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SUMMARY:Liliana Porter El hombre con el hacha y otras situaciones breves
DESCRIPTION:El hombre con el hacha y otras situaciones breves es la primera exposición individual de Liliana Porter (Buenos Aires\, 1941) en el museo. Se trata de una instalación site-specific creada especialmente por la artista para la sala 3 de Malba. \nLa obra de Liliana Porter incluye grabados\, dibujos\, instalaciones\, objetos\, proyectos de arte público\, fotografía\, film y video. “Los temas recurrentes parten de reflexiones acerca de la representación\, del concepto del tiempo y de ese espacio ambiguo entre lo que llamamos real y las imágenes. En los últimos años\, casi sin darme cuenta\, ha ingresado a mis obras un variado elenco de protagonistas que son objetos ‘inanimados’: pequeñas figuras\, adornos\, cosas encontradas en mercados de pulgas. Ellos actúan dentro un espacio monocromo y vacío\, en un tiempo no lineal\, más abarcador”\, explica la artista. \nLa instalación en Malba se desarrolla sobre un conjunto de tarimas planas\, de diversos tamaños\, en las que algunos personajes de su familiar elenco están abocados a tareas específicas: construir y destrozar\, esparcir y recoger\, ir y regresar\, limpiar\, barrer\, levantarse\, caerse\, derramar y tejer\, entre otras actividades. En un extremo se encuentra el hombre diminuto con el hacha; un posible comienzo si se atiende al título\, que le da al personaje un protagonismo paradójico considerando sus escasos cinco centímetros. \n“Para que el hombre del hacha destruya\, Porter\, en la dirección inversa del tiempo\, compone pieza a pieza los pedazos\, reconstruye. El suyo es un tiempo más flexible y más incierto\, en el que es posible destruir y a la vez componer\, optar por una alternativa sin perder las otras\, alumbrar a un hombre con un hacha y también a un jardinero que riega sus plantas en medio del desastre”\, reflexiona Graciela Speranza en el ensayo del catálogo que acompaña la exposición. \nCon sus diálogos insólitos\, sus reconstrucciones y sus trabajos forzados\, Liliana Porter altera la cronología de la historia. “Su historia del tiempo se ha vuelto todavía más sinuosa en El hombre con el hacha y otras situaciones breves\, su instalación más ambiciosa hasta la fecha\, retrospectiva sui generis de la obra anterior\, suma poética\, que convoca y a la vez destruye su micromundo\, en el aquí y ahora de un tiempo y un espacio esta vez a gran escala”\, analiza Speranza. \nEn ocasión de la exposición\, Malba editó un nuevo catálogo de Liliana Porter\, con el ensayo A contratiempo de la escritora y crítica Graciela Speranza y un registro fotográfico exhaustivo de la instalación. En 2003\, el museo co-editó junto al Centro Cultural Recoleta el catálogo de su retrospectiva Liliana Porter. Fotografía y Ficción (noviembre 2003 – febrero 2004)\, como parte de su programa de coedición de publicaciones con otras instituciones.
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SUMMARY:Alfonso Mena\, Seducción
DESCRIPTION:La exposición se fundamenta en las exploraciones del tema del lenguaje\, su descomposición y reorientación a partir de la pintura abstracta \nEl Museo de Arte Moderno exhibe Alfonso Mena. Seducción\, una muestra que tiene como fundamento la exploración del lenguaje\, su descomposición y reorientación. Las palabras\, lejos de permanecer estáticas\, están en continua transformación. En la obra de Mena la seducción entraña el dominio simbólico de las formas y el extravío de la verdad: una seducción cargada de éxtasis y pasión. \nMena busca persuadir y conmover al espectador mediante el uso de herramientas lingüísticas y técnicas que\, en plena era digital\, podrían aparecer anacrónicas: la encáustica\, el plomo\, la resina o el grafito. Su pintura está tapiada de velos que permiten entrever la materia oculta y una multiplicidad de planos que se entrelazan a partir de sus reflejos. Al igual que Paul Klee\, Mena hace visibles las fuerzas invisibles. \nSu trabajo es la manifestación de un principio autónomo e irreductible\, la realidad interior; de ahí la fuerza centrífuga de sus imágenes. La abstracción de Mena admite la inclusión de figuras y palabras; la realidad se convierte en una imagen mental cargada de intención. \nSeducción busca la construcción de los lugares y los imaginarios en la obra del artista\, mediante el dominio extenso entre imagen\, lenguaje y memoria: imagen\, como proyección mental y material; lenguaje\, como el carácter gestual del objeto\, y memoria\, como construcción a partir del reflejo del mundo sensible. \nEl artista enlaza la imagen y la palabra para construir un artificio de la memoria\, en que la imagen no es pasiva\, sino activa. \nLa exposición busca reflejarla y perimetrarla mediante la evocación de un zoótropo\, aquel ingenioso tambor con ranuras que producía la ilusión de movimiento al hacer girar unos dibujos estampados en su cara interior. El lenguaje es parte integral de este trabajo\, con el que el autor configura un alfabeto propio para configurar un universo subjetivo. La memoria es un laberinto de pensamientos y vocablos que buscan hacer eco con la circularidad del recinto que la alberga. \n“Decía Plinio El Viejo en su Historia natural que la primera imagen es la proyección de una sombra. Una muchacha enamorada de un joven que dejaría la ciudad trazó con unas líneas el contorno de su amante sobre la pared a la luz de una vela. La muchacha\, al dibujar la sombra de su amado con un carbón\, consiguió cercar y retener la imagen del amante que se va. La separación\, el alejamiento y la ausencia fueron los orígenes de la pintura. La sombra real se marcha con el viajero en tanto que su contorno\, fijado en la pared\, eterniza su presencia en los límites de una imagen\, explica Miguel Ángel Rosas\, curador del Museo de Arte Moderno. \n“El mito del origen de la representación artística se centra\, así\, en el motivo de la proyección. Cuando una imagen se proyecta sobre la pared cambia su soporte y cambia su materialidad. La sombra y la luz\, prototipos de ella\, no son más que prototipos de la semejanza. El arte abstracto de Alfonso Mena tiene movimiento y tiende al desplazamiento de los cuerpos en el espacio. La imagen como proyección primigenia produce un impulso interior\, y es en esa apertura donde reside la dimensión misma del objeto. El primer núcleo de la exposición pretende pasar de un medio a otro\, de un soporte fijo a otro en movimiento. Según la tradición aristotélica de la representación que busca mover\, conmover\, tocar\, afectar\, seducir. \n“El lenguaje de Alfonso Mena es táctil pues la materia crea esa posibilidad. Texturas\, veladuras y atmósferas que evocan un tipo de mirada: un plano desde el cual Mena nos aproxima a su universo plástico\, al orden mental exclusivo del artista. Se resiste a la objetividad del lenguaje\, a sus secretos develados\, con la creación de un alfabeto propio y dinámico cargado\, sobre todo\, de intimidad y distancia. \n“Mena pone en evidencia la imposibilidad misma del archivo mediante un proceso de visibilidad e invisibilidad de las prácticas del arte. Los dibujos fuera de los gabinetes muestran lo que se escapa a esos procesos de clasificación; es la ruptura con el pasado y su ansia clasificatoria por la atemporalidad de la obra de arte. En estos tres gabinetes Mena intenta seducir a través de su propia definición de los significados de las palabras y el arte en un afán por capturar el tiempo”\, remató Miguel Ángel Rosas.
