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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:Débora Arango. La vida con toda su fuerza admirable.
DESCRIPTION:En esta exposición\, que retrata la vida con toda su fuerza admirable\, como Arango la describiría\, las obras se agrupan en temas que atraviesan su trayectoria de manera transversal y que dan cuenta de las preocupaciones fundamentales en su vida y obra. Desnudos\, el placer\, la religión\, la mujer y la sociedad\, contexto político\, y el retrato fueron algunos de los temas que informaron su producción artística y su visión de la vida y el entorno. \nDébora Arango nació en Medellín a comienzos del siglo pasado. La pintora antioqueña trabajó y experimentó durante su polémica carrera con la acuarela\, el óleo y la cerámica. Fue alumna del maestro Eladio Vélez\, reconocido acuarelista de la ciudad\, y del muralista antioqueño Pedro Nel Gómez\, de quien heredó su pasión final por la pintura en gran formato y por la pintura al fresco\, técnicas que sin embargo nunca aplicó debido a las limitaciones a las que estaban sujetas las mujeres de su época. Es a Gómez a quien la pintora reconocerá como su gran maestro. \n\n\nCuraduría: Emiliano Valdés \nDel 02 de septiembre 2015 al 30 de septiembre del 2017
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LOCATION:Museo de Arte Moderno de Medellin\, Ciudad Del Río · Carrera 44 N° 19A-100\, Medellín\, Colombia
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SUMMARY:Mirada Extendida
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores.
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SUMMARY:Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida: El expresionismo abstracto y cómo suena
DESCRIPTION:Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación\, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida\, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida. \nLa muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general\, pero matizada\, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal\, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista\, que van desde el dibujo\, el grabado\, el cartel y la escultura a la pintura figurativa\, pero también a la abstracción\, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así\, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa\, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico\, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. \nPor lo abarcador de la selección de obras incluidas\, esta se ha dividido entre dos sedes\, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel\, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. \nCon la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer\, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. \nVaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico\, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida\, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores. \nDatos biográficos \nNace en 1942 en el barrio Cuba Libre de Comerío\, pueblo de la región centro oriental de Puerto Rico\, donde vive hasta los cuatro años de edad. En 1946 su familia se muda a la ciudad de Nueva York\, ciudad en que permanecerá por espacio de doce años. \nTras emprender el regreso a Puerto Rico\, la familia se establece en Santurce. Rivera Rosa\, que entonces tenía dieciséis años\, trabaja a la vez que hace sus estudios secundarios en la Escuela Superior Central. Ya para esa fecha\, la inclinación y aptitud para el arte\, que ha demostrado desde niño\, toma un giro determinante para empezar a definirse como su vocación de vida. \nSu interés en el arte lo lleva a los Talleres de la División de la Educación de la Comunidad\, a los Talleres de Arte del Instituto de Cultura (ICP) y a la Galería Campeche\, ubicados en el Viejo San Juan\, espacios en los que entrará en contacto con un ambiente de rico intercambio artístico y cultural. Es entonces cuando conoce a los maestros que serán figuras clave para su formación en el arte. De 1959 a 1961 estudia serigrafía y xilografía con Lorenzo Homar en el Taller de Gráfica del ICP; mientras que de 1959 a 1964 estudia pintura con Domingo García en la Campeche. En esos mismos años\, realizó estudios de dibujo arquitectónico en el Instituto Comercial de Puerto Rico\, en el que termina su Grado Asociado en 1962. \nYa decidido su rumbo hacia el arte\, siguió desarrollando su obra como pintor y grabador\, y su trabajo empieza a ser incluido en algunos de los portafolios de grabados más representativos de la gráfica del país\, así como en exposiciones colectivas. \nEn 1970 funda\, junto a Nelson Sambolín y René Pietri\, el recordado Taller Bija\, en el Viejo San Juan. Más tarde\, trabaja igualmente como artista gráfico en el Centro de Investigaciones Sociales de la Universidad de Puerto Rico (UPR)\, Recinto de Río Piedras\, en el que tuvo a su cargo el diseño de la Revista de Ciencias Sociales y de otras publicaciones del mismo. Para esos años diseña también innumerables libros de la Editorial de la UPR\, afiches y carátulas de discos\, colaborando también con el semanario Claridad para el que crea el logotipo original del suplemento cultural En Rojo. \nContando ya con una larga trayectoria como artista\, decide continuar sus estudios superiores en la UPR\, a la que ya estaba vinculado por su trabajo\, y completa allí su Bachillerato en Bellas Artes en 1987. \nPoco después regresa a Nueva York\, esta vez a realizar estudios graduados en Pratt Institute en Brooklyn\, donde obtiene su grado de Maestría en Bellas Artes en 1989. \nSiempre dedicado a su trabajo de creación artística\, fue también profesor de arte en el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la UPR en Río Piedras y profesor de pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. \nHa presentado su obra en más de treinta exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico. \nHa participado\, asimismo\, en cientos de exposiciones a nivel internacional en lugares como Nuevo México\, New York\, Orlando\, Washington\, D.C.\, Boston\, Barcelona\, Sevilla\, Madrid\, San Diego\, Toledo\, Brasil\, México\, Venezuela\, Ecuador\, Japón y Cuba\, entre otros. \nA lo largo de su carrera\, ha sido merecedor de numerosos e importantes reconocimientos. Desde 1995\, Rivera Rosa es el Artista Residente de la Colección de Arte Puertorriqueño de la Cooperativa de Seguros Múltiples. Vive y tiene su taller en Río Piedras\, a la vez que mantiene estrechos vínculos con su Comerío natal\, donde colabora activamente en proyectos artísticos. Actualmente\, tras más de cincuenta años de fructífera carrera en los que ha explorado una impresionante diversidad de medios y estilos\, sigue pintando\, fiel a su amplia visión del quehacer artístico. \nPREMIOS Y DISTINCIONES \n\nExposición Individual del Año por la Asociación Puertorriqueña de Críticos de Arte (AICA)\, 2014\nTributo al Artista Rafael Rivera Rosa\, XII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe\nMención de Honor en la inauguración del IV Salón de Dibujo de Santo Domingo en 1995\nPremio de Diseño de Cartel Conmemorativo en Certamen por invitación para el Pabellón Nacional de Puerto Rico en EXPO ’92\, Sevilla España\, 1991\nMedalla de Bronce en Dibujo (Pintura sobre Papel) en el Certamen 53 del Salón de Otoño\, Madrid\, España\, 1986\nTítulo honorario de “Popular de Nueva Alcarria” por su destacada participación en el Proyecto Murales de Escariche\, Nueva Alcarria\, Guadalajara\, España\, 1986\nHomenaje a Rafael Rivera Rosa en ocasión del XXX Aniversario de la Fundación Federación de Universitarios Pro Independencia\, 1986\nPrimer Premio Grabado del Certamen Arthur Andersen\, San Juan\, 1979\nMención de Honor en Pintura\, Revista Sin Nombre\, San Juan\, Puerto Rico\, 1976\n\n  \n 
