obras llevas hechas\, porque por ejemplo ella toda su primera etapa\, que tenía unos cuadros divinos\, los rompió\, los quemó\, prácticamente los destruyó a todos. Pero deben ser miles. Yo suelo envolver sus cuadros cuando los termina. El otro día vio uno envuelto en papel transparente\, de seda\, y enseguida lo desenvolvió y se puso a pintarlo encima. ‘Le faltaban cosas. Lo que estoy haciendo ahora’\, me dijo cuando la encontré”\, contó sonriente su hija Ingrid. \nDesde aquella primera exposición\, en el año 2000\, la artista que cumplirá 107 años en julio próximo ha exhibido en Argentina\, Brasil\, Madrid\, Estados Unidos\, y sus obras fueron adquiridas por colecciones de Nueva York\, Venezuela\, Guatemala\, México\, Costa Rica\, París\, Londres\, España\, Italia\, Suecia\, entre otros lugares. ”Ides es la expresión superlativa de lo que es un artista\, pinta más allá de que se exponga\, venda\, pinta todos los días\, lo demás sucede o no sucede. Es la personalidad de artista que trabaja\, trabaja\, al margen de lo que opinen. Pinta por el solo placer de hacer la obra. Lo único que quiere es pintar. Y económicamente no ha necesitado vender su obra para poder comer”\, señala la historiadora de arte Andrea Giunta\, quien se encuentra trabajando en un libro dedicado a la longeva pintora\, pronto a publicarse. \nLa muestra en el Paseo de las Artes –que se puede visitar en avenida Alvear 1661 con entrada gratuita\, las 24 horas del día– recorre los últimos dos años de su prolífica producción\, a través de 42 pinturas y collages sobre acrílico\, en su mayoría “Sin título”\, pero en las que es posible adivinar las series que fueron guiando: algunos recortes sobre la tela\, en otras manchas y líneas que se deslizan de arriba hacia abajo\, colores predominantes a veces en rojos y otras en ocre\, grises o negros\, una paleta de colores donde reinan por momentos las figuras geométricas de lo más variadas. \n”No sé si hay algo que se pueda sistematizar definitivamente sobre su obra. Sí es claro que el rojo es un color importante en su paleta. Ella usa el collage\, usa los contrastes\, no es una artista del claroscuro. El fondo puede ser gris pero siempre está ahí la presencia del color\, y otras veces no tanto. También ella tiene una propuesta de correspondencia entre notas y colores\, entre sonidos y colores. Se pueden ver los ritmos visuales presentes en su trabajo pero no es necesariamente una transposición de la música en la obra”\, detalla Giunta sobre la mujer que además de pintar toca el piano siempre que puede. \nEl gran motor de Ides es\, en definitiva\, la creación artística: “Pio Collivadino fue mi mejor maestro y con Battle Planas estudié muchos años. Me encantaba cómo enseñaba. Cada uno tenía su modo de pintar. Pettoruti también fue mi profesor aunque todavía él no era conocido”\, había contado a Télam esta pintora\, en una entrevista realizada en este mismo espacio de arte en 2013\, con motivo de otra exposición. ”Yo le hacía caso a los maestros siempre. Era una buena alumna”\, repetía con calidez la artista que estudió tres meses en París\, en 1957\, en los talleres del cubista André Lothe\, y que desde pequeña se hizo llamar Ides\, aunque su nombre real no lo quiso dar a conocer ya que es sueco y no tiene traducción directa al español. \nLa creación de la artista es una labor continua de más de ocho décadas aunque sea recién en los últimos años que haya logrado visibilidad entre el público\, que pudo conocer sus diversas producciones como por ejemplo la “Serie del Tigre”\, con tiras que simulan las teclas del piano; la “Serie Blanca”\, donde los fondos se iluminan y toman protagonismo; o la “Serie Negra”\, en la que hay un juego de colores contrastantes muy potentes sobre fondos oscuros”. ”Yo pinto todo el día”\, había dicho la artista durante aquella entrevista que la concluyó agregando: “Ahora voy a casa\, tengo la tela en el piso\, me pongo el delantal todo sucio y empiezo a pintar”. \n*La muestra Ides Kihlen se puede visitar hasta el 6 de agosto en el Paseo de las Artes Duhau (Avenida Alvear 1661)\, el espacio cultural de Palacio Duhau – Park Hyatt. \nPor Mercedes Ezquiaga \nFuente: Télam S.E.
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SUMMARY:EscenaLab 4.0 Arte\, tecnología y futuro Relanzamiento en el Rojas
DESCRIPTION:El Centro Cultural Rojas dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales\, Cultura y Comunicación de la UBA\, relanza el programa EscenaLab en clave 4.0. y transforma su programación desde una óptica de nuevas tecnologías y sus vínculos con el arte visual\, arte sonoro\, instalaciones interactivas y experiencias inmersivas. El primer encuentro\, tiene el foco puesto en el arte digital y la inteligencia artificial. Consta del conversatorio «IA flecha al corazón del Arte Digital«\, donde en un panel\, expertos/as reflexionan e intercambian ideas sobre el impacto de esta tecnología en el proceso de creación artística. Participan de la charla Celina Pla – productora y gestora cultural de arte digital electrónico -\, Rodrigo Alonso – curador\, crítico y escritor de arte y nuevos medios -\, Fabiana Barreda -performer\, instalacionista y artista multimedia- y Diego Alberti – artista que desarrolla su obra mediante computadoras-. Asimismo\, se inaugura e/pxl\, el espacio de arte digital permanente en el entre piso del Rojas\, con una muestra\, curada por Guillermo wili Peloche\, que presenta la obra de Lolo Armendáriz. Además\, en búsqueda del cruce interdisciplinario de las artes\, y con la intención de fomentar la participación de las mujeres en la escena del arte y las nuevas tecnologías\, se presenta en cooperación con el programa Amplify D.A.I. \, Artlab\, Fundación Williams y el British Council un DJ SET a cargo de Jennitza\, música\, clarinetista\, live performer\, investigadora y docente. \nLas actividades de la nueva programación de EscenaLab 4.0. tienen previsto su desarrollo durante todo el segundo semestre\, ofreciendo cursos\, masterclass\, laboratorios de experimentación\, y eventos presenciales con artistas\, curadores/as\, investigadores/as\, y referentes del arte y la tecnología.
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LOCATION:Centro Cultural Ricardo Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Retrospectiva” -  Homenaje a Celia “Chela” Sarobe
DESCRIPTION:La muestra que honra el legado artístico de Celia “Chela” Sarobe llegará este sábado\, 15 de julio\, al Museo Municipal de Bellas Artes “Manuel Balarino” (ubicado en la calle Alvear 125 de Lincoln). \n“En esta emocionante muestra celebraremos su vida y su talento a través de una selección de sus obras más emblemáticas”\, anticiparon desde la organización del evento. \nLa exposición\, denominada “Retrospectiva”\, abrirá sus puertas este sábado\, a las 19:00 horas\, y podrá ser visitada hasta el 6 de agosto. \n“Las obras de Celia dan fe de una opción decisiva por los trazos gruesos\, vigorosos y aparentemente caóticos\, energía y sentimientos que deliberadamente confunden situaciones y referencias. Estas líneas imprimen el ritmo de su inspiración con temas\, situando a la entidad humana como protagonista absoluta”\, describió su curador\, Tomás Langan.
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LOCATION:Museo Municipal de Bellas Artes “Manuel Balarino”\, Alvear 125\, Lincoln\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Diomede. Desmaterializar la pintura
DESCRIPTION:El Museo Benito Quinquela Martín presenta la exposición antológica de Miguel Diomede\, “Desmaterializar la pintura”. \nEmblema del siglo de oro de La Boca\, Diomede dedicó su vida a la búsqueda de la quintaesencia del arte. La exposición contará con préstamos provenientes de 15 colecciones privadas y públicas\, en un esfuerzo por reunir un corpus de obra de lo más variado y nutrido. Paisajes\, bodegones y retratos atraviesan la totalidad de su carrera y dan cuenta de su comprometida actitud frente al oficio pictórico. \nLa muestra podrá visitarse hasta el 22 de octubre en las salas del museo. \n\n\n\n\nYamila Valeiras. Curadora MBQM \n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Bárcena\, Cascón\, Castañeda\, Larrecochea\, Mantegani\, Perrotta Historias circulares
DESCRIPTION:Esta propuesta es resultado del encuentro de 6 miradas profundamente vitales\, apasionadas y de alto vuelo plástico y creativo en torno al concepto de lo no lineal. \nEn dicho encuentro con las diferentes historias de vida\, cruzadas por la fuerza transformadora del arte de cada uno\, se abrieron\, dejando a la vista una compleja red de vasos comunicantes con su nutritiva carga. De esa intimidad atravesada partieron las obras.\nDesde diferentes disciplinas (pintura\, escultura\, cerámica\, dibujo y objeto) ésta muestra colectiva se presenta como un escenario que pone en cuestión nuestra propia naturaleza. \nResulta muy adecuado interpretar el arte como lugar de encuentro o cruce de caminos que permite establecer múltiples niveles de lectura. \nNo se trata de acumular elementos sin más\, ni de generar categorías huecas\, sino de ofrecer un destilado o un mínimo común denominador que ayude a entender mejor la entraña misma del ser humano en diálogo con nuestras historias circulares. \nArtistas\nGabriela Bárcena / Gonzalo Cascón / Mariano Castañeda Javier Larrecochea / Roger Mantegani / Claudia Perrotta \nDel 24 de agosto al 20 de octubre de 2023\nLun. a vie. de 10 a 17 hs.\nGalería Francisco Vidal • Casa de Córdoba\nCABA • Argentina.