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LOCATION:Museo Arte Moderno\, Paseo de la Reforma y Gandhi S/N\, Bosque de Chapultepec\, Ciudad de México\, Mexico
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SUMMARY:La Gran Kermesse.
DESCRIPTION:Ayer se inauguró la muestra Individual del artista argentino Sergio Camporeale en Enlace Arte Contemporáneo \nEnlace Arte Contemporáneo anuncia la inauguración de la exposición La Gran Kermesse\, individual del Maestro argentino Sergio Camporeale\, a realizarse el martes 17 de setiembre a las 7:30 pm en Avenida Pardo y Aliaga 676\, San Isidro. Durante el evento se contará con la presencia del artista. \nSergio Camporeale (Buenos Aires\, Argentina – 1937). Egresa de la Escuela de Bellas Artes de su ciudad en 1961. Ha expuesto en importantes galerías y centros culturales de Latinoamérica y Europa. Radicó en París por alrededor de dieciocho años y cuenta con importantes premios internacionales. Su obra se encuentra representada en importantes colecciones\, entre ellas: Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires\, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano\, Fundación Ralli\, Punta del Este\, Uruguay; Museo de Arte Contemporáneo\, Caracas\, Venezuela; Museo de Arte Moderno\, Bogotá\, Colombia; Museum of Modern Art of Latin America\, Washington\, Estados Unidos; Museo José Luis Cuevas\, México D.F.\, México; Centre National d’Art Georges Pompidou\, Paris\, Francia; Museo de Arte Moderno de Trujillo\, La Libertad\, Perú. \nEn palabras de Roberto Ascóniga\, Curador de la muestra: “Sergio Camporeale ha sabido crear paulatinamente un mundo\, un gran teatro en donde transitan una numerosa variedad de actores y personajes que\, referenciados en una diversidad de escenarios muestran o aluden a sus condiciones\, propósitos y voluntades (las del hombre)\, articulados del asombro a la impasividad\, de lo curioso a lo grotesco y hasta deforme y monstruoso; máscaras que ocultan\, pero que permiten aflorar la profundas pulsiones y pasiones\, seguramente las reales motivaciones\, en ese sentido nietszcheano en donde apariencia es igual a realidad La de Camporeale no es una obra definitivamente resuelta sino abierta a la experiencia y expectativas del observador de manera tal que la comprensión surja de esta misma contemplación más que de pensar sobre ella\, y puesto que hay un momento en que las cosas no responden a la lógica\, surge y subyace algo más vasto que escapa a la explicación de las palabras”. \nCamporeale es un inquieto observador de la realidad\, extrae personajes\, posturas\, gestos\, escenarios\, recreando secuencias fantásticas que representan múltiples lecturas. Para él su obra se define como “abierta”\, ya que es cada espectador quien se introduce en ella\, recompone lo que se cuenta y finalmente crea su propia historia. Si bien su obra anterior se centra en el gran teatro de la vida\, lleno de personajes enmascarados y situaciones trilladas; ahora “La gran kermesse”\, selección de 22 lienzos de mediano y gran formato\, alude a una suerte de festival cargado de juego y entretenimiento\, casi siempre organizado para recaudar fondos\, a favor de qué\, eso es lo que el visitante deberá descubrir al recorrer la muestra. \nEsta exposición podrá ser visitada en galería Enlace Arte Contemporáneo hasta el día 16 de octubre de 2013\, de lunes a sábado de 11:00 am. a 8:00 pm. El ingreso es libre. \nEnlace Arte Contemporáneo\nAv. Pardo y Aliaga 676 – San Isidro\, Lima – Perú\nTelfs: (51 1) 222 5714 – Nextel: 142*8661\nWeb: www.enlaceart.com \nPrensa Silvana Vargas-Machuca. Enlace Arte Contemporáneo
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SUMMARY:SUEÑOS Y GENIOS
DESCRIPTION:El Museo de Arte Español Enrique Larreta\, dependiente de la Dirección General de Museos\, anuncia la inauguración de la muestra «Cristina Santander. Sueños y Genios»\, que se realizará el miércoles 25 de septiembre a las 19 hs. en la sede del museo\, Juramento 2291.\nJunto a la exposición se presentará el espectáculo teatral homónimo\, en cuya propuesta confluyen la plástica\, la danza\, el teatro\, la música y la poesía para formar una sensación única de disfrute para el espectador. \nEl vestuario\, escenografía\, maquillaje\, iluminación e imágenes están inspirados en las obras de Velázquez\, Dalí\, Picasso y Goya y la recreación personal que la artista plástica Cristina Santander hace de tales obras.\nEl público es convocado a experimentar la esencia del arte español en todas sus manifestaciones en una visión contemporánea. \n+ INFO
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SUMMARY:Alberto Gonzalez Vivo - Formas\, Pinturas
DESCRIPTION:Alberto González Vivo trabaja sobre la energía vital\, la impresión que los estímulos producen en sus sentidos es fuente de inspiración para su obra que se inicia en la profunda percepción y continúa en un arduo trabajo de elaboración de obsesivos y minuciosos bocetos. Su obra oscila entre la abstracción geométrica y el op art\, está influida por las investigaciones realizadas sobre la producción de los artistas Luis Tomasello\, Julio Le Parc\, Victor Vasarely\, Martha Boto y Eduardo Moisset de Espanés. Artista de la geometría generativa y creador del Centro de Investigaciones Plástico Matemáticas en Argentina. \nEl uso de la luz combinado con las formas geométricas y el atinado color aportan equilibrio a sus trabajos creando \, a la vez \, efectos de gran magnetismo. Círculos y cuadrados de diferentes dimensiones habitan con amplia libertad los espacios ingrávidos exhibiéndose para deleite de los observadores. El universo pictórico de este artista explora en profundidad el poder del color y de las formas. Su lenguaje plástIco manifiesta mucho más de lo que el artista siente y piensa y permite al espectador atravesar la experiencia del placer intelectual y sensorial. \nGrace Bayala
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SUMMARY:RAQUEL FORNER. Presagios e invenciones de la modernidad.