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SUMMARY:TOMÁS SARACENO: CÓMO ATRAPAR EL UNIVERSO EN UNA TELARAÑA
DESCRIPTION:Esta exposición consiste en dos grandes instalaciones que combinan el interés de Tomás Saraceno (n. San Miguel de Tucumán\, 1973) por la aracnología y la astrofísica con el sonido y las artes visuales y nos invitan a un “concierto cósmico”. \nEn la instalación The Cosmic Dust Spider Web Orchestra [Orquesta aracnocósmica]\, ubicada en el segundo subsuelo\, una araña suspendida en medio de la sala teje sus telas. Las vibraciones que producen sus movimientos en la tela son amplificadas generando ondas de sonido que invaden el espacio\, mientras partículas de polvo cósmico flotan a su alrededor. En sintonía con la cadencia de las ondas sonoras producidas por la araña\, un algoritmo traduce los movimientos del polvo cósmico a sonidos\, que se reproducen en decenas de parlantes y vuelven audible los vaivenes del polvo en el espacio. Al mismo tiempo\, las partículas son captadas por un sistema de video que las proyecta amplificadas en una gran pantalla\, creando la ilusión de inmensas partículas que\, en realidad\, son casi imperceptibles. \nEn la sala del segundo piso se presenta la instalación Instrumento Musical Cuasi-Social IC 342 construido por 7000 arañas Parawixia bistriata\, que fue construida entre octubre de 2016 y enero de 2017 por 18 colonias de arañas de la especie Parawixia bistriata que tejieron de noche la telaraña de mayor tamaño con la que hayamos convivido en nuestros hogares. Esta estructura comunitaria\, que se remonta a 140 millones de años de presencia arácnida en la tierra\, es una fracción microscópica y\, a la vez\, un fiel reflejo de la red infinitamente compleja de individuos\, especies y elementos que compone el universo. \nBio\nTras recibirse como arquitecto en la UBA\, Saraceno realizó posgrados en Arte y Arquitectura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y en la Städelschule\, Frankfurt am Main\, Alemania. En 2009 asistió al International Space Studies Program de la NASA. Realizó numerosas exposiciones individuales en importantes instituciones internacionales\, entre ellas: Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce\, Génova (2014); K21\, Düsseldorf (2013-2015); Metropolitan Museum of Art\, Nueva York (2012); Maison Hermès\, Tokio (2012); Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart\, Berlin (2011MACRO\, Museo d’Arte Contemporanea\, Roma (2011); Walker Art Center\, Minneapolis\, EE.UU. (2009). En 2013 participó de la exposición central de la 53⁰ Bienal de Venecia\, curada por Daniel Birnbaum.
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LOCATION:Museo de Arte Moderno\, Av. San Juan 350\, CABA\, San Telmo\, Argentina
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SUMMARY:Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva
DESCRIPTION:Hace poco más de dos décadas\, el Museo Nacional de Bellas Artes dedicó a Luis Felipe Noé una gran exposición. En 2009\, el Museo presentó en sus salas las dos enormes pinturas del artista que constituyeron el envío argentino a la Bienal de Venecia: La estática velocidad y Nos estamos entendiendo.Hoy\, dando cuenta del carácter programático de su obra\, siempre de cara al futuro\, tenemos el orgullo de acoger su muestra Mirada prospectiva\, en la que pueden vislumbrarse las opciones transformadoras por las que abogó durante más de medio siglo. Invertimos así la lógica con que se piensa habitualmente el itinerario de un artista –hacia atrás en el tiempo–. Su riquísima y vasta trayectoria suma ahora esta nueva exposición que demuestra la vigencia de su obra. \nAndrés Duprat Director del Museo Nacional de Bellas Artes \nInauguración: 11 de julio a las 19 h en el Pabellón de exposiciones temporarias. \nHorarios: de martes a viernes de 11 a 20\, sábados y domingos de 10 a 20.Visitas guiadas: a partir del 4 de agosto: viernes\, sábados y domingos\, a las 16.Se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2017. \nEntrada libre y gratuita. \nMuseo Nacional de Bellas Artes – Avenida Del Libertador 1473\, Capital Federal.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Avenida Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:REDES
DESCRIPTION:REDES\, FAMILIA Y ARTE \nRedes es el título que han escogido Ricardo Wiesse Rebagliati y Ricardo Wiesse Hamann\, padre e hijo\, para describir su participación en la serie de exposiciones bipersonales que viene realizando galería Fórum. El título elegido nos sugiere múltiples perspectivas desde donde presentir las relaciones afinidad entre el talentoso padre\, reputado artista plástico\, y su hijo\, el no menos talentoso y reconocido vocalista de la Mente\, que es además un sorprendente dibujante. \nLa línea\, pintada y dibujada\, es la protagonista de esta exposición y el nexo que relaciona ambos artistas\, que desde el óleo y la tinta respectivamente nos invitan a descubrir los tejidos de la forma y del transcurrir de la vida\, que enlaza a padre e hijo y les permite compartir la experiencia de trabajar juntos en un proyecto de arte. \nWiesse padre presenta telas de gran formato pintadas al óleo. Si bien se inspiran en el tema de las redes también muestran otras conexiones que siempre aparecen en el proceso creativo. El desierto\, la mente\, el cosmos\, activan permanentemente mis ganas de dibujar y pintar”\, explica Ricardo. “Pintar es conectarme con los grandes maestros del pasado”. \nLas piezas que presenta Ricardo Wiesse (hijo) forman parte de una serie en particular que tiene a las redes como tema principal. “Es un proyecto personal en el cual busco en las artes plásticas un medio más de expresión”\, añade el músico. \nSe trata de dibujos en formato mediano\, de gran fuerza expresiva\, hechos en tinta china sobre papel\, en algunos casos\, sobre papel transparente. La mayor parte de la serie está hecha en blanco y negro y retrata literalmente redes que no solo grafican un aspecto figurativo sino también metafórico. Para Ricardo dibujar es una forma de autoconocimiento y de relación con el entorno\, pero es sobre todo un camino hacia la tranquilidad. Entre el dibujo y la música encuentra un puente que te lleva al mismo destino: la libertad”. \nLibertad y talento en la obra de ambos es lo que veremos en esta exposición. La muestra va hasta el sábado 30 de septiembre en galería Fórum.