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LOCATION:Galería Francisco Vidal • Casa de Córdoba\, Callao 332\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Conjeturas. Explorando el arte hoy"
DESCRIPTION:Desde el 26 de agosto y hasta noviembre próximo se presenta en Fundación Proa un conjunto de obras de destacados artistas contemporáneos argentinos. Con la curaduría del crítico e historiador Rodrigo Alonso\, reúne piezas de Andrés Aizicovich\, Sergio Avello\, Elena Dahn\, Iara Freiberg\, Mauro Giaconi\, Silvia Gurfein\, Alicia Herrero\, La Chola Poblete\, Analía Sabán\, Mariela Scafati\, Alan Martín Segal\, Juan Sorrentino\, Amparo Viau y Dolores Zinny & Juan Maidagan. \n“Conjeturas. Explorando el arte hoy” es una invitación a adentrarse en la especulación artística y el descubrimiento visual. Mediante una variedad de medios y estilos\, los trabajos que conforman la exhibición ofrecen una interpretación del presente\, explorando temas que van desde la identidad y la política hasta el medio ambiente\, la cultura y la tradición. “La exposición plantea interacciones entre los trabajos de diferentes artistas argentinos contemporáneos\, trazando un posible panorama. Se presentan obras de artistas argentinos radicados en el exterior – que crean en otros entornos culturales-  junto a artistas que producen en el contexto local. La apuesta ‘conjetural’ propone verificar hasta qué punto nos reconocemos en esta variedad de realizaciones”\, explica Alonso. \nDispuestas en el espacio expositivo\, las obras seleccionadas mantienen un diálogo fluido y transversal al tiempo que\, sin proponérselo (o sí)\, sintonizan con las complejidades de un mundo en permanente estado de conjetura. A lo largo del recorrido por las salas\, artistas y espectadores se encuentran invariablemente con cuestionamientos e incertidumbres\, sin certezas acerca del futuro. \nCon el auspicio de Tenaris – Ternium la exhibición “Conjeturas. Explorando el arte hoy” se completa con herramientas didácticas como videos de sala\, textos y un extenso programa público con actividades pedagógicas organizadas por el Departamento de Educación de Fundación Proa con el objetivo de profundizar en las temáticas propuestas en la exhibición\, y en la producción artística contemporánea. \n\n\n\n\nCréditos \nCurador\nRodrigo Alonso \nCoordinación general\nCecilia Jaime – Mayra Zolezzi \nOrganiza\nFundación Proa \nAuspician\nTenaris – Ternium \nDiseño de imagen\nMila Fiuza – Guillermo Goldschmidt \nDiseño expositivo\nPablo Zaefferer \nConservación\nTeresa Gowland \nIluminación\nJorge Pastorino \nVideos\nAnanda Rigoni Aller \nPrensa\nMarina Gambier – Ana Clara Giannini – Alba Rodríguez Arranz \nProgramas Públicos\nRosario García Martínez \nEducación\nNoemí Aira \nEducadoras\nSonia Gugolj – Melina Herrero – Pilar Victorio \nEquipo de montaje\nFlorencia Cassini – Javier Ferrante – Santiago Migliavacca – David Pinzón Müller – Leonardo Toresín – Nicolás Valverde – Paula Varetti \n\n\nArtistas \nAndrés Aizicovich\nSergio Avello\nElena Dahn\nIara Freiberg\nMauro Giaconi\nSilvia Gurfein\nAlicia Herrero\nLa Chola Poblete\nAnalía Sabán\nMariela Scafati\nAlan Martín Segal\nJuan Sorrentino\nAmparo Viau\nDolores Zinny & Juan Maidagán \nPrestadores\nLos artistas y Familia Avello\nSprüth Magers\, Berlín \nAgradecimientos\nVictoria Bassetti\nMacarena Boiani\nMagui Castaño\nCarla Colombo\nGalería Arróniz Arte Contemporáneo\, México\nGalería Nora Fisch\, Buenos Aires\nGalería Grasa\, Buenos Aires\nGalería Tanya Bonakdar\, Nueva York\nCamilo Guinot\nLola González\nDiana Grieco\nHerlitzka & Co.\, Buenos Aires\nBenjamín Lallier\nElías Leiro\nMatías Miranda\nEmiliano Miliyo\nSol Mollo\nLeopoldo Mones Cazón\nMuseo de Arte Moderno de Buenos Aires\nPasto Galería\, Buenos Aires\nRevolver Galería\, Buenos Aires\nSantiago Rey\nSMOL. Cámara de proyectos\nEric Sauerhering\nJordan Strafer\nFrancisco Tripodi\nTaller Yerua\nMateo van Thienen Lalys \n 
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SUMMARY:Luces y sombras de lo humano de Arturo Aguiar
DESCRIPTION:Luces y sombras de lo humano \n«A través de una estética única Arturo Aguiar nos invita a sumergirnos en un universo visualmente cautivador y profundamente reflexivo. En cada una de sus obras\, Aguiar aborda problemáticas como la inequidad social\, la desaparición de ecosistemas donde naturaleza y humanidad convivan en equilibrio\, la soledad\, la vanidad\, el tránsito hacia lo desconocido\, el destino\, la adicción a lo tóxico y la creación en el arte. Sus imágenes -sublimadas en seda- desafían los límites tradicionales de la fotografía\, capturando sus escenas con una técnica innovadora que fusiona la fotografía y la pintura\, donde la luz se convierte en metáfora y el espectador es llevado a reflexionar sobre cuestiones fundamentales al contemplar la belleza y complejidad de estas imágenes como un reflejo de la existencia». \nCuraduría: I.A.Gala Pandora Torrent
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LOCATION:Centro Cultural Ricardo Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Leonel Luna Palimpsestos\, la memoria de las imágenes
DESCRIPTION:Las imágenes que utilizamos para reflejar nuestro mundo\, desde la invención de la fotografía digital hasta nuestros días\, adquieren hoy mediante las redes sociales\, una superposición infinita de visualizaciones que se multiplican\, conformando así\, información inconclusa. Son fragmentos de un todo y efímeros aspectos de nuestro presente\, llegando incluso a reinterpretar imágenes del pasado.Estas obras que expongo exploran esta superposición y el poder de las imágenes en constituirse y cobrar sentido para nuestra percepción\, más allá de su fragmentación. Lo visible adquiere forma según el contexto en el que vivimos y se convierte en representación de las cosas que reconocemos.El poder iconográfico de las imágenes va más allá de la noción de verdad y se convierte en una ilusión compartida\, en un subtexto que visibiliza lo que deseamos. La tecnología viene en nuestra ayuda para completar el círculo de creación y reproducción.El autor-creador asistido\, inmerso en la vida cotidiana\, se encuentra en la encrucijada entre el acto ético y estético. La diferencia radica en el diálogo de lenguajes que permita explorar nuevas posibilidades y significados. \n\nLa exposición participó de la Semana del Arte 2023 que se desarrolla del 27 de agosto al 3 de septiembre y nuclea diversas instituciones de la ciudad de Buenos. Aires. \n\n  \nLeonel Luna es artista y profesor en la UNA y la UNDAV estudió Bellas Artes. Fue investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM México. Cofundador del Programa TRAMA de cooperación entre artistas (2000). Obtuvo la Beca Antorchas para participar del Taller de Barracas con Luis Benedit y Pablo Suarez (1994-95). Y fue seleccionado para la Beca Kuitka (1994). Su producción artística se centró en la recreación de imágenes fotográficas con tratamientos digitales con un enfoque irónico y reflexivo para mostrar eventos particulares tanto del pasado como del presente histórico\, apropiándose de destacadas obras de artistas rioplatenses. Entre sus proyectos se destacan los que exploraron el terreno de la ficción\, dando vida a personajes como Natalio Artigas Pujol en «Itinerarios de un desconocido»\, Koczy LLojevo en «Cuadros de Situación»\, August Guinard en «Tres años en cautiverio» y la reconstrucción de «Naufragio» en el Patio de Maniobras de la Vieja Aduana de Buenos Aires. Fue seleccionado para el envío argentino a la Décima Edición de la Bienal de la Habana (2009). Obtuvo el 3er Premio Categoría Pintura\, Salón Nacional de Artes Visuales (2022)\, 2do Premio ArtexArte (2017)\, Mención Honorífica en Fotografía\, Premio Banco Nación de Artes Visuales (2016)\, 1er Premio Homenaje al Pueblo Ranquel (2009)\, 2do Premio Roggio Museo Emilio Caraffa (2008)\, 3er Premio Salón Nacional de Rosario (2008/2001)\, Premio Leonardo en Arte Digital MNBA (2003)\, Premio Konex Diploma al Mérito en Arte Digital (2002)\, Premio Artista Joven del Año Asociación Argentina de Críticos (2002). Su obra integra las colecciones de los museos MAMBA\, MEC\, Castagnino+MACRO\, MUMA\, Ñandé Mac\, Banco Central de la Nación Argentina\, Fundación Arte x Arte y de las principales colecciones privadas del país y el extranjero \nRodrigo Alonso es profesor y curador independiente. Licenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Argentina\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). Profesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Universidad del Salvador (USal) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)\, Buenos Aires\, Argentina. Es también profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios\, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD)\, Barcelona\, España.  Profesor invitado en importantes universidades\, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. Escritor\, crítico y colaborador en libros\, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires\, 2002)\, Ansia y Devoción (Buenos Aires\, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York\, 2004). Se desempeña asimismo como curador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina\, y en prestigiosas instituciones europeas. Vive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona. \n\n\n\n\n\n\nPalimpsestos | Leonel Luna\nDel 29 de agosto al 17 de octubre\nLunes a sábados de 10 a 20 h\nEspacio de Arte\nEntrada Gratuita
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SUMMARY:Premio Adquisición 8M Ediciones 2021-2022-2023 en Casa Nacional del Bicentenario 23/09/2023 - 31/03/2024