DESCRIPTION:En el año 2013 presentamos en el MUNTREF Museo de Artes Visuales\, Sede Caseros I\, la exposición “Raquel Forner: presagios e invenciones de la modernidad”\, un recorrido por la trayectoria artística e intelectual de la pintora\, escultora y profesora de dibujo que sería una artista clave en el arte argentino del siglo XX. El diálogo entre sus obras con su biblioteca y su archivo (compuesto por escritos\, recortes de prensa\, catálogos y fotografías)\, daba cuenta del carácter de Forner como una artista militante de la modernidad. Raquel nació\, vivió y murió en la ciudad de Buenos Aires (1902-1988).\n\n\n\nActualmente\, en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo\, Sede Hotel de Inmigrantes\, podés ver su obra “La torre de Babel” que integra la muestra “Después de Babel. Traducciones rioplatenses”.\n\n¿Conocías a esta artista? ¡Vení al MUNTREF y descubrila!
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LOCATION:MUNTREF\, Av. Antártida Argentina s/n\, entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus. Ingreso por Apostadero Naval. Puerto Madero\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Buenos Aires Photo 2013 – Feria latinoamericana de fotografía
DESCRIPTION:Buenos Aires\, septiembre 2013- A partir del 31 de octubre en el Centro Cultural Recoleta se llevará a cabo la novena edición de Buenos Aires Photo; una de las más importantes ferias de arte especializada en fotografía que se realiza en Latinoamérica. Buenos Aires Photo reúne a más de 30 galerías de arte enfocadas en la fotografía. \nBuenos Aires Photo será el lugar para presentar la 8va edición del Premio Petrobras Bs. As. Photo\, que por primera vez desde su inicio será un premio solo por invitación. El jurado que elegirá a los 25 participantes está conformado por Valeria González\, Luis González Palma y Rodrigo Alonso\, El premio se dará a conocer el día jueves 31 de octubre a las 20 hs en el espacio de Petrobras dentro de la feria y el ganador se llevará el premio de $25.000 en efectivo. Adicionalmente\, a esta actividad se presentará por primera vez un programa denominado Petrobras Foto Libre\, donde el público podrá participar libremente llevando una foto el sábado 2 de noviembre al Centro Cultural Recoleta que será exhibida en el contexto de esta iniciativa. Ver modalidad y premios en www.buenosairesphoto.com. \nMuestra Paralela Paseo de las Artes: En lo que ya es un clásico de la feria\, el Paseo de las Artes del Palacio Duhau – Park Hyatt Buenos Aires será nuevamente el escenario de una de las exposiciones paralelas junto a la artista Andrea Juan. La muestra permanecerá abierta durante las 24 hs.\, los siete días de la semana\, con acceso libre\, en Avenida Alvear 1661. \nHomenaje American Express: Por primera vez en el marco de la feria se llevará a cabo un espacio homenaje a 2 de los fotógrafos más importantes de la Argentina. Curado por Rodrigo Alonso y con la ciudad de Buenos Aires como tema central\, podremos disfrutar de una muestra conjunta de Sara Facio y Aldo Sessa y sus más de 50 años de experiencia junto a la fotografía. \nProgramas de Adquisiciones: Como en años anteriores\, Chandon comprará a puertas cerradas la primera obra de la feria\, que luego incorporará a su colección de arte contemporáneo. Y también contaremos con el programa establecido por la Editorial Arte al Día para la incorporación de nuevos artistas en su colección. \nEspacio Joven OSDE NEO: Nuevamente el crítico Julio Sánchez\, presentará una selección de jóvenes fotógrafos emergentes en el ya clásico de Buenos Aires Photo. \nBuenos Aires Photo – Feria Latinoamericana de Fotografía\nFoto cortesía Buenos Aires Photo \nEspacio de Video Arte Rabobank La sala 6 del Centro Cultural Recoleta se transformará en un espacio preparado para el Video Arte. \n5 Galerías internacionales presentarán sus propuestas en esta sala especialmente equipada para mostrar los trabajos. Uno de los artistas participantes del programa será el peruano Diego Lama de la galería Lucía de la Puente\, quien fuera representante por Perú en la última edición de la bienal de La Habana. \nFotografía en Vivo en la Terraza Volkswagen \nUna de las novedades que tendrá este año BA Photo será en una de las terrazas del predio donde grandes fotógrafos argentinos presentarán sus trabajos menos conocidos. Esta Performance en vivo permitirá conocer el trabajo de 24 artistas\, durante tres jornadas de presentación\, los días 1\, 2 y 3 de noviembre de 18 a 21hs. \nLa Fundación Deloitte\, presentará en su espacio una muestra con los artistas invitados: Carola Rousso\, Victoria Ruiz y Agustín Haehnel. \nEl Espacio La Nación presentará en esta oportunidad una muestra de 3 representantes destacados de la fotografía Documental Argentina con la curaduría de Daniel Merle se presentarán: Alejandro Chaskielberg\, Rodrigo Abd\, y Sebastián Szyd. \nPor primera vez\, en el marco de la feria\, los más chicos tendrán su espacio especialmente pensado para ellos. Junto a Kinder Joy estaremos presentando un concurso de fotografía donde el eje y tema central es “el Aire Libre”. Todos aquellos chicos entre 6 y 12 años podrán participar libremente de la convocatoria y soñar con tener sus trabajos colgados durante BA Photo. Bases y condiciones on line en www.buenosairesphoto.com. \nEntre las propuestas internacionales en el Espacio Distrito Arcos ubicado en la Sala 12 del Centro Cultural Recoleta se presentará la obra del reconocido artista Boliviano Gastón Ugalde. \nLa feria contará\, además\, con propuestas especiales presentadas en el espacio Stella Artois\, la Fundación Banco Ciudad y un programa compartido entre la Feria de Libros de Fotos de Autor y el Nano Festival. \nBuenos Aires Photo\nInauguración oficial 31 de octubre 19hs (solo con invitación) \n1 al 4 de noviembre de 2013 Apertura al Público\nCentro Cultural Recoleta\nJunín 1930. Horario: de 13 a 21hs \nEntrada $ 50 (2×1 con American Express\, Club La Nación y Club Arte al Día \nwww.buenosairesphoto.com | info@buenosairesphoto.com\nPrensa Muchnik.co \n\n+ INFO
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SUMMARY:Expo-artistas 2013 9° Edición
DESCRIPTION:En su 9na. edición\, convoca a Artistas\, Galerías y Art Dealers\, a participar en uno de los eventos más destacado de la plástica contemporánea\, donde la pluralidad de estilos y lenguajes plásticos se ven representados en las distintas disciplinas; siendo un lugar de visita obligada para los que disfrutan del arte. \n7 al 11 de Noviembre\nEntrada libre y gratuita\nCentro Cultural Borges\nViamonte 525. Bs As. Argentina