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Martín Blazko ‘Un acuerdo secreto’
DESCRIPTION:‘Un acuerdo secreto’ es el nombre de la muestra que expone esculturas\, pinturas y collages de uno de los principales referentes del arte geométrico en Argentina: Martín Blaszko. Con la curaduría de Agustina Taruschio\, el artista alemán\, argentino por adopción\, llega a La Plata. \nMartín Blaszko nació en 1920 en Berlín y falleció en Buenos Aires en 2011. Junto a Carmelo Arden Quin\, fundó el grupo de arte concreto MADI en Buenos Aires. Sus proyectos fueron pensados para dialogar con la ciudad y sus habitantes\, para que las esculturas puedan ser
recorridas y transitadas. Sus figuras geométricas en sus obras\, ya sean esculturas como pinturas\, operan de manera racional y lúdica en forma simultánea. Sus pinturas parecen proyectos escultóricos y a su vez\, sus esculturas denotan un estudio del espacio\, donde el tamaño de la obra se contradice con la sensación de monumentalidad que la misma sugiere. \nSu obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Argentina (MALBA\, MAMBA\, MPBAEP)\, Venezuela (Fundación Cisneros)\, Estados Unidos (Museo MADÍ\, Dallas; Aldo Castillo Gallery\, Chicago; Colección Ella Fontanals Cisneros\, Miami)\, Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza y Japón. \nLa muestra ‘Un acuerdo secreto’ ocupará tres de las nuevas salas remodeladas del MACLA. Pero en paralelo\, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti (Av. 51 Nº 525) inaugurará el viernes 6 de Octubre su muestra sobre Blaszko. Así y de forma inédita\, los dos museos estarán reflejando en simultáneo sus miradas sobre un mismo artista. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/martin-blazko-un-acuerdo-secreto/
LOCATION:MACLA\, Pasaje Dardo Rocha\, calle 50 entre 6 y 7\, La Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Mirar” Julia Tellaeche
DESCRIPTION:Se dijo sobre “Mirar”: “Todavía no se puede explicar qué fibra sensible enciende el arte. Hay quienes intentan una respuesta en la sinceridad\, algo así como una expresión directa\, una obra que estalla y hace estallar. Es el artista\, de pie y en movimiento\, el que equilibra y desequilibra las emociones. En las personas\, esa expresión directa descansa en la mirada. La búsqueda de uno mismo en los ojos de otro: el arte no es otra cosa que los ojos de otro. En la sinceridad de la búsqueda aparecen las grandes obras. Mirar es también buscar. En ese gesto sutil Julia Tellaeche captura sus historias”.\nTellaeche concurrió a la peña de artistas plásticos de 1960 a 1969. Allí fue discípula de Demetria Urruchúa. Hizo taller de muralismo con el maestro Juan Carlos Castagnino y de escultura con José Alonso. Efectuó exposiciones colectivas entre 1961 y 1964.\nRecibió una mención en el concurso de manchas de la calle San Juan. En 1962 recibió un premio en “Figura Salón Municipal de Necochea”. En 1969 se le otorgó un premio en el salón regional de Ayacucho\, Dr. Pedro Solanet. Realizó una exposición individual en la galería Kaperotxipi de Mar del Plata (1969).\nEn 1972 creó tres murales en la escuela 59. Reinició su labor en el año 2000. Participó de la exposición colectiva del Museo Juan Carlos Castagnino en 2002. De 2007 a 2011 expuso en el complejo Costa Salguero dentro de la exposición “Arte Clásica y Contemporánea”.\nEn 2010 expuso individualmente en el “Archivo Café”. En febrero de 2014 inauguró una muestra individual en el museo marplatense del puerto “Cleto Ciocchini”. De octubre a diciembre de 2014\, expuso en el Hotel F.O.E.B.A.\n\n\n\n\nMuestra “Mirar”\nJulia TellaecheSe puede visitar hasta fin de noviembre de 2017 . Diariamente desde las 10:00 h\nEntrada libre y gratuita.\nEspacio de Arte del Centro de Arte\nRadioCity+Roxy+Melany\nSan Luis 1750\nMar del Plata \n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Espacio de Arte RadioCity+Roxy+Melany\, San Luis 1750\, Mar del Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen en el Duhau 100 años de libertad
DESCRIPTION:Este 10 de julio de 2017 festejó sus 100 años de vida\, absolutamente libre y comprometida con el arte. Lo festeja con varias muestras a lo largo del año. En el Paseo de las Artes del Palacio Duhau presenta obras recientes. \nSon característicos en sus pinturas los fondos luminosos y orgánicos que inducen al movimiento a los otros elementos que habitan la obra: líneas\, telas y papeles que bailan\, se derraman y salen sin pedir permiso. Ides pinta\, desde muy temprano\, cada día. Nada la limita\, su mente inquieta investiga y crea. \n\n\n\n\nPaseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt  \nAv Alvear 1661\, CABA
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LOCATION:Paseo de las Artes del Palacio Duhau Park Hyatt\, Av Alvear 1661\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:LILIANA MARESCA: EL OJO AVIZOR. OBRAS 1982 – 1994
DESCRIPTION:Esta gran retrospectiva de la obra de Liliana Maresca (Buenos Aires\, 1951 – 1994) recorre 12 años de su producción artística\, desde 1982 hasta 1994\, año de su muerte. La exposición se basó en un trabajo de cuatro años de investigación\, con el que el Museo se propuso rendirle homenaje y recuperar la potencia de una artista sumamente necesaria para entender el presente. \nMaresca fue una de las constructoras más activas de una comunidad artística interdisciplinaria gestada en el under hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales de la sociedad\, como la situación política del país y el VIH\, que la afectó personalmente. \nCon una energía siempre avasallante\, buscó expandir las fronteras del arte\, desdibujando sus espacios\, categorías y disciplinas\, siempre en confrontación con la realidad sociopolítica. Además de estimular la reconstrucción comunitaria en democracia\, tuvo la capacidad de captar y retransmitir —como si ella misma fuese una poderosa antena— aquello que era central y urgente en un contexto social agitado. Su práctica artística abarcó desde un manifiesto íntimo y político sobre el cuerpo\, el amor y la sexualidad\, hasta la violencia social\, tanto de la Argentina como internacional. \nAlgunas de las obras expuestas fueron: Una bufanda para mi ciudad\, Mascaritas\, Lavarte\, Kermesse\, las series de fotografías realizadas en colaboración con Marcos López\, las esculturas de la serie “No todo lo que brilla es oro”\, la instalación Recolecta y videos que documentan la obra Ouroboros y la exposición La Cochambre. Asimismo\, se reconstruyeron las instalaciones Wotan Vulcano\, Imagen pública- Altas esferas y El Dorado. La exposición cierra con dos proyectos en la sala del 1° piso: Espacio disponible y Maresca se entrega a todo destino. \nBio\nFue principalmente autodidacta\, aunque a mediados de los setenta comenzó a asistir a talleres en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y tomó clases con algunos artistas\, entre ellos Emilio Renart. A principios de 1980 comenzó a participar activamente en la escena artística del under porteño\, en espacios como el Café Einstein y la revista El Porteño . Además de organizar y participar en exposiciones colectivas\, trabajó en forma colaborativa con artistas como Ezequiel Furgiuele y el fotógrafo Marcos López. A principios de los noventa\, expuso sus proyectos en el Centro Cultural Recoleta y en el Casal de Catalunya.
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LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:La única verdad - Mario Gómez
DESCRIPTION:Mediante una profunda exploración técnica\, las obras presentadas en esta muestra del destacado artista nacional Mario Gómez\, lidian con los problemas del material y el color como agentes de una narrativa propia. Esta se presenta despojada de pautas o coordenadas que ordenen las razones de ser de los silenciosos individuos que habitan sus paisajes\, como la maduración del pintar y su relación –siempre presente– con la inagotable búsqueda por hallarse tras la imagen. la muestra la componen pinturas sobre tela y papel y esculturas en bronce y cerámica\, que resumen la producción del artista de los últimos años.\nHorarios ciclo Lunes a sábado\, 10 a 20 hrs.\nentrada general ciclo Entrada liberada.\nFecha inicio y finalización:  11 de octubre al 30 de noviembre 2017.