DESCRIPTION:La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la exposición PREMIO ADQUISICIÓN 8M. Ediciones 2021-2022-2023\, con los trabajos premiados en las tres ediciones de este certamen: 48 nuevas obras de arte contemporáneo que han sido incorporadas al patrimonio nacional.Se exhiben pinturas\, esculturas\, fotografías\, videos\, cerámicas\, textiles e instalaciones que dan cuenta del trabajo de artistas argentinas provenientes de Mendoza\, Santa Fe\, Tucumán\, Misiones\, Corrientes\, Córdoba\, San Juan\, Salta\, Neuquén\, la Provincia de Buenos Aires y CABA\, en un recorrido sensible y material por temáticas y preocupaciones que las atraviesan de manera transversal: la sexualidad\, la identidad\, la maternidad\, las tareas de cuidado\, la educación\, la religión\, el cuerpo\, la violencia\, la poesía\, los miedos\, las ilusiones\, los vínculos\, las tradiciones. \nEl Premio Adquisición 8M\, destinado a artistas mujeres\, lesbianas\, travestis\, trans y no binarias/os\, es la primera convocatoria impulsada desde el Estado nacional\, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación\, con el apoyo del Ministerio de las Mujeres\, Géneros y Diversidad. Se enmarca en las múltiples acciones para conmemorar el Día Internacional de la Mujer Trabajadora y desarrollar políticas tendientes a revertir la desigualdad de género en todos los campos del arte y de la cultura. Se lleva adelante desde 2021\, con el objetivo principal de revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas. \nSe podrá visitar hasta el 31 de marzo de 2024 en el primer piso de la Casa de miércoles a domingo de 15 a 20hs en Riobamba 985. \nPor Valeria Roberta González\nSecretaria de Patrimonio Cultural\nMinisterio de Cultura de la Nación
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SUMMARY:Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner continúa rindiendo homenaje a los artistas más relevantes del país y presenta la exhibición Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo. Con curaduría de Federico Ruvituso –director del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti– y Viviana Mallol –directora del Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo–\, la exposición recupera parte fundamental de la obra de Florencio Molina Campos\, uno de los pintores más populares del país. Reúne trabajos que recorren la vida del artista\, desde su infancia y obra gráfica\, hasta sus reconocidas ilustraciones en almanaques de Alpargatas y de Estados Unidos\, a sus últimas creaciones.\n\n\nSe trata de un hecho histórico que reimagina el porvenir de este fundamental creador\, reconocido por todas y todos como un artista del pueblo. Las representaciones más celebradas de nuestro campo\, el humor y la ternura de sus paisanos y chinas\, ombúes\, caballos\, llanos\, pulperías\, fiestas y payadas se rescatan en su pintura humorística y poética\, que cuenta sobre una visión única del territorio nacional y del pueblo argentino.\n\n\nEsta colección que hoy se expone estuvo a punto de extraviarse para siempre\, debido al manejo poco claro de quienes eran responsables de resguardarla. Pudo recuperarse y exhibirse de forma itinerante en la Provincia de Buenos Aires a partir de la intervención de la Fundación Florencio Molina Campos y del trabajo interinstitucional del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires\, el Municipio de Moreno\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti de La Plata\, el Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo de Luján\, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y los aportes de la familia del artista.\n\n\nFlorencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo forma parte de una política cuyo fin es recuperar\, reparar y revalorizar nuestra historia\, para poder garantizar el acceso y el disfrute del patrimonio de los artistas\, para que los habitantes de nuestro territorio puedan visualizar\, compartir y hacer cultura.\n\n\nCuraduría: Viviana Mallol y Federico Ruvituso\nProducción: Centro Cultural Kirchner\n\n\nAgradecimientos\nFlorencia Saintout\, Mariel Fernández\, Denis Turnes\, Paloma Sánchez\, Gonzalo Giménez Molina\, Fernanda Brigues\, Ernesto Bauer\, Federico Aliaga\, Cintia Muñoz\, Hernan Tulisi\, Juan Carlos Malpeli\, Juan Carlos Alba Posse\, Tomás Viviani\, Victoria Onetto\, Pedro Delheye\, Mariana Ortiz Losada\, Vicente Linares\, Sofía Ampugnani\, Eduardo Aller\, Lisandro Novak\, Giuliana Pates\, Alberto Orsetti\, Celina Yusso\, Maite Pelaez\, Paula San Cristobal\, Analía Santangelo\, Ayelen Nievas\, Angélica Rodríguez\, Paula Illarregui\, Gustavo Pérez\, Elizabeth Fernández y Lucrecia Giménez\n\n\nLa exhibición puede visitarse hasta el 29 de octubre\, de miércoles a domingos\, de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas..\n\n\nhttps://www.cck.gob.ar/…/florencio-molina-campos…/
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SUMMARY:Pan y Trabajo de Alejandro Kuropatwa
DESCRIPTION:“Pan y Trabajo”es el título de la serie de fotografías inéditas que tomó Alejandro Kuropatwa cerca de 1984 a unas amigas\, una de ellas con sus hijos\, una propuesta que juguetea con la solemnidad de estos motivos\, a la vez que plantea un escenario de “familia\, propiedad\, trabajo\, sociedad” diverso. Subvertido. Este material de archivo se completa con la pieza de video“Aurora e Himno Nacional Argentino”\, producido por Kuropatwa Producciones en 1988\, en el que aparecen Divina Gloria y Peter Pirello\, del grupo Caviar\, en una parodia de la escuela\, los símbolos patrios y las instituciones\, cantando el Himno Nacional sobre un fondo de asados a la cruz. La pieza fue exhibida en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) hasta que un vendedor de pulóveres de la calle Florida lo denunciara por considerarlo “pornográfico” y tuvieran que retirarlo de la exposición. La censura sobre las libertades artísticas y el modo en que el humor o la ironía en el arte es abordado y cancelado es un tema que al día de hoy sigue siendo tema de debate y reflexión. \nAlejandro Kuropatwa\nPan y Trabajo\, c. 1984. Aurora e Himno Nacional Argentino\, 1988 en Casa Nacional del Bicentenario\n\n28/09/2023 – 28/10/2023\n\nLa muestra se podrá visitar hasta el 29 de octubre en la sala 302\, en el tercer piso de la Casa Nacional del Bicentenario en Riobamba 985. \nDe miércoles a domingos de 15 a 20hs. \nEntrada libre y gratuita
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SUMMARY:Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires
DESCRIPTION:Hasta el 4 de febrero puede visitarse la primera muestra antológica que el Bellas Artes dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 28 de septiembre a las 19\, en el Pabellón de exposiciones temporarias\, “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires”\, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \n“Esta exposición es producto de la exhaustiva investigación de un equipo interdisciplinario coordinado por las curadoras del proyecto ‒afirma el director del Museo\, Andrés Duprat‒. La labor de Malosetti Costa y Vanegas Carrasco\, comprometida con echar luz sobre los relatos y los sucesos que fundamentaron un incipiente arte moderno nacional\, ha hecho posible que el Bellas Artes presente al público esta retrospectiva de Sívori\, la primera que tiene lugar en nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a su figura en 1919”. \n“En esta muestra ‒explican las curadoras‒ nos hemos propuesto reunir la obra pictórica y gráfica de Eduardo Sívori (1847-1918)\, toda la que hemos hallado hasta ahora\, con el propósito de dar inicio a una catalogación razonada de la vasta producción de esta destacada figura\, a quien se conoce apenas por algunos grandes cuadros como ‘Le lever de la bonne’ (El despertar de la criada)\, con el cual suscitó el primer escándalo artístico en Buenos Aires\, en 1887”. \nSegún las especialistas\, Sívori fue quien desplegó una producción artística más amplia y sostenida entre los primeros modernos argentinos. Era el único que había viajado a Europa a comienzos de la década de 1870 y que\, al regresar\, compartió con sus jóvenes amigos las ideas acerca de la modernidad artística francesa y la pintura al aire libre. Constante y profesional\, envió obras a todos los salones parisinos durante su estadía en la capital de Francia y expuso en cada salón argentino\, desde su regreso a Buenos Aires hasta su muerte. \nDedicó su vida no solo a la creación de un arte nacional\, sino también a la enseñanza\, la conformación y el sostén de instituciones artísticas. Además de fundar la Sociedad Estímulo\, participó en la organización de las exposiciones del Ateneo\, y fue un actor clave en la creación del Museo Nacional de Bellas Artes\, la nacionalización de la Academia de Bellas Artes y la organización de los Salones Nacionales de Artistas desde 1911. Fue también pionero en la introducción del grabado al universo de las bellas artes y de su inclusión en los programas de enseñanza artística en el país. \n“Hemos dividido esta amplia exposición en cinco secciones con un orden que\, si bien no es estrictamente cronológico\, permite seguir el hilo de los intereses\, las líneas de reflexión\, los ideales estéticos\, las redes de afectos y la trascendencia de este pintor singular de la historia del arte en la Argentina”\, agregan Malosetti Costa y Vanegas. \nIntegran la muestra cerca de 200 obras\, fotografías\, documentos y objetos personales provenientes de colecciones públicas y privadas\, entre los que se cuentan pinturas\, dibujos\, acuarelas\, gouaches\, grabados y afiches creados por Sívori y algunos de sus discípulos. \n“Entre las piezas reunidas\, pueden verse los paisajes que realizó tempranamente\, las pinturas naturalistas y de crítica social del período parisino\, las numerosas representaciones de la pampa argentina y los retratos que dedicó a sus afectos”\, detalla Duprat. \n“Otra sección de esta muestra se propone destacar el modo en que Sívori ejerció de maestro de la generación siguiente\, así como su rol de pionero en la revitalización del arte nacional a través de la introducción de técnicas en ese momento ausentes en nuestro medio”\, completa el director del Museo. \n“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” podrá visitarse hasta el 4 de febrero de 2024 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo\, de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20\, con entrada libre y gratuita.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Al rojo vivo
DESCRIPTION:Al rojo vivo no es una retrospectiva: es la apertura de “los archivos” que contienen el imaginario de una mujer pionera y multifacética\, que en esta exposición montada en tres salas vinculadas entre sí\, abre el cuerpo de su obra para presentarlo desde una mirada contemporánea\, invitando a un viaje con ideas convocantes\, sentido del humor\, sugestión y poesía. \nUn cosmos construído por el cruce de artes plásticas\, escénicas y visuales\, la música y el rock. Nuevas y viejas tecnologías al servicio de estas prácticas\, funcionan como herramientas junto a la iluminación y la banda sonora\, creando situaciones teatrales que Renata Schussheim utiliza para construir esta obra nueva. \nAlgunos hitos de su producción vinculada al rock y al arte colaborativo que realizó junto a Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura\, con fotos de Jorge Fisbein\, Eduardo Martí\, Gianni Mestichelli\, Martin Gurfein\, José Luis Perotta y Gabriel Rocca\, estarán exhibidos en distintos formatos y soportes. \nHabrá además vídeos\, dibujos\, animaciones\, gigantografías\, collages\, esculturas\, elementos corpóreos y dispositivos escenográficos\, vestuarios y figurines de toda su trayectoria. \n  \nSala Cronopios \nContiene obra plástica donde se exhiben imágenes proyectadas que conviven con dos mitos teatrales: la Reina Roja\, personaje de “Alicia”\, un espectáculo de Oscar Araiz inspirado en el cuento de Lewis Carroll; y la Reina de la Noche de la ópera de Mozart “La Flauta Mágica”\, con puesta de Sergio Renán. \nSala C  \nDedicada al teatro\, la ópera\, el musical y el ballet\, exhibe vestuarios y figurines que dieron vida a cientos de personajes de varios de los espectáculos en los que Renata participó. Una docena de trajes de distintos estilos\, realizados a lo largo de su trabajo\, forman un impactante ejército rojo. En el pasillo lateral veremos diseños de diferentes producciones. \nSala J  \nDedicada a la música\, particularmente el rock\, al trabajo que Renata realizó con Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura. Alberga una gigantografía del dibujo creado para la tapa del álbum “Música del alma”\, de García\, y una deconstrucción de esa obra que presenta extractos de la misma. También se verá un cortometraje documental inédito\, hecho con fragmentos de recitales\, entrevistas y videoclips. \n\nSOBRE LA ARTISTA Y LA CURADORA \n\nSobre la artista\, Renata Schussheim  \nEs una artista plástica que desarrolla su obra como dibujante\, pintora\, escultora\, directora de arte y diseñadora de vestuario\, considerada un ícono de la cultura en nuestro país y con reconocimiento internacional. \nDesde 1969 expone en forma individual en las galerías de arte más importantes de Argentina y muchos de sus trabajos han sido exhibidos en Ciudad de México\, Rio de Janeiro\, Sao Paulo\, París\, Lille\, Nápoles\, Torino y Ginebra. \nIlustra libros y realiza publicaciones en revistas de Buenos Aires y Nueva York. Ha sido invitada al Festival de Nantes donde presentó su instalación “Homenaje a Carlos Gardel” y al Festival de Teatro de Caracas con su exposición “Confidencial”. Otros trabajos de similar envergadura fueron “Travesía”\, “Nave” y “Epifanía”\, expuestos en el Centro Cultural Recoleta y en el Museo Nacional de Bellas Artes. \nTambién trabajó en muchas de las óperas dirigidas por el español Emilio Sagi en España\, Francia\, Portugal y Rusia. En 2023 fue declarada ¨Personalidad destacada en la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires¨. \nSobre la curadora\, Romina Del Prete  \nEs escenógrafa y licenciada en Artes del Teatro. Estudió pintura\, fotografía y guión. Cuenta con un Posgrado Internacional sobre Gestión y Política en Cultura y Comunicación. \nComo Diseñadora de producción y Directora de arte\, realiza proyectos de cine\, publicidad\, teatro\, tv\, contenido y espectáculos. \nHa trabajado en España\, Italia\, Perú\, Brasil\, Uruguay\, Chile\, Paraguay y Venezuela\, además de recorrer Argentina\, diseñando espacios y filmando. Como gestora produce y cura muestras e instalaciones en museos y centros culturales. Es docente titular de la carrera Dirección de arte\, en ENERC. Se dedica al dibujo como práctica artística. \nLa exposición «Al rojo vivo» de Renata Schussheim es organizada con el apoyo de Fundación Medifé.
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SUMMARY:Pinta BAphoto
DESCRIPTION:Pinta BAphoto\, la feria de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica\, anuncia su 19ª edición\, que se llevará a cabo del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2023. Este año\, el encuentro artístico dedicado a la promoción\, difusión y comercialización de fotografías vuelve a La Rural\, un espacio emblemático para la cultura en la ciudad de Buenos Aires\, ubicado en Av. Sarmiento 2704\, CABA. \nDiego Costa Peuser\, director de Pinta BAphoto\, compartió su entusiasmo por esta edición: “Será un encuentro imperdible que reunirá a más de 100 fotógrafos\, proporcionando un viaje inmersivo a través del fascinante mundo del arte. En esta edición\, decidimos homenajear a Boleslaw Senderowicz por su destacada trayectoria y su gran trabajo de registro y documentación a través de icónicas fotografías que han capturado momentos cruciales tanto en la cultura argentina como en el mundo. Esta distinción es nuestro tributo a su influencia y dedicación\, que han dejado una huella imborrable en el mundo de la fotografía”. \nDesde su creación en 2005 con la inauguración de BAphoto\, pasando por Pinta en 2007 y PArC en 2013\, las ferias de Pinta Group han sido testigos de la evolución de los paradigmas artísticos en América. Estas ferias han crecido en experiencia y se han convertido en un faro para artistas\, curadores\, coleccionistas\, galeristas\, instituciones públicas y privadas\, así como amantes del arte en general. Este universo conecta\, convoca y atrae a todos aquellos que valoran el talento y la gestión en el mundo del arte. \nhttps://baphoto.pinta.art/ \n 
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SUMMARY:Premio Nacional de Pintura del Banco Central. 15 años En Centro Cultural Kirchner
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner y el Banco Central de la República Argentina (BCRA) presentan el Premio Nacional de Pintura Banco Central. 15 años. La exposición reúne 41 obras pertenecientes al acervo del Banco Central de la República Argentina (BCRA) obtenidas a través del Premio Nacional de Pintura. El certamen comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino e incentivar la participación de artistas locales y aumentar la colección pictórica a través de una política de adquisición de obras. \nCon curaduría de Rodrigo Alonso\, las obras seleccionadas configuran un corpus representativo de la historia reciente de la pintura local\, así como de la actualidad de la pintura en el panorama contemporáneo. En la colección dialogan obras de artistas históricxs como Josefina Robirosa y Liliana Porter con piezas de nuevas generaciones de artistas que investigan lo pictórico desde el presente y que exploran las amplias posibilidades que se despliegan entre la figuración y la abstracción\, dando cuenta así de la diversidad de la escena artística argentina. \nLa exhibición está integrada por obras adquiridas durante los quince años de existencia del concurso\, bajo las categorías de Gran Premio Homenaje\, Primer Premio\, Primera Mención Jóvenes Artistas\, Premio Jóvenes Artistas y Primer Premio Jóvenes Artistas. De este modo\, el Premio Nacional de Pintura Banco Central de la República Argentina\, se configura como un certamen imprescindible para el incentivo del arte contemporáneo argentino y la promoción del acceso a la producción visual de nuestro país. \n\nArtistas en exhibición\nCarlos Alonso\, Julia Andreasevich\, Valentina Ansaldi\, Delfina Bourse\, Celina Eceiza\, Diana Dowek\, Alfredo Dufour\, Sara Facio\, Guadalupe Fernández Santamaría\, León Ferrari\, Alfredo Frías\, Jorge González Perrin\, Agustín González Goytía\, Silvia Gurfein\, María Gimena Herrera\, Magdalena Jitrik\, Gyula Kosice\, Silvana Lacarra\, Alfredo Londaibere\, Valeria Maggi\, Gustavo Marrone\, Ad Minolitti\, Luis Felipe Noé\, Paula Otegui\, Margarita Paksa\, Diego Perrotta\, Liliana Porter\, Alfredo Prior\, Alejandro Puente\, Agustina Quiles\, Josefina Robirosa\, Tulio de Sagastizábal\, Hernán Salamanco\, Jorge Sarsale\, Marcia Schvartz\, Agustín Sirai\, Elsa Soibelman\, Clorindo Testa\, Diego Vergara\, Luis Wells\, Ana Won. \n\n\nLa exhibición se puede visitar a partir de su inauguración\, el 4 de octubre a las 18 h\, y hasta el 19 de noviembre\, de miércoles a domingos de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas. \nSobre el Premio de Pintura del Banco Central\nEl Premio Nacional de Pintura del Banco Central comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino\, incentivar la participación de artistas locales y aumentar el acervo pictórico del Banco Central a través de la adquisición de obras. \nA través de una muestra itinerante de la colección premiada\, las obras del acervo pictórico del Banco Central han recorrido la mayoría de las provincias estimulando el contacto con la comunidad y democratizando el acceso a la cultura visual. \nEn 2018 la iniciativa recibió la distinción “Mecenazgo en el siglo XXI” de pptArt por la promoción sostenida del arte visual argentino desde 2007\, galardón que reconoce a las instituciones que participan activamente en el desarrollo de las artes y la sociedad en más de 28 países. También\, en 2017\, fue declarada de interés por el Ministerio de Cultura de la Nación y en 2010 obtuvo el Premio Eikon en la categoría Campaña Patrocinio o Sponsoring Cultural. \nEl centenar de obras que conforman el acervo pictórico del Banco Central son patrimonio de todas y todos los argentinos y representan el entramado de cultura e identidad del país. \nRodrigo Alonso es licenciado en Artes\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico\, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 publicó una recopilación de sus principales textos titulada Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina. \nComo curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes ciudades del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum\, Fundación Proa\, Buenos Aires\, 2018); Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo\, Buenos Aires\, 2017); Pop\, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa\, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer\, Curitiba; GAMEC\, Bérgamo; Museo de Arte Moderno\, Río de Janeiro\, 2012-2013\, con Paulo Herkenhoff); Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda\, México\, 2013\, con Sarah Cook); Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral\, Chile\, 2013); Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein\, Fráncfort\, 2010). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado y asesor de fundaciones artísticas internacionales.
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SUMMARY:Memoria Una exposición retrospectiva de Boris Lurie
DESCRIPTION:La muestra se exhibirá en dos sedes: el Museo Judío de Buenos Aires ubicado en Libertad 769 y en el Centro Cultural Borges. La Boris Lurie Art Foundation (BLAF) imprimió un catálogo bilingüe que se presentará en el marco de las exposiciones. En ambas sedes la entrada es gratuita. \nEl título de la exposición\, Memoria\, abre la mirada hacia nuestra propia historia. Este artista nos deja el legado de su lucha por la verdad y la justicia. Su arma fue mostrar y no ocultar\, con la esperanza que estos actos de horror y violencia no se vuelvan a repetir jamás. \nInauguración: miércoles 11 de octubre\, 18 h\nCierre: 26 de noviembre \nSobre Boris Lurie (1924 – 2008) \nNació en Leningrado\, en el seno de una familia judía. Con el crecimiento del Estalinismo\, su familia se mudó a Riga\, capital de Letonia. Tras la ocupación nazi en 1941\, la familia fue dividida por género y reubicada en dos guetos diferentes. Su abuela\, su madre\, su hermana y su novia fueron víctimas de la masacre de los bosques de Rumbula junto a 36.000 mujeres y niños. Boris y su padre fueron trasladados a los campos de Lenta\, Salapils y Stutthof en Alemania donde\, obligados a realizar trabajos forzados\, lograron sobrevivir. En 1945\, las tropas americanas concretaron su liberación. Su conocimiento del alemán y el inglés le permitió traducir documentos para las tropas aliadas\, lo que le valió el visado para emigrar a Estados Unidos en 1946. Junto a su padre se instalaron en Nueva York\, ciudad donde su otra hermana vivía desde antes del Holocausto. Ese mismo año comenzó su carrera como artista. El arte para él fue su vida\, su terapia y un modo de protestar contra el racismo\, el antisemitismo y la hipocresía social que encontró en los Estados Unidos durante la guerra fría. El trauma del Holocausto lo llevó a canalizar su duelo a través del arte. \nJunto a los artistas Sam Goodman y Stanley Fischer fundaron el “NO! Art Movement”\, un movimiento artístico de vanguardia cuyo período más activo fue entre 1959 y 1964. Esta corriente fue creada con el objetivo de abordar temas como el imperialismo\, la sociedad de consumo\, el sexismo\, el mercado del arte\, la vulgaridad y la depravación. El Movimiento NO! Art buscaba la autoexpresión de las personas que condujera a la acción social\, así como visibilizar los mecanismos de poder y criticar la creciente cultura del consumismo y el entretenimiento. Algunas de las obras de este período se caracterizan por la fusión del erotismo comercial con el holocausto dejando al desnudo la frivolidad del ambiente de la época y la ignorancia histórica. Esta es una de las razones por las cuales sus trabajos se encontraron con la indignación y el rechazo de los críticos\, coleccionistas y los actores del mercado del arte establecido. \nSe sumaron a este movimiento artistas como Rocco Armento\, Isser Aranovici\, Yayoi Kusama\, Enrico Baj\, Herb Brown\, Allan D´Arcangelo\, Erró\, Dorothy Guillespie\, Esther Morgestern Gilman\, Allan Krapow\, Jean-Jacques Lebel\, Suzanne Long\, Michelle Stuart\, Aldo Tambellini y su gran amigo Wolf Vostell\, entre otros. Si bien el NO! Art muestra similitudes con el Pop Art\, el grupo disentía y condenaba al «Arte Pop» porque lo percibían como banal\, como un arte de moda que buscaba aturdir en vez de hablar de temas importantes. El Movimiento se reflejó originalmente en la Galería de Gertrude Stein de Nueva York\, y se manifestó en otras numerosas salas y museos de Estados Unidos\, Europa e Israel.
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LOCATION:Centro Cultural Borges\, Viamonte 525\, esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Sinfonía de signos" de Josefina Di Candia"
DESCRIPTION:En Rosario\n\n\n«Sinfonía de signos» de Josefina Di Candia»\n\n\nEl próximo viernes 13 de octubre\, a las 19\, en la Casa del Artista Plástico de Rosario\, Sto. Cabral y Av. Belgrano\, se inaugura la muestra “Sinfonía de Signos” de Josefina Di Candia\, en la Sala Raúl Gómez;\nLa curaduría es de Daniela Zattara.\n\n\nEn la sala “Raúl Gómez” de la Casa del Artista Plástico de Rosario\, se inaugura la muestra “Sinfonía de signos” de la artista plástica porteña Josefina Di Candia\, en la Sala “Raúl Gómez”. En el Texto de Sala se puede leer: “En el lienzo las geometrías se entrelazan en una danza abstracta de color. Josefina Di Candia\, fiel a sus indagaciones sobre la abstracción lírica\, convierte sus obras en un viaje estelar donde la textura se funde con la emoción\, creando un abrazo inusual entre la ruda arpillera y el dócil pañolensi. La tela se le ofrece y se adapta sin imponerse; mientras el color óptico\, concéntrico\, le da una dinámica personal. La dicotomía entre entrada y salida de los colores y sus áreas se convierte en un juego caleidoscópico. Las curvas orgánicas y el cuadriculado en constante movimiento representan su vitalidad\, el instante de energía\, el gesto perpetuo en un espacio sin límites. Sus obras cobran vida\, palpitan\, y siguen su propia canción.\n\n\nEn esta sinfonía de signos\, ella convierte la geometría en música y el color en libertad\, creando una experiencia visual y haciéndonos partícipe del inicio de esta nueva serie”.\n\n\nPor su parte\, la artista plástica Josefina Di Candia escribió sobre su muestra: “El azar no peca de frivolidad\, ni superficialidad\, no desea hacerse ver. Tiene la virtud de un hilo delgado y sutil\, pero eterno\, que se une con el misterio de lo oculto y lo intimo. No quiere aparentar\, ni ser\, porque ya es en su manifestación irracional; es la magia de lo impredecible\, de lo que no podemos controlar\, ni demostrar autoría\, ni lucirnos con su hallazgo\, ya que no depende de nosotros\, se aparece irrumpiendo en la vida con la sutileza de un mazazo y ahí está sin más.\n\n\nEl despojo de vanidades es su campo de acción\, ahí viene… olvidándose del ego burgués de una sociedad. El invento humano devora al mismo que lo invento. El azar es una desconocida fuerza\, renovadora de inconsciencia del no saber\, misterioso y de fuerza fatal\, porque es el que decide todo el juego de la existencia.\n\n\nEl azar no tiene dudas\, nos sorprende con su presencia y se conecta con el centro de nuestra existencia\, negocia con Dios en un no/sentido”\n\n\nBio Josefina Di Candia\n\n\nLicenciada Nacional en Artes Visuales. Artista multidisciplinaria. Como artista plástica participó en diversas muestras colectivas e individuales\, tanto en Argentina como en el exterior\, obteniendo reconocidas distinciones por su obra. Expuso en el Museo de Salta\, M. Sivori. Galería Shchukin\, París y NY\, Banco Nación\, Salón de los pasos perdidos\, Congreso de la Nación\, Salón M. Belgrano\, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones. En su actividad docente se destaca la creación de los talleres de artes plásticas del Museo Nacional de Arte Decorativo desde 1992\, continuando su actividad docente a la fecha como también\, docente de la Universidad Nacional de las Artes desde el 2006. Fue partícipe y docente en la fundación del taller de Guillermo Roux. UMSA\, dirección de arte. Se desempeña como curadora. Escribe críticas/ textos sobre distintos artistas (España y en Argentina)\n\n\nContacto www.josefinadicandia.com / @josefina_di_candia_arte
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LOCATION:LA CASA DEL ARTISTA PLASTICO\, Ava. Belgrano y Sto. Cabral\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:Clorindo Testa El monstruo de Testa
DESCRIPTION:La muestra consiste en la intervención de la explanada de la Colección AMALITA con «Apparatusgommatus testianorum»\, obra que fue creada en 2009 con desechos que arrojo el mar. Presentada ese año en la Ciudad de Buenos Aires en Arte BA\, viajó luego para su emplazamiento en el instituto de investigación Ecocentro de la Provincia de Chubut. \nEl homenaje se completa con otras obras del artista colgadas en la Colección Permanente. La exhibición se realizó en colaboración con la Fundación Clorindo Testa. \nLa exhibición se podrá visitar desde el 3 de noviembre de 2023 hasta febrero de 2024\, de jueves a domingos de 12.00 a 20.00h en Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat\, Olga Cossettini 141\, Puerto Madero\, CABA \nValor de la entrada: \nTarifa normal: $1000.\nTarifa reducida para menores de 12 años\, jubilados\, estudiantes y docentes con acreditación: $500.\nJueves tarifa normal $500 y sin cargo para menores de 12 años\, jubilados\, estudiantes y docentes con acreditación.\nMenores de 6 años sin cargo.\nPersonas con discapacidad sin cargo.
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LOCATION:COLECCIÓN DE ARTE AMALIA LACROZE DE FORTABAT\, Olga Cossettini 141\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Arte Sagrado" JORGE DAGER
DESCRIPTION:Mochuelo Art presenta la Exposición » Arte Sagrado ” del reconocido artista Jorge Dager\, invitación a adentrarnos en un universo artístico donde lo divino y lo contemporáneo convergen bajo la maestría del artista Jorge Dager\, reconocido maestro del hiperrealismo\, que nos presenta una visión única del imaginario sacro cristiano\, guiándonos a través de un viaje sensorial y emocional\, que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio.\n\nCada obra se erige como un testimonio de la maestría técnica y la profunda conexión espiritual del artista con los temas que aborda\, donde la destreza única y personal de Dager\, captura la esencia misma de la devoción y la espiritualidad\, inmortalizando momentos de trascendencia\, en lienzos que respiran la esencia misma de la vida.\n\nDesde la elección meticulosa de los colores hasta la precisión casi fotográfica de cada pincelada\, el artista demuestra una habilidad innata para crear composiciones que trascienden lo meramente visual\, al invocar una profunda reflexión sobre la relación entre lo divino y lo terrenal\, entre la fe y la contemporaneidad.\nAquí\, lo que distingue a Jorge Dager\, es su capacidad para llevar lo sagrado al siglo XXI con una sensibilidad aguda y consciente.\n\nEn su interpretación del imaginario religioso\, encontramos un diálogo entre lo simbólico y lo actual\, entre las tradiciones ancestrales y las realidades contemporáneas\, siendo sus obras un puente entre el pasado y el presente; una invitación a contemplar la espiritualidad desde una perspectiva conmovedora y actual.\n«Arte Sagrado» es más que una exposición; es una experiencia que nos invita a sumergirnos en lo más profundo de nuestro ser\, a cuestionar y reflexionar sobre nuestra propia relación con lo sagrado en el mundo moderno. Es un viaje\, donde el artista nos recuerda que la espiritualidad\, es un hilo conductor que trasciende culturas\, épocas y realidades.\n\n\n\nMochuelo Art\nC.C.Concresa Piso 1 Local 324 Ccas Vzla\n@mochueloart Tlf +58 414 1249139\n\n\n\nLa exposición estará disponible al público de Martes a Sábado de 10 am a 4 pm durante los meses de Nov y Dic.
URL:https://fadla.org/calendario/arte-sagrado/
LOCATION:Mochuelo Art\, C.C. Concresa\, Piso 1\, Local 324\, Caracas\, Venezuela
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SUMMARY:PABLO EDELSTEIN (1917-2010) LA MATERIA INFINITA
DESCRIPTION:La materia infinita \n\n\n\n\nPrimera exposición antológica del artista en Museo de Arte Tigre (MAT) \n\n\n\n\nLa muestra La materia infinita reúne en cuatro salas de la planta baja del Museo de Arte Tigre “Intendente Municipal Ricardo Ubieto” (MAT) ubicado en el histórico edificio del ex Tigre Club en el Delta\, 70 trabajos de este gran creador. \nEn la obra de Pablo Edelstein\, materia e infinito son nociones compatibles. Muchas podrían ser las causas: la percepción de esa llanura pampeana de límites dilatados\, en cuya tierra hundía las manos como lo haría en la arcilla; el partir siempre de los materiales para crear imágenes que aspiraban a cierta trascendencia. La idea de que “no existe el espíritu sin la materia”\, en sus propias palabras. Los trabajos presentes en cuatro salas del Museo de Arte Tigre constituyen la primera exposición antológica del artista\, a trece años de su fallecimiento\, con más de 70 piezas del muy extenso acervo de este incansable creador\, docente e impulsor del arte cerámico en la Argentina. El planteo curatorial propone un recorrido con la guía de sus esculturas en vinculación permanente con dibujos y pinturas en tinta\, lápiz\, pastel y acuarela. La propuesta surge al observar cómo los materiales determinaban decisiones plásticas equivalentes entre las distintas disciplinas en relación a líneas y curvas\, texturas\, formas\, colores y planteos compositivos. Esta perspectiva permite advertir\, asimismo\, que si bien la producción del artista se mantuvo dentro de los cánones de una representación realista\, con eje en la figura humana sobre todo femenina\, no dudó en extremar los límites hasta llevarla\, en ocasiones\, al umbral de la abstracción. Cada pieza es consecuencia de un proceso creativo valorado en sí mismo resultando imágenes de cuerpos sensuales con reminiscencias a la mitología\, a vínculos amorosos y sexuales\, a la historia del arte\, hasta llegar al mundo del boxeo protagonizado por la mujer. En tanto\, toros\, caballos\, paisajes\, adquieren la relevancia otorgada por Edelstein a la naturaleza y en conexión con intereses deportivos y culturales. Desde su infancia y juventud europea\, Pablo tuvo conocimiento de la historia del arte en general y de las vanguardias históricas en particular. En 1944 se instaló en la Ciudad de Buenos Aires\, dejando su vida de estanciero\, con la convicción de emprender el camino artístico. Asistió al taller de Jorge Larco y\, por su recomendación\, formó parte de la histórica Escuela Libre de Artes Plásticas de Altamira. Allí encontró notables figuras que inmortalizó en una galería de grandes y enigmáticas cabezas\, en chamotte\, de Jorge Romero Brest\, Raúl Soldi\, Larco\, entre otros. En ese ámbito conoció a Lucio Fontana\, quien fue maestro/colega y amigo\, compartiendo un extenso intercambio epistolar hasta el final de la vida del creador del “Espacialismo”. Jefe del Departamento de Escultura de la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano durante treinta años\, Edelstein recordaba: “Viendo trabajar a Fontana [precursor de la cerámica abstracta] tomé por primera vez conciencia de la importancia de lo gestual”. La muestra en el Centro Cultural Recoleta\, en 2007\, constituyó el último eslabón consagratorio de una trayectoria que desde el inicio obtuvo visibilidad en galerías y espacios de arte de la Argentina y de Uruguay. En aquella muestra se desplegaron las cintas de Moebius –tema que aparece en su obra por primera vez en 1962– entre tréboles y origamis en chapa\, bronce y acero inoxidable\, con una notoria expansión de la escala respecto de su trabajo anterior\, a partir del uso del metal. Culminaba búsquedas y exploraciones hasta encontrar “una imagen de síntesis”. El artista expresó en ese momento: “(…) hemos llegado a reconocer que la materia se puede transformar en energía y que a su vez la energía puede crear nueva materia\, en el eterno y acelerado juego del cambio y la evolución”. La presente exposición comparte\, así\, un camino artístico vital\, apasionado y comprometido –como era Edelstein– para volver a descubrir su aporte a manera de una estela que alumbra el presente y se proyecta hacia el futuro. \nLaura Casanovas y Gabriela Vicente Irrazábal \nCuradoras
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LOCATION:Museo de Arte Tigre\, Paseo Victorica 972\, Tigre\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Prilidiano Pueyrredón. Un pintor en los orígenes del arte argentino
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el jueves 23 de noviembre\, a las 19\, la exposición temporaria “Prilidiano Pueyrredón. Un pintor en los orígenes del arte argentino”\, que reúne más de 40 obras del artista para celebrar el bicentenario de su nacimiento. \nLa muestra\, con curaduría de las investigadoras del Museo Florencia Galesio\, Paola Melgarejo y Patricia Corsani\, presenta una selección de óleos y acuarelas\, en su mayoría pertenecientes a la colección del Bellas Artes\, que reflejan las distintas etapas de la trayectoria de Pueyrredón: desde sus estadías en el extranjero hasta sus vivencias en Buenos Aires\, y el impacto de estas experiencias en su producción. \n“En los últimos años\, el Museo Nacional de Bellas Artes ha desarrollado una serie de exposiciones dirigidas a revisar las primeras experiencias estéticas que delinearon en el siglo XIX una producción artística de carácter local –destaca el director del Museo\, Andrés Duprat–. Esto ha permitido también examinar desde nuevas perspectivas la vasta colección de arte argentino de aquel período que alberga la institución. Con ese espíritu\, presentamos la muestra dedicada a Prilidiano Pueyrredón\, autor de piezas icónicas del patrimonio del Bellas Artes\, como el ‘Retrato de Manuelita Rosas’ y ‘Un alto en el campo’”. \n“La muestra es el resultado de una investigación impulsada por el Museo en torno a un artista cuya vida y obra continúan teniendo aspectos inéditos y originales aún por estudiar –afirman\, por su parte\, las curadoras–. Y\, además\, propone una nueva mirada sobre la labor de Pueyrredón como pintor\, poniendo el eje no solo en su producción\, sino también en todas las actividades que llevó a cabo para posicionarse como un artista completo y formado”. \nViajero infatigable\, Prilidiano Pueyrredón (1823-1870) se formó en Europa y\, de regreso a Buenos Aires\, estableció sus talleres. Allí\, como pintor profesional\, trabajaba\, mostraba su arte y enseñaba el oficio a sus discípulos. A esta misión pedagógica y a la práctica en el atelier\, incorporó el interés por dar a conocer su obra en los medios gráficos de la época\, además de exhibirla en espacios todavía informales. \nGracias a su padre\, el General Juan Martín de Pueyrredón\, quien había participado de las luchas por la Independencia\, Prilidiano tuvo una relación cercana con los principales personajes de su época\, que se transformaron en los comitentes de sus pinturas\, en especial de los retratos. También pintó los diversos paisajes que recorrió\, vistas europeas y la costa bonaerense\, además de escenas de costumbres\, donde representó personajes típicos\, lavanderas\, pescadores\, y al gaucho en un amplio repertorio de tradiciones rurales. \nLos ejes temáticos de la exposición \n“Costumbrismo/tradición” abre la muestra y presenta la pintura costumbrista\, para la cual Pueyrredón tuvo numerosos encargos. Esta temática está vinculada con las tradiciones locales\, que representó a la acuarela y al óleo\, en pequeños formatos. También se muestran sus grandes óleos\, en general apaisados\, donde desarrolla motivos del campo y destaca la inmensidad de nuestra pampa. \nEn el segundo eje\, “Un pintor profesional”\, se presenta la práctica artística en el taller y su actividad como maestro. Para transmitir su técnica y estilo a sus discípulos\, Pueyrredón les pedía copias de sus propias pinturas de costumbres en pequeño formato. Además\, a través del grabado\, y con la ayuda de sus alumnos\, el artista buscó dar a conocer sus pinturas en los medios gráficos de la época. Este sector también incluye obras de alumnos como Fermín Rezábal Bustillo y Nicolás Granada en torno a la Guerra del Paraguay (1865-1870). \n“Los retratos y el círculo del artista” repasa ejemplos del género con el que Pueyrredón obtuvo prestigio y reconocimiento. Las personalidades que representó en sus pinturas conformaron una clientela fiel y estable\, con la que tenía lazos familiares\, de amistad o profesionales\, y compartía los círculos sociales. Fueron quienes validaron su obra\, la exhibieron y la atesoraron\, y también permitieron legarla a la posteridad\, como el aporte del artista al archivo de la identidad argentina. \n“Los viajes: América y el Grand Tour europeo”\, por su parte\, refleja el interés de Pueyrredón por la naturaleza a través de los paisajes\, unidos estrechamente a sus viajes de formación. Se presentan las acuarelas que el artista realizó en su etapa de juventud\, en Brasil y Europa\, durante sus largas estadías cuando estudiaba arquitectura mientras alternaba con la pintura. \nPor último\, “La costa y las afueras de la ciudad” recupera los recorridos por la costa de San Isidro\, donde vivió tras regresar al país. La pintura al aire libre en formato pequeño evidencia que Pueyrredón capturó la esencia de aquellos lugares donde residió o a los que visitó\, como los bosques de Palermo y las riberas del Río de la Plata y del Paraná. \nLa exposición “Prilidiano Pueyrredón. Un pintor en los orígenes del arte argentino” podrá visitarse hasta el 25 de febrero de 2024 en las salas de la planta baja del Museo\, de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20\, con entrada libre y gratuita.
URL:https://fadla.org/calendario/prilidiano-pueyrredon-un-pintor-en-los-origenes-del-arte-argentino/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Carlos Alonso El asedio de lo real
DESCRIPTION:«EL ASEDIO DE LO REAL. Fotografía en la obra de Carlos Alonso«\, es una muestra de 17 obras de gran formato del artista argentino\, cuyas fechas de creación\, se sitúan entre 1967 a 2002\, acompañadas de la reproducción de los 12 documentos fotográficos que les sirvieron de punto de partida\, una muestra curada por Andrés Buhar y Virginia Castro\, los mayores coleccionistas de Alonso. \nSe podrá visitar en La Sala 2\, de Arthaus desde el 05 de diciembre de 2023 al 25 de febrero de 2024 de Martes a domingo\, de 14 a 22 en ArtHaus Central (Bartolomé Mitre 454\, CABA) \nEntrada libre y gratuita.
URL:https://fadla.org/calendario/carlos-alonso-el-asedio-de-lo-real/
LOCATION:ArtHaus Central\, Bartolomé Mitre 454\, CABA
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SUMMARY:Jorge Miño Vestigio de lo concreto
DESCRIPTION:Pablo La Padula ha dicho:” La práctica artística de Jorge Miño\, bien podría ser una visualización de esas permutaciones que el arte contemporáneo realiza con los cánones profesionales del saber\, transmutando la toma fotográfica en lienzo fotoquímico sobre el cual el artista pinta y dibuja su propia pulsión lúdica de vida\, con la identitaria materialidad del siglo XXI que no es ni más ni menos que la singularidad virtual sobre lo digital”. \nLa muestra «Vestigio de lo concreto» de Jorge Miño se podrá visitar en la Sala 1\, de ARTHAUS en Bartolomé Mitre 434 desde el día de su inauguración 5 de diciembre 2023 a las 19hs al 25 de febrero de 2024. De martes a domingo de 14 a 22. \nEntrada libre y gratuita
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LOCATION:ARTHAUS\, Bartolomé Mitre 434\, CABA
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SUMMARY:Cecilia Vicuña Soñar el agua
DESCRIPTION:«Soñar el agua\, una retrospectiva del futuro (1964-…)» es la exposición más completa dedicada hasta hoy a la poeta\, artista visual y activista feminista Cecilia Vicuña (Santiago de Chile\, 1948). Ofrece una lectura de la obra de Vicuña desde el sur de América y revisa sesenta años de su producción subrayando sus vínculos con su país natal\, Argentina\, la cordillera de los Andes\, la memoria textil precolombina\, las luchas feministas y el erotismo\, así como las demandas por autodeterminación de las comunidades indígenas. \nLa exposición reúne cerca de 200 obras\, entre pinturas\, dibujos\, textos\, serigrafías\, collages\, textiles\, vídeos\, fotografías\, instalaciones\, libros-objeto\, documentos y performances sonoras realizadas en distintos lugares de América y Europa. «Soñar el agua» actualiza el compromiso de Vicuña con las luchas populares\, el respeto a los derechos humanos y la importancia de oponerse a la devastación en un sentido amplio. \nEn palabras del curador Miguel A. López: “La poética de Vicuña abraza todo y nada al mismo tiempo\, contamina lenguajes\, desconoce jerarquías y expresa con una fuerza sísmica. Puede tomar la forma de poesía\, pintura\, escultura\, collage\, dibujo o arte textil\, pero también improvisaciones orales\, programas televisivos\, entrevistas\, cultivo de semillas y árboles\, cine\, performances\, cómics\, escenografías de teatro\, murales con tiza\, graffitis callejeros\, talleres educativos\, acciones de protesta\, volantes y manifiestos. El motor subterráneo que emparenta todas esas explosiones creativas es una avidez por cambiar las condiciones materiales e históricas de nuestra existencia”. \nEl nombre de la exposición representa una invitación a cambiar nuestra relación con la tierra. “Sin humedad no hay humanidad”\, nos recuerda la artista. Sus creaciones no son únicamente testimonios del pasado sino sobre todo testigos de un futuro abierto\, así como esta retrospectiva presenta su obra como una experiencia no definitiva\, sino viva y en proceso. \nEn este sentido\, en la doble altura sobre la sala del nivel -1 del museo\, se presenta la instalación para sitio específico Quipu menstrual (La sangre de los glaciares)\, originalmente concebida por Vicuña en 2006 como una forma de expresar su apoyo a Michelle Bachelet\, la primera mujer presidente de Chile. \nOrganizada en colaboración con el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y la Pinacoteca de São Paulo. \nCon curaduría de Miguel A. López la muestra se podrá visitar desde el 08 de diciembre hasta el 26 de febrero de 2024 de jueves a lunes de 12:00 a 20:00\, Miércoles de 11:00 a 20:00\, Martes cerrado. \nEntradas \nGeneral: $3000.\nEstudiantes\, docentes y jubilados con acreditación: $1500.\nMenores de 5 años: sin cargo.\nPersonas con discapacidad: sin cargo.\nMalba Amigos y miembros Comité de Adquisiciones: sin cargo. \nBeneficios especiales\nClientes ICBC: 20% de ahorro / 10% en Malba Tienda\nClub La Nación Premium: 2 X 1 lunes\nAsociados Medifé: 2 X 1\nClub Personal: 20% de ahorro lunes y jueves \nAcceso gratuito con credenciales al día \nBloomberg Staff (titular de la credencial más dos invitados)\nSotheby’s Preferred Card\nMiembros CIMAM\nMiembros ICOM\nMiembros SiPreBA \nMiércoles \nGeneral: $1500.\nEstudiantes\, docentes y jubilados\ncon acreditación: sin cargo.\nPersonas con discapacidad: sin cargo.
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LOCATION:Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:SILVINA BAZ  Bitácora del artista.
DESCRIPTION:La Fundación Arte de las Américas se complace en anunciar la exhibición individual de Silvina Baz.\n\n\n\nEn el momento de crear se abren innumerables posibilidades e interrogantes. ¿Qué materiales nos acompañan? ¿Cuáles son sus significados? ¿Cuáles son sus funciones? ¿Cuál es la relación entre arte y vida? El taller se convierte en un templo para el artista\, donde El Aleph de Borges cobra vida en el preciso momento en que la herramienta toca la superficie de la obra. Así como el navegante se arroja al mar con la brújula que guía su timón\, así para el artista la brújula y el timón es el lápiz con el que se arroja al papel. Y navegando surgen nuevas preguntas: ¿Qué seríamos sin el halo que rodea nuestro crear? ¿Qué seríamos sin esa luz que diseña nuestro camino? ¿Cómo sería vivir sin esa hoja en blanco que nos espera e invita a sentarnos a dialogar con ella? ¿Dónde anidarían nuestros deseos? Ese refugio del amor\, la poesía\, el blanco y el negro\, los colores que nos habitan y nos circundan\, los elementos naturales y los trazos de vida que declaman nos cuestionan sobre ¿Cómo seríamos sin la presencia de las obras? Si es allí donde reside la historia\, los anhelos\, las personalidades\, las fraternidades. En la serie de obras que pertenecen a Bitácora del artista la paleta de pintor es la imagen recurrente. Ella se convierte en el soporte del andar. Construyendo una mirada tal vez personal\, tal vez colectiva sobre la realidad. Siendo una oda a lo cotidiano\, a los referentes\, a la vida. Así\, en la producción de las obras contemplo mi existencia y la de los demás. En la muestra se presentan múltiples disciplinas: grabados\, pinturas\, dibujos\, collages\, bocetos y matrices policromadas.\n\n\nSilvina Baz\n\n\n\nInauguración jueves 15 de febrero 17:30hs\nConcejo Deliberante\, San Isidro
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LOCATION:Concejo Deliberante\, San Isidro\, 25 de Mayo 459\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Gerstein\, Heras Velasco y Simon: Artífices del Metal
DESCRIPTION:Muestra temporaria con esculturas en el Museo Nacional de Bellas Artes. Entrada y libre gratuita. \n¿Qué es? \nCon curaduría de la directora artística del Bellas Artes\, Mariana Marchesi\, la exposición temporaria Artífices del Metal pone en escena tres esculturas de grandes dimensiones realizadas en hierro\, acero y aluminio entre finales de 1960 y comienzos de los años 70: Marejada (1970)\, de Noemí Gerstein; Transposeña (1971)\, de Juana Heras Velasco y Caja (ca. 1967)\, de María Simon. \n¿Cuándo? \nDe martes a viernes de 11 a 20 h\, y sábados y domingos de 10 a 20 h. \nDisponible hasta el 23 de junio. \n¿Dónde? \nMuseo Nacional de Bellas Artes; Av. del Libertador 1473\, CABA. Edificio accesible.
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SUMMARY:Giacoya. Pintor del Pueblo
DESCRIPTION:Exposición temporaria en la Casa Nacional del Bicentenario. \n¿Qué es? \nGiacoya. Pintor del Pueblo presenta treinta y dos pinturas de mediano y gran formato (paisajes rurales\, bodegones\, naturalezas muertas\, marinas y pinturas constructivas) que Mario Giacoya realizó entre 2007 y el presente año\, con énfasis en su última producción. \nCurador: Enrique Aguerre\, director del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo\, Uruguay. \n¿Cuándo? \nDel jueves 16 de mayo hasta el 11 de agosto; miércoles a domingos\, de 15 a 20 h. \n¿Dónde? \nCasa Nacional del Bicentenario; Riobamba 985\, CABA. Edificio accesible.
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SUMMARY:Rosas de León Ferrari
DESCRIPTION:Ciudad de Buenos Aires\, 12 de marzo de 2024) – El próximo martes 19 de marzo el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930\, CABA)\, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires\, inaugurará de forma simultánea seis nuevas propuestas\, recuperando así el protagonismo de las artes visuales en este espacio icónico de la Ciudad. \nDurante esta gran apertura podrás visitarse la nueva sala 1\, que llevará el nombre de Sala Histórica \, destinada a narrar la historia de la institución y que a su vez albergará un homenaje a los artistas míticos en la vida de la Recoleta. El primero de ellos será León Ferrari\,  que regresa al Centro Cultural después de 20 años con la exposición de dos de sus obras originales: Rosas  y una segunda pieza sin título (caja collage con mariposas) \, en colaboración con la Fundación Augusto y León Ferrari. . Arte y Acervo. \nA continuación se desplegará en la sala 3\, llamada Sala Abierta\, la exhibición “Nueva edición Argentina. 1999-2024\, 25 años de edición independiente” curada por Damián Tabarovsky con una mirada sobre la producción de libros\, el papel de las editoriales independientes y la exhibición de primeras ediciones con más de 50 tapas de libros. \nLuego podemos encontrar cuatro muestras de arte contemporáneo argentino propuestas por el nuevo equipo de programación de Visuales del Recoleta\, integrado por los curadores Carla Barbero y Javier Villa\, con la producción de Verónica Otero. \nCon curaduría de Barbero llegan las exhibiciones “Centinelas” de la artista Victoria Liguori (sala 4) y “La multitud agazapada” de El Pelele (sala 10). Liguori presenta una serie de dibujos que abordan la relación entre cuerpo y tecnología desde la ciencia ficción. El Pelele dará a conocer diez obras\, entre pinturas e instalaciones\, desde una narrativa que oscila entre lo monstruoso y lo romántico. \nCon curaduría de Villa inauguran “Función privada” de Bruno Gruppalli (sala 6) con pinturas de gran formato protagonizadas por personajes solitarios sentados a la mesa de algún café concert \, donde experimenta con nuevos protocolos de uso y percepción del espacio pictórico y “Odaraia” de Jazmín Berakha (sala 5)\, ​​una de las artistas pioneras en la reelaboración contemporánea de disciplinas como el bordado\, el tapiz o el pachtwork \, técnicas que habían sido relegadas al ámbito doméstico. \nEn palabras de los curadores\, “iniciamos la programación 2024 con cuatro artistas que exploran en profundidad la representación del cuerpo en la contemporaneidad. La selección se basó en una búsqueda de empatía con los cuerpos que han estado presentes en el Centro Cultural en los últimos tiempos\, a través de experiencias de danza urbana\, espacios de trabajo compartidos y actividades recreativas. Al destinar varias salas para las artes visuales\, estas primeras exposiciones buscan generar un diálogo y una apertura a la imaginación entre los cuerpos presentes y los representados”. \nFinalmente en las salas 7\, 8 y 9 comenzará la exhibición “ Grupo Joven\, arte y desacato en los años 50”\, que recorre el camino histórico de la agrupación artística con sus primeras experimentaciones geométricas en papel construidas lúdica y colectivamente. Con obras de José Arcuri\, Diana Chalukian\, Alfredo Carracedo\, Augusto Cuberas\, Domingo Di Stefano\, Eduardo Mac Entyre\, Víctor Magariños D.\, Pedro De Simone y Miguel Ángel Vidal . Y el diálogo de ellos con artistas contemporáneos como Francisca Amigo\, Amadeo Azar\, Tulio De Sagastizábal\, Silvia Gurfein\, Cristian Mac Entyre\, Roger Mac Entyre\, Marina De Caro\, Andrés Sobrino y otros. \nCENTRO CULTURAL RECOLETA | Gran inauguración: martes 19/3\, 18h \nJunín 1930\, CABA. www.centroculturalrecoleta.org. Entrada libre y gratuita. \nMartes un viernes de 13.30 a 22h. Sábados\, domingos y feriados de 11.15 a 22 h.
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LOCATION:CCR – Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:El buen lugar. Pinturas y dibujos 2017 – 2024
DESCRIPTION:El buen lugar\n\n\nLa exposición El buen lugar consta de 16 pinturas de gran formato y 24 dibujos en técnica mixta de mediano formato realizados por el reconocido pintor Ramiro Llona\, entre los años 2017 y 2024. Llona ha declarado\, en más de una oportunidad\, que para él creer en la pintura es un acto de fe. «Yo creo que el gran reto para mí radica en cómo plasmar una sensibilidad contemporánea sobre un soporte [la pintura] que con los años parece\, en un sentido casi peyorativo\, cada vez más tradicional»\, nos dice\, en una entrevista de hace más de veinte años. De manera que no resulta difícil\, me aventuro a decirlo\, plantear que ese «buen lugar»\, al que hace alusión el título de la exposición\, es la pintura misma. \nCon más de cincuenta años en su experiencia de artista\, Llona ha accedido a un lenguaje y a una factura\, hoy por hoy reconocible por la fascinación que suscita el complejo equilibrio que logra entre gestualidad y geometría en cada uno de sus lienzos. Heredero y crítico de la pintura abstracta\, de mediados del siglo XXI\, tanto local como internacional\, su aprendizaje personal señala hacia procesos personales de ruptura e identificación progresiva con automatismos que detonan situaciones en la superficie de la tela. Por un lado\, los «personajes» de sus pinturas que atienden al acontecimiento y al gesto crecen literalmente junto con la mancha. Mientras que\, por otro\, la geometría que la voz lúdica y autorreflexiva de sus títulos propone como ideal\, pero también como sueño\, invita a imaginar recintos. Ámbitos en donde el juego entre el «interior» y el «exterior» se resuelve en flujo y perspectivas ilusorias\, líneas de fuga especulares y\, en el caso de las pinturas\, colores saturados que son capaces de atrapar al ojo más desprevenido. En este caso\, el aspecto narrativo de sus imágenes surge a través de una exploración en dos o\, incluso\, tres zonas\, cuyas secuencias de izquierda a derecha invitan a buscar relaciones. Flujos no lineales que hay que aprender a intuir e imaginar. Son composiciones que\, en tanto unidades visuales\, eventualmente\, nos remiten a alguna cita visual tomada de la historia del arte occidental o\, incluso\, de sorprendentes esquemas pre-renacentistas. \nEn algún sentido estas obras de Llona\, realizadas en los últimos ocho años\, son evidencia de un proceso de trabajo que\, al absorber el actual tiempo distópico\, traslada\, a su manera\, el frágil equilibrio existencial de la época que nos ha tocado vivir a ciertas claves visuales mucho más estables y que obedecen a experiencias previas del artista. Llona que incluso fotografía\, en algunos casos\, los distintos momentos de una imagen\, desde su primera aparición sobre el lienzo en blanco como mancha inicial hasta su acabado como escena terminada. Con ello\, señala hacia la necesidad de ver este conjunto de obras como una exploración inconsciente\, entre aquello que\, finalmente estructura visualmente y una serie de imaginarios posibles. Entre la evidencia de lo real y la fuga de una ficción. \nAugusto Del Valle Cárdenas\nCurador del MAC — Lima. \n\n\nExposición / Museo de Arte Contemporáneo – Lima (MAC)\nCUÁNDO:\n19 jun de 2024 – 29 sep de 2024INAUGURACIÓN:\n19 jun de 2024 \nORGANIZADA POR:\nMuseo de Arte Contemporáneo – Lima (MAC) – Av. Grau 1511 – Barranco / Lima\, Perú \n\nARTISTAS PARTICIPANTES:\nRamiro Llona \n\n\nENLACES OFICIALES\nWeb
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo\, Av. Grau 1511 - Barranco\, Lima\, Peru
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