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SUMMARY:La Magia de Endara
DESCRIPTION:+ INFOGonzalo Endara Crow\, reconocido artista ecuatoriano\, plasmó un mundo desde el realismo mágico en cada una de sus obras. El estilo propio e intransferible y la maestría en el manejo de color \, es lo que se muestra en esta exhibición\, según Marco Antonio Rodríguez\, escritor ecuatoriano. Las obras de Endara Crow no han sido expuestas en 20 años. Fátima Endara\, curadora de la muestra\, e hija del ilustre maestro\, seleccionó las obras más representativas de su trayectoria para presentarlas a la ciudadanía. \n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultural Metropolitano de Quito – Museo Alberto Mena Caamaño /\, García Moreno y Espejo\, Pichincha\, Quito\, Ecuador
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SUMMARY:Ola pop en el mar
DESCRIPTION:Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR)-Avenida Camet y López de Gomara (a metros de Av. Constitución) \nEl MAR inaugura al público con Ola pop en el mar\, la muestra homenaje al movimiento artístico de los años 60 en Argentina. La exposición curada por Rodrigo Alonso\, está compuesta por obras de Marta Minujin\, Delia Cancela\, Pablo Mesejean\, Nicolás García Uriburu\, Edgardo Giménez\, Jorge de la Vega\, Rómulo Macció\, Antonio Berni\, Luis Benedit\, Josefina Robirosa\, Luis Wells\, Antonio Seguí\, Federico Peralta Ramos\, Pablo Menicucci\, Juan Stoppani\, Luis Pazos\, Jorge de Luján Gutiérrez y Marilú Marini\, entre otros.
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SUMMARY:Homenaje a Litania Prado.
DESCRIPTION:LITANIA PRADO \nLitania\, de 46 años\, ha sido discapacitada seriamente por una artritis reumatoide desde que tenía 15 años. Debido a esta grave enfermedad\, también quedo ciega hasta que mediante una operación pudo milagrosamente ver otra vez. En ese ir y venir a los hospitales y en las charlas de viaje le ofrecimos si le interesaba capacitarse en pintura como una actividad para generar ingresos. Por supuesto dijo que sí. Es así como el reconocido pintor salteño Jorge Marino\, le dio las primeras instrucciones de cómo preparar la base y luego pintar. A partir de ahí (1995) no ha cesado en este oficio y ha demostrado que hay un lugar para estos pintores en el espectro de pintura Argentina. La pintura la muestra tal cual es: feliz\, optimista y llena de vida. La pintura le ha cambiado la vida dándole independencia y dignidad. Detrás de sus obras hay una explicación en idioma Wichi y en castellano de lo que se ve en el cuadro. \nREINALDO PRADO \nSu verdadero nombre en Wichi \, es Ilhintes. Nacido en Misión Chaqueña en el año 1966. Hijo de Juan Prado\, pero fue criado huérfano por los misioneros debido a que su padre mato a su madre justo al nacer\, escapo al monte por temor a represalias y nunca más volvió. Reinaldo comenzó su trabajo creativo como artesano de la madera haciendo delicados pájaros en miniaturas. Hace unos 8 años se inicio con la pintura debido a que su hermana Litania \,se había largado con este oficio unos años antes. Es una persona muy callada\, respetuosa y observadora\, características todas estas de los Wichi. Su pintura describe con asombro detalle de las costumbres tradicionales de su pueblo y de su entorno. El monte y la relación de la gente con el monte están documentados en sus pinturas y será para las generaciones futuras un registro de su cultura y tradiciones. Todas las pintura tienen detrás una explicación de lo que se ve. En idioma Wichi y en castellano. \nHomenaje a “Litania Prado” los Wichi pintan su mundo. La muestra se podrá visitar en el horario de 9:00 a 19:30 hs. \nMuseo Casa Arias Rengel\, Sala Nº 2\, planta baja. \nPeatonal La Florida 20\, Ciudad de Salta \n+ INFO
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LOCATION:Museo Casa Arias Rengel.\, Peatonal La Florida 20\, Ciudad de Salta\, Salta\, Argentina
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SUMMARY:MIRYAM QUIÑONES canta AUTORES PERUANOS
DESCRIPTION:Homenaje a la Canción Peruana Contemporánea \nLa cantora peruana Miryam Quiñones\, actualmente radicada en Argentina\, vuelve a Lima para ofrecer un concierto especial en Homenaje a la Canción de Autor Peruana Contemporánea\, en el que hará un recorrido por la obra de los cantores más representativos del último siglo en nuestro país. \nEste recital se llevará a cabo el Miércoles 29 de Enero\, a las 8:00 pm.\, en el Centro Cultural El Olivar de San Isidro\, Lima – Perú. \nTemas de Manuel Acosta Ojeda\, Alicia Maguiña\, Serafina Quinteras\, Nicomedes Santa Cruz\, Chabuca Granda\, Kiri Escobar\, Lourdes Carhuaz\, José Villalobos\, Javier Lazo y muchos más\, sonarán en la voz y estilo único de nuestra intérprete\, que poco a poco se va haciendo de un destacado lugar en el escenario latinoamericano. \nEn esta noche especial Miryam compartirá con dos importantes invitados: el maestro Daniel ‘Kiri’ Escobar\, y don Rubén Quiñones (el padre de Miryam). \nContará además con el marco musical de Renzo Gil (guitarra)\, Gustavo Burga (percusión)\, Mario Cuba (contrabajo)\, Eduardo Arauco (piano); y desde Argentina los músicos invitados Victoria Polti (flauta) y Rafael Delgado (cello). \nFiel a su estilo\, Miryam nos propone una velada llena de música y poesía\, esta vez con sabor peruano.. \n* Miryam Quiñones es una de las más tenaces difusoras de la canción de autor peruana y latinoamericana\, y es hoy en día una de la nuevas voces más destacadas del Perú. Ha recorrido casi toda nuestra América\, compartiendo escenario con los más reconocidos cantautores. Cuenta ya con seis producciones\, entre las que destaca ‘Con el Alma en Vilo’\, disco de lujo que cuenta con la participación especial de Silvio Rodríguez\, Vicente Feliú\, Augusto Blanca\, Teresa Parodi\, Jorge Fandermole y Alberto Rojo. Está a punto de editar\, junto al trovador cubano Vicente Feliú\, un nuevo disco en homenaje al poeta peruano Javier Heraud. Actualmente radica en Argentina. \nComentarios de Prensa acerca de Miryam: \n‘Tiene el aroma que trae el rumor del río y el misterio de la noche. Tiene el sabor de la tierra de toda Latinoamérica\, sin perder sus lazos con el Perú que la vio nacer y crecer\, y con la música popular argentina que la albergó. Armonía\, melodía y afinación son los pilares en donde se asienta el gran trabajo de esta cantora limeña..’