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SUMMARY:La Conspiración
DESCRIPTION:La muestra está basada en la Conspiración de Álzaga\, sucedida en Buenos Aires en 1812. A partir de dispositivos sonoros y dibujos en clave de cómic\, la exhibición narra el devenir de esta historia. \n¿Qué es? \n«La Conspiración» es una muestra basada en la Conspiración de Álzaga\, de 1812. Este episodio se produjo en Buenos Aires\, a partir de la denuncia de un esclavo llamado Ventura\, hacia su ama\, Doña Valentina Feijóo\, sobre una conspiración antirrevolucionaria que Martín de Álzaga y un grupo de españoles estaban organizando. A partir de dispositivos sonoros y dibujos en clave de cómic\, la exhibición narra el devenir de esta historia que permite pensar los cambios que generó la Revolución en la sociedad porteña. \n¿Por qué ir? \nPara vivir una experiencia visual y sonora basada en una historia real. Esta exposición significa un gran desafío para el Museo\, que a partir de la experimentación sonora e instrumental\, intenta potenciar el relato del hecho histórico creando un espacio integral y accesible que despierta todos los sentidos. \n¿Cuándo? \nA partir del sábado 13 de octubre: Martes\, miércoles y viernes\, de 10.30 a 17; jueves de 10.30 a 20\, y sábados y domingos\, de 10.30 a 18. Ingreso hasta media hora antes del cierre. \n¿Dónde? Museo del Cabildo. Bolívar 65\, CABA \nEntrada libre y gratuita \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/la-conspiracion/
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SUMMARY:José Pedro Costigliolo:  La vida de las formas
DESCRIPTION:José Pedro Costigliolo\nLa vida de las formas\nMuestra retrospectiva de José Pedro Costigliolo «LA VIDA DE LAS FORMAS»\, organizada por el Museo Nacional de Artes Visuales y la Fundación Pablo Atchugarry. La misma se configura en tres muestras complementarias y autónomas. La primera se inauguró el pasado el 3 de diciembre en Miami\, en la nueva sede de la Fundación Pablo Atchugarry – Atchugarry Art Center\, la segunda el 29 de diciembre en la sede de Manantiales de la Fundación Pablo Atchugarry y la tercera el 6 de junio del 2019 en Montevideo en el Museo Nacional de Artes Visuales. \n«José Pedro Costigliolo ha conseguido de manera magistral\, y a través de sesenta años de trayectoria\, consolidar un universo plástico singular con mínimos recursos y máximos resultados. De la mirada aguda de uno de sus pares\, como lo es José Luis Tola Invernizzi (1918-2001)\, al hacer referencia a la «pequeña historia de los hacedores de arte»\, afirma en una carta: «(pienso en el empecinamiento irrenunciable de Spósito y Costigliolo\, por ejemplo). Ello da cierta tranquilidad al alma.» \nHay en la obra del artista un marcado disciplinamiento para alcanzar un estilo\, una incuestionable certeza que oficie como verdad. La autenticidad por sobre las tendencias de moda dotan al trabajo de Costigliolo de una ética que vertebra toda su trayectoria. \nLa exposición «José Pedro Costigliolo – La vida de las formas» es un sentido homenaje y un justo reconocimiento a un artista y a una obra impar que con el paso del tiempo ha trascendido el espíritu de una época para volverse atemporal» \nDesde el jueves 6 de junio al domingo 29 de setiembre de 2019\nSala 2 \nEnrique Aguerre\nDirector del Museo Nacional de Artes Visuales\nCurador de la exposición \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/jose-pedro-costigliolo-la-vida-de-las-formas/
LOCATION:Museo Nacional de Artes Visuales\, Tomás Giribaldi 2283 esq. Julio Herrera y Reissig. Parque Rodó -\, Montevideo -\, Uruguay
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SUMMARY:Emancipadxs. Estereotipos\, luchas y conquistas
DESCRIPTION:La muestra organizada por la Biblioteca Nacional difunde\, a través de los materiales de su acervo\, parte de la historia de lucha de las mujeres argentinas recorriendo el camino de sus fatigas y conquistas y poniendo de manifiesto los estereotipos a los que se vieron sometidas. \nEste recorrido se inicia en el ámbito del hogar\, sobre el que paradójicamente las mujeres no tenían potestad legal\, continúa con el ingreso al mercado laboral y a la participación sindical\, el acceso a la universidad\, el demorado derecho al voto\, las voces contestatarias de la cultura ante los modelos impuestos\, hasta llegar a los reclamos y logros más recientes de los distintos colectivos que reconfiguran la sociedad desde lo personal. \nLa Biblioteca Nacional cuenta con las primeras publicaciones redactadas y/o dirigidas por mujeres\, que datan del siglo XIX\, como La Aljaba\, La Camelia o Álbum de señoritas\, entre otras. También con las tesis con las cuales se graduaron las primeras universitarias argentinas como Cecilia Grierson\, Elvira Rawson\, Elvira López y Alicia Moreau. \nLas obras de mujeres de la cultura que tempranamente alzaron su voz para oponerse a los estereotipos dominantes -entre las que cabe mencionar a Alfonsina Storni\, Victoria Ocampo\, Alejandra Pizarnik\, María Elena Walsh\, María Luisa Bemberg y Angélica Gorodischer- también tienen su lugar aquí. Por último\, los movimientos colectivos que con su lucha provocaron cambios decisivos en la sociedad argentina\, como Madres y Abuelas de Plaza Mayo o #NiUnaMenos\, entre otros\, están representados en esta muestra\, así como algunas de sus protagonistas. \n  \nEmancipadxs\nEstereotipos\, luchas y conquistas\nDesde el 6 de junio de 2019 al 30 de abril de 2020 \nBiblioteca Nacional\nMuseo del libro\nAv. Gral. Las Heras 2555\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Biblioteca Nacional Museo del libro\, Av. Gral. Las Heras 2555\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Rafael Soriano: Cabezas
DESCRIPTION:Desde el jueves 20 de junio\, El Art Museum of the Americas presenta Rafael Soriano: Cabezas\, una exposición individual del pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015). Bajo la curaduría de Alejandro Anreu (Profesor de Historia del Arte y Estudios Latinoamericanos\, en la William Paterson University) y Kristen Evangelista (Directora de la William Paterson University Galleries). \nLa exhibición muestra el desarrollo del estilo biomórfico único de Soriano\, que culminó en un conjunto específico de pinturas de la cabeza humana. \nAcerca de Rafael Soriano \nRafael Soriano nació en 1920 en la ciudad de Cidra en la provincia de Matanzas\, Cuba. Después de completar siete años de estudio en la Academia de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana\, se graduó en 1943 como profesor de pintura\, dibujo y escultura. Luego regresó a Matanzas y fue uno de los fundadores\, y más tarde director\, de la Escuela de Bellas Artes de Matanzas. En 1962\, Soriano se exilió y se estableció en Miami\, Florida\, con su esposa Milagros y su hija Hortensia. Trabajó como diseñador gráfico y ocasionalmente enseñó\, primero en el Catholic Welfare Bureau\, y luego en el Programa Cultural Cubano en la Universidad de Miami. Vivió en Miami\, donde murió a los 94 años. \n  \nRafael Soriano: Cabezas \nDónde: Museo de Arte de las Américas \nClausura: 29 de septiembre \nUbicación: 201 18th Street NW\, Washington\, DC 20006 (en la esquina de 18th Street y Constitution Ave.) \nHorario: martes a domingo\, de 9:30 a 13:00 horas y de 13:30 a 17:00 horas. \nEntrada: gratuita \n  \n  \n  \n\n\n\n\n 
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SUMMARY:“Benicio Núñez\, El Fausto Criollo”