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LOCATION:Universidad Catolica de Chile\, Av Libertador Bernardo O'Higgins 340\, Santiago\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:Exhibición del artista italiano Alfredo Lazzari (1871-1949)
DESCRIPTION:Llegado a la Argentina en 1897\, Alfredo Lazzari (1871-1949) es reconocido por la calidad de su obra y su labor docente al frente de un importante grupo de artistas boquenses entre los que destacan Benito Quinquela Martín\, Fortunato Lacámera\, Arturo Maresca\, Luis Ferrini y Santiago Stagnaro. \nLa exhibición incluye un destacado conjunto de obras provenientes en su mayoría de la colección familiar\, que abarcan no sólo su valioso repertorio de paisajes\, sino también otras obras vinculadas a la producción religiosa y de temática orientalista. El conjunto incluirá también piezas nunca antes vistas como bocetos y cerámicas decorativas que denotan su variada formación técnica. \n\n\n\n\n\nClausura 4 de diciembre.\nSalas Eduardo Sívori y Miguel C. Victorica.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Diez miradas sobre Buenos Aires
DESCRIPTION:Horacio Coppola\, Guido Chouela\, Sara Facio\, Alberto Goldenstein\, Nacho Iasparra\, Claudio Larrea\, Sameer Makarius\, Gian Paolo Minelli y Harry Grant Olds. \nUna exposición sobre Buenos Aires con la obra de diez fotógrafos de distintas generaciones\, estilos y puntos de vista que han registrado diferentes aspectos de La Ciudad. Se trata de un cruce de miradas que es a la vez testimonio y celebración de un lugar. \nLas fotos tienen a la vez un gran sentido estético según\, como se dijo\, la época a la que cada uno de ellos pertenece y su propio estilo y concepto artístico. Pero a la vez es indudable que todos\, con estas fotografías\, dejan un testimonio invalorable de diferentes lugares de esta ciudad. \nEn uno de los tantos poemas que Jorge Luis Borges dedica a su ciudad leemos: “La ciudad está en mi como un poema / Que no he logrado detener en palabras” \nQuizás la fotografía logre aquello a lo que alude nuestro gran escritor y consiga fijar en imágenes lo que la palabra apenas puede insinuar. \n+ INFO
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LOCATION:jorge Mara\, Paraná 1133\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Formas dulces y sentimentales” Jorge Demirjian
DESCRIPTION:El pintor Jorge Demirjian inaugurará la exposición “Formas dulces y sentimentales” en el Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia (Armenia 1366\, CABA) el próximo jueves 26 de octubre a las 19:30 hs. \n“Jorge Demirjian es uno de los representantes más genuinos del genio creador del pueblo armenio y orgullo de nuestra comunidad”\, destacaron desde la Asociación Cultural Armenia. \nLos organizadores de la muestra explicaron que Demirjián es “una de las figuras más representativas de las artes plásticas contemporáneas\, precursor de la neofiguración en nuestro país\, una escuela que abrió nuevos surcos en la plástica moderna“. \nLas obras de Demirjian están en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Museo de Arte Contemporáneo (Buenos Aires)\, Museum of Modern Art (Nueva York)\, University Art Museum (Texas)\, Museo de Arte Moderno (Bogotá)\, Museo de Bellas Artes de Ereván (Armenia)\, Biblioteca Nacional de París\, Banco de Boston y Fond National d´Art Contemporain (París). \nLa exposición se puede visitar hasta el 14 de noviembre con entrada libre y gratuita\, lunes y sábados de 11 a 20 hs. y domingo de 11 a 15.
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LOCATION:Espacio Cultural de la Asociación Cultural Armenia\, Armenia 1366\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rafael Soriano: El artista como místico
DESCRIPTION:La mayor exhibición de la obra del pintor cubano Rafael Soriano\, que muestra no solo su mundo geométrico y surrealista sino también objetos personales\, abrirá sus puertas este sábado en Miami en el Museo de Arte Patricia y Phillip Frost de la Universidad Internacional de la Florida \nEl pintor cubano Rafael Soriano (1920-2015) fue un aclamado maestro de la abstracción geométrica y una figura mundial en el mundo del arte del siglo XX; Su trabajo resonó con artistas internacionales de origen latinoamericano como Roberto Matta\, Rufino Tamayo y Wifredo Lam. Como resultado de la Revolución en Cuba\, en 1962 Soriano emigró a los Estados Unidos. Un examen sin precedentes de la obra de su vida\, esta exposición se centra en las múltiples influencias que alimentaron un estilo donde\, en sus palabras\, «lo íntimo y lo cósmico convergen». Con más de noventa pinturas\, pasteles y dibujos de la Colección de la Familia Rafael Soriano\, así como otras instituciones y colecciones privadas\, El artista como místico\, comienza con las obras de Soriano en el estilo abstracto geométrico cubano. Luego se traslada a su transición\, pinturas experimentales de los años 1960 y 1970 que recuerdan el biomorfismo surrealista. La exposición concluye con imágenes luminosas y místicas en pinturas de la madurez de Soriano. Organizada por el McMullen Museum of Art del Boston College en colaboración con la Fundación Rafael Soriano\, la exposición ha sido comisariada por Elizabeth Thompson Goizueta\, miembro de la facultad del Departamento de Lenguas y Literaturas Románicas de Boston College. El Boston College y los Patronos del Museo McMullen han proporcionado un gran apoyo. El catálogo de la exposición que acompaña es publicado por el Museo McMullen y editado por Elizabeth Thompson Goizueta. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/rafael-soriano-el-artista-como-mistico/
LOCATION:The Patricia & Phillip Frost Art Museum (FIU) / Florida International University\, University Park. 10975 SW 17th Street\, Miami\, Florida\, United States
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SUMMARY:Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea en el MACBA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea\, una exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. \nTras la primera muestra de Arte Generativo –realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960– Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos\, próximos al arte concreto\, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético. \nInternacionalmente reconocido por su imagen generativa\, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión\, mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que\, dentro de sus últimos trabajos\, interpretaron un grupo de piezas de arte africano. \nEl guión curatorial reúne pinturas\, cajas cinéticas\, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana\, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia\, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma. \nHorario de visita:\nLunes\, miércoles\, jueves y viernes: 11 a 19hs.\nSábados y domingos: 11 a 19:30 hs.\nMartes: cerrado. \nMuseo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires: Av. San Juan 328\, San Telmo \n 
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LOCATION:MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:PERLA MARGULIES “De mitos y leyendas”