\nHéctor Sánchez – Radio Gráfica y Agencia Télam (Argentina) \n‘En una época en que la música latinoamericana se versiona y re-versiona\, Miryam ha grabado un disco único\, una perla entre tanta copia (…) Todo el disco es un homenaje. A la canción latinoamericana\, a la vida y a todos nosotros\, porque cuando escuchamos ‘Con el Alma en Vilo’\, nos sentimos homenajeados por esta maravillosa artista peruana.’\nPao De Senzi- Boletín Folklore (Argentina) \n‘Haciendo honor a su condición de intérprete\, Miryam rinde culto al canto. Desde la primera frase del disco a la última\, el álbum está atravesado por el deleite de una voz y una instrumentación inusuales..’\nDaniel Hofer – Revista Hecho en BsAs (Argentina) \n‘Desde una voz exquisita y un criterio sonoro que respeta el legado sin buscar ni la copia ni el efecto trasgresor\, la artista protagoniza un repertorio que tiene como ejes a piezas de toda Latinoamérica..’\nSergio Arboleya – Agencia Télam (Argentina) \nDía: Miércoles 29 de Enero \nHora: 8:00 p.m. \nLugar: Auditorio del Centro Cultural El Olivar \nDirección: Calle La República 455\, San Isidro – Lima – Perú \nEntrada General: 40 soles / Estudiantes y Jubilados: 25 soles \nInformes: produccion@miryamquinones.com\,miryamqui@gmail.com \n+ INFO
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SUMMARY:El grabado en todas sus formas
DESCRIPTION:Con una curaduría exquisita y un tino inmejorable\, la Universidad Argentina de la Empresa ofrece un panorama único de la historia del grabado nacional\, acercando al gran público obras esenciales que dan cuenta de la tradición y el estupendo estado de salud de la plástica en el país. La muestra permanecerá abierta hasta el 23 de mayo. También\, durante abril y mayo\, se dictarán charlas y talleres orientadores. \nUn conjunto de 42 grabados pertenecientes a la Colección del Museo Nacional del Grabado se muestra por estos días en UADE Art\, las salas que la Universidad Argentina de la Empresa posee en la esquina de Independencia y Lima\, en esta Capital. Como parte del conjunto de cuatro exposiciones que conforman el programa de exposiciones UADE 2014\, el año se inicia con esta selección de obras. Las muestras Arte de sistemas; obras seleccionadas del Concurso Nacional UADE de Pintura\, y  Libros de artistas darán continuación a ésta que inicia el año. Concebida con un fin didáctico\, esta exposición de grabado se presenta separada por técnicas\, y\, en ese sentido\, el equipo del museo buscó las obras más representativas de cada una de ellas. Lo interesante de esta muestra es que forman parte de ella de modo complementario herramientas fundamentales para su ejecución\, y no sólo las estampas. Se exponen allí desde dos prensas de impresión –hay que mencionar especialmente que una de ellas perteneció al artista Lino Enea Spilimbergo– hasta tacos de madera\, piedra litográfica y una chapa metálica\, matrices de las cuales surgen las obras. De ese modo\, es más fácil comprender los pasos previos\, la llamada “cocina” o el proceso que lleva luego como producto final a la estampa. La xilografía o grabado en madera suele ser\, junto con el linoleum\, linografía –tal el nombre de la técnica–\, la primera técnica que se ejecuta cuando uno ingresa en Bellas Artes: palo blanco o madera terciada es el soporte donde las gubias tallarán los blancos que saldrán a posteriori en la imagen lograda. En el caso del linoleum\, al ser una superficie más blanda que la madera\, dicho material facilita la práctica del grabado. Obras de Alfredo Benavídez Bedoya\, Roberto Koch\, Santiago Cogorno\, Pompeyo Audivert\, Carlos Torrallardona\, Antonio Berni\, ejecutadas todas con gran maestría. Xilografías\, es decir matriz en madera\, son las pertenecientes a Edgardo Vigo\, Víctor Rebuffo\, Albino Fernández. Las variadas técnicas vinculadas al metal se estudian luego\, y estas\, en muchos de los casos\, ya incluyen procedimientos con utilización de ácidos y resinas. Ejemplos exhibidos en metal: Alicia Díaz Rinaldi\, Liliana Porter\, Matilde Marín\, Margarita Galetar\, Carlos Alonso\, Juan Carlos Romero\, Mabel Rubli\, entre otros. La litografía\, donde la piedra es el soporte en el cual se dibuja\, es otra de las técnicas presentes. Ernesto Pesce\, Leopoldo Presas\, Aída Carballo exponen sus obras en esta técnica. Hay una obra fantástica de Raquel Forner\, sin título\, una monocopia imperdible en su género; como su nombre lo indica\, es imposible haya más de un original. Convengamos que es laborioso y artesanal el modo en que se ejecutan sus técnicas\, y que hoy por hoy los talleres de grabado tradicionales han incluido técnicas digitales de impresión y un mix más cercano a la gráfica; con lo cual es saludable ver en este conjunto presentado técnicas que podrían llamarse “en estado puro”. \nEs muy valioso que se puedan apreciar\, como un paneo en simultaneidad en un solo paseo por las salas\, obras de tanta relevancia. Recordar pilares de esta disciplina\, tener en cuenta su historia. De por sí\, el grabado suele ser visto como el hermano pobre entre las otras modalidades expresivas –dibujo\, pintura o escultura–; a decir verdad\, su ventaja\, sin embargo\, es mucha. Al haber un mayor número de originales\, su difusión es mayor\, más ágil y en muchas oportunidades masiva\, como también su costo\, que\, a la hora del mercado\, suele ser menor y proporcional al tiraje en cantidad de originales que se hayan impreso. Otra de las técnicas que se ha incluido es la serigrafía\, que en grandes tiradas\, no ya realizada en forma manual y en publicidad\, se conoce como offset. Claro ejemplo de ello son las obras de Antonio Seguí\, Daniel Zelaya\, Juan Battle Planas\, Horacio Butler  y Miguel Dávila. \nRecorrer esta selección\, como un compendio de claros ejemplos de diversidad de técnicas y autores\, ejercita la acción de ver en imágenes mundos artísticos diferentes\, propios y únicos a partir de una premisa: el grabado. Y esto gracias al acervo del Museo Nacional del Grabado que los aglutina y los preserva\, y de UADE Art\, que llevó adelante la idea de hacer posible esta muestra. Cabe mencionar que el Museo está formado en un alto porcentaje por obras pertenecientes a la colección de Oscar e Irene Pécora\, quienes generosamente donaron la misma. \nPara saber más sobre sus técnicas se llevarán a cabo cada jueves de abril y mayo encuentros\, charlas y talleres a partir de las 18.30 en las mismas salas de exposición. \n  \nGrabado argentino.\nColección  Museo Nacional del Grabado \nHasta el 23 de mayo en UADE Art. Lima 775. \nLunes a viernes de 12 a  20. \nIngreso libre y gratuito con acreditación de identidad.
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LOCATION:UADE Art.\, Lima 775\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:RAÚL FARCO "STONE BOOKS"
DESCRIPTION:Raúl Farco presento su serie “Stone Books” en el Salón Galería de este Consulado General. \nLa muestra\, compuesta por diecinueve esculturas de diferentes técnicas\, se destaca por los  libros de diferentes tipos de marmol y piedra inspirados en textos y fragmentos del escritor argentino Jorge Luis Borges y el poeta David Shapiro\, asi como tres esculturas en madera y aluminio de inspiracion oriental circundando el conjunto de la muestra. \nLa muestra permanecerá abiertas al público hasta el 30 de abril\, de lunes a viernes en el horario de 11 a 17 horas. \n+ INFO
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LOCATION:CONSULADO GENERAL Y CENTRO DE PROMOCIÓN EN NUEVA YORK\, 12 West 56 Street\, Nueva York\, Código postal: 10019\, United States
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SUMMARY:Omar Panosetti - Dualidades
DESCRIPTION:En esta muestra\, Omar Panosetti\, nos arroja a dos universos de dimensiones opuestas y convergentes a la vez. La primera corresponde al mundo de la desmesura\, lo grotesco y lo amenazador. Lo segundo tiene que ver con lo finito\, la medida y la belleza. \nLa naturaleza se nos manifiesta como un lugar seguro\, en calma\, en paz y armonía\, colmándonos de satisfacción. La ciudad siempre cambiante\, por el contrario\,  evidencia la vorágine\, el movimiento y lo inquietante  de su paisaje. La obra Matadero (2012)\, realizada en tinta y esmalte sintético sobre foam board\,  es un claro ejemplo de esto. Un monstruo que sale a la superficie\, se nos presenta más amenazante que el propio matadero\, el cual fue inspirado en el diseño arquitectónico que Francisco Salamone llevó a cabo en 1937 en Carhué. \nEs que\, al momento de aludir a la ciudad\, Panosetti\, recurre frecuentemente a las obras arquitectónicas de Salamone. Así\, podemos establecer vínculos entre sus obras y las de aquel. En este contexto\, este vínculo se vuelve más que atractivo por una razón­ ya que la arquitectura de Salamone resulta ser el epicentro de la ciudad de Alberti. \nPor otro lado\, su trabajo titulado “Rayo rojo” (2012\, acrílico y esmalte sintético sobre tela)\, alude a la naturaleza que va absorbiendo la edificación. El paisaje urbano –desplazado-\, se encuentra disminuido ante la inmensidad de la naturaleza. Esta obra nos introduce en el pasaje sutil de un estilo a otro dentro de su producción: el trazo  duro y los colores oscuros dejan paso a los colores brillantes y al trazo libre y suelto de sus más recientes acuarelas. La luz que éstas emanan nos trasladan a un estado espiritual lleno de  serenidad y sosiego. \nAsí\, los caminos que este artista nos hace recorrer tienen la franqueza de mostrarnos la dualidad de la vida\, de las personas y de los lugares por los que transitamos. \nCuradoras:    Micaela Cartier – Salomé Beraza
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LOCATION:Museo de Arte Raul Lozza\, 9 de Julio 66\, Alberti\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:María Martorell: la energía del color
DESCRIPTION:La obra de María Martorell (Salta 1909- 2010) se inserta entre los lenguajes abstractos de la segunda década del siglo XX\, los de la difusión de las teorías de la forma\, (Gestalt) que llevaron a investigar sobre las condiciones de la percepción humana y las leyes que la rigen. Cuando estas tendencias surgían en el París de la posguerra\, Martorell estaba allí experimentando y exponiendo en los llamados Salones de Nuevas Realidades\, donde sus obras convivían con las de los compatriotas del Arte concreto\, Madí y Perceptistas. \nFue una época de esplendor donde artistas como Víctor Vasarely guiaba el apoyo a la geometría desde la galería Denise René y nacía el arte óptico y cinético. A comienzos de los sesenta\, Martorell expone en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires\, en la exposición Ocho artistas constructivos (Brizzi\, Espinosa\, Lozza\, McEntyre\, Sabelli\, Silva\, Vidal\, Martorell) que\, curada por Jorge Romero Brest\, lanza lo que se denominó “la nueva tendencia” de la geometría. Posteriormente con algunos de estos artistasparticipa del Grupo 13. \nEn Nueva York\, la geometría de bordes netos (hardedge) y el pop\, renuevan sus búsquedas y\, hacia 1966\, comienza sus obras de coloridas curvas en el espacio. Con estas telas participó de exposiciones emblemáticas de la geometría como Más allá de la geometría (Instituto Di Tella\, 1967) y su versión americana Beyond Geometry. \nLos colores y el dinamismo de la vigorosa cultura popular urbana de los sesenta\, década cargada de optimismo y renovación\, se refleja en la producción de Martorell. La expansión del público y las ambientaciones también fueron parte de su interés. En 1969 expuso La banda ondulante\, una instalación con luz negra en la que trabajaba en un registro tridimensional la ilusión de movimiento propia de sus telas. Martorell continuó trabajando en esta línea a lo largo de su extensa carrera\, probando nuevas series temáticas\, pero siempre alrededor de la exploración de los efectos del color. \nLa presente muestra se propone reunir un núcleo significativo de su obra desde los años 50 hasta principios de los 90\, y contempla la publicación de un exhaustivo libro catálogo que da cuenta de su verdadero aporte a la geometría argentina. Martorell es una de las artistas que introdujo en Salta el valor de la pintura moderna con una visión ligada a lo regional y a su historia americana. Así lo demuestran sus cartones para tapices en los que conjuga su imagen con el arte de los talleres de tejedoras de Cafayate y Molinos. \nSi bien la obra de Martorell ha circulado por el ámbito local\, nacional e internacional\, este proyecto parte de la voluntad de realizar un merecido homenaje a su trayectoria y María Martorell\, la energía del color – 08 de mayo al 28 de mayo de 2014\, también de considerar la necesidad de una mayor visibilidad y reconocimiento tanto en la comunidad local\, como a nivel nacional. \n\n\n\n\n\n\nLa variedad e intensidad poética de sus pinturas -que han sido comparadas con registros musicales- se refleja en la exposición María Martorell: la energía del color. \n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Centro Cultrual Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Rómulo Macciò REPERTORIO bis
DESCRIPTION:Re-Inauguración y apertura al público jueves 26 de junio 19 h \nSala Cronopios \nHorarios: de martes a viernes de 13 a 20. \nSábados\, domingos y feriados de 11 a 20 \nDebido a la importancia del artista para las artes visuales de la argentina el Centro Cultural Recoleta realiza por primera vez en su historia una gran muestra dividida en dos partes. La primera se realizó desde el 29 de abril hasta el 28 de mayo y la segunda será desde el 19 de junio al 3 de agosto. \n“La inquietante y novedosa síntesis que Rómulo propuso en esta última producción artística\, así como la repercusión que obtuvo en todas las diferentes participaciones que acompañaron la muestra: espectadores\, críticos\, colegas\, coleccionistas y el público; promovieron el caluroso reclamo para poder disfrutar con mayor y detenida oportunidad\, la reiteración de esta sorprendente y novedosa producción del artista. El CCR repone la muestra\, respondiendo gratamente a esta sostenida demanda. La reinstalación guarda las mismas características de la primera exposición\, a la manera de un «bis»\, donde pueden analizarse\, con demorada observación\, los logrados intentos para connotar a las experiencias ya  realizadas\, una reveladora síntesis donde se expone con mayor énfasis y actualizada forma la vigencia plena de su obra”\,sostiene Claudio Massetti\, director del Centro Cultural Recoleta. \nRepertorio\, lejos de la tentación de ser una muestra retrospectiva\, es un encuentro con lo nuevo de uno de los artistas contemporáneos más importantes de nuestro país\, con un creador que\, en sus cincuenta años de trayectoria\, ha marcado y sigue marcando un rumbo a las generaciones de artistas visuales que lo sucedieron. \nMacció presentará una colección de treinta y ocho pinturas al óleo de gran tamaño que pertenecen a su última producción artística. La activa y presente obra del destacado pintor argentino tomará nuevamente al color y a la forma como herramientas para desafiar\, cuestionar y transformar la mirada. \nMacció nace en Buenos Aires en 1931. A los catorce años empieza a trabajar en una agencia publicitaria. Se especializa en artes gráficas y realiza decoraciones y escenografías teatrales. Comienza a dedicarse asiduamente a la pintura a partir de 1956 cuando realiza la primera exposición en Buenos Aires. Viaja a Nueva York y a varias ciudades europeas exponiendo en casi todos los países que visita. En 1961 se une con Ernesto Deira\, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega para organizar la muestra “Otra Figuración”\, con quienes realizará luego varias exposiciones. \nSu pintura es más abstracta que figurativa\, la figura humana\, generalmente fraccionada en líneas y planos y otras soluciones comparativas sirve a Macció para crear un espacio “sui generis” que no remiten a ninguna imagen. \nAutodidacta\, surrealista\, informalista\, uno de los grandes pintores argentinos del siglo XX. Creador junto a Noe\, Deira y De la Vega del movimiento Neo Figuración\, desde allí brindó una nueva mirada a la pintura abstracta incorporando al hombre a la misma. La obra de Macciò supo romper aquella falsa dicotomía entre abstracción y figuración. Iconoclasta\, sus cuadros significaron una respuesta al statu quo del mundo del arte. \nLejos de  convertirse en un objeto inerte su obra reciente señala el rol de la pintura en la actualidad. “La obra de Rómulo Macciò difunde con inusitada calidad y precisión la vigencia de la pintura como reveladora de las problemáticas urbanas contemporáneas” sostiene Renato Rita\, curador de la muestra.
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LOCATION:CCR | Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Víctor Grippo. Transformación
DESCRIPTION:Esta exposición comisariada por la española Alicia Chillida pretende ofrecer una amplia visión del trabajo de Víctor Grippo desde el inicio de su producción artística en los años sesenta hasta el 2002 tomando como referencia la idea de la transformación\, uno de los principios que fundamentan su práctica artística: transformación de la ciencia en arte\, de la materia en energía\, de la energía en conciencia\, de la muerte en vida. \nOriginalmente formado como químico\, Víctor Grippo comienza su trabajo como pintor en el cargado clima político de los años sesenta. A lo largo de su vida mantendrá un interés constante por las relaciones entre arte\, ciencia y vida cotidiana. Su fascinación por la transformación y la regeneración inherentes a la naturaleza\, por su poder alquímico\, impregna ya sus primeras esculturas e instalaciones en la década de los setenta. Ética y estética son cuestiones prioritarias para este artista que no concibe disociar el arte de la vida. La obra de Víctor Grippo\, en apariencia hermética\, nos expone a una poética cargada de utopía y humanismo. La revolución es en él silenciosa\, lenta pero continua. El objetivo crucial de su trabajo es provocar mayor conciencia en el hombre\, en la comunidad. \nLa exposición ha sido coproducida por el MUAC de México D.F y el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela\, cuenta con la colaboración de AC/E a través de su programa PICE para la internacionalización de la cultura española e itinerará posteriormente a la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá.
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LOCATION:MUAC. Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México\, Av. Insurgentes Sur 3000\, C.U.\, Coyoacán\, 04510\, Mëxico D.F
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SUMMARY:Bienal Internacional de Escultura 2014 "HOMONOVUS" Resistencia Chaco
DESCRIPTION:Resistencia es una ciudad que se caracterizó desde siempre con sus esculturas en plazas\, calles\, aceras\, así como en los ingresos de edificios\, comercios y viviendas. No es extraño\, entonces que  tengan tanto éxito las Bienales de Esculturas que se vienen realizando\, alcanzando la edición número catorce con una convocatoria nacional e internacional de suma importancia\, en cuyo marco se realizarán también talleres y otros eventos. \nPor ejemplo el escultor Juanjo Mosca\, de Buenos Aires\,   participará en la Bienal del Chaco 2014 y también en el taller “La Escultura Como Inclusión Social” que realizará junto con la escultora y docente en espacios terapéuticos Silvina Cipriani. \nTambién durante la Bienal del Chaco 2014\, el río Negro en la Provincia del Chaco se volverá a poblar de Esculturas Efímeras en su cauce y en su orilla. La escultora Paulina Webb en el agua y Alejandro Arce en arena. \nSe podrá ver el trabajo en vivo de los escultores que concurrirán a la Bienal del Chaco del 12 al 19 de Julio al Encuentro de Escultores Argentinos.\n– Francisco Ferrer y Ana Maria Medina\, trabajando la madera chaqueña.\n-Armando Ramaglia\, trabajará el acrílico y el metal.\n-Quique Gurevich\, trabajará planchas de Hierro\, madera y hierros estriados de Construcción\, materiales de deshecho.\n-Juanjo Mosca\, trabajará en Acero inoxidable\, vidrio\, acrílico\, iluminación en leds.\n-Rodolfo Soria\, trabajará caños redondos de metal.\n-Mauro Musante\, trabajará en metal y totora junto a 6 originarias chaqueñas. \nA continuación  los 11 participantes del Concurso Internacional del escultura de la Bienal del Chaco 2014\n10 artistas consagrados\, representando a distintos países de los cinco continentes\, competirán a cielo abierto y en público\, realizando una obra original e inédita teniendo como inspiración el lema de la Bienal:  “Homo Novus”.\nRobert Kögel (Alemania); Raúl Oscar “Pájaro” Gómez (Argentina); Josef Baier (Austria); Thierry Ferreira (Francia); Kei Nakamura (Japón); Piotr Twardowski (Polonia); Hugo Maciel (Portugal); Rubio Harak (Puerto Rico); Gleb Tkachenko (Rusia); Ilker Yardimci (Turquía); Raúl Zorrilla Soto-Percy (Perú). \nEl jurado de la Bienal del Chaco 2014 estará formado por los siguientes artistas consagrados internacionalmente:\nCristina Pizarro de Chile\nEva Lootz de España\nFernando Peláez de Colombia \nLos Talleres serán una actividad principal en el marco de la Bienal del Chaco 2014 \n#Talleres Bienal 2014 “La Escultura Como Inclusión Social”\nTrabajaran niños con diferentes discapacidades visuales\, con el apoyo y asistencia del Instituto Crecer Con Todos.\nEsta actividad estará a cargo del Escultor Educador por el Arte Juanjo Mosca y la Escultora Docente en Espacios Terapeuticos Silvina Cipriani. \n+ INFO
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LOCATION:Predio del MusEUM\, Parque 2 de Febrero y el Río Negro\, Resistencia\, Chaco\, Argentina
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SUMMARY:Abgrund
DESCRIPTION:Este Jueves 17 de Julio\, en el marco de la tercera inauguración del programa 2014 del Museo Emilio Caraffa\, en la Sala 2\, Andrés Waissman presentará «Abgrund»\, una muestra que hace resurgir la pregunta acerca del itinerario de cómo se gesta una obra. Materialidad tridimensional\, composiciones de enredos y nudos\, vivientes texturas de vegetales u órganos\, en la cual se dibujan futuras pinturas. \nSi bien Andrés Waissman es un pintor que comenzó a exponer muy tempranamente a fines de los 70\, compañero de carrera de Alfredo Prior y Eduardo Stupía\, con lo cual podríamos decir que pertenecería de alguna manera a la generación del 80\, sus largos años en el exterior\, lo alejan un poco de esas producciones locales\, y por su obra actual muy contemporánea\, es un referente para los artistas jóvenes de Buenos Aires y docente de programas de artistas\, como Proyecto PAC junto a Rodrigo Alonso\, Valeria Gonzalez\, Rafael Cippolini\, Eduardo Stupia y Gabriel Valansi. Figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. \n«Abgrund» es la caligrafía de un mundo estrictamente material. Una fundación sensible que se comporta conforme las desviaciones y azares de la experiencia. La visión se dinamiza en la búsqueda de formas y las referencias simulan aparecer entre sombras dislocadas. Abgrund de Waissman (Buenos Aires\, 1955) nace en la propia consecución de su obra\, en las creaciones preliminares denominadas virutas. En estas ambiguas composiciones de enredos y nudos\, vivientes texturas de vegetales u órganos\, se dibujan futuras pinturas. Así\, en la reiteración de cada evento pictórico\, se afirma una nueva fundación expresiva que se involucra con la materia del todo\, con la materia del mundo y de la carne. El pensamiento surge\, fluye\, en este itinerario donde el cuerpo no ha sido desplazado como agente distorsionador de las ideas. Por el contrario\, lo que existe encuentra su definición viral en la desmesura de lo que emerge naturalmente y se convierte en pintura. \n+ acerca Andrés Waissman:\nNace en Buenos Aires\, en 1955. Figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. Se formó en talleres independientes. Sus primeras muestras individuales se realizaron en la galería Lirolay\, Buenos Aires 1973 y 1977. Viajó a Europa en 1974 y trabajó en el taller de Augusto Torres en Barcelona y durante un año en 1978 con Antonio Seguí en París. En 1984 se radica en San Francisco\, Estados Unidos\, donde desarrolla una extensa carrera internