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SUMMARY:Emancipadxs. Estereotipos\, luchas y conquistas
DESCRIPTION:La muestra organizada por la Biblioteca Nacional difunde\, a través de los materiales de su acervo\, parte de la historia de lucha de las mujeres argentinas recorriendo el camino de sus fatigas y conquistas y poniendo de manifiesto los estereotipos a los que se vieron sometidas. \nEste recorrido se inicia en el ámbito del hogar\, sobre el que paradójicamente las mujeres no tenían potestad legal\, continúa con el ingreso al mercado laboral y a la participación sindical\, el acceso a la universidad\, el demorado derecho al voto\, las voces contestatarias de la cultura ante los modelos impuestos\, hasta llegar a los reclamos y logros más recientes de los distintos colectivos que reconfiguran la sociedad desde lo personal. \nLa Biblioteca Nacional cuenta con las primeras publicaciones redactadas y/o dirigidas por mujeres\, que datan del siglo XIX\, como La Aljaba\, La Camelia o Álbum de señoritas\, entre otras. También con las tesis con las cuales se graduaron las primeras universitarias argentinas como Cecilia Grierson\, Elvira Rawson\, Elvira López y Alicia Moreau. \nLas obras de mujeres de la cultura que tempranamente alzaron su voz para oponerse a los estereotipos dominantes -entre las que cabe mencionar a Alfonsina Storni\, Victoria Ocampo\, Alejandra Pizarnik\, María Elena Walsh\, María Luisa Bemberg y Angélica Gorodischer- también tienen su lugar aquí. Por último\, los movimientos colectivos que con su lucha provocaron cambios decisivos en la sociedad argentina\, como Madres y Abuelas de Plaza Mayo o #NiUnaMenos\, entre otros\, están representados en esta muestra\, así como algunas de sus protagonistas. \n  \nEmancipadxs\nEstereotipos\, luchas y conquistas\nDesde el 6 de junio de 2019 al 30 de abril de 2020 \nBiblioteca Nacional\nMuseo del libro\nAv. Gral. Las Heras 2555\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Alfredo Londaibere. Yo soy santo
DESCRIPTION:Para Alfredo Londaibere (Buenos Aires\, 1955-2017) la pintura podía concentrar toda la capacidad expresiva de un artista y toda la verdad sobre el arte. El Museo de Arte Moderno celebra su obra con una exposición retrospectiva con curaduría de Jimena Ferreiro. La pintura para Londaibere representó su medio\, su lenguaje y su campo de acción\, que exploró desde múltiples perspectivas a través de sus diferentes roles como artista\, docente y curador. También se convirtió en una herramienta para la experimentación de diversas técnicas con las que revisitó los géneros tradicionales\, y se transformó en una vía para alcanzar un estado espiritual que se hizo cada vez más explícito en su obra. Su espiritualidad se expresó en un modo de hacer metódico\, intimista y solitario que delimitó un programa estético gobernado por la intuición\, el goce y la contemplación que configuró un ethos de trabajo austero y disciplinado\, que lo fue alejando de las rutinas de la sociabilidad contemporánea. \n  \nAlfredo Londaibere\n(Buenos Aires\, 1955 – 2017)\nSe formó en el taller de Araceli Vázquez Málaga durante gran parte de los años 70\, donde estudió visión\, composición\, teoría del color\, historia del arte\, dibujo y pintura. Durante los 80 continuó su formación brevemente con Oscar Smoje. Producía obra sistemáticamente\, aunque no participaba prácticamente del circuito de exposiciones y salones de la época. En paralelo\, mantenía un vínculo fluido\, aunque no regular\, con el Grupo de Acción Gay\, con quien compartió lecturas sobre teoría social\, un activismo micropolítico y una sociabilidad que lo relacionó con Jorge Gumier Maier y Marcelo Pombo. Hacia el final de la década asistió a las clínicas de obras de Pablo Suárez\, Luis Wells y Kenneth Kemble en el Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (actual Recoleta). Un poco más integrado\, expuso sus primeros trabajos en bares y discotecas como Cemento y Bolivia. Desde la fundación de la galería de arte del Centro Cultural Recoleta formó parte del grupo de artistas vinculados a la gestión de Gumier. Allí presentó en 1989 su primera exposición individual Mapas y pinturas\, la cual consideró como una “retrospectiva”. Luego volvió a exponer en 1991\, con curaduría de Magdalena Jitrik\, y una última vez en 1992. \n  \nEn 1991 participó de la primera edición de la Beca Kuitca junto con Jitrik\, Graciela Hasper\, Tulio de Sagastizabal\, Daniel García\, Daniel Besoytaorube\, Sergio Bazán\, entre otros. Fue becado por la Fundación Antorchas en 1995 para asistir al taller de Barracas\, bajo la dirección de Luis Fernando Benedit y Pablo Suárez. Fue docente también en el área de artes plásticas del Centro Cultural Ricardo Rojas hasta su muerte\, y en su taller donde tuvo numerosos alumnos. En 1997 reemplazó a Gumier Maier como curador en el Rojas hasta 2002. \nExpuso en forma individual en la galería Mun (1993)\, Instituto de Cooperación Iberoamericana (1996)\, Alianza Francesa (1998)\, Belleza y Felicidad (2000 y 2002)\, Centro Cultural San Martín (2005)\, Centro Cultural Recoleta (2009)\, Jardín oculto (2011) y Galería Nora Fisch (2015)\, entre otras. \n  \nAlfredo Londaibere\nYo soy santo\nDesde el 26 de septiembre de 2019 al 23 de marzo de 2020 \nMAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Cesar Paternosto. La mirada excentrica
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 8 de octubre a las 19 “César Paternosto: la mirada excéntrica”\, una muestra curada por el director del Museo\, Andrés Duprat\, que reúne 38 obras del pintor\, escultor e investigador César Paternosto (La Plata\, Argentina\, 1931)\, creadas en los años 60\, 70 y 2000\, varias de ellas\, exhibidas al público por primera vez. \n“En la producción de Paternosto –explica el curador–\, la abstracción significa; abunda en connotaciones físicas e ideales que solo una visión lateral permite descifrar. Se trata de una geometría que reclama un pasaje al orden oculto de las cosas”. \nLa experiencia visual que plantea la producción de Paternosto –agrega Duprat– interroga sobre la presencia de las formas en el mundo. Pero\, además\, “lleva a los límites la bidimensionalidad de la pintura\, apostando a la deconstrucción de las convenciones pictóricas con una propuesta singular: trabajar sobre los bordes del cuadro”. \nUno de los núcleos de la muestra reúne obras de los años 60\, que se destacan por el uso del color y las formas ondulantes\, ritmos curvos de bandas coloridas que se recortan contra el marco y parecen exceder los límites de la tela. Se exhibirán “shaped canvases” y telas estructuradas que\, si bien son autónomas\, coparticipan de una imagen solidaria\, en colores planos y homogéneos. \nEn 1969\, Paternosto propuso el concepto de la “visión oblicua”: revirtiendo las jerarquías de los elementos del cuadro\, el borde del bastidor concentra el interés. “A fines de los 60\, comencé una serie de pinturas que se convirtieron en una dirección frecuente en mi trabajo –explica el artista–. En ese momento\, se evidenció claramente para mí que\, poniendo el énfasis en ubicar lo pintado sobre los extremos exteriores del bastidor de la pintura\, y dejando la superficie frontal en blanco\, vacía de toda imagen\, cuestionaba el hábito ancestral de solamente experimentar las pinturas desde sus frentes. Esta situación me develó la posibilidad de ʻlo lateral y ʻoblicuoʼ como modo de ver”. Esta estrategia de pintar los cantos –plasmada en algunas de las piezas que se exhibirán en la muestra– obliga al observador a desplazarse para lograr la imagen total. \nMuchas de las obras de la muestra –provenientes de la colección del artista\, y de colecciones públicas y privadas\, como el Bellas Artes\, el Museo Emilio Pettoruti\, el Museo de Arte Moderno y la colección Eduardo Costantini– se exhibirán al público por primera vez. \nNovedad de la exposición\, en la sala 40 del Museo se presentará una instalación de sitio específico inédita\, titulada “Deconstrucción pictórica”\, que es la consumación de la pintura-objeto del artista. Extremando sus postulados\, permitirá a los visitantes sumergirse en una de las creaciones de Paternosto a escala monumental: cada vista de la instalación propone tantos subcuadros como personas la recorran\, revirtiendo las jerarquías para que sea el espectador quien complete el sentido de la obra. Acompañará la pieza una serie de trabajos en papel realizados por el autor en las últimas décadas. \nTambién se exhibirá en la sala 38 una pieza de pintura acrílica sobre madera concebida específicamente para esta exposición\, “Continuidad tectónica”\, que pasará a integrar la colección del Bellas Artes. \nEn ocasión de esta muestra\, el Bellas Artes editará un catálogo bilingüe español-inglés que incluye el cuerpo de obra\, y textos de Duprat\, del director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza\, Guillermo Solana\, y de la historiadora del arte María José Herrera\, además de una cronología de Paternosto escrita por el artista\, con un recorrido detallado de su trayectoria. \nLuego de la inauguración\, el martes 8 de octubre a las 19\, “César Paternosto: la mirada excéntrica” podrá visitarse hasta el 2 de febrero de 2020 en las salas 37 a 40 del primer piso del Museo. \nHorarios:  martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado) \nAv. del Libertador 1473\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n\nDejamos aquí el catálogo de la exposición para su visualización o descarga. \nhttps://media.bellasartes.gob.ar/h/Publicaciones/paternosto.pdf \n\n\n+ INFO
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LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:"Rómulo Macció. Crónicas de New York"
DESCRIPTION:La exposición de pinturas «Rómulo Macció. Crónicas de New York» se inaugurará el jueves 17 octubre en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat\, en la ciudad de Buenos Aires\, con curaduría de Florencia Battiti y con la museografía de Juan José Cambre. \nSe trata de una selección de obras que el artista realizó en su taller de Manhattan hacia fines de los años 80 y principios de los 90\, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas\, que serán exhibidas por primera vez en Argentina. \nLa muestra podrá visitarse hasta el 23 de febrero\, de martes a domingos de 12 a 20\, en Olga Cossettini 141\, Puerto Madero (CABA)\, informaron los organizadores. \n«Macció (1931-2016) pintó ciudades\, como la suya\, Buenos Aires\, y también otras que visitó o frecuentó. Y Nueva York no podía dejar de ejercer su hechizo\, un conjuro repleto de esplendores y miserias. Allí\, entre idas y venidas\, vivió casi tres años»\, \n+ INFO
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LOCATION:Colección Fortabat\, Olga Cossettini 141\, Puerto Madero\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Sergio De Loof: ¿Sentiste hablar de mí?
DESCRIPTION:¿Sentiste hablar de mí? es la respuesta de Sergio De Loof a la invitación del Museo Moderno a celebrar su impronta y su legado. Es una obra faraónica en la que se dan cita pasillos palaciegos\, obras de teatro\, una tienda que vende sus creaciones\, una biblioteca\, un carnaval. El recorrido hace hincapié en sus desfiles y vestimentas\, e incluye sus diarios\, una selección de materiales documentales inéditos\, sus intervenciones en la revista Wipe\, sus pinturas e instalaciones desde mediados de los ochenta hasta hoy. La exposición da cuenta de la creatividad enardecida y desbordante de Sergio De Loof\, con la que ha combinado hasta igualar el quehacer comunitario y la expresión individual\, la pobreza y el lujo\, el paladar aristocrático y el gusto popular. \nDe Loof había empezado a hacerse un nombre a fines de la década del ochenta. Junto con algunos amigos que conoció en su breve paso por la escuela de Bellas Artes\, fundó el bar Bolivia (1989). Poco tiempo después\, en una trayectoria rápida y vertiginosa\, estuvo detrás de El Dorado (1991)\, el Morocco (1993)\, Ave Porco (1994)\, entre otros. Todos estos espacios fueron legendarios. Inventaron una noche inédita para un Buenos Aires que intentaba dejar atrás las costumbres instaladas durante la dictadura. En ellos\, arte y nocturnidad se amalgamaban. Fueron boliches\, bares y también centros culturales. Su programación incluía cientos de desfiles\, exposiciones\, obras de teatro\, y era donde se daban cita\, en un contexto de libertad y experimentación\, los mundos hasta entonces antagónicos de los artistas e intelectuales\, los empresarios\, el universo fashion y la farándula. \nEn los años noventa\, De Loof concibió sus numerosos desfiles como reuniones colaborativas y comunitarias. Los entendía como pequeñas piezas que le debían mucho al teatro. Participaban de ellos sus amigos o conocidos\, cuerpos bien diferentes y alejados de aquellos de las supermodelos. Su intención era crear “un arte y una moda hermosa para pobres y feos”\, dando lugar en sus trabajos a las disidencias corporales y sexuales. En sus pasarelas\, los modelos bailaban y actuaban con las ropas que Sergio componía con retazos\, prendas de segunda mano\, papel y revistas. Hizo uso de técnicas como el ñandutí\, el bordado\, el patchwork\, el reciclaje. A través de ellas\, De Loof valorizaba también una cultura artesanal que\, en el marco de la convertibilidad y la denominada globalización\, estaba llamada a desaparecer. Por eso\, en sus vestimentas hay tanta belleza como nostalgia\, tanto festejo como despedida. \nSiempre en el límite entre el arte\, la moda\, el diseño y el escándalo\, con un pie adentro y otro fuera de cualquier sistema\, De Loof puso en jaque con irreverencia crítica y humor corrosivo lo que entendemos por arte. \nAgradecemos la generosa colaboración del Complejo Teatral de Buenos Aires\, del Teatro Argentino de La Plata y del Museo de la Ciudad\, para la ambientación de la exposición\, y al Museo del Cine por la digitalización de las piezas audiovisuales.\nLa Fundación IDA colaboró en la restauración y el préstamo del archivo de Sergio De Loof utilizados en la exposición. \n+ INFO
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LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:6 ARTISTAS 1 DISTRITO
DESCRIPTION:6 ARTISTAS 1 DISTRITO\n⠀\nSeis obras singulares entran en comunicación para dar lugar a una muestra que compone a través de la tensión generada por las diferencias. Distintos lenguajes y maneras de crear\, que van de la abstracción figurativa al expresionismo abstracto\, se conjugan en esta.\n⠀\nTe invitamos a recorrer la muestra que reúne a seis consagrados artistas pertenecientes al Distrito de las Artes que pasaron individualmente por Espacio Lezama Arte.\n⠀\n6 Artistas 1 Distrito\nAlejandro Avakian • Andrés Bestard Maggio • Mariana Capurro • Alicia Díaz Rinaldi • Liliana Fernández Infanzón • Marcelo Toledo\n⠀\n📅 Hasta el 10 de marzo\n🕙 Lunes a viernes en el Hall del Palacio Lezama\n📌 Av. Martín García 346\, La Boca \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Lezama Arte\, Av. Martín García 346 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:José Fioravanti 1896-1977. Clasicismo y Modernidad
DESCRIPTION:El 4 de diciembre la Casa Museo Magda Frank – Fioravanti inaugura una exposición sobre la obra del célebre escultor argentino José Fioravanti en la Casa de la Cultura. \nFioravanti inició su carrera en 1919 con un premio del Salón Nacional y pronto ocupó un papel estelar en los escenarios de Argentina y Europa\, donde recibió el elogio de la crítica y la aceptación del ambiente artístico e intelectual. Su trabajo fue expuesto en espacios culturales emblemáticos\, como el Museo del Jeu de Paume de París y el Museo Nacional de Bellas Artes\, y obtuvo un Premio del Concurso de Artes Visuales del FNA en el año 1971. \nInfluenciado por el arte de la Antigüedad y por los franceses Rodin y Maillol\, Fioravanti contribuyó a construir en territorio argentino la identidad de una nación cosmopolita en el período que ingresaron al país las grandes masas migratorias. Con sus hábiles manos trasladó a la piedra personajes heroicos y pasajes centrales de nuestra historia\, como en el conjunto de piezas que integran el Monumento Nacional a la Bandera. Precursor además del arte Pop\, es autor del famoso Monumento al Lobo Marino de Mar del Plata\, entre otras destacadas obras. \nLa muestra se podrá visitar gratis hasta el 8 de marzo en la Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA.
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LOCATION:Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831 - Barrio Parque\, CABA\, Buenos Aires\, C1425\, Argentina
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SUMMARY:No me le afloje la Cola a la Vaca. Víctor Quiroga
DESCRIPTION:El próximo viernes 6 de Diciembre a las 20:30 hs se inaugurará en la sala principal del Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro (9 de julio 44) “No me afloje la cola a la vaca”\, una exposición retrospectiva del artista tucumano Víctor “Tito” Quiroga. La misma permanecerá en exhibición hasta Marzo del 2020; y podrá ser visitada de martes a viernes\, de 9 a 12:30 y de 16:30 a 20:30 hs; sábados y domingos de 16:30 a 20:30 hs. y feriados de 17:30 a 20:30hs. Entrada libre y gratuita. \nQuiroga es uno de los máximos exponentes de la pintura tucumana de las últimas décadas. Sus obras narran sobre los mitos y leyendas populares de Argentina y de la propia identidad tucumana. De tenor costumbristas\, están enmarcadas en un “realismo mágico” entre lo rural y lo universal\, donde se ven sucesos cotidianos o paisajes a veces conocidos\, a veces oníricos\, de esencia romántica\, irónica\, intimista\, social y ancestral; donde la vida diaria es atravesada por mitos y leyendas de las culturas originarias locales. \nEl artista cuenta algo de lo que sucede en sus obras\, piezas de color efusivo\, sin miedo a exagerar la forma ni la cromática. Aparecen diferentes escenas de la vida\, como un personaje que jugaba a la pelota o unos amigos tomando vino. Pero quizá lo más llamativo de su pintura son los prodigiosos cielos que cubren esas escenas que destilan cultura popular por donde se las mire. \nSegún Esteban Blanco\, en la obra del artista a veces nos encontramos con un arte que nos parece extrañamente familiar\, casi una memoria archivada\, pero para el cuál no tenemos apoyo en la experiencia: “la pintura de Víctor Quiroga nos provee precisamente este sentido de deja-vu sensual. Estas escenas de sueños\, pobladas de personajes escapados a Thomas Hart Benton\, se revelan a una luz fantasmagórica en la que flotan animales mágicos – algunos amenazantes y sugestivos –\, en otras\, una claridad cegadora baña personajes y objetos con la misma tonalidad espectral pero del otro lado del registro cromático. \n“Un rumor de cielo surca caminos de aire. En la noche. En el alba. Gestos de machetes deambulan en el pupo del cañaveral. Fauces perrunas. Ciegos. Sordos. Mudos. Rostros de la indiferencia arropan las garras de la droga. Rojos. Negros. Desvisten el sufrimiento en la inercia del cuerpo. De la mente. Siglo del árbol caído. Cerro de nubes. Ráfagas de baile en el patio de tierra del año nuevo. Vaca suspendida de tiempo… \n…Sueño de niño en la calle del techo del mundo. Manos de la vergüenza. Del llanto. Cubren la indignación de la Libertad. Un horizonte se bifurca en ese murmullo de cielo que desarropa la vida. Algo de esto vive en las sombras y en el alma de los pinceles de Víctor Quiroga.” Huellas del Horizonte\,                                        por Roberto Espinosa. \n  \nHasta marzo 2020 en el Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»
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SUMMARY:Norah Borges. Una mujer en la vanguardia
DESCRIPTION:La exposición\, curada por el especialista Sergio Alberto Baur\, reúne más de 200 pinturas\, dibujos\, grabados y objetos –entre documentos\, manuscritos\, impresos y fotografías– de la artista plástica argentina Norah Borges (1901-1998). La muestra\, que analiza toda su vida artística a través de obras de distintas épocas\, provenientes de 28 colecciones públicas y privadas\, se propone enlazar los mundos que vivió Borges desde su período de formación\, y su destacado trabajo como ilustradora de la vanguardia española y argentina. También se exhibirá documentación personal y bibliográfica que la ubican en el escenario de los años 1920 y 1930. Norah Borges -hermana del célebre escritor Jorge Luis Borges\, y esposa del crítico y poeta español Guillermo de Torre– constituye una rara excepción dentro de la historia del arte argentino\, debido a que su presencia en las décadas de auge de las vanguardias internacionales le permitió acompañar a personajes de la relevancia de Juan Ramón Jiménez\, Federico García Lorca\, Gabriela Mistral\, y a los jóvenes poetas de renovación de España y de la Argentina\, y establecer un diálogo plástico con los movimientos artísticos de esos años. Su desarrollo artístico personal atraviesa con un lenguaje propio las formas de la modernidad. A lo largo del siglo XX\, en contacto con la vida literaria de su tiempo\, ilustró los primeros libros de escritores como Borges\, Victoria y Silvina Ocampo\, Julio Cortázar\, Adolfo Bioy Casares\, Eduardo Mallea\, Ricardo Molinari\, Concha Méndez Cuesta\, Carmen Conde\, Rafael Alberti\, y los chilenos Luis Enrique Délano y Humberto Díaz Casanueva. También realizó ilustraciones para las revistas de vanguardia españolas “Grecia”\, “Ultra” y “Baleares”\, y fue colaboradora destacada de las publicaciones argentinas “Prisma”\, “Proa”\, “Martín Fierro” y “Valoraciones”\, entre otras.
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SUMMARY:Las grullas del buen augurio
DESCRIPTION:Esta exhibición\, con curaduría de Verónica Flores\, invita a recorrer el pensamiento y las tradiciones de una cultura atenta a la observación de los cambios y sus ritmos\, mientras ofrece algunas preguntas como obsequios para pensar el nuevo año que llega. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Nacional de Arte Oriental\, Av. del Libertador 1902\, 1° piso\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2019
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe obras de los ocho galardonados en la edición 2019 del Premio Nacional a la Trayectoria Artística\, una iniciativa que acompaña la realización del 108.° Salón Nacional de Artes Visuales. \nEn las salas 32 y 33 del primer piso del Museo\, se exponen 36 obras donadas por artistas insoslayables en la historia visual argentina: Elda Cerrato\, Marta Minujín\, Sara Facio\, Narcisa Hirsch\, Graciela Carnevale\, Luis Felipe Noé\, Eduardo Serón y Eduardo Gil\, mujeres y hombres con itinerarios heterogéneos\, que configuraron su labor a través de experiencias y lenguajes diversos\, como pintura\, dibujo\, instalaciones\, video y cine experimental\, performance y fotografía. \nComo parte de esta distinción\, los trabajos expuestos fueron seleccionados por los artistas junto con el Bellas Artes. La donación completa consta\, en total\, de 55 obras. Estas incorporaciones actualizarán las lecturas y avivarán los debates\, en diálogo con un vasto corpus de obras de arte argentino que ya integran la colección del Museo. \nEntre las piezas de arte exhibidas\, se listan imágenes de “El Partenón de libros prohibidos”\, la gran réplica del edificio griego creada por Minujín para celebrar el retorno a la democracia\, tomadas en las dos ocasiones en que se erigió la obra: en Buenos Aires\, en 1983\, y en Kassel\, Alemania\, en 2017\, además de publicaciones censuradas en distintos países con los que la artista edificó la instalación en la ciudad europea\, y videos de registro de ambas acciones. También de Minujín\, se exhibe “Meditación en flúo”\, una obra de 2014 que combina video proyectado y pintura flúo sobre tela. \nDe Facio\, se incluyen cuatro fotografías históricas en blanco y negro sobre el peronismo\, tomadas en 1973\, mientras que\, de Gil\, podrá verse en sala\, entre otras\, una fotografía de la serie “Paisajes” (2005-2014)\, que propone una ruptura con los códigos tradicionales del retrato\, y otra de la serie “Señas personales”\, de 2011. También habrá heliografías\, dibujos y un acrílico de Cerrato\, junto con un filme de la artista\, y de Serón\, se presentará el óleo “El prestigio de lo absoluto”\, de 2003\, donde formas redondeadas\, netas e irregulares adquieren cierta monumentalidad\, además de la obra histórica “Pintura Nro. 34”\, de 1961\, en la que gradaciones concéntricas se extienden a partir de círculos y generan ritmos que se perciben como desplazamiento. \nLos trabajos elegidos de Noé son el acrílico “Testigos y testimonios”\, uno de sus proyectos más recientes\, de 2018\, referido al concepto de “caos”\, rector de su producción actual\, y el grafito sobre papel “Héroe y antihéroe”\, de 1979. De Carnevale\, en tanto\, se exhibirán registros documentales de su acción “El encierro”\, realizada en 1968 en Rosario\, como parte del Ciclo de Arte Experimental\, un afiche y fotografías de aquella propuesta radical\, además de la obra “Mirada oblicua”\, de 2001\, creada con tres ventanas de aluminio con cristal reflejante. \nPor último\, se proyectará en sala el registro documental de casi 8 minutos de duración del happening “Marabunta”\, una pieza de 1967\, pionera del cine experimental que impulsó la artista en el país\, dirigido y protagonizado por Hirsch en 1967\, con cámara y edición a cargo de Raymundo Gleyzer\, además de imágenes del rodaje de la cinta y otros dibujos de la artista. \nEl Premio Nacional a la Trayectoria Artística reconoce el camino recorrido por los creadores distinguidos durante décadas de trabajo\, la potencia de las intervenciones estéticas cuando motivan nuevas miradas y la reflexión que viene a echar luz sobre el propio tiempo histórico. Esta pluralidad de perspectivas hilvana un relato acerca de las artes en la contemporaneidad. \nLa exhibición de obras de los artistas premiados podrá verse desde el viernes 24 de enero y hasta marzo en las salas 32 y 33 del primer piso del Museo. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes\, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación\, y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes\, abre las puertas de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado). \nEl ingreso al Museo es gratuito para argentinos y residentes en el país. Los no residentes abonan una entrada de $200 (martes de 11 a 20\, y de miércoles a domingo\, de 18.45 a 20: gratis). \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/premio-nacional-a-la-trayectoria-artistica-2019/
LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:Manuel Kantor. Kantor de Viaje
DESCRIPTION:El Museo Benito Quinquela Martín invita a la exposición “KANTOR de viaje”\, dedicada a la obra del ilustrador y pintor Manuel Kantor. \nActivo de manera preponderante entre las décadas de 1930 y 1960 en los ambientes de la prensa gráfica y de la plástica porteña\, Kantor supo moverse con ductilidad entre los círculos de la cultura local. \nSu corpus de trabajo es tan amplio como complejo: desde retratos caricaturescos y dibujos de contenido político hasta finas pinturas de las más lejanas latitudes\, Kantor exhibe maestría técnica y solidez conceptual en idénticas proporciones. Conocer su obra es adentrarse en el genuino espíritu de un siglo XX soñador\, reflexivo y con ansias de transformación social. \n  \nManuel Kantor\nKantor de Viaje\nDesde el 29 de enero al 28 de marzo de 2020 \nMBABQM – Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín\nAv. Pedro de Mendoza 1843/ 35\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Tomás Saraceno: Una exploración artística sobre el medio ambiente
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner inicia la programación 2020 con un gran acontecimiento artístico: se proyecta Vuela con Aerocene Pacha\, que documenta la experiencia de Tomás Saraceno\, artista argentino radicado en Berlín\, que lanzó una enorme escultura voladora similar a un globo aerostático. Por primera vez en la historia\, un ser humano flotó en el cielo impulsado solo por el sol y el aire\, sin utilizar combustibles fósiles\, paneles solares\, baterías o helio. La experiencia es parte de la iniciativaCONNECT\, BTS\, que reúne a grandes figuras del arte contemporáneo. \nLas entradas son gratuitas. Las entradas para la funciòn del 14 de marzo se podrán reservar por esta página o personalmente a partir del martes 10 a las 12\, hasta agotar la capacidad de la sala (máximo dos entradas por persona). Las reservas web deberán retirarse en la boletería del centro cultural\, Sarmiento 151\, desde el mismo martes\, de 12 a 19 y hasta dos horas antes del inicio de la actividad. \n+ INFO
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SUMMARY:“Desde la arquitectura”
DESCRIPTION:¿Qué es? \nExhibición de la artista Luciana Levinton. Además\, es también un homenaje a algunas de esas mujeres que transformaron el mundo proyectual en el siglo XX. Por eso la mirada intuitiva\, sugerente -por momentos evanescente- y fragmentada de Levinton permite notar cuestiones que los modos tradicionales de la arquitectura nos impiden percibir. Luciana sabe ver y sentir la arquitectura desde el arte y así evidenciar nuevos mundos y mensajes cifrados. Su propuesta es elegante e inmersiva en una dimensión óptica y emotiva que nos invita a dejarnos llevar y deambular fugazmente en un viaje único que solo la cosmovisión de una artista singular puede transmitirnos. \n¿Por qué ir? \nHay diferentes modos de ver y muy disímiles formas de percibir una obra de arte o el mundo que nos rodea. En el caso de la arquitectura\, no solo debe ser vista\, debe ser apreciada con todos nuestros sentidos. Incluso\, a veces\, es mejor cerrar los ojos y dejar que el instinto guíe nuestra percepción. \nHoy\, en la era digital\, se están transformando las formas de representar la arquitectura y sus espacios. Las maquetas virtuales y los renders digitales nos proponen una representación hiperrealista. ¿Cómo volver a apreciar la arquitectura en su mensaje y poética trascendente? \nLuciana Levinton nos propone hacer esa experiencia y compartir sus íntimos modos de ver\, revisitando la siempre sorprendente obra de la genial Lina Bo Bardi (Roma 1914- São Paulo 1992). Situar la mirada sobre Bo Bardi tiene el atractivo de redescubrir y poner el foco en una mujer extraordinaria\, durante muchos años invisibilizada\, que ha dejado una marca decisiva en la arquitectura y el diseño contemporáneos. \nLina fue la arquitecta italo-brasileña que humanizó el racionalismo\, ligándolo a la emoción. Cuando terminó sus estudios de Arquitectura en Roma en 1939 se trasladó a Milán para trabajar con GiòPonti en su mítica revista Domus. En 1946 se mudó junto a su marido\, el crítico de arte Pietro María Bardi\, a Brasil\, que en esa época se encontraba en el apogeo del Movimiento Moderno con Oscar Niemeyer a la cabeza. Lina Bo Bardi trabajó en muchas expresiones creativas: arquitectura\, museografía\, diseño\, labor editorial\, teatro\, cine.  A finales de los años 60\, proyectó su ópera prima\, el MASP (Museo de Arte Moderno de São Paulo)\, que se convirtió en una obra maestra y emblemática. Tal vez el edificio que mejor ejemplifica una arquitectura colectiva\, social\, política\, moral\, emotiva\, popular\, regional\, austera\, libre y urbana. Sus obras posteriores confirman esos valores. El reciclado de una vieja fábrica paulista para usos comunitarios\, culturales y deportivos -SESC Pompéia- es una lección superior de sensibilidad y creatividad\, un claro ejemplo de cómo hacer más con menos y como lograr que la gente interactúe\, genere vínculos y sea la protagonista central de la arquitectura. Visto en perspectiva no parece casual que su autora haya sido una mujer. \nEntrada libre y gratuita. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/desde-la-arquitectura/
LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Antonio Seguí en el Museo Nacional del Grabado.
DESCRIPTION:Desde el 18 de febrero\, en el Museo Nacional del Grabado-Ministerio de Cultura de la Nación se presenta Antonio Seguí. Grabados del patrimonio\, colecciones y donación\, una exhibición que reúne más de sesenta obras del gran artista cordobés\, con foco en el uso particular que hizo de la técnica del grabado\, a partir de trabajos realizados entre 1963 y 2019. \nUn recorrido por más de 50 años de trayectoria a través de las creaciones que concibió desde Arcueil\, el suburbio ubicado al sur de París donde reside desde 1964\, es la propuesta de esta muestra\, que implica\, además\, el regreso de una expo de Seguí a la Ciudad de Buenos Aires después de 10 años. \nEspecíficamente\, el corpus de obras de Antonio Seguí. Grabados del patrimonio\, colecciones y donación proviene del patrimonio del Museo Nacional del Grabado\, de una colección particular\, y de la colección del artista\, que también participó de la selección. “En un intercambio de propuestas desde París\, el propio Seguí se ocupó de seleccionar algunas de las obras que integran la muestra. Su mirada enriqueció el lote de obras que se encuentra en el Museo y ayudó a completar aquellas series que resultan de interés para dar cuenta de un discurso curatorial integral sobre su rol como grabador”\, explican desde ese espacio. \nComo núcleo de ese compromiso\, la exhibición incluirá una serie de 16 carborundums\, donados por Seguí al museo\, que dan cuenta de sus últimos trabajos. El grabado al carborundo es una técnica – inventada por Henri Goetz – que consiste en pegar una pólvora de granos de carburo de silicio muy duros sobre la matriz dibujando formas y combinando el calibre de los granos y su densidad en su repartición antes de pegarlos. Esta técnica\, que puede conjugarse con otras técnicas de grabado\, conviene al grabado a color y le da una riqueza plástica de materias y de formas. \nJunto a esas creaciones\, el conjunto de obras que se presenta incluye litografías\, fotograbados\, aguafuertes\, aguatintas\, serigrafías\, carbolitografías y linograbados en las que\, como señala la historiadora del arte Camila Palacios: “El hombre anónimo es el gran protagonista. Con él como su gran aliado\, el artista nos introduce en diálogos que van de lo rural a lo urbano\, de lo regional a lo universal y de lo individual a lo colectivo”. \nLa exposición\, producida por Julio Suaya y auspiciada por la Dirección de Asuntos Culturales de Cancillería de la Nación\, la Embajada de Francia y el Instituto Francés de Argentina\, funciona también como anticipo de Antonio Seguí. Los territorios de la pintura\, la gran retrospectiva programada por el Museo Nacional de Bellas Artes para los últimos meses de 2020\, que reunirá pinturas\, esculturas\, dibujos\, pasteles y grabados producidos por el artista cordobés de 86 años. \nLa exposición\, producida por Julio Suaya cuenta con el auspicio de la Dirección de Asuntos Culturales de Cancillería de la Nación\, la Embajada de Francia y el Instituto Francés de Argentina . \nAntonio Seguí. Grabados del patrimonio\, colecciones y donación se podrá visitar hasta el 19 de abril\, de martes a domingo y feriados\, de 12 a 20\, en Riobamba 985\, 4° piso\, con entrada libre y gratuita. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/antonio-segui-en-el-museo-nacional-del-grabado/
LOCATION:Museo Nacional del Grabado\, Riobamba 985\, 4° piso.\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Antonio Seguí. Grabados del patrimonio\, colecciones y donación.
DESCRIPTION:La exhibición reúne más de sesenta obras que ponen en foco el uso particular que el artista hizo de la técnica del grabado a lo largo de su extensa y reconocida trayectoria. Se exhibirá desde el 19 de febrero en Riobamba 985\, 4° piso\nLa muestra “Antonio Seguí. Grabados del patrimonio\, colecciones y donación”\, en el Museo Nacional del Grabado\, es una exhibición que reúne más de 60 obras basadas en el uso particular que el artista hizo de la técnica del grabado\, a lo largo de su extensa y reconocida trayectoria. \nEl corpus de piezas proviene del patrimonio del Museo Nacional del Grabado\, de una colección particular y de la colección del artista\, que incluye una serie de 16 carborundums donados especialmente por él. \nHace diez años que Antonio Seguí no expone en Buenos Aires. Es por eso que esta muestra\, que abarca el periodo 1963 y 2019\, es un motivo más para celebrar. El propio Seguí se ocupó de seleccionar algunas de las obras que integran la muestra. \nSu mirada enriqueció el lote de piezas que se encuentra en el Museo y ayudó a completar aquellas series que resultan de interés para dar cuenta de un discurso curatorial integral sobre su rol como grabador. Litografías\, fotograbados\, aguafuertes\, aguatintas\, serigrafías\, carbolitografías\, linograbados y carborundums son algunas de las técnicas utilizadas por Seguí\, en este conjunto de obras. \n“El grabado es un arte múltiple y\, por ello\, generoso. Damos las gracias muy especialmente a Antonio Seguí por su donación de 16 obras recientes: este gesto posibilita actualizar la colección del Museo Nacional del Grabado\, y en términos más amplios\, nutrir nuestro patrimonio artístico nacional”\, señaló el ministro Bauer. \nUna vuelta al mundo de Seguí en más de 50 años y 60 grabados ofrece al público la posibilidad de acercarse a la polifacética obra gráfica de este artista fundamental. \nLa exposición\, producida por Julio Suaya y auspiciada por la Dirección de Asuntos Culturales de Cancillería de la Nación\, la Embajada de Francia y el Instituto Francés de Argentina\, cuenta también con el apoyo de Subterráneos de Buenos Aires Sociedad del Estado (SBASE). \n¿Cuándo? Del 18/02 al 19/04. De martes a domingo y feriados\, de 12 a 20. \n¿Dónde? En la Casa del Bicentenario\, Riobamba 985\, 4° piso. \nEntrada libre y gratuita
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SUMMARY:Amaral\, Ferlat\, Giraud\, Golder\, Molinari y Rud: Dinámicas para la existencia
DESCRIPTION:La exhibición colectiva Dinámicas para la existencia presenta a seis artistas contemporáneos argentinos que abordan el vínculo entre el ser humano y el ambiente a partir de diversos recursos artísticos\, tecnológicos y científicos.\nLas obras de Mateo Amaral\, Juan Pablo Ferlat\, Mariano Giraud\, Gabriela Golder\, Magdalena Molinari y Gabriel Rud proponen experiencias visuales que construyen\, reformulan y registran escenarios utópicos y\, a la vez\, distópicos \nLa selección de obras da cuenta de la versatilidad que la investigación artística ha logrado en este terreno\, e invita a reflexionar acerca de las problemáticas\, los desafíos y las consecuencias que supone el comportamiento del ser humano en relación a su entorno.\nCon distintos grados de complejidad tecnológica y una materialidad que abarca desde elementos orgánicos hasta técnicas y maquinarias industriales\, los artistas presentan múltiples realidades que –más que basarse en la observación de la naturaleza– evocan imaginarios propios\, mundos singulares y situaciones concebidas como futuros posibles; dispositivos y dinámicas que permitan burlar la ley natural y el propio devenir del espacio y el tiempo.\nComo complemento de las obras exhibidas\, Dinámicas para la existencia ofrecerá un programa público de actividades\, que incluye activaciones en sala y experiencias directas con los artistas participantes y sus múltiples investigaciones.\nEn tal sentido\, en ocasión de su inauguración\, el miércoles 19 de febrero\, a las 18:30 h\, se realiza una recorrida abierta al público. La exhibición es gratuita y no requiere reserva previa de entradas. Estará abierta al público del 19 de febrero al 26 de abril de 2020\, de miércoles a domingos\, de 13 a 20 h. \n+ INFO
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SUMMARY:Juan Vallejo\, ultraconceptos
DESCRIPTION:«La filosofía es una búsqueda de Ultraconceptos’ dice Vallejo\, artista tucumano que en su madurez convirtió su obra en un gran proyecto de investigación espiritual que cautiva y establece una conexión íntima con el espectador.\nEn esta exposición el artista a través de un espíritu inquisitivo y creativo explora conceptos metafísicos como la relación espacio-tiempo y la percepción subjetiva del color. \nCada una de sus piezas es una fusión de materiales autóctonos con un magistral uso de la simbología. Vallejo nos invita a una conexión profunda con la naturaleza\, con el universo\, con nuestra propia existencia. Conceptos como el tiempo-espacio y la refracción de la luz operan su magia sobre la percepción reposicionando al espectador frente al mundo. \nEs un desafío que este artista tucumano plantea a los visitantes\, junto a la curadora Carolina Pampliega. Ultraconceptos es un juego lúdico entre el creador y su público que nos lleva a una conexión con nuestras raíces y a una profunda reflexión existencial. \nArtista conceptual\, creador solitario\, sutil\, original y de una búsqueda personal que lo hace universal. \nEn los años 70 Juan Vallejo inicia en su Tucumán natal una indagación filosófica y espiritual adentrándose en los cerros de Colalao y dotando de un sello único a su obra. La técnica del pixelado propia del período Cumbres da lugar a la serie Geometría Simbólica donde su trabajo se vuelve más abstracto y expresivo. Vallejo se anima a jugar con texturas\, matices y materiales\, conjugando su lado artesanal con la esencia de un pensamiento trascendental. \nA través de un espíritu inquisitivo y creativo\, Juan Vallejo explora conceptos metafísicos como la relación espacio-tiempo y la percepción subjetiva del color. La geometría cobra su máxima expresión en los Ultraconceptos\, término utilizado por Juan para referirse a “aquella idea que elude ser expresada en palabras”. A lo largo de su obra se ve reflejada no sólo la lógica numérica que inspiró a Pitágoras\, sino también los pares contradictorios de Aristóteles y la Teoría del Color de Goethe\, reforzando la naturaleza dialéctica de su pensamiento. Mediante un majestuoso uso del color y la incorporación de signos y símbolos meticulosamente colocados en los espacios más recónditos de su obra\, el artista nos invita a deconstruir la realidad y cambiar nuestro posicionamiento frente al mundo. \nLa exposición permanecerá abierta hasta el lunes 11 de mayo de 2020. \nInformación general\nHorario:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes de 13 a 19 h\nSábados\, domingos y feriados de 10 a 20 h.\nMartes cerrado. \nDirección:\nAv. del Libertador 2373\, C.A.B.A. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Popular José Hernández\, Av. del Libertador 2373.\, CABA\, Ciudad de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Daniel Ontiveros
DESCRIPTION:La exposición\, curada por María Teresa Constantin\, toma el título de una obra de 2017: NOSOTROSLOSOTROS. En palabras de la curadora: «Una obra que aparece como un posicionamiento en el mundo del arte. Nosotros los otros\, nosotros (y) los otros\, nosotros (somos esos) otros. Un texto fragmentado\, frontal\, que en el uso del pluralnos incluye.» \nCon más de 50 obras\, entre pinturas e instalaciones\, esta exposición\, reúne obras realizadas entre 1978 y la actualidad. Dentro de este período de tiempo\, la elección de temas en palabras del artista\, es tan amplia «como la vida misma». Sus intereses son múltiples y pueden resultar en apariencia contradictorios\, sin embargo su producción siempre gira en torno a la identidad\, la historia (nacional o del arte) y la memoria. \nEl despliegue de las obras en la sala de Arroyo 807\, permite un acercamiento a las problemáticas abordadas por el artista. Entre ellas\, el recurso de las citas\, a veces críticas u homenajes a importantes referentes de la historia del arte universal\, y nacional\, convierten un muro de la sala en un museo carancho. En otro sector\, la presencia de un gran número de obras de la década de los 90 pone en cuestión la noción de «Arte Light«. Por otro lado\, una instalación sobre Malvinas\, con el uniforme del propio artista ex combatiente «inicia un amplio proceso de identificaciones» en palabras de Gustavo Buntix\, que se extiende de su propia experiencia a la historia argentina. \nEl montaje de esta exposición se extiende al taller donde se realizan actividades prácticas con las escuelas públicas que asisten a las visitas guiadas en el Espacio de Arte de la Fundación OSDE\, con la obra El merendero. \nEn efecto\, la pintura producida durante la crisis de diciembre de 2001\, con un teléfono y un texto\, pedía donaciones para el merendero dónde los chicos de Constitución podían ir a comer algo y tomar la leche. Así\, Ontiveros contradecía los dichos de algunos colegas sobre la idea de que nunca el arte había servido para darle de comer a un chico. \nLa exposición podrá visitarse hasta el 16 de mayo y en el marco de la muestra se llevarán a cabo\, además de los ya habituales recorridos con el artista y la curadora\, una serie de encuentros con especialistas para reflexionar en torno al concepto de memoria y a la memoria sobre Malvinas en particular. \n+ INFO
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LOCATION:FUNDACIÓN OSDE | Espacio de Arte\, Arroyo 807. Esquina Esmeralda\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Escenarios Dinámicos
DESCRIPTION:El viernes 21 de febrero\, a las 18.30 h\, el Fondo Nacional de las Artes (FNA) dará a conocer las obras ganadoras de su Concurso de Artes Visuales 2019 e inaugurará la muestra «Escenarios Dinámicos«\, con las piezas premiadas y seleccionadas en la Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985. \nLas 125 obras exhibidas corresponden a las tres categorías:Obras Bidimensionales (pintura\, dibujo\, expresiones gráficas y relieve en plano)\, Obras Tridimensionales (escultura\, objeto e instalaciones) y Fotografía. \nEn esta edición\, se presentaron 3236 artistas de todo el país y el jurado estuvo compuesto por Claudia Lamas\, Hugo Petruchansky y Pablo Siquier\, para Bidimensionales; Sebastián Tedesco\, Marcela Cabutti y María José Herrera\, para Tridimensionales\, y Nicolás Testoni\, Adriana Lestido y Ataúlfo Pérez Aznar\, para Fotografía. Los tres primeros premios de cada categoría recibirán $120.000\, $70.000 y $40.000\, respectivamente. \n«Esta exposición nos posibilita el encuentro con el arte de hoy\, el que nuestros artistas están en estos momentos generando. Somos espectadores en este espacio de una producción calificada -que evidencia la heterogeneidad propia de las creaciones originadas en una época en la cual las poéticas se entrecruzan\, se amalgaman o se contraponen– conviviendo sinérgicamente con manifiesta libertad expresiva»\, explica Rosa Aiello\, curadora de la exposición junto con Gachi Prieto. \nPor tercer año consecutivo\, el FNA organiza esta exposición junto con la Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985\, donde podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2020\, de martes a domingos\, de 12 a 20 h. \n+ INFO
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LOCATION:FNA en Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985 - CABA\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Escenarios Dinámicos. Premio Concurso de Artes Visuales 2019
DESCRIPTION:Escenarios Dinámicos. Premio Concurso de Artes Visuales 2019\nLa Casa Nacional del Bicentenario exhibe Escenarios Dinámicos\, exposición que reúne las obras seleccionadas y premiadas en el Concurso de Artes Visuales 2019 del Fondo Nacional de las Artes. \nLos 125 trabajos que componen la muestra corresponden a las tres categorías: Obras Bidimensionales (pintura\, dibujo\, expresiones gráficas y relieve en plano)\, Obras Tridimensionales (escultura\, objeto e instalaciones) y Fotografía. \nEn esta edición\, se presentaron 3236 artistas de todo el país y el jurado estuvo compuesto por Claudia Lamas\, Hugo Petruchansky y Pablo Siquier\, para Bidimensionales; Sebastián Tedesco\, Marcela Cabutti y María José Herrera\, para Tridimensionales\, y Nicolás Testoni\, Adriana Lestido y Ataúlfo Pérez Aznar\, para Fotografía. Los tres primeros premios de cada categoría recibirán $120.000\, $70.000 y $40.000\, respectivamente. \nta exposición nos posibilita el encuentro con el arte de hoy\, el que nuestros artistas están en estos momentos generando. Somos espectadores en este espacio de una producción calificada -que evidencia la heterogeneidad propia de las creaciones originadas en una época en la cual las poéticas se entrecruzan\, se amalgaman o se contraponen– conviviendo sinérgicamente con manifiesta libertad expresiva»\, explica Rosa Aiello\, curadora de la exposición junto con Gachi Prieto.Por tercer año consecutivo\, el FNA organiza esta exposición junto con la Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985\, donde podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2020\, de martes a domingos\, de 12 a 20 h. \n  \nEscenarios Dinámicos.\nPremio Concurso de Artes Visuales 2019\nDesde el 21 de febrero al 29 marzo de 2020 \nCasa Nacional del Bicentenario\nRiobamba 985\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Casa Nacional del Bicentenario\, Riobamba 985
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SUMMARY:Mildred Burton - Fauna del País
DESCRIPTION:El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se enorgullece en presentar esta exposición de gabinete de la obra de Mildred Burton (Paraná\, 1942-Buenos Aires\, 2008). Mediante sus pinturas y dibujos\, la artista construyó un mundo doméstico alocado y opresivo\, para develar la animalidad agazapada en los cuerpos humanos. Así\, creó un imaginario fantástico que narra de un modo silencioso los ecos del último tercio del siglo XX en la Argentina. \nDurante cuarenta años de producción\, Burton combinó las referencias más variadas: la tradición inglesa de las artes decorativas del siglo XIX\, como el movimiento Arts & Crafts\, el surrealismo de Max Ernst y René Magritte\, y el realismo político de la pintura argentina de los años setenta y ochenta. Pero sus referencias más perdurables fueron la literatura fantástica y los cuentos populares infantiles\, a partir de las cuales creó una gran novela visual sobre el ámbito familiar y sus conflictos. \nCon estas herramientas\, Burton ejerció una crítica directa a lo cultural al invadirlo con lo salvaje\, y entendió que el mejor modo de encontrar sus tensiones era haciéndolos convivir en el centro mismo del hogar. Fusionó en su obra dos mundos aparentemente contrapuestos como la naturaleza y la civilización\, poniendo en contacto las formas humanas con las animales al punto de su transformación bestial. Al mismo tiempo\, inyectó vida fantástica en los objetos más cotidianos\, como un banco o una taza\, para producir un extrañamiento dentro de la realidad más corriente. \nAl hacer foco en la tradición de la familia occidental y el clima que la resguarda\, pero abriéndole grietas con estas mixturas entre humanos\, animales y objetos vivientes\, Burton hizo de sus personajes vehículos simbólicos que cargan en su cuerpo la identidad nacional\, llena de exuberancia natural y crueldades sociales. Así\, su obra ofrece un espiral delirante que se despliega desde la quietud del hogar hasta la totalidad de la sociedad argentina que le dio origen. Esto la ha convertido en una pieza excéntrica de su generación y en una referencia ineludible de los sentires contemporáneos. \nMildred Burton (Entre Ríos\, 1942 – Buenos Aires\, 2008) estudió en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Entre Ríos y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”. Tras ser premiada en varios salones nacionales y provinciales\, en 1973 inició una larga serie de exposiciones en Buenos Aires. En 1974 ganó el prestigioso premio Marcelo de Ridder y su obra pasó a formar parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.Conformó el grupo Posfiguración y realizó una innumerable cantidad de exposiciones en distintas galerías y museos argentinos. En la década del ochenta\, mientras realizaba performances junto a Federico Klemm y colaboraba con las Madres de Plaza de Mayo\, Mildred Burton comenzó a recibir un merecido y creciente reconocimiento. \n+ INFO
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LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Santiago Iturralde: La pintura desnuda
DESCRIPTION:Están frente a una Obra Sinfónica que prescinde del intelectualismo de moda y de aquel acomodaticio. Cierto es\, que no necesitan estos esfuerzos y trabajos tributarios de la Pasión de toda una Vida\, un “análisis técnico”\, simplemente porque Resisten\, se niegan a ser aprehendidos. Si la Libertad es la posibilidad de poder elegir atarse a lo que uno Ama\, aquí tienen un cabal ejemplo. \n+ INFO
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LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Kantor de Viaje
DESCRIPTION:Retrospectiva dedicada al artista argentino \nManuel Kantor (1911-1983) \n“Tenía entonces cinco o seis años cuando hice mi primera obra de arte. Era un futbolista que estaba de perfil y\, sin embargo\, le había colocado los dos ojos. Fue así como me anticipé a Picasso\, allá por el año 1916”\, escribió Manuel Kantor (1911-1983). Este enorme artista\, injustamente invisibilizado por los discursos oficiales de la historia del arte argentino\, será protagonista de una imperdible retrospectiva en la sala Victorica del Museo Benito Quinquela Martín (Av. Pedro de Mendoza 1843/35\, La Boca) en la que se reunirá más de 60 obras de arte entre pinturas\, dibujos\, caricaturas y retratos. \nBautizada con el mismo título con el que el escritor español Rafael Alberti le dedicó un poema\, “Kantor de Viaje” abrirá sus puertas el sábado 29 de febrero con la intención de rescatar y revalorizar la fascinante figura de este hombre\, “en cuyo devenir artístico – tal como se señala en el libro catálogo firmado por la curadora de la muestra Yamila Valeiras- \, puede estudiarse buena parte de la historia del arte occidental del siglo XX\, pues todas las influencias que recibe de uno u otro punto del globo serán deglutidas y devueltas en un formato superador”. \nSerá en La Boca\, el célebre barrio porteño que le impuso a Kantor limitaciones y representó su mayor desafío\, donde se podrá acceder a la retrospectiva de este artista. Será sobre esos terrenos que su buen amigo Quinquela Martín donó para la construcción de una escuela y un museo en el que se podrá descubrir\, como bien destaca Valeiras en el texto que acompaña la muestra: “una genuina vigencia\, la que provoca que aún sus producciones nos interpelen\, nos diviertan y nos conmuevan”. \nLa muestra se podrá disfrutar hasta el Sábado 28 de Marzo.  \nEntrada Libre y Gratuita. Martes a viernes 10 a 18 hs – Sábados\, domingos y feriados 11:15 a 18 hs – Lunes cerrado. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/kantor-de-viaje/
LOCATION:MBABQM | Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1843/ 35\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Gonzalo Veloso -  "HERIDAS"\, Instalación
DESCRIPTION:El sábado 29 de febrero\, a las 12.00\, se inaugura en el Museo Quinquela Martín la instalación «HERIDAS»\, de Gonzalo Veloso\, destacado arquitecto y artista visual cuya obra aborda el preocupante tema de los desencuentros en la sociedad con el objetivo de contribuir a cerrar la grieta. \nLa muestra\, curada por Yamila Valeiras (MBQM)\, surge de la coyuntura actual sin perder de vista la dimensión histórica\, proponiendo una mirada crítica y una experiencia sensorial que fomente la vocación de acercar las diferencias\, invitando a la reflexión en busca de un proceso de sanación. \nLa instalación está armada sobre un soporte de madera\, que cumple una doble función: por un lado representa una “buena madera de raíz” y\, por otro\, permite armar las paredes\, el techo y el piso de la obra. La técnica es mixta (collage)\, realizada en esmalte\, acrílico\, látex\, papel de diario\, tela\, soga y enduhido plástico. Artista temperamental\, Veloso no sólo utiliza pinceles de distinto tamaño y espátula\, sino también  sus propias manos cuando la idea necesita de mayor velocidad para ser expresada!!! \n“En realidad mis obras tienen un fundamento conceptual\, me hago preguntas y trato de transmitirlas\, compartirlas  –dice Veloso-. Generalmente\, durante una serie se me ocurren otras preguntas que dan lugar a otras series. Hoy mientras hoy trabajo en esta la instalación\, estoy preparando una que se llama “Ver más allá”.  Todo en esta obra es fiel al objetivo de lo que el artista quiere transmitir. El papel de diario representa a la sociedad: pintado de negro en una parte y blanco la otra\, los fragmentos colorados/rojos son las heridas. \nY completa: “El enduhido utilizado previo al corte (se rompe la piel) genera volumen\, permite coser la herida con las sogas y genera pinceladas blancas sobre el negro y negras sobre el blanco invadiendo un área a la otra: Yin y Yang\, la necesidad de darnos cuenta que somos complementarios\, no antagónicos!!! \nPor su parte\, la curadora expresa: “Cargada de referencias simbólicas\, pero también con una fuerte apuesta sensorial\, la instalación Heridas nos pone frente al espejo-. ¿Quién habilita los límites que regulan los comportamientos sociales? ¿A qué costo se pierden o se ganan los enfrentamientos con nuestros pares? ¿Cuáles son las consecuencias a largo plazo de cada pequeña decisión tomada por un sujeto? \nY continúa: “Aventurar respuestas a estos cuestionamientos\, o incluso generar nuevas preguntas\, constituye la mayor riqueza de esta propuesta diversa e inclusiva que el Museo Benito Quinquela Martín recibe con los brazos abiertos. Después de todo\, son trece los espacios para espiar y trece eran las personas que alguna vez se sentaron a una mesa para dar rumbo a buena parte de la historia. \nVeloso presenta la posibilidad del arte como experiencia que atraviesa corporal y espiritualmente al espectador. El riesgo que asume es alto\, como todo artista que se prepara para dejar que la obra haga su trabajo: conmover\, incomodar\, asombrar\, llamar a la reflexión… Pero sin la participación del público\, esta instalación no se completa\, por eso los invitamos a sumergirse en una verdadera puesta en escena que ilustra el combate entre la desidia y la posibilidad de sanar. \nPor eso\, un árbol realizado con la misma técnica propone a los visitantes participar\, dejando la impronta de cada uno pegando\, a modo de hoja\, un papel con un mensaje que relate  su opinión y su experiencia. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/gonzalo-veloso-heridas-instalacion/
LOCATION:MBABQM | Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1843/ 35\, La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Arturo Aguiar: Formas de Luz
DESCRIPTION:El día Martes 3 de Marzo a las 19:30hs inaugura Arturo Aguiar «Formas de Luz» bajo la curaduría de Adriana Lauría. \nFormas de luz indaga en la generación de imágenes abstractas a través de la fotografía\, explorando las propiedades de la luz y el color\, a partir del diseño y uso de un dispositivo experimental que permite crear estas formas lumínicas\, que van mutando y superponiéndose\, al tiempo que son fotografiadas.Así\, en las obras producidas con esta “fotoperformance lumínica”\, se suscita la confusión entre los géneros de la fotografía y la pintura abstractas. \nArturo Aguiar nació en San Juan\, Argentina en 1963. Realizó estudios de Ciencias Físicas en la Universidad de Buenos Aires.\nHizo su primera muestra exhibición individual en el 2000. Desde entonces ha mostrado su trabajo extensamente en Argentina\, Francia\, España. Portugal\, México\, Estados Unidos\, Costa Rica\, Colombia; Bélgica\, Alemania. Sus fotografías se encuentran en importantes colecciones institucionales y privadas de Argentina y el mundo\, como la del Museo Nacional de Bellas Artes\, Buenos Aires; Museo de Bellas Artes Franklin Rawson\, San Juan; Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”\, La Plata; Colección Petrobras; Colección Fundación OSDE; Colección del Banco Ciudad de Buenos Aires; Colección Arte al límite\, Santiago de Chile y Colección Casa de la Cultura\, Cádiz\, España. \n+ info http://www.elculturalsanmartin.org \n+ INFO
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LOCATION:CCGSM | Centro Cultural General San Martín\, Sarmiento 1551\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:MATRICES. MUJERES DEL DISEÑO
DESCRIPTION:En el marco de la Semana de las Mujeres Trabajadoras “Nosotras Movemos al Mundo”\, organizada por el Ministerio de las Mujeres\, Géneros y Diversidad y el Ministerio de Cultura de la Nación\, la Fundación IDA (Investigación en Diseño Argentino) presenta la muestra  “Matrices. Mujeres del diseño. Capítulo I: Origen y Activismo”\, que se exhibirá entre el 4 de marzo y el 19 de abril próximos en el Centro Cultural Kirchner. \n“Matrices…” cuenta con la curaduría de Silvia Fernández y Fundación IDA\, representada por Marina Baima\, Sebastián Rodríguez y Wustavo Quiroga\, sobre piezas de diseño textiles\, de indumentaria\, mobiliario\, objetos decorativos\, juguetes didácticos\, editorial\, publicidad y packaging del acervo de la nombrada institución\, y se desarrolla en dos espacios en los cuales el pasado y el presente se articulan con una mirada federal. \nLa sala 504\, denominada “Origen”\, exhibe la labor de 31 pioneras del diseño entre los años 30 y 70\, en torno a cinco escenarios ocurridos en momentos históricos consecutivos. Para abordar este período embrionario se plantean tres ejes disciplinares: producto e industrial\, gráfica y comunicación visual\, y textil e indumentaria. Allí se revisan los primeros procesos productivos a los que acceden las mujeres a través del oficio y se indaga cómo estas creadoras autodidactas\, guiadas por su talento y sus búsquedas personales\, se acercan al diseño. \nA posteriori aparecen las “modernas”\, quienes desarrollan su trabajo con bases teóricas y elaboran manifiestos influenciados por las vanguardias artísticas de principios de siglo. Otro grupo da cuenta de la resignificación artesanal encarada por aquellas que recuperan –y actualizan– el quehacer manual mediante la utilización de materiales autóctonos y la autoproducción. Luego\, en la década del 60\, el foco se posa en las vanguardias visuales y el surgimiento de materiales como el acrílico y el PVC\, que acompañan los nuevos modos de habitar y de consumir. Finalmente\, se aborda la profesionalización en el ámbito institucional y empresarial mediante el desarrollo de imágenes corporativas\, con lógicas de sistematización y de producción seriada. \nPor su parte\, en la sala 505 y bajo el título “Activismo”\, se hace pie en el presente y se dirige la mirada hacia el futuro\, con la participación de dos agrupaciones:Cooperativa de Diseño\, la primera organización profesional feminista que trabaja en la recuperación de empresas y la lucha de derechos\, yHay Futura\, una colectiva de más de 150 mujeres y disidencias que hacen su primera aparición pública con un manifiesto. \nCualquier intento de reconstrucción histórica nace de una inquietud o de una necesidad del presente\, acompañada por un análisis crítico que permite generar un quiebre de sentido para evolucionar hacia nuevos paradigmas. Y hoy\, como nunca antes\, las mujeres alrededor del mundo se están organizando para visibilizar las inequidades a las cuales fueron y son sometidas. \nEn este rumbo\, la Fundación IDA inició un proceso de construcción de su acervo patrimonial para echar luz sobre el trabajo de las mujeres hasta ahora no historiografiadas y sobre otros relatos no oficiales\, con el desafío y la responsabilidad de construir un “Museo Argentino del Diseño” más integrador. \nSe exhiben trabajos de Victoria Ocampo\, Grete Stern\, Sonia Maissa de Landini\, Lucrecia Moyano\, Susi Aczel\, Fridl Loos\, Lidy Prati\, Leonor Rigau\, Celina Arauz de Pirovano\, Colette Boccara\, Celina Castro\, Mary Tapia\, Ana Van Ditmar\, Rosita Bailón\, Medora Madero\, Dalila Puzzovio\, Renata Schussheim\, Ángela Vassallo\, Josefina Ayerza\, Fanny Fingermann\, Margarita Paksa\, Josefina Rodríguez Bauzá\, Mónica Garate\, María Luisa Colmenero\, Gladys González\, María Inés López\, Ana María Haro\, Margarita Marotta\, Lala Méndez Mosquera\, Eva Neuman y Sara Torossian; y las agrupaciones Cooperativa de Diseño y Hay Futura. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/matrices-mujeres-del-diseno/
LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Remedios Varo - Constelaciones
DESCRIPTION:El próximo jueves 5 de marzo Malba inaugura CONSTELACIONES una exposición antológica de REMEDIOS VARO (Anglès\, Girona\, 1908 – Ciudad de México\, 1963)\, figura central del surrealismo y del arte fantástico latinoamericano y referente ineludible de la escena mexicana de mediados del siglo XX\, que nucleó a un extraordinario grupo de artistas e intelectuales exiliados. \nLa exposición da cuenta de su producción más relevante y es la primera dedicada a la artista que se realiza en Argentina. Plantea un recorte temporal que va de 1938 a 1963 y se centrará especialmente en las obras realizadas durante el exilio de la artista en México\, a partir de 1942. Se exhibirán aproximadamente 35 pinturas\, 11 dibujos y 60 bocetos. \nInauguración con entrada libre y gratuita. \nA las 18:00 se realizará una conversación pública con los curadores de la exposición\, Victoria Giraudo\, Jefa de Curaduría de Malba\, y Carlos A. Molina\, Curador en Jefe de MAM. Las entradas se entregarán una hora antes en la recepción del museo. Cupo limitado. \n+ INFO
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LOCATION:MUSEO MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Catalina Chervin -  Atmósferas y Entropía
DESCRIPTION:La artista plástica Catalina Chervin inaugura el viernes 6 de marzo de 2020 su muestra “Atmósferas y Entropía” en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, MACBA (Av. San Juan 328\, CABA). \nLa exposición\, curada por Ángel Navarro\, reúne obras de gran formato pertenecientes a series como “De los paisajes Escritos” o “De las pequeñas marcas”\, e incluye una selección de dípticos de 2 x 3 metros\, de su serie “Street Art”. En ellas\, Chervin utiliza pluma\, lápiz\, tintas y carbón para plasmar sobre el papel formas\, líneas\, manchas que se yuxtaponen y tejen texturas\, luces y sombras. \n“Las obras de Catalina parten de un signo mínimo\, una partícula elemental\, marca que deja su pluma\, plumín\, o rotring para que\, como un demiurgo\, comience a armar un mundo extraordinario\, etéreo y sutil”\, sostiene Navarro en su texto curatorial. “Creaciones signadas por formas que se acercan a lo biológico\, con sombras que acentúan ciertas áreas dotando de dramatismo a esos seres que palpitaban en su fondo blanco”\, agrega. \nAcerca de su obra\, Chervin escribe: “Hay un vacío en mi obra\, la expresión de un vacío que se llena de formas. Formas que parecen ser órganos\, pájaros\, fragmentos de un cuerpo humano cortado en mil pedazos\, monstruos de una mitología propia\, paisajes\, torres donde la multitud se cae y se desparrama armando un mundo e inundando el espacio. Formas que conforman un tejido sinuoso que se ensambla  amordazándose\, donde cada figura se engendra y engendra a otra simultáneamente hasta el infinito”. \n“Atmósferas y Entropía” podrá visitarse hasta el 3 de mayo de 2020\, de lunes a viernes de 11 a 19\, y sábados y domingos de 11 a 19:30. El ingreso al MACBA tiene un costo de $150 (miércoles: $100)\, mientras que estudiantes\, docentes y jubilados acreditados\, abonan $100 y los miércoles ingresan gratis. \nEn paralelo a la muestra habrá una agenda de actividades especiales todos los fines de semana de marzo\, que combinará performance\, poesía\, dibujo y música. \nAdemás\, se presentará un libro con una cuidada edición que reúne una selección de obras realizadas entre 1998 y 2020\, junto con textos críticos de especialistas como Ángel Navarro\, curador de dibujo antiguo del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina; Norman Kleeblatt\, curador en jefe por más de cuatro décadas del Jewish Museum de Nueva York y actual copresidente de AICA-USA (Asociación Internacional de Críticos de Arte)\, y la escritora británica Susan Owens\, quien fue curadora de pintura del Victoria and Albert Museum. También analizan la obra de Chervin en esta publicación la historiadora del arte austríaca Marietta Mautner Markhof\, curadora del Museo de la Albertina hasta el 2018\, y el curador\, escritor y profesor del Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York (NYU) Edward J. Sullivan\, especialista en arte hispano-portugués\, entre otras importantes figuras del mundo del arte. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/catalina-chervin-atmosferas-y-entropia/
LOCATION:MACBA | Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, San Juan 328\, San Telmo\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Miguel Ángel Giovanetti: Fragmentos de pentágonos
DESCRIPTION:Desde hace una década\, la obra del artista Miguel Ángel Giovanetti sitúa en el centro de su abstracción geométrica al pentágono. En un principio\, esta figura apareció como parte integrante del dodecaedro y\, luego\, como unidad en sí misma vinculada a reflexiones provenientes de la filosofía en diálogo con las artes visuales\, en ambos casos. Siempre dotándolo de libertad de movimiento y distintas apuestas compositivas de la mano de la pintura\, el dibujo y elcollage. Hasta llegar a los más recientes trabajos\, donde este polígono regular parece estallar con la fuerza delBig Bangarrojando al espacio múltiples fragmentos que\, a diferencia de otros momentos en su producción\, adquieren la importancia de unidades autónomas constituidas por grupos de líneas rectas paralelas de variado cromatismo y armoniosos ritmos. \nEstos fragmentos de pentágonos privilegian el dibujo\, realizado con bolígrafo con gel sobre papel\, en la construcción pormenorizada de las líneas. La trama de intención perfeccionista cede su rigidez ante una diversidad de colores vibrantes y delicados con predominio de verdes\, anaranjados\, amarillos\, rojos y azules. Las tonalidades se combinan también en función de los cambios de grosor de las rectas en las diferentes series. La potencia del fragmento –de raíz moderna y vanguardista– se asocia en la obra de Giovanetti\, asimismo\, con el diseño gráfico y textil. En su dinámica propuesta plástica\, los dibujos pueden evocar imágenes fantásticas como las de pentagramas que no temen multiplicar su magnitud y romper con la horizontalidad o las depatternsen constante búsqueda y modulación de un destino. \nLa figura recortada se eleva con sutileza sobre el fondo del papel en algunos conjuntos mientras que\, en otros\, se sumerge levemente al estar rodeada por unpassepartoutsiguiendo su perímetro. En tanto\, el movimiento prevalece en cada obra al proponer una dirección distinta en el espacio del papel (y del mundo). Dimensión de constante interés del artista\, quien dentro de su extensa carrera ha mirado con especial atención al cubismo analítico y al futurismo\, el movimiento se incrementa en los videos a través de fragmentos hacedores de rotaciones virtuales\, las cuales juegan con la posibilidad de una completitud desplegada o condensada. Los dibujos de los videos son fotografías de los realizados a mano en las obras en papel\, en una traslación que propone continuidad entre el mundo real y el virtual. Estas decisiones ligan a cada imagen con momentos pretéritos y futuros a partir de un acontecer de líneas y colores expansivo. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/miguel-angel-giovanetti-fragmentos-de-pentagonos/
LOCATION:MACBA | Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, San Telmo\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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