DESCRIPTION:La Secretaria de Cultura de Entre Ríos a través del Museo Artemio Alisio\, invitan a la inauguración de la muestra titulada “De mitos y leyendas”\, de la artista de Buenos Aires PERLA MARGULIES en la misma se exhibirán\, aguafuertes\, monotipos y técnicas mixtas. \nLa misma se inaugurara el viernes 3 de noviembre de 2017 a las 20\,00 hs\, en Sarmiento 612\, de Concepción del Uruguay\, Entre Ríos. \nLa muestra se podrá visitar de martes a sábados de 8\,30 a 12\,00 hs. y de 17\,00 a 20\,30 hs. \nSeries: “El flechero”\, “Suspendidos”\, “Desborde” y “Religiosidad popular” \nEn “De mitos y leyendas”\, Perla Margulies presenta el fruto de una década de trabajo resumido en cuatro series de grabados. Consolidadas sus imágenes a partir de la investigación iconográfica y técnica\, los rasgos recurrentes son el lirismo y la expresividad\, engarzados en la arquitectura de la composición\, y un juego de texturas que crean ambientes psicológicos inquietantes. Figuras humanas\, estructuras y paisajes se organizan a partir de la resignificación de la memoria\, el testimonio directo\, la realidad social o el mito. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Artemio Alisio\, Sarmiento 612\, Concepción del Uruguay\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:“El escarabajo en los Mundos Imaginarios”
DESCRIPTION:Este sábado\, a partir de las 20.00 horas\, en el Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio se llevará a cabo la muestra “El escarabajo en los Mundos Imaginarios” de Hugo Urlacher\, pintor oriundo de Buenos Aires\, donde la figura humana es el eje de su obra\, es su expresión más íntima. \nEl secretario de Cultura\, Adrián Vila expresó: “es un gran pintor argentino\, sus trabajos son hermosos; esperemos que los vecinos chivilcoyanos puedan venir a disfrutarlo porque va a ser una muestra de un pintor excelente”. \nLuego agregó: “en el marco de la muestra\, el pintor nos va a donar una de sus obras para el Museo. Para nosotros es un honor\, hace un tiempo que estamos con la idea de ampliar el patrimonio del Museo y esto es un buen inicio”. \nAsimismo\, desde el Pompeo se tiene programado como posibilidad\, que\, si esta muestra tiene buenos resultados y repercusión\, el centro de la primera muestra que se realice el año próximo podrá ser la obra de arte donada por Urlacher. \nCabe destacar que\, en la exhibición de este sábado\, Urlacher va a realizar una pintura en vivo.“Vamos a tener la oportunidad de disfrutar\, de ver como pinta y los colores que nos interesa tanto en la piel que utiliza Urlacher”\, explicó María del Carmen Ruggirello. \nTambién\, en el marco de dicha exposición estarán presentes artistas locales\, del “Grupo de Arte Pinceladas Chivilcoyanas”\, integrado por María Alejandra Ranni\, Ana Peiti\, Analía Roggiano\, Cecilia Simone\, Claudia Alessandrini\, Fabiana Rocha Plaul\, Gastón Banfi\, Gisela Bengochea\, Graciela Granero\, Graciela Piñeiro\, Griselda Martínez\, Jorge Torricelli\, Julio Orihuela\, Mónica Cauda\, Paola Gusmerotti\, Soledad Gusmerotti\, Patricia Conde\, Sandra Palmentieri\, Sonia Ippólito\, Fernanda Torricelli\, Martha Plaul Rocha\, Nicolás Torricelli\, Elizabeth Ortiz y María del Carmen Ruggirello. \nPor su parte\, Adrián Vila manifestó que se anunciará “el primer Salón Adquisición de esta gestión\, que hace del año 1997 que no se hace. Es una gran muestra donde se van a exhibir aquellos trabajos que concursan. Los tres primeros trabajos ganadores van a tener un premio\, y después van a haber algunas menciones. Un premio con la adquisición de 10 mil pesos\, otro de 8 mil y otro de 5 mil pesos”. \nLos jurados serán: el Curador del Museo Sívori y Profesor de la Universidad de Buenos Aires\, Nicolás Javaloyes; la artista plástica Mirta Narosky y Carla Moyano\, Profesora y Directora de la Escuela de Artes Visuales de Chivilcoy. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Pompeo Boggio\, Bolívar 319\, Chivilcoy\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Sueños de una pluma" de SiLvina Baz
DESCRIPTION:«El arte no se explica\, se siente»\nBaudelaire \nSilvina Baz conoce su oficio. Es de esas artistas que nunca paran de aprender\, que siempre están ávidas de conocer algo más: una nueva técnica\, un nuevo recurso\, una manera más de aproximarse a la imagen. Trabaja incansablemente\, tiene una actitud de búsqueda permanente y de experimentación constante. \nPor eso su obra se diversifica\, y lo que le despierta interés se puede encontrar en grabados\, pinturas\, dibujos o fotografías. Esta diversidad no se plantea desde las certezas\, sino como una necesidad expresiva. Porque toma un tema y lo desgrana en toda su extensión\, lo aborda por todos los ángulos posibles\, no renuncia hasta no sentir que de verdad le sacó todo el provecho necesario. Ahondando en cada tema\, de una misma matriz consigue obras no sólo diferentes sino casi opuestas\, apelando a los colores y a las maneras de disponer los elementos. La obra se va convirtiendo en un juego donde las reglas se van construyendo a medida que se avanza. \nLas plumas ejercen una doble fascinación sobre Silvina Baz: como símbolo\, como metáfora\, pero también como elemento en sí mismo. La pluma como ejemplo de equilibrio\, de simetría\, de forma\, pero también como herramienta\, como dueña del hacer\, como vehículo de la acción. Dentro de la obra\, la pluma se convierte en sujeto\, dibujado\, tallado\, grabado\, y en objeto\, entintada\, agregada o pegada directamente sobre el papel\, con su presencia real\, interrogándonos. \nToda la obra remite a una simbología personal\, individual\, que sin embargo cada espectador siente extrañamente cercana. Silvina trabaja con la pasión de quien se sabe vulnerable\, transformando su fragilidad en la energía desbordante con la que enfrenta cada obra. \nFlorencia Salas\nCuradora\, Dibujante\, Gestora de Arte
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LOCATION:Museo Municipal de Artes Plsticas «Juan Bautista Tapia»\, Matheu 322\, San Antonio de Areco\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:RODIN\, CENTENARIO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje al escultor francés a un siglo de su muerte con la exhibición de un conjunto de esculturas y dibujos de la colección del Museo. Dos obras clave\, La Tierra y la Luna y El beso\, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin\, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó nuestro museo nacional. \nSalas 10 y 20\, Planta baja \nCurador/a: Mariana Marchesi
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LOCATION:Museo Nacional Bellas Artes\, Av. del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Roberto Cortés  "Viva la Vida"
DESCRIPTION:Viva la Vida es un recorrido por las obras más recientes de Roberto Cortés. La muestra trata de las pinturas que nacieron o que acompañaron al artista en un camino a través de la enfermedad\, su anticipación mística y su resolución redentora. La presencia de la muerte\, los recuerdos de la infancia\, las preguntas filosóficas y otras que no lo son tanto\, aparecen contadas con el humor y color que caracterizan la obra de Cortés\, con un estilo muy sólido y definido. Un viaje desde y hacia la vida. \nArtista: Roberto Cortés \nCurador: Tobías Cortés \nMás sobre el artista y el curador \nRoberto Cortés es egresado de las escuelas Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano\, Prilidiano Pueyrredón (Especialidad Pintura y Grabado)\, y de la superior Ernesto de la Cárcova (Especialidad Pintura). Participa de los cursos Introducción a la Creatividad por E. Renart\, y Jung y los Símbolos del Arte por H. Haber. Asistió a numerosos salones y recibió varios premios\, entre los que se destacan el  1er .Premio Salón de Rafaela\, 2do Premio Salón Boca Juniors y Mención de Honor en Salón Banco Provincia 2017. \nTobías Cortés es egresado de la Universidad del Cine en Dirección\, trabajó en Cine y TV con directores como Hugo Santiago\, Miguel Kohan e Inés de Oliveira Cezar\, como Asistente de Dirección y Producción\, Montajista y Camarógrafo. Desde el 2006 trabaja en diversos teatros independientes de Lomas de Zamora como actor\, director\, tallerista\, gestor y productor. Gestionó el 1er. Festival de Varieté y Café Concert del Conurbano Sur 2015. Como dramaturgo y director\, se destacan sus trabajos “Amputar”\, “Espiritismo” y “Livor Mortis”. \n  \nCentro Cultural Recoleta: Junín 1930 – CABA \nEntrada: Gratuita \nHorarios: Martes a viernes de 13.30 a 22:00 hs. Sábados\, domingos y feriados de 11.30 a 22:00 hs. \nSalas 3\, 4\, y 5 \n#VivalaVidaenelRecoleta\n#CortésenelRecoleta