DESCRIPTION:Exhibición “Benicio Núñez\, El Fausto Criollo” en la Casa Nacional del Bicentenario. \n¿Qué es? \nLa exhibición reúne las 21 ilustraciones originales con las que el artista argentino Benicio Núñez versionó “El Fausto criollo”\, de Estanislao del Campo. Un recorrido por la particular lectura del clásico nacional\, en la imaginativas y coloridas tintas de uno de los tantos artistas argentinos a redescubrir. La muestra se completa con un video que conjuga el trabajo de Núñez y Del Campo\, realizado en 1985 por la Fundación Alon para las Artes\, organizadores del proyecto. \n¿Por qué ir? \nEs una oportunidad única para conocer la obra de este gran artista que supo alcanzar un grado de afinidad e intimidad con la chispeante versión criolla del Fausto. Sus ilustraciones se alejan\, al igual que el poema\, de la literalidad de los acontecimientos representados\, y es a través de la parodia que ambos –autor e ilustrador– llevan a nuestras pampas un drama universal y lo presentan en clave gauchesca. \n¿Cuándo? Del miércoles 17 de julio al 12 de enero de 2020. Martes a domingos\, de 11 a 20 h \n¿Dónde? Riobamba 985\, CABA \n\nInformación del evento\n\n\nHasta el 12 de enero de 2020\nMartes 11:00 a 20:00 | Miércoles 11:00 a 20:00 | Jueves 11:00 a 20:00 | Viernes 11:00 a 20:00 | Sábado 11:00 a 20:00 | Domingo 11:00 a 20:00 | Feriados 11:00 a 20:00\nActividad gratuita
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SUMMARY:Julio Le Parc. Un visionario
DESCRIPTION:En el marco del homenaje nacional a su trayectoria se presenta la gran retrospectiva Julio Le Parc. Un visionario\, una exhibición que se despliega en múltiples espacios del CCK. El sexto piso reúne una extensa selección de obras del multifacético artista. En la Gran Lámpara se podrán recorrer instalaciones lumínicas y obras que dan cuenta de sus investigaciones cromáticas en grandes telas. La Terraza de la Sala Sinfónica invita al público a participar activamente de los juegos presentados por Le Parc. Por último\, en el subsuelo se podrá ver por primera vez en la Argentina La Tortura\, una obra que evidencia el compromiso del artista por reivindicar los derechos humanos\nJulio Le Parc. Un visionario cuenta con la curaduría de Gabriela Urtiaga –historiadora del arte y Curadora general de Artes Visuales del CCK– y la dirección artística de Yamil Le Parc\, hijo del artista y director artístico del Atelier Le Parc (París\, Francia). \nLa exhibición está abierta al público hasta el día martes 19 de noviembre\, ese día abrirá excepcionalmente como despedida de 13 a 20h. En ocasión de las actividades de Octubre Le Parc y hasta el cierre de la exhibición\, a partir del sábado 12 de octubre la entrada es gratuita para todo público. \nJulio Le Parc. Un visionario celebra los noventa años del artista pionero del arte cinético a nivel mundial\, y su larga y prolífica trayectoria internacional dedicada a la creación. La exhibición recorre la vasta producción de Le Parc\, desde sus primeras obras realizadas en Argentina en 1958 hasta sus creaciones más recientes\, producto de sesenta años de investigación con la luz\, la pintura\, la escultura\, y experiencias participativas. Tras haber sido expuestas en París\, Londres\, Miami\, Brasil y Nueva York\, arriba a Buenos Aires un conjunto de obras imaginadas y realizadas en París. \nLa selección reúne más de 160 obras de Julio Le Parc\, tanto históricas como recientes: desde gouaches y acrílicos sobre tela hasta esculturas lumínicas\, grandes instalaciones móviles\, obras de luz y un espacio nuevo de realidad virtual. \nDurante su trayectoria\, diversas investigaciones llevaron a Le Parc a realizar grandes innovaciones en los campos de la luz\, el movimiento y la percepción\, y a crear obras que estuvieran en constante transformación y alentaran una relación activa entre el espectador y el objeto artístico\, generando situaciones y sensaciones de inestabilidad. Esta fuerte impronta participativa de las obras invita al público a ser protagonista de la gran exhibición. \nComo desde los inicios de su carrera\, Le Parc continúa viendo al arte como un laboratorio social capaz de producir situaciones impredecibles y llevar al espectador a la acción. \nLa exhibición en el CCK se enmarca en el homenaje nacional que se lleva a cabo en conjunto con el Museo Nacional de Bellas Artes\, donde se expondrán las obras realizadas por Le Parc durante su primera década de trabajo\, previamente al viaje a París donde luego estableció su residencia. \nEsta exhibición cuenta con el apoyo de la Embajada de Francia en Argentina y del Institut Français d’Argentine. \nJulio Le Parc. Un visionario\nDel 20 de julio al 10 de noviembre de 2019\nMiércoles a domingos y feriados\, de 13 a 20h \nEntrada general: $100\, incluye el ingreso a las exhibiciones de Julio Le Parc en el CCK y a la muestra Julio Le Parc. Transición Buenos Aires – París 1954/1959 en el Museo Nacional de Bellas Artes.\nMenores de 18 años\, estudiantes\, docentes\, jubilados y personas con discapacidad\, presentando acreditación: sin cargo.\nMiércoles\, entrada general sin cargo. \n\nAcerca de Julio Le Parc\nNacido en Mendoza en 1928\, Julio Le Parc es considerado uno de los grandes representantes del arte cinético y contemporáneo. Se radicó en París en 1958 y en 1960 fundó allí el Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV\, Grupo de Investigación de Arte Visual)\, espacio que se mantuvo activo por diez años. Desde siempre investiga el movimiento y el rol del espectador en el arte. En 1966 obtuvo el Gran Premio de Pintura internacional en la Bienal de Venecia\, evento artístico en el que ha participado en tres oportunidades. La primera retrospectiva de su obra se realizó en Buenos Aires en el Instituto Torcuato Di Tella en 1967. Ha exhibido individualmente en diversas instituciones y museos del mundo\, tales como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York\, el Palais de Tokyo en París\, el Pérez Art Museum Miami (PAMM) en Miami\, el Instituto Tomie Ohtake (ITO) en San Pablo y el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) en Buenos Aires\, entre otros. La BBC produjo un documental sobre su vida y su obra en 1978\, y en 2017 el Canal Encuentro le dedicó un documental que puede verse por la plataforma digital Contar. \n\n+ INFO
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LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:COGHLAN de Edgardo Coghlan
DESCRIPTION:El Museo Virreinal de Zinacantepec recibió la exposición “Coghlan”\, para mostrar la obra de Edgardo Coghlan\, uno de los pintores mexicanos más importantes que desarrolló con maestría la técnica de la acuarela. \nEsta muestra refleja el talento que lo ha colocado como referente de la pintura del siglo XX\, ya que sus imágenes son tan realistas que dan la impresión de ser fotografías. \nLos elementos en sus obras incluyen paisajes\, senderos\, océanos\, volcanes\, personas y tradiciones mexicanas. \nEl artista gozó de gran renombre a lo largo de su trayectoria\, enriqueciendo el patrimonio cultural del Estado de México\, entre sus muchos reconocimientos\, fue ganador del Premio Nacional de la Acuarela y el Premio Sinaloa de Ciencias y Artes. \nLa exposición está compuesta por más de 20 obras que pertenecen a la familia del maestro Edgardo Coghlan\, en las que se incluyen también óleos\, acuarelas y dibujos. \nLa muestra se divide en dos partes\, la primera con retratos y costumbres; la segunda\, en paisajes\, la mayoría mexiquenses. \nAlgunos de los títulos de las pinturas expuestas son “El Valle”\, “Astilleros”\, “Venecia”\, “Casa Vieja”\, “Mi camino”\, “La vereda”\, “Niña con cántaro” y “Vendedora de cempasúchil (1 y 2)”\, entre otros. \n“Coghlan” permanecerá abierta al público hasta el día 15 de octubre en el Museo Virreinal de Zinacantepec\, ubicado en Avenida 16 de Septiembre\, San Miguel Zinacantepec\, Estado de México\, con un horario de lunes a sábado de 10:00 a 18:00 horas y domingos de 10:00 a 15:00 horas\, con entrada gratuita.
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LOCATION:Museo Virreinal\, Avenida 16 de Septiembre\, San Miguel Zinacantepec\, Estado de México\, México
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SUMMARY:Imágenes de ida y vuelta.
DESCRIPTION:El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires inaugura la exhibición Imágenes de ida y vuelta. Artistas españoles y argentinos a comienzos del siglo XX el viernes 6 de septiembre\, a las 18:30. Ese mismo día se inaugurará el nuevo teatro-auditorio que presentará una variada programación para todas las edades. \nEsta exhibición da inicio al eje Color del programa anual Narrativas Cruzadas\, un proyecto de la Dirección General de Patrimonio\, Museos y Casco histórico mediante el cual se interrelacionan las distintas formas de entender las dinámicas artísticas que atraviesan las colecciones de los Museos de la Ciudad\, con las nuevas muestras y el público. Curaduría del Eje Color: Sebastián Vidal Mackinson. \nLa exposición propone una relectura contemporánea de las relaciones artísticas entre España y Argentina. En total se presentarán 51 obras -incluyendo documentos\, cartas y notas- que recrean la relación de nuestra historia del arte con la del país ibérico\, sobre todo durante las primeras tres década del siglo XX. \nEl guión curatorial de María Elena Babino gira en torno a las obras que los artistas españoles y argentinos de principios del siglo XX produjeron en el entramado de sus relaciones y en la experiencia de sus viajes. Desde la centralidad que tuvieron Joaquín Sorolla\, Hermenegildo Anglada Camarasa e Ignacio Zuloaga entre los artistas argentinos de comienzos del siglo XX se analizarán las identidades y alteridades. \n\n\n\n\n\nActividades complementarias:\nMiércoles 11 de septiembre 18 h.\nConferencia: «El mito adquiere forma: Mallorca pintada por artistas argentinos». Dra. Francisca Lladó Pol\, Universidad de las Islas Baleares. \nArtistas españoles y argentinos a comienzos del siglo XX\, a cargo de Francisca Lladó Pol\, especialista e investigadora de la Universidad de las Islas Baleares. \nJueves 12 de septiembre 17 h.\nVisita comentada con la curadora de la exposición\, María Elena Babino y Francisca Lladó Pol\, investigadora mallorquina.\nActividad libre con la entrada al museo. \nMiércoles 9 y 16 de octubre 17h.\nVisita comentada con la curadora de la exposición\, María Elena Babino.\nActividad libre con la entrada al museo. \n\nHorario de visita a la muestra:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes desde las 12 a las 19 h.\nSábados y domingos desde las 10 a las 20 h.\nMartes cerrado al público \nEntrada general: $50\nJubilados\, personas con discapacidad y estudiantes con acreditación: gratis\nMiércoles: entrada libre y gratuita. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Larreta\, Juramento 2291\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Alfredo Londaibere. Yo soy santo
DESCRIPTION:Para Alfredo Londaibere (Buenos Aires\, 1955-2017) la pintura podía concentrar toda la capacidad expresiva de un artista y toda la verdad sobre el arte. El Museo de Arte Moderno celebra su obra con una exposición retrospectiva con curaduría de Jimena Ferreiro. La pintura para Londaibere representó su medio\, su lenguaje y su campo de acción\, que exploró desde múltiples perspectivas a través de sus diferentes roles como artista\, docente y curador. También se convirtió en una herramienta para la experimentación de diversas técnicas con las que revisitó los géneros tradicionales\, y se transformó en una vía para alcanzar un estado espiritual que se hizo cada vez más explícito en su obra. Su espiritualidad se expresó en un modo de hacer metódico\, intimista y solitario que delimitó un programa estético gobernado por la intuición\, el goce y la contemplación que configuró un ethos de trabajo austero y disciplinado\, que lo fue alejando de las rutinas de la sociabilidad contemporánea. \n  \nAlfredo Londaibere\n(Buenos Aires\, 1955 – 2017)\nSe formó en el taller de Araceli Vázquez Málaga durante gran parte de los años 70\, donde estudió visión\, composición\, teoría del color\, historia del arte\, dibujo y pintura. Durante los 80 continuó su formación brevemente con Oscar Smoje. Producía obra sistemáticamente\, aunque no participaba prácticamente del circuito de exposiciones y salones de la época. En paralelo\, mantenía un vínculo fluido\, aunque no regular\, con el Grupo de Acción Gay\, con quien compartió lecturas sobre teoría social\, un activismo micropolítico y una sociabilidad que lo relacionó con Jorge Gumier Maier y Marcelo Pombo. Hacia el final de la década asistió a las clínicas de obras de Pablo Suárez\, Luis Wells y Kenneth Kemble en el Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (actual Recoleta). Un poco más integrado\, expuso sus primeros trabajos en bares y discotecas como Cemento y Bolivia. Desde la fundación de la galería de arte del Centro Cultural Recoleta formó parte del grupo de artistas vinculados a la gestión de Gumier. Allí presentó en 1989 su primera exposición individual Mapas y pinturas\, la cual consideró como una “retrospectiva”. Luego volvió a exponer en 1991\, con curaduría de Magdalena Jitrik\, y una última vez en 1992. \n  \nEn 1991 participó de la primera edición de la Beca Kuitca junto con Jitrik\, Graciela Hasper\, Tulio de Sagastizabal\, Daniel García\, Daniel Besoytaorube\, Sergio Bazán\, entre otros. Fue becado por la Fundación Antorchas en 1995 para asistir al taller de Barracas\, bajo la dirección de Luis Fernando Benedit y Pablo Suárez. Fue docente también en el área de artes plásticas del Centro Cultural Ricardo Rojas hasta su muerte\, y en su taller donde tuvo numerosos alumnos. En 1997 reemplazó a Gumier Maier como curador en el Rojas hasta 2002. \nExpuso en forma individual en la galería Mun (1993)\, Instituto de Cooperación Iberoamericana (1996)\, Alianza Francesa (1998)\, Belleza y Felicidad (2000 y 2002)\, Centro Cultural San Martín (2005)\, Centro Cultural Recoleta (2009)\, Jardín oculto (2011) y Galería Nora Fisch (2015)\, entre otras. \n  \nAlfredo Londaibere\nYo soy santo\nDesde el 26 de septiembre de 2019 al 23 de marzo de 2020 \nMAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ladislao Magyar "Pinturas en tiempos confusos"
DESCRIPTION:«Pinturas en tiempos confusos» Exposición temporaria del 28 de septiembre al 27 de octubre. \n«La cultura líquida moderna ya no siente que es una cultura de aprendizaje y acumulación\, como las culturas registradas en los informes de historiadores y etnógrafos.\nA cambio\, se nos aparece como una cultura del desapego\, de la discontinuidad y del olvido»\nZygmunt Bauman \nEl sábado pasado Magyar puso nuevamente en escena la vigorosa y colorida imagen de sus pinturas en el Museo Benito Quinquela Martín. \nComo es característica en sus obras\, sus vigorosos personajes se entremezclan en diferentes planos y fragmentaciones que por momentos conforman escenas lindantes con el caos y que invitan a ser reconstruidas mediante la lectura. \nComo en otras oportunidades\, el eje central de su muestra gira alrededor de las convulsiones económicas que impactan sobre la vida cotidiana con sus consiguientes efectos asfixiantes sobre el hombre contemporáneo. \nLa muestra permanecerá en exhibición hasta el 27 de octubre  en Av. Pedro de Mendoza 1835\, La Boca\, Capital. \nEscrito por Mario Gilardoni
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LOCATION:Museo Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Cesar Paternosto. La mirada excentrica
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 8 de octubre a las 19 “César Paternosto: la mirada excéntrica”\, una muestra curada por el director del Museo\, Andrés Duprat\, que reúne 38 obras del pintor\, escultor e investigador César Paternosto (La Plata\, Argentina\, 1931)\, creadas en los años 60\, 70 y 2000\, varias de ellas\, exhibidas al público por primera vez. \n“En la producción de Paternosto –explica el curador–\, la abstracción significa; abunda en connotaciones físicas e ideales que solo una visión lateral permite descifrar. Se trata de una geometría que reclama un pasaje al orden oculto de las cosas”. \nLa experiencia visual que plantea la producción de Paternosto –agrega Duprat– interroga sobre la presencia de las formas en el mundo. Pero\, además\, “lleva a los límites la bidimensionalidad de la pintura\, apostando a la deconstrucción de las convenciones pictóricas con una propuesta singular: trabajar sobre los bordes del cuadro”. \nUno de los núcleos de la muestra reúne obras de los años 60\, que se destacan por el uso del color y las formas ondulantes\, ritmos curvos de bandas coloridas que se recortan contra el marco y parecen exceder los límites de la tela. Se exhibirán “shaped canvases” y telas estructuradas que\, si bien son autónomas\, coparticipan de una imagen solidaria\, en colores planos y homogéneos. \nEn 1969\, Paternosto propuso el concepto de la “visión oblicua”: revirtiendo las jerarquías de los elementos del cuadro\, el borde del bastidor concentra el interés. “A fines de los 60\, comencé una serie de pinturas que se convirtieron en una dirección frecuente en mi trabajo –explica el artista–. En ese momento\, se evidenció claramente para mí que\, poniendo el énfasis en ubicar lo pintado sobre los extremos exteriores del bastidor de la pintura\, y dejando la superficie frontal en blanco\, vacía de toda imagen\, cuestionaba el hábito ancestral de solamente experimentar las pinturas desde sus frentes. Esta situación me develó la posibilidad de ʻlo lateral y ʻoblicuoʼ como modo de ver”. Esta estrategia de pintar los cantos –plasmada en algunas de las piezas que se exhibirán en la muestra– obliga al observador a desplazarse para lograr la imagen total. \nMuchas de las obras de la muestra –provenientes de la colección del artista\, y de colecciones públicas y privadas\, como el Bellas Artes\, el Museo Emilio Pettoruti\, el Museo de Arte Moderno y la colección Eduardo Costantini– se exhibirán al público por primera vez. \nNovedad de la exposición\, en la sala 40 del Museo se presentará una instalación de sitio específico inédita\, titulada “Deconstrucción pictórica”\, que es la consumación de la pintura-objeto del artista. Extremando sus postulados\, permitirá a los visitantes sumergirse en una de las creaciones de Paternosto a escala monumental: cada vista de la instalación propone tantos subcuadros como personas la recorran\, revirtiendo las jerarquías para que sea el espectador quien complete el sentido de la obra. Acompañará la pieza una serie de trabajos en papel realizados por el autor en las últimas décadas. \nTambién se exhibirá en la sala 38 una pieza de pintura acrílica sobre madera concebida específicamente para esta exposición\, “Continuidad tectónica”\, que pasará a integrar la colección del Bellas Artes. \nEn ocasión de esta muestra\, el Bellas Artes editará un catálogo bilingüe español-inglés que incluye el cuerpo de obra\, y textos de Duprat\, del director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza\, Guillermo Solana\, y de la historiadora del arte María José Herrera\, además de una cronología de Paternosto escrita por el artista\, con un recorrido detallado de su trayectoria. \nLuego de la inauguración\, el martes 8 de octubre a las 19\, “César Paternosto: la mirada excéntrica” podrá visitarse hasta el 2 de febrero de 2020 en las salas 37 a 40 del primer piso del Museo. \nHorarios:  martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado) \nAv. del Libertador 1473\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n\nDejamos aquí el catálogo de la exposición para su visualización o descarga. \nhttps://media.bellasartes.gob.ar/h/Publicaciones/paternosto.pdf \n\n\n+ INFO
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LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:Beatriz Moreiro. Habitantes del otro reino
DESCRIPTION:Sobre la exhibición\nHabitantes de otro reino?\, es una serie de dibujos y una instalación conformada por un fardo de eucaliptos poblados de hongos de acero inoxidable\, que recrean estas especies y que son habitués en la zona del Litoral.\nEl eucaliptus suplanta a los árboles originarios de la región\, que poco a poco\, se han ido extinguiendo por la depredación del hombre o del fuego. \nEn esos espacios\, antes monte o selva\, el hombre planta el eucaliptus para usar su madera y transformarla en postes de iluminación\, en muebles para el hogar y de esta manera preservar el monte natural. \nEn estos lugares\, habitados por árboles de distintas especies\, entre otros\, podemos encontrar una variedad de hongos que no son plantas\, es un mundo distinto constituído por una miríada de organismos esenciales para la vida en el planeta. \nTexto curatorial\nToda vez que los buscadores del oro han comenzado a destruir las selvas mediterráneas en nombre de la civilización\, y que sólo en un libro de este género podría sobrevivir un tenue soplo del misterio que ellas guardaron… \nRicardo Rojas El país de la selva (Advertencia preliminar) \nBeatriz Moreiro\, oriunda de Florida\, Buenos Aires\, se convirtió por elección y de manera progresiva en habitante de la tierra en una quinta al costado de la ruta que une las ciudades de Resistencia y Corrientes\, en la provincia del Chaco\, en contacto con el monte\, su flora y su fauna locales. \nEsta vez\, invitada por la galería Quadro de la Boca\, Buenos Aires\, donde las propuestas s? ite specific son bienvenidas\, eligió otra especie de su admiración\, los hongos\, cuya filiación al reino vegetal ha sido discutida por los expertos. Se trata de otros pobladores del monte – central razón para la artista- misteriosa e infinita especie que irrumpe al ras de la Tierra. Así\, a los hongos se los ha denominado\, a menudo\, como ‘habitantes de otro reino’. \nEn el singular espacio blanco de la galería\, la esquina en ochava de las calles Caffarena y Ministro Brin\, La Boca\, edificio centenario\, la artista proyectó una instalación mixta de elementos naturales y de dibujos. Los protagonistas en esta exposición de la artista chaqueña por adopción\, aparecen de dos maneras: el dibujo sobre papel y el grabado sobre metal. \nAsí\, en el gran escenario urbano y en el interior de la galería\, la artista proyectó una puesta en escena con elementos de su entorno natural. Creó en versión ?site specific\, ?un gran fardo de troncos de eucaliptos\, árbol que reemplaza a las especies autóctonas en extinción como los tipos diversos de quebracho. Estos fueron especialmente trasladados por barco desde Paso de los libres\, Corrientes. Rodeado por alambre\, ese gran objeto instalado en la parte inferior de la pared más visible de la galería\, evoca de manera simbólica al escenario donde los hongos surgen de manera natural en el monte chaqueño\, como también al cuidado acto simbólico de enfardar de la artista\, que marca también su acto de respeto hacia la naturaleza. Así\, los hongos de acero\, con sus líneas dibujadas y grabadas de manera sutil por la artista\, fueron dispuestos tal como lo suele dictar su propia biología en el entorno natural\, tanto sobre la madera como\, en su exceso\, trepando sobre la pared. \nAsí también\, como cierta elegida flora autóctona\, los hongos devinieron en tema de los dibujos de Beatriz Moreiro\, esta vez en gran tamaño. Y\, a través del trabajo experto de la artista con el grafito\, los hongos cobran en ellos un rol protagónico único que abarca casi la totalidad del soporte. Esto los vuelve magnificentes\, los agiganta. Se podría sugerir que ese cambio de escala sugiere de manera simbólica la valoración destacada de las ofrendas que el planeta Tierra le otorga al género humano\, y de la cuales la artista de manera sutil destaca. Por otra parte\, se vuelve necesario poner de relieve otro aspecto de estos dibujos\, y que les confiere también identidad. Aparece algo así como un rasgo interpretativo\, ya que en la observación atenta de estos diseños\, los hongos parecen por momentos metamorfosearse en flores\, producto tal vez\, de una imaginación fantástica. \n  \nBeatriz Moreiro\nHabitantes del otro reino\nDesde el 16 de octubre al 14 de diciembre de 2019 \nQuadro\nAgustín R. Caffarena 199\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Quadro\, Agustín R. Caffarena 199\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Rómulo Macció. Crónicas de New York"
DESCRIPTION:La exposición de pinturas «Rómulo Macció. Crónicas de New York» se inaugurará el jueves 17 octubre en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat\, en la ciudad de Buenos Aires\, con curaduría de Florencia Battiti y con la museografía de Juan José Cambre. \nSe trata de una selección de obras que el artista realizó en su taller de Manhattan hacia fines de los años 80 y principios de los 90\, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas\, que serán exhibidas por primera vez en Argentina. \nLa muestra podrá visitarse hasta el 23 de febrero\, de martes a domingos de 12 a 20\, en Olga Cossettini 141\, Puerto Madero (CABA)\, informaron los organizadores. \n«Macció (1931-2016) pintó ciudades\, como la suya\, Buenos Aires\, y también otras que visitó o frecuentó. Y Nueva York no podía dejar de ejercer su hechizo\, un conjuro repleto de esplendores y miserias. Allí\, entre idas y venidas\, vivió casi tres años»\, \n+ INFO
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LOCATION:Colección Fortabat\, Olga Cossettini 141\, Puerto Madero\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Liliana Porter: Azul y Negro
DESCRIPTION:Liliana Porter (n. Argentina\, 1941\, residente en Nueva York desde 1964) trabaja en distintos medios: grabado\, pintura\, dibujo\, fotografía\, video\, instalación\, teatro y arte público. Su última exposición\, “Azul y negro”\, continúa la exploración de casi sesenta años del concepto de continuidad por parte de la artista. Las obras de Porter abordan las relaciones entre ligereza y seriedad\, imaginado y real\, histórico y presente\, todo a través de un enfoque abierto a la materialidad y las referencias históricas (del arte). Pintura\, escultura\, instalación\, materiales y objetos encontrados se comunican\, chocan\, se respetan y responden entre sí para proporcionar enfoques significativos y perspicaces\, además de lúdicos\, a los problemas cotidianos y metafísicos de la vida.
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LOCATION:Cracovia Galería Witkin\, 10 Newbury Street\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Antología” De Nader Barhumi
DESCRIPTION:“Antología” es la muestra del artista plástico Nader Barhumi expone piezas que destacan el juego visual entre elementos de culturas precolombinas y motivos que aluden al ornamento árabe\, en alusión a sus orígenes\, así como referencias a obras icónicas de la historia del arte occidental\, utilizando diferentes soportes y materiales como el aluminio\, la vitra y el papel\, con los que da rienda suelta a su eclecticismo y a las influencias que lo han acompañado a lo largo de su vida. La exhibición está abierta al público hasta el domingo 29 de diciembre. De martes a domingo de 11 a. m. a 8 p. m. El ingreso es libre. \nLa antología de las obras de Barhumi hace hincapié en las constantes que han guiado su trabajo dentro de un periodo de aproximadamente 25 años que\, además\, se encuentran en diferentes colecciones alrededor del mundo. Su trabajo\, inclasificable por definición\, es el resultado de una trayectoria personal y artística en la que lo pulsional\, la investigación y el descubrimiento son parte fundamental. \nLas piezas del artista revelan lo arcaico\, el inconsciente colectivo y lo esencial\, encontrando un espacio personal e intransferible para su expresión. Su obra nunca deja al espectador indiferente\, requiriendo que los visitantes tengan una mirada un tanto alejada de las tendencias mainstream del mercado del arte contemporáneo. \n\nSobre el artista. \nNader Barhumi (Lima\, 1960) estudió artes plásticas en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, en la Universidad Complutense de Madrid\, en la Escola Massana de Barcelona y en la Byam Shaw School of Art de Londres\, donde obtuvo el título de la University of the Arts de esa ciudad. Durante los últimos 30 años ha realizado muestras individuales y colectivas en Lima\, Barcelona\, Londres\, Colonia\, Nueva York\, Miami\, Madrid. \nEn su quehacer artístico\, hace uso de la técnica literaria cut up\, desarrollada por el escritor\, pintor y músico Brion Gysin\, la que consiste en un ejercicio fortuito donde se prioriza el azar sobre el orden consciente. \nEn su obra\, lanza imaginariamente al aire formas y colores que se reagrupan en sutil armonía. “La fragmentación es fruto de mis orígenes\, eso y mucho más se refleja en mi obra\, al fin y al cabo\, la pintura refleja lo que uno es”\, menciona Nader Barhumi.
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LOCATION:Galería ICPNA\, Av. Angamos Oeste 160\, Miraflores\, Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Sergio De Loof: ¿Sentiste hablar de mí?
DESCRIPTION:¿Sentiste hablar de mí? es la respuesta de Sergio De Loof a la invitación del Museo Moderno a celebrar su impronta y su legado. Es una obra faraónica en la que se dan cita pasillos palaciegos\, obras de teatro\, una tienda que vende sus creaciones\, una biblioteca\, un carnaval. El recorrido hace hincapié en sus desfiles y vestimentas\, e incluye sus diarios\, una selección de materiales documentales inéditos\, sus intervenciones en la revista Wipe\, sus pinturas e instalaciones desde mediados de los ochenta hasta hoy. La exposición da cuenta de la creatividad enardecida y desbordante de Sergio De Loof\, con la que ha combinado hasta igualar el quehacer comunitario y la expresión individual\, la pobreza y el lujo\, el paladar aristocrático y el gusto popular. \nDe Loof había empezado a hacerse un nombre a fines de la década del ochenta. Junto con algunos amigos que conoció en su breve paso por la escuela de Bellas Artes\, fundó el bar Bolivia (1989). Poco tiempo después\, en una trayectoria rápida y vertiginosa\, estuvo detrás de El Dorado (1991)\, el Morocco (1993)\, Ave Porco (1994)\, entre otros. Todos estos espacios fueron legendarios. Inventaron una noche inédita para un Buenos Aires que intentaba dejar atrás las costumbres instaladas durante la dictadura. En ellos\, arte y nocturnidad se amalgamaban. Fueron boliches\, bares y también centros culturales. Su programación incluía cientos de desfiles\, exposiciones\, obras de teatro\, y era donde se daban cita\, en un contexto de libertad y experimentación\, los mundos hasta entonces antagónicos de los artistas e intelectuales\, los empresarios\, el universo fashion y la farándula. \nEn los años noventa\, De Loof concibió sus numerosos desfiles como reuniones colaborativas y comunitarias. Los entendía como pequeñas piezas que le debían mucho al teatro. Participaban de ellos sus amigos o conocidos\, cuerpos bien diferentes y alejados de aquellos de las supermodelos. Su intención era crear “un arte y una moda hermosa para pobres y feos”\, dando lugar en sus trabajos a las disidencias corporales y sexuales. En sus pasarelas\, los modelos bailaban y actuaban con las ropas que Sergio componía con retazos\, prendas de segunda mano\, papel y revistas. Hizo uso de técnicas como el ñandutí\, el bordado\, el patchwork\, el reciclaje. A través de ellas\, De Loof valorizaba también una cultura artesanal que\, en el marco de la convertibilidad y la denominada globalización\, estaba llamada a desaparecer. Por eso\, en sus vestimentas hay tanta belleza como nostalgia\, tanto festejo como despedida. \nSiempre en el límite entre el arte\, la moda\, el diseño y el escándalo\, con un pie adentro y otro fuera de cualquier sistema\, De Loof puso en jaque con irreverencia crítica y humor corrosivo lo que entendemos por arte. \nAgradecemos la generosa colaboración del Complejo Teatral de Buenos Aires\, del Teatro Argentino de La Plata y del Museo de la Ciudad\, para la ambientación de la exposición\, y al Museo del Cine por la digitalización de las piezas audiovisuales.\nLa Fundación IDA colaboró en la restauración y el préstamo del archivo de Sergio De Loof utilizados en la exposición. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/sergio-de-loof-sentiste-hablar-de-mi/
LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CONFINES INTERIORES
DESCRIPTION:El Centro Cultural de Sierra de la Ventana exhibirá en su sala la muestra “CONFINES INTERIORES”\, de la artista plástica Mabel Stivaletta.\nLa artista estará presentando su obra el sábado 30 a las 19.00 hs\, invitamos a la comunidad a participar del evento.\nLa muestra estará abierta al público de martes a viernes de 9.00 a 13.00 hs y de 15 a 20hs\, sábado y domingos de 15 a 20hs. \nPara mayor información del artista y su obra: https://fadla.org/artistas/mabel-rosario-stivaletta/ \nDirección de Comunicación                                                                                                                                                                      Agencia de Desarrollo                                                                                                                                                                                            Tornquist Municipio \n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultural  TORNQUIST\, Sarmiento 53\, Sierra de la Ventana\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:6 ARTISTAS 1 DISTRITO
DESCRIPTION:6 ARTISTAS 1 DISTRITO\n⠀\nSeis obras singulares entran en comunicación para dar lugar a una muestra que compone a través de la tensión generada por las diferencias. Distintos lenguajes y maneras de crear\, que van de la abstracción figurativa al expresionismo abstracto\, se conjugan en esta.\n⠀\nTe invitamos a recorrer la muestra que reúne a seis consagrados artistas pertenecientes al Distrito de las Artes que pasaron individualmente por Espacio Lezama Arte.\n⠀\n6 Artistas 1 Distrito\nAlejandro Avakian • Andrés Bestard Maggio • Mariana Capurro • Alicia Díaz Rinaldi • Liliana Fernández Infanzón • Marcelo Toledo\n⠀\n📅 Hasta el 10 de marzo\n🕙 Lunes a viernes en el Hall del Palacio Lezama\n📌 Av. Martín García 346\, La Boca \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Lezama Arte\, Av. Martín García 346 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PINTA MIAMI Crossing Cultures
DESCRIPTION:Impecable y Contemporánea consolida su visión Latinoamericana \nCon una mirada más global donde conviven artistas consagrados y las nuevas propuestas contemporáneas. Un año más\, la feria se celebra en el espacio  Mana Wynwood\, en el Miami Art District\, entre los días 4 y 8 de diciembre.  \n\n\n\n\nPINTA MIAMI reúne en la Sección Principal alrededor de 60 galerías de Latinoamérica\, Estados Unidos y Europa\, con  obras de más de 300 artistas entre artistas consagrados como\, Carlos Cruz-Díez\, Carmen Herrera\, Fernando Botero\, Jesús Rafael Soto\, Jorge Eielson\, Julio Le Parc\, Roberto Matta\, Joaquín Torres García\, Marta Boto\, José Gurvich\, Waltercio Caldas y Wilfredo Lam y a las nuevas propuestas contemporáneas. \nEn esta edición\, la feria le rinde homenaje al artista\, coleccionista y mecenas\, Pablo Atchugarry\, una figura del arte contemporáneo uruguayo y latino americano de reconocida trayectoria a nivel internacional. La fuerza expresiva del mármol blanco\, combinada con la sutileza de las formas que el artista logra y la luz que las envuelve\, producen en el observador un impacto que quita el aliento apenas entra a la feria. \nLos artistas invitados\, Julio y Juan Le Parc realizaron una instalación de realidad virtual “7 alchimies en réalité virtuelle” del artista argentino Julio Le Parc para una exposición en el Palais de Tokyo en París. Curada por Alejandro Martin la instalación es un gran atractivo para los visitantes. \nLa Sección Pinta Countries que este año cuenta con la participación de Argentina\, Brasil\, Ecuador\, y Colombia\, curada por Alicia Ventura\, Roc Laseca y Oscar Roldan y\, a través de las galerías\, se presentan las propuestas de dos artistas nacidos después de los 80 o el cruce entre un artista jóven y uno mas establecido.
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SUMMARY:José Fioravanti 1896-1977. Clasicismo y Modernidad
DESCRIPTION:El 4 de diciembre la Casa Museo Magda Frank – Fioravanti inaugura una exposición sobre la obra del célebre escultor argentino José Fioravanti en la Casa de la Cultura. \nFioravanti inició su carrera en 1919 con un premio del Salón Nacional y pronto ocupó un papel estelar en los escenarios de Argentina y Europa\, donde recibió el elogio de la crítica y la aceptación del ambiente artístico e intelectual. Su trabajo fue expuesto en espacios culturales emblemáticos\, como el Museo del Jeu de Paume de París y el Museo Nacional de Bellas Artes\, y obtuvo un Premio del Concurso de Artes Visuales del FNA en el año 1971. \nInfluenciado por el arte de la Antigüedad y por los franceses Rodin y Maillol\, Fioravanti contribuyó a construir en territorio argentino la identidad de una nación cosmopolita en el período que ingresaron al país las grandes masas migratorias. Con sus hábiles manos trasladó a la piedra personajes heroicos y pasajes centrales de nuestra historia\, como en el conjunto de piezas que integran el Monumento Nacional a la Bandera. Precursor además del arte Pop\, es autor del famoso Monumento al Lobo Marino de Mar del Plata\, entre otras destacadas obras. \nLa muestra se podrá visitar gratis hasta el 8 de marzo en la Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA.
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LOCATION:Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831 - Barrio Parque\, CABA\, Buenos Aires\, C1425\, Argentina
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SUMMARY:No me le afloje la Cola a la Vaca. Víctor Quiroga
DESCRIPTION:El próximo viernes 6 de Diciembre a las 20:30 hs se inaugurará en la sala principal del Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro (9 de julio 44) “No me afloje la cola a la vaca”\, una exposición retrospectiva del artista tucumano Víctor “Tito” Quiroga. La misma permanecerá en exhibición hasta Marzo del 2020; y podrá ser visitada de martes a viernes\, de 9 a 12:30 y de 16:30 a 20:30 hs; sábados y domingos de 16:30 a 20:30 hs. y feriados de 17:30 a 20:30hs. Entrada libre y gratuita. \nQuiroga es uno de los máximos exponentes de la pintura tucumana de las últimas décadas. Sus obras narran sobre los mitos y leyendas populares de Argentina y de la propia identidad tucumana. De tenor costumbristas\, están enmarcadas en un “realismo mágico” entre lo rural y lo universal\, donde se ven sucesos cotidianos o paisajes a veces conocidos\, a veces oníricos\, de esencia romántica\, irónica\, intimista\, social y ancestral; donde la vida diaria es atravesada por mitos y leyendas de las culturas originarias locales. \nEl artista cuenta algo de lo que sucede en sus obras\, piezas de color efusivo\, sin miedo a exagerar la forma ni la cromática. Aparecen diferentes escenas de la vida\, como un personaje que jugaba a la pelota o unos amigos tomando vino. Pero quizá lo más llamativo de su pintura son los prodigiosos cielos que cubren esas escenas que destilan cultura popular por donde se las mire. \nSegún Esteban Blanco\, en la obra del artista a veces nos encontramos con un arte que nos parece extrañamente familiar\, casi una memoria archivada\, pero para el cuál no tenemos apoyo en la experiencia: “la pintura de Víctor Quiroga nos provee precisamente este sentido de deja-vu sensual. Estas escenas de sueños\, pobladas de personajes escapados a Thomas Hart Benton\, se revelan a una luz fantasmagórica en la que flotan animales mágicos – algunos amenazantes y sugestivos –\, en otras\, una claridad cegadora baña personajes y objetos con la misma tonalidad espectral pero del otro lado del registro cromático. \n“Un rumor de cielo surca caminos de aire. En la noche. En el alba. Gestos de machetes deambulan en el pupo del cañaveral. Fauces perrunas. Ciegos. Sordos. Mudos. Rostros de la indiferencia arropan las garras de la droga. Rojos. Negros. Desvisten el sufrimiento en la inercia del cuerpo. De la mente. Siglo del árbol caído. Cerro de nubes. Ráfagas de baile en el patio de tierra del año nuevo. Vaca suspendida de tiempo… \n…Sueño de niño en la calle del techo del mundo. Manos de la vergüenza. Del llanto. Cubren la indignación de la Libertad. Un horizonte se bifurca en ese murmullo de cielo que desarropa la vida. Algo de esto vive en las sombras y en el alma de los pinceles de Víctor Quiroga.” Huellas del Horizonte\,                                        por Roberto Espinosa. \n  \nHasta marzo 2020 en el Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»
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SUMMARY:Festival Internacional de Videoarte
DESCRIPTION:Más de 50 obras de aproximadamente 100 artistas participarán del Festival que se propone incentivar a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea. \nEl Festival\, que reúne anualmente una perspectiva actualizada de la escena audiovisual contemporánea internacional\, exhibirá este año en su «Selección Oficial» 54 obras de 97 artistas. Las obras participantes fueron seleccionadas por el jurado sobre 2285 videos presentados por más de 2000 artistas de 99 países de los 5 continentes. \nFIVA\, cuenta con el apoyo de Mecenazgo\, un programa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires que permite conseguir financiamiento para el desarrollo de proyectos artísticos y culturales. \nEn la Argentina es la primera vez que se desarrolla con continuidad un festival de este estilo\, de nivel global\, ubicándolo en el calendario anual de festivales internacionales. De esta manera\, FIVA se propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea\, beneficiando de este modo la producción de los realizadores. \nEl encuentro\, realizado por Soledad Sánchez\, Marcela Andino y Hernán Raggi\, contará este año con un prestigioso jurado integrado por María Pallier (España)\, Gustavo Romano (Argentina) y José-Carlos Mariátegui (Perú)\, personalidades destacadas del ámbito artístico nacional e internacional. \nEntre los artistas argentinos seleccionados que participan del Festival se encuentran Narcisa Hirsch\, Lucía Sbardella\, el cordobés Federico Robles\, Carrie Bencardino\, Luis Sara\, Pablo Magne\, entre otros. También fueron seleccionados artistas de Tailandia\, Francia\, España\, Alemania\, Italia\, Reino Unido\, Pakistán\, Brasil\, Perú\, México\, entre 100 países participantes. \nEl domingo 15 de diciembre a partir de las 20 horas FIVA anunciará y entregará los premios a los ganadores. \n“Proponemos sostener la difusión de prácticas artistas contemporáneas en el formato de experimentación audiovisual\, en algún momento se daba por muerto al videoarte y sin embargo acá está\, más vital que nunca”\, explicaron los organizadores. Este año el Festival superó ampliamente la convocatoria de las 8 ediciones anteriores. Se presentaron más de 2000 propuestas artísticas. \nEl festival cuenta una extensa programación de proyecciones en concurso\, una selección fuera de concurso y suma obras de artistas de la Patagonia en el marco de la participación de la Secretaria de Cultura de Santa Cruz\, invitados especialmente por el Festival. \n  \nFestival Internacional de Videoarte\nDesde el 12 de diciembre al 15 de diciembre de 2019\nEntrada gratuita \nEl Cultural San Martín\nSarmiento 1551 \n 
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SUMMARY:DIAGO: EL PASADO DE ESTE PRESENTE AFROCUBANO
DESCRIPTION:Los prejuicios raciales y la discriminación que ha sufrido la población negra históricamente constituyen el leitmotiv de Diago: The Pasts of this Afro-Cuban Present\, la más reciente muestra del artista cubano Juan Roberto Diago\, expuesta en el Lowe Art Museum\, de Miami\, hasta el 19 de enero de 2020. \nEl propio título da cuenta de la persistencia del racismo en la Cuba contemporánea. Los rostros de enormes ojos carentes de bocas que refleja Diago en su obra denuncian una marginación sutil\, subrepticia\, a veces oculta\, que permanece aún latente en la sociedad cubana. “Son figuras que están mirándote de frente\, retándote\, sin boca porque no pueden hablar\, porque a través del tiempo se nos quitó la palabra pero no el pensamiento”\, ha explicado el artista. \nLas obras\, trabajadas con técnicas mixtas\, comprenden un recorrido por el quehacer artístico de Diago durante más de veinte años. La trayectoria del creador ha estado marcada por una lucha sostenida contra la exclusión y el racismo hacia los hombres y mujeres negras\, y por su reivindicación en el entorno sociocultural cubano. \n“Antes porque éramos esclavos\, esclavizados por un amo\, por un sistema de producción de esa época\, y hoy esclavizados por los problemas que generó todo ese inicio\, que se mantiene. Seguimos siendo una población preterida\, lo mismo en Cuba que en Estados Unidos”\, declaró en el contexto inaugural de la exposición a inicios de noviembre.
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SUMMARY:Festival Internacional de Videoarte
DESCRIPTION:Más de 50 obras de aproximadamente 100 artistas participarán del Festival que se propone incentivar a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea. \nEl Festival\, que reúne anualmente una perspectiva actualizada de la escena audiovisual contemporánea internacional\, exhibirá este año en su «Selección Oficial» 54 obras de 97 artistas. Las obras participantes fueron seleccionadas por el jurado sobre 2285 videos presentados por más de 2000 artistas de 99 países de los 5 continentes. \nFIVA\, cuenta con el apoyo de Mecenazgo\, un programa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires que permite conseguir financiamiento para el desarrollo de proyectos artísticos y culturales. \nEn la Argentina es la primera vez que se desarrolla con continuidad un festival de este estilo\, de nivel global\, ubicándolo en el calendario anual de festivales internacionales. De esta manera\, FIVA se propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea\, beneficiando de este modo la producción de los realizadores. \nEl encuentro\, realizado por Soledad Sánchez\, Marcela Andino y Hernán Raggi\, contará este año con un prestigioso jurado integrado por María Pallier (España)\, Gustavo Romano (Argentina) y José-Carlos Mariátegui (Perú)\, personalidades destacadas del ámbito artístico nacional e internacional. \nEntre los artistas argentinos seleccionados que participan del Festival se encuentran Narcisa Hirsch\, Lucía Sbardella\, el cordobés Federico Robles\, Carrie Bencardino\, Luis Sara\, Pablo Magne\, entre otros. También fueron seleccionados artistas de Tailandia\, Francia\, España\, Alemania\, Italia\, Reino Unido\, Pakistán\, Brasil\, Perú\, México\, entre 100 países participantes. \nEl domingo 15 de diciembre a partir de las 20 horas FIVA anunciará y entregará los premios a los ganadores. \n“Proponemos sostener la difusión de prácticas artistas contemporáneas en el formato de experimentación audiovisual\, en algún momento se daba por muerto al videoarte y sin embargo acá está\, más vital que nunca”\, explicaron los organizadores. Este año el Festival superó ampliamente la convocatoria de las 8 ediciones anteriores. Se presentaron más de 2000 propuestas artísticas. \nEl festival cuenta una extensa programación de proyecciones en concurso\, una selección fuera de concurso y suma obras de artistas de la Patagonia en el marco de la participación de la Secretaria de Cultura de Santa Cruz\, invitados especialmente por el Festival. \n  \nFestival Internacional de Videoarte\nDesde el 12 de diciembre al 15 de diciembre de 2019\nEntrada gratuita \nEl Cultural San Martín\nSarmiento 1551
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SUMMARY:Norah Borges. Una mujer en la vanguardia
DESCRIPTION:La exposición\, curada por el especialista Sergio Alberto Baur\, reúne más de 200 pinturas\, dibujos\, grabados y objetos –entre documentos\, manuscritos\, impresos y fotografías– de la artista plástica argentina Norah Borges (1901-1998). La muestra\, que analiza toda su vida artística a través de obras de distintas épocas\, provenientes de 28 colecciones públicas y privadas\, se propone enlazar los mundos que vivió Borges desde su período de formación\, y su destacado trabajo como ilustradora de la vanguardia española y argentina. También se exhibirá documentación personal y bibliográfica que la ubican en el escenario de los años 1920 y 1930. Norah Borges -hermana del célebre escritor Jorge Luis Borges\, y esposa del crítico y poeta español Guillermo de Torre– constituye una rara excepción dentro de la historia del arte argentino\, debido a que su presencia en las décadas de auge de las vanguardias internacionales le permitió acompañar a personajes de la relevancia de Juan Ramón Jiménez\, Federico García Lorca\, Gabriela Mistral\, y a los jóvenes poetas de renovación de España y de la Argentina\, y establecer un diálogo plástico con los movimientos artísticos de esos años. Su desarrollo artístico personal atraviesa con un lenguaje propio las formas de la modernidad. A lo largo del siglo XX\, en contacto con la vida literaria de su tiempo\, ilustró los primeros libros de escritores como Borges\, Victoria y Silvina Ocampo\, Julio Cortázar\, Adolfo Bioy Casares\, Eduardo Mallea\, Ricardo Molinari\, Concha Méndez Cuesta\, Carmen Conde\, Rafael Alberti\, y los chilenos Luis Enrique Délano y Humberto Díaz Casanueva. También realizó ilustraciones para las revistas de vanguardia españolas “Grecia”\, “Ultra” y “Baleares”\, y fue colaboradora destacada de las publicaciones argentinas “Prisma”\, “Proa”\, “Martín Fierro” y “Valoraciones”\, entre otras.
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SUMMARY:Las grullas del buen augurio
DESCRIPTION:Esta exhibición\, con curaduría de Verónica Flores\, invita a recorrer el pensamiento y las tradiciones de una cultura atenta a la observación de los cambios y sus ritmos\, mientras ofrece algunas preguntas como obsequios para pensar el nuevo año que llega. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Nacional de Arte Oriental\, Av. del Libertador 1902\, 1° piso\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2019
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe obras de los ocho galardonados en la edición 2019 del Premio Nacional a la Trayectoria Artística\, una iniciativa que acompaña la realización del 108.° Salón Nacional de Artes Visuales. \nEn las salas 32 y 33 del primer piso del Museo\, se exponen 36 obras donadas por artistas insoslayables en la historia visual argentina: Elda Cerrato\, Marta Minujín\, Sara Facio\, Narcisa Hirsch\, Graciela Carnevale\, Luis Felipe Noé\, Eduardo Serón y Eduardo Gil\, mujeres y hombres con itinerarios heterogéneos\, que configuraron su labor a través de experiencias y lenguajes diversos\, como pintura\, dibujo\, instalaciones\, video y cine experimental\, performance y fotografía. \nComo parte de esta distinción\, los trabajos expuestos fueron seleccionados por los artistas junto con el Bellas Artes. La donación completa consta\, en total\, de 55 obras. Estas incorporaciones actualizarán las lecturas y avivarán los debates\, en diálogo con un vasto corpus de obras de arte argentino que ya integran la colección del Museo. \nEntre las piezas de arte exhibidas\, se listan imágenes de “El Partenón de libros prohibidos”\, la gran réplica del edificio griego creada por Minujín para celebrar el retorno a la democracia\, tomadas en las dos ocasiones en que se erigió la obra: en Buenos Aires\, en 1983\, y en Kassel\, Alemania\, en 2017\, además de publicaciones censuradas en distintos países con los que la artista edificó la instalación en la ciudad europea\, y videos de registro de ambas acciones. También de Minujín\, se exhibe “Meditación en flúo”\, una obra de 2014 que combina video proyectado y pintura flúo sobre tela. \nDe Facio\, se incluyen cuatro fotografías históricas en blanco y negro sobre el peronismo\, tomadas en 1973\, mientras que\, de Gil\, podrá verse en sala\, entre otras\, una fotografía de la serie “Paisajes” (2005-2014)\, que propone una ruptura con los códigos tradicionales del retrato\, y otra de la serie “Señas personales”\, de 2011. También habrá heliografías\, dibujos y un acrílico de Cerrato\, junto con un filme de la artista\, y de Serón\, se presentará el óleo “El prestigio de lo absoluto”\, de 2003\, donde formas redondeadas\, netas e irregulares adquieren cierta monumentalidad\, además de la obra histórica “Pintura Nro. 34”\, de 1961\, en la que gradaciones concéntricas se extienden a partir de círculos y generan ritmos que se perciben como desplazamiento. \nLos trabajos elegidos de Noé son el acrílico “Testigos y testimonios”\, uno de sus proyectos más recientes\, de 2018\, referido al concepto de “caos”\, rector de su producción actual\, y el grafito sobre papel “Héroe y antihéroe”\, de 1979. De Carnevale\, en tanto\, se exhibirán registros documentales de su acción “El encierro”\, realizada en 1968 en Rosario\, como parte del Ciclo de Arte Experimental\, un afiche y fotografías de aquella propuesta radical\, además de la obra “Mirada oblicua”\, de 2001\, creada con tres ventanas de aluminio con cristal reflejante. \nPor último\, se proyectará en sala el registro documental de casi 8 minutos de duración del happening “Marabunta”\, una pieza de 1967\, pionera del cine experimental que impulsó la artista en el país\, dirigido y protagonizado por Hirsch en 1967\, con cámara y edición a cargo de Raymundo Gleyzer\, además de imágenes del rodaje de la cinta y otros dibujos de la artista. \nEl Premio Nacional a la Trayectoria Artística reconoce el camino recorrido por los creadores distinguidos durante décadas de trabajo\, la potencia de las intervenciones estéticas cuando motivan nuevas miradas y la reflexión que viene a echar luz sobre el propio tiempo histórico. Esta pluralidad de perspectivas hilvana un relato acerca de las artes en la contemporaneidad. \nLa exhibición de obras de los artistas premiados podrá verse desde el viernes 24 de enero y hasta marzo en las salas 32 y 33 del primer piso del Museo. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes\, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación\, y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes\, abre las puertas de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado). \nEl ingreso al Museo es gratuito para argentinos y residentes en el país. Los no residentes abonan una entrada de $200 (martes de 11 a 20\, y de miércoles a domingo\, de 18.45 a 20: gratis). \n+ INFO
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LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:Manuel Kantor. Kantor de Viaje
DESCRIPTION:El Museo Benito Quinquela Martín invita a la exposición “KANTOR de viaje”\, dedicada a la obra del ilustrador y pintor Manuel Kantor. \nActivo de manera preponderante entre las décadas de 1930 y 1960 en los ambientes de la prensa gráfica y de la plástica porteña\, Kantor supo moverse con ductilidad entre los círculos de la cultura local. \nSu corpus de trabajo es tan amplio como complejo: desde retratos caricaturescos y dibujos de contenido político hasta finas pinturas de las más lejanas latitudes\, Kantor exhibe maestría técnica y solidez conceptual en idénticas proporciones. Conocer su obra es adentrarse en el genuino espíritu de un siglo XX soñador\, reflexivo y con ansias de transformación social. \n  \nManuel Kantor\nKantor de Viaje\nDesde el 29 de enero al 28 de marzo de 2020 \nMBABQM – Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín\nAv. Pedro de Mendoza 1843/ 35\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:MBABQM – Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1843/ 35\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Tomás Saraceno: Una exploración artística sobre el medio ambiente
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner inicia la programación 2020 con un gran acontecimiento artístico: se proyecta Vuela con Aerocene Pacha\, que documenta la experiencia de Tomás Saraceno\, artista argentino radicado en Berlín\, que lanzó una enorme escultura voladora similar a un globo aerostático. Por primera vez en la historia\, un ser humano flotó en el cielo impulsado solo por el sol y el aire\, sin utilizar combustibles fósiles\, paneles solares\, baterías o helio. La experiencia es parte de la iniciativaCONNECT\, BTS\, que reúne a grandes figuras del arte contemporáneo. \nLas entradas son gratuitas. Las entradas para la funciòn del 14 de marzo se podrán reservar por esta página o personalmente a partir del martes 10 a las 12\, hasta agotar la capacidad de la sala (máximo dos entradas por persona). Las reservas web deberán retirarse en la boletería del centro cultural\, Sarmiento 151\, desde el mismo martes\, de 12 a 19 y hasta dos horas antes del inicio de la actividad. \n+ INFO
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LOCATION:CCK\, Sarmiento 151\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Desde la arquitectura”
DESCRIPTION:¿Qué es? \nExhibición de la artista Luciana Levinton. Además\, es también un homenaje a algunas de esas mujeres que transformaron el mundo proyectual en el siglo XX. Por eso la mirada intuitiva\, sugerente -por momentos evanescente- y fragmentada de Levinton permite notar cuestiones que los modos tradicionales de la arquitectura nos impiden percibir. Luciana sabe ver y sentir la arquitectura desde el arte y así evidenciar nuevos mundos y mensajes cifrados. Su propuesta es elegante e inmersiva en una dimensión óptica y emotiva que nos invita a dejarnos llevar y deambular fugazmente en un viaje único que solo la cosmovisión de una artista singular puede transmitirnos. \n¿Por qué ir? \nHay diferentes modos de ver y muy disímiles formas de percibir una obra de arte o el mundo que nos rodea. En el caso de la arquitectura\, no solo debe ser vista\, debe ser apreciada con todos nuestros sentidos. Incluso\, a veces\, es mejor cerrar los ojos y dejar que el instinto guíe nuestra percepción. \nHoy\, en la era digital\, se están transformando las formas de representar la arquitectura y sus espacios. Las maquetas virtuales y los renders digitales nos proponen una representación hiperrealista. ¿Cómo volver a apreciar la arquitectura en su mensaje y poética trascendente? \nLuciana Levinton nos propone hacer esa experiencia y compartir sus íntimos modos de ver\, revisitando la siempre sorprendente obra de la genial Lina Bo Bardi (Roma 1914- São Paulo 1992). Situar la mirada sobre Bo Bardi tiene el atractivo de redescubrir y poner el foco en una mujer extraordinaria\, durante muchos años invisibilizada\, que ha dejado una marca decisiva en la arquitectura y el diseño contemporáneos. \nLina fue la arquitecta italo-brasileña que humanizó el racionalismo\, ligándolo a la emoción. Cuando terminó sus estudios de Arquitectura en Roma en 1939 se trasladó a Milán para trabajar con GiòPonti en su mítica revista Domus. En 1946 se mudó junto a su marido\, el crítico de arte Pietro María Bardi\, a Brasil\, que en esa época se encontraba en el apogeo del Movimiento Moderno con Oscar Niemeyer a la cabeza. Lina Bo Bardi trabajó en muchas expresiones creativas: arquitectura\, museografía\, diseño\, labor editorial\, teatro\, cine.  A finales de los años 60\, proyectó su ópera prima\, el MASP (Museo de Arte Moderno de São Paulo)\, que se convirtió en una obra maestra y emblemática. Tal vez el edificio que mejor ejemplifica una arquitectura colectiva\, social\, política\, moral\, emotiva\, popular\, regional\, austera\, libre y urbana. Sus obras posteriores confirman esos valores. El reciclado de una vieja fábrica paulista para usos comunitarios\, culturales y deportivos -SESC Pompéia- es una lección superior de sensibilidad y creatividad\, un claro ejemplo de cómo hacer más con menos y como lograr que la gente interactúe\, genere vínculos y sea la protagonista central de la arquitectura. Visto en perspectiva no parece casual que su autora haya sido una mujer. \nEntrada libre y gratuita. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Nacional de Arte Decorativo\, Av. del Libertador 1902\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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