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Vallejo y otras tintas
DESCRIPTION:La Galería Modus Operandi presenta “Vallejo y otras tintas” una muestra individual del artista peruano Ricardo Wiesse uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria muy sólida. Un pintor formado por sus lenguas\, mitos y tradiciones artísticas e influido por sus raíces indígenas sudamericanas. Ricardo Wiesse (Lima\, 1954) estudió Letras y Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, y Grabado en el Atelier 17 en París y en la Slade School of Fine Arts en Londres. Ha sido profesor en diversas escuelas de Arte y es autor de varios murales cerámicos a escala urbana. Desde 1999\, produce paralelamente óleos abstractos y realistas\, paisajes del santuario prehispánico de Pachacámac\, el desierto de Ica y la costa de Lima. Sus imágenes no figurativas fusionan influjos visuales del arte contemporáneo occidental y la estética del mundo andino prehispánico. \n«Vallejo y otras tintas» se asienta sobre cuatro series realizadas en los últimos años. La principal y de la que toma el título la muestra es “Azules de Vallejo”\, 34 páginas sueltas que pueden colgarse en un muro\, juntarse en una caja u ocupar el estante de una biblioteca. Cada una lleva el título del poema donde he encontrado la palabra “azul”\, o voces afines. Estructuras lineares entrecruzan Imágenes y textos en planteos lúdicos. Cada verso o segmento presentados han sido los puntos de partida\, pretextos para componer este tributo visual a una obra escrita imperecedera. \nDe un intenso periodo de duelo nació la serie “Noche cerrada”\, un trabajo sobre papeles negros y grises\, el conjunto explora territorios definidos por curvas intersectadas\, figuras geométricas\, o retículas que conviven con destellos mínimos en el espacio sombrío. \n“Hojas de álbum” son tramas formadas por círculos y conexiones ondulantes de tonos desvaídos rojo sepia que aluden a los textiles bordados o pintados por los artistas originarios de los desiertos y montañas andinas. \n“Álbum” es una sola hoja doblada y extendida que se inició al lado derecho y concluyó al izquierdo\, al revés de la convención lectora de los textos occidentales. Abiertos como un acordeón desmontado\, sus temas y variaciones engarzan presentes simultáneos\, y la sucesión\, un story board de siluetas que parecen hundir sus señas en la arena. Este diario gráfico de marzo de 2016 transcurre entre rectas\, curvas abiertas y cerradas\, paralelas\, contornos de ancho diverso\, puntos que se esfuman en el vacío intacto. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/vallejo-y-otras-tintas/
LOCATION:Galeria Modus Operandi\, Calle Lope de Vega\, 31\, Madrid\, Madrid
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SUMMARY:Josefina Robirosa\, Antológica 1956-1997
DESCRIPTION:“El cuadro se pinta solo. Al pintar hay un mapa interior que uno pone afuera. Claro que el cuadro es mejor cuanto mejor es ese mapa”. \nJosefina Robirosa -de ella es la cita- ciertamente tenía un atlas maravilloso en su interior\, un mapamundi que traspasó las fronteras de los estilos\, una cartografía que utilizó para pintar una trayectoria plena de riqueza y sentido\, un plano que la guió en sus numerosas búsquedas y que derivó en múltiples hallazgos. Muchos de ellos forman parte de “Antológica 1956-1997”\, la muestra que se exhibe en Casa Victoria Ocampo\, en Barrio Parque. Con esta contribución a la revisión y revalorización de la obra de Robirosa\, el Fondo Nacional de las Artes(FNA) abre el calendario de exposiciones artísticas temporarias 2018\, año de su 60º aniversario. \nDesde sus inicios en la pintura\, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo\, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora\, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90\, y durante ocho años\, formó parte del directorio de la entidad. En 2016\, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales. \nMercedes Casanegra\, curadora de la muestra\, comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que\, a mediados de los años 50\, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega. \nEn 1957\, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de ´Siete Pintores Abstractos´\, entre quienes se contaban Martha Peluffo\, Kazuya Sakai\, Rómulo Macció y Clorindo Testa. \nEn esa época\, Robirosa “practicaba una abstracción cálida\, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea\, inmediata\, en un tono contenido y sutil”\, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas\, que disponía\, a menudo\, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes\, que plasmó en témperas\, dibujos y monocopias”\, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas\, a otros seres animados\, al universo\, a las máquinas imaginarias. \nHacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. “En esa vertiente\, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego\, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo”\, explica Casanegra. \nHacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”\, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”\, dijo en el momento del cambio. \nEste encuentro con la naturaleza\, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra\, pueden verse del 15 de marzo al 15 de mayo en la muestra de CVO.
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LOCATION:Casa Victoria Ocampo\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Dinámicas Geométricas” de ROGELIO POLESELLO
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) abrió este viernes sus puertas a “Dinámicas Geométricas” de Rogelio Polesello\, uno de los artistas más importantes de la historia pictórica argentina. \nA través de sus obras el espectador transita “un largo recorrido que va desde los agitados años sesenta hasta nuestros días”\, detalló Ivana Quiroga\, coordinadora de Museos\, y explicó que este pintor y también escultor “utilizó diferentes técnicas\, disciplinas y lenguajes\, explorando los límites de la abstracción geométrica\, óptica y cinética”. \nRodrigo Alonso\, curador de la exposición\, ahondó en la profundidades del creador del arte óptico\, “logrando ser considerado uno de sus mayores exponentes en Latinoamérica”. “Trabajó desde un lugar lúdico\, colorido y con mucha participación del espectador” y “a lo largo de su carrera transitó por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico”. \nRespecto a las obras\, el curador describió que son pinturas y acrílicos y que el reconocimiento del artista fue en década del 60 “por la producción de unos acrílicos con lentes que hace que todo lo que se vea a través de ellos se distorsione en sus lienzos”. \n“Aquí es donde entra la participación del espectador porque se ve muy diferente a través de estos acrílicos”\, concluyó Alonso. \nLa muestra que inaugura este viernes y que se podrá ver hasta el 3 de junio\, reúne piezas de acrílico y pinturas que pertenecen a las últimas producciones de Polesello\, además de algunas piezas consideradas representativas de los años sesenta. \nComo es habitual\, el ingreso al MNBA Neuquén es abierto y gratuito\, en tanto que las visitas guiadas se realizan de martes a domingo\, puntualmente a las 19. \nINAUGURACIÓN Dinámicas Geométricas de Rogelio POLESELLO  \nViernes 23/3 – 20 hs en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Neuquén \n Entrada libre y gratuita
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LOCATION:MNBA Neuquén\, Calle Mitre y Santa Cruz\, Patagonia\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:Clara Carrié. Los designios del grabado.
DESCRIPTION:En Sala 2\, el museo invita a una gran muestra homenaje de la artista Clara Estela Carrié Domínguez (Ushuaia 1901 – Buenos Aires 1985)\, quien tuvo vínculos familiares muy próximos con nuestra provincia. La exhibición de sus trabajos significa también la exhibición de su vida y pasiones\, su destreza técnica\, su mirada sobre los cuerpos y su representación. Se trata además de la puesta en valor de un riquísimo fondo de obras que salen a la luz\, producto de las tareas de rescate y estudio realizadas en nuestro museo.\nLa exposición dará cuenta de la labor de la artista en la disciplina del grabado y el dibujo\, rescatando gran parte de su producción conservada en el patrimonio del museo.\nLa artista Clara Carrié era hija de Félix Augusto Carrié y Romana Elisa Domínguez\, sanjuaninos que cumplieron importantes funciones públicas en la provincia y el exterior\, supieron sentar los lazos que la artista mantendría con San Juan y los artistas de la época.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:TRANS / CIS
DESCRIPTION:  \nEn el concierto del arte contemporáneo peruano\, Jorge Eielson (1924-2006) y Emilio Rodríguez-Larraín (1928-2015) han pasado de ocupar lugares claves en un panorama a detentar posiciones francamente fundacionales en una historia. Contemplar el cambio en la fortuna crítica de ambos en el ámbito peruano desde 1979 a la fecha revela una transformación del gusto y un re-centramiento del arte actual en aras de la definición de una contemporaneidad propia\, al punto que al día de hoy la escena local de lo contemporáneo no podría imaginarse a sí misma sin la existencia de ambos: son figuras que ostentan procesos y trayectorias deslumbrantes. En el mundo de las consagraciones instantáneas que marcan la actualidad\, son dos individualidades creadoras que ejemplifican integridad y entrega\, audacia y sabiduría\, y de este modo resultan ejemplares entre los ya consagrados y se constituyen en verdaderos faros para los aspirantes. \nRevolver Galería ofrece al público un singular diálogo entre obras de ambos creadores en el espacio de su nuevo local en El Olivar de San Isidro. Desde la Bienal de Venecia de 1964\, en la que se destinó un área limitada para el montaje de los artistas que conformaban el envío peruano\, no se ha dado una presentación conjunta de obras de Eielson y Rodríguez-Larraín\, en profusión\, dentro de un mismo y acotado espacio expositivo. Ni siquiera en la III Bienal de Trujillo de 1987 estuvieron en esta proximidad. \nSus procesos creadores\, bien diferenciados entre sí\, se prestan\, sin embargo\, para evidenciar la riqueza inherente al nacimiento de lo contemporáneo en el Perú. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín se convirtieron en su larga estadía en Europa en peruanos esenciales que decantaron su comprensión de las distintas hebras de un patrimonio estético nacional\, en medio de intercambios con lo más radical del arte europeo de su tiempo\, a través de su amistad y condición casi de fellow-travellers\, o compañeros de ruta\, de los artistas europeos inconformistas de su tiempo. \nSi la propuesta de juntar obras de ambos resulta audaz es porque busca hacer del señalamiento de sus distancias estéticas el eje principal para construir el reconocimiento de una necesaria coexistencia complementaria\, piedra angular de la contemporaneidad artística peruana. Y no se trata de hacer el retrato de un punto de origen binario. Lejos de ello\, la muestra celebra lo proteico y contrastante tanto entre dos artistas de sensibilidades de una audacia irreprimible\, como dentro de los hoy inverosímiles procesos de creación que cada uno siguió. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín son de la estirpe de los creadores inclasificables que crean obra multiforme e inagotable\, podría decirse que siguiendo el comportamiento de la naturaleza. \nEn la práctica artística de ambos hubo lugar tanto para la creación material y las presencias objetuales\, como para planteamientos conceptuales-proyectuales y las presencias efímeras y deleznables. Pero\, mientras que es frecuente que el azar\, la desmesura y la exactitud geométrica se den cita paradójicamente en la sensibilidad visionaria de Rodríguez-Larraín\, en la de Eielson la materialidad y el color se tensan y amalgaman en un cuerpo sexuado y generan un efluvio gozoso que alude\, además\, a la incertidumbre como principio de la ciencia. \nRodríguez-Larraín y Eielson encontraron una razón de ser en el arte más allá de las convenciones y a través de sus obras se muestran innovadores en las profundidades del espíritu\, trabajadores incansables en una renovación cultural que aún está por venir. \nPor Jorge Villacorta
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LOCATION:Galeria Revolver\, Pasaje de José Olaya 110\, cercado de Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:GUSTAVO VÉLEZ. Origen
DESCRIPTION:El día 19 de abril a las 7:30 pm la galería de Arte Enlace Arte Contemporáneo inaugurará la exposición individual de esculturas del artista colombiano Gustavo Vélez\, en Av. Camino Real 1123 de San Isidro. \nGustavo Vélez\, Medellín\, Colombia\, 1975; Estudió en la Academia Lorenzo de Medici en Florencia\, Italia y concluyó su formación en los talleres de Pietrasanta\, lugar que frecuenta desde hace más de 20 años y en el cual tiene actualmente su estudio de escultura. \nLa muestra consta de alrededor de 15 esculturas trabajadas en mármol carrara\, gris y negro\, bronce y aluminio\, de mediano y gran formato. En el trabajo de Gustavo Vélez\, sobre todo en la serie actual de obras\, se pueden apreciar conjeturas en torno a propiedades geométricas\, su progresión\, el pliegue\, en especial la geometría del cubo\, su superfoliado. Son intuiciones del espacio desarrolladas plásticamente. Vemos un ejercicio de (auto)didáctica esquemática en el desarrollo de prácticas de proporcionalidad\, esquemas con órdenes determinadas de construcción y desarrollo. \n«Busco la armonía en las líneas para que la dureza y la pesadez de los materiales tengan un toque de delicadeza y transparencia. Creo que el desafío es lograr que la escultura se vuelva ligera y que flote en el espacio como una provocación del infinito”. \n“Cuando estoy frente a un bloque de mármol\, quiero disolver ese cubo y convertirlo en movimiento\, girarlo sobre un eje. Geometría\, dentro de Geometría”. Gustavo Vélez \nEn Japón\, ha realizado muestras en galerías de Tokio\, Utsunomiya\, Iwaki y Yokohama. Su última exposición en Japón fue en 2015 en la Galería Seiho de Tokio. Vélez ha realizado exposiciones en reconocidas galerías y museos de China como el Museo de la Ciudad Imperial de Beijing. También ha participado en las ferias Art Shanghai\, KIAF de Corea y Art Stage de Singapur. En el 2009 realizó la escultura monumental “Flying”\, Mármol Blanco Coreano que se ubicó en el Parque de Esculturas Art Valley de Seúl. \nEn Europa\, Gustavo Vélez ha participado en ferias de arte en Londres\, Madrid\, Barcelona y Mónaco. Además\, cuenta con una trayectoria ya consolidada como artista presente en Pietrasanta\, Toscana Italiana a la que llegó en 1996 y en la que concentra la mayor parte de la creación de sus obras en mármol y bronce. En el 2013 fue elegido para la muestra individual de escultura que se realiza en esta localidad italiana\, en la emblemática Piazza del Duomo y la Chiesa di Sant`Agostino con esculturas de bronce\, acero y mármol que llegaban hasta los siete metros de altura y ocho toneladas de peso. \nEn el continente Americano ha participado en ferias y muestras en Estados Unidos\, Ecuador\, México\, Venezuela\, Panamá\, Colombia y Perú. Sus esculturas\, pudieron ser observadas durante el 2011 y 2012 en el Museo Arqueológico y Contemporáneo de Guayaquil\, el Museo de Arte Moderno de Cuenca y el Museo de Arte Moderno de Quito\, en Ecuador. Así como en el Museo de Arte del Tolima\, en Colombia. \nLa muestra GUSTAVO VÉLEZ podrá ser visitada en La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO hasta el día 1 DE JUNIO en el horario de lunes a sábados de 11.00 am a 8:00 pm; la entrada es libre y gratuita.
URL:https://fadla.org/calendario/gustavo-velez-origen/
LOCATION:Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Jirón Breña 281 Breña\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Rogelio Yrurtia. Canto al trabajo
DESCRIPTION:Curada por Andrea Elías directora del Museo Casa de Yrurtia\, (Ministerio de Cultura de la Nación)\, presenta obras y documentos del monumento Canto al trabajo\, uno de los grupos escultóricos más sobresalientes del arte argentino\, inaugurado en 1907 en la plazoleta ubicada en Paseo Colón e Independencia\, de la ciudad de Buenos Aires. \nYrurtia recibió el encargo del monumento de la municipalidad de Buenos Aires en 1907\, y a partir de ese momento su propuesta original fue modificándose y creciendo en cantidad de figuras a lo largo de los años que le llevó la realización en su taller parisino. Canto al Trabajo\, fundido en los talleres de Alexis Rudier en París\, se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1922. El grupo se expone allí hasta 1927 fecha en la que se lo instala en la Plaza Dorrego (San Telmo)\, lugar en el que permanece una década. \nLas esculturas en bronce que se presentan son estudios para el monumento y forman parte de la colección del Museo Casa de Yrurtia.  La fundición\, realizada a partir de los yesos que conserva la institución\, fue encargada por Lía Correa Morales -esposa del escultor- durante su gestión como directora. \nLa muestra incluye retratos y material de archivo del museo\, y del Instituto Tarea de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Podrá visitarse hasta el 29 de julio.
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LOCATION:MAT Museo Arte Tigre\, Av. Victorica 972\, Tigre\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Tropicália y Éden\, de Hélio Oiticica
DESCRIPTION:TROPICÁLIA Y ÉDEN\nEstas dos obras\, consideradas entre las más importantes del artista brasileño Hélio Oiticica\, son instalaciones penetrables que invitan al público a sumergirse en el universo del carioca a través de experiencias sensoriales. \nEl espectador forma parte\, recorre con los pies descalzos un espacio habitado por aves\, plantas tropicales\, agua\, piedras y alfombras de revistas\, y así se va conectando con el espíritu de la búsqueda de Oiticica: un arte que nos desafía a asumir un rol más activo. \nTropicália es un laberinto sin salida\, un mapa que funciona como una crítica al estereotipo de Brasil como paraíso tropical y que pone en escena la estética de las favelas como símbolo nacional. Su alcance fue tal que a fines de la década del ’60 influyó en el surgimiento del Tropicalismo\, un movimiento cultural brasileño de intención renovadora. \nEn Éden hay espacios diseñados para que el público pueda relajarse y conectarse con un estado de ocio que Oiticica consideraba indispensable para lograr una libertad interior tal que lo llevara hacia la creatividad. La obra da un paso más allá en la abstracción y se desprende\, entonces\, de las imágenes para poder reflexionar. \nTropicália y Éden llegan a Buenos Aires tras un exitoso paso por Nueva York y Londres\, entre otras ciudades\, en 2017. \n«Tropicália\, con su multitud de imágenes tropicales\, es una especie de condensación de varios lugares reales. Tropicália es un tipo de mapa: es un mapa de Río y es un mapa de mi imaginación. Es un mapa en el cual uno entra. En Tropicália creé una especie de escena tropical\, con plantas\, guacamayos\, arena\, piedras\, guijarros\, grava … La sensación terrible que sentí allí dentro fue como si estuviera siendo devorado por mi propio trabajo\, como si fuera un gran animal. Interpreté esto como si una transformación estuviese siendo procesada en mi trabajo y pensamiento. El problema de la imagen se presenta aquí objetivamente\, y si bien el mismo es universal yo lo propongo como típicamente nacional\, tropical y brasileño. Quise acentuar este nuevo lenguaje con elementos brasileños en un intento extremadamente ambicioso de crear un lenguaje que fuera nuestro\, erigiéndose frente a la imagética internacional del Pop Art en la que una buena parte de nuestros artistas estaban sumergidos. \nEn Éden traduje mis experiencias personales en algo abierto. Al fin\, esas cabinas son todas parecidas. Todas están basadas en una sensación de ocio\, son un lugar donde acostarse\, donde pensar. La arena\, la paja\, en las que uno se acuesta o permanece de pie\, son nada más que accesorios para algo que siempre se relaciona con una condensación de percepciones; se trata de estar en una situación donde uno puede liberar dentro de sí algunas cosas esenciales. Éden es un «campus» experimental\, una especie de aldea donde todas las experiencias humanas son permitidas. Es un lugar mítico para las sensaciones\, para las acciones y para la construcción del cosmos interior de cada uno – por eso\, se dan proposiciones abiertas e incluso materiales brutos y crudos para que el participante lleve a cabo acciones con ellos. Nunca estuve tan contento como con el proyecto de Éden. Me sentí completamente libre de todo\, incluso de mí mismo.» \nHélio Oiticica\n\nDel 04.05 al 01.07 | Salón Mayor. Entrada libre y gratuita.\n\n\n\nMartes a jueves de 14 a 19 h\nViernes\, sábados\, domingos y feriados de 10 a 21 h\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Usina del Arte\, Agustín Caffarena 1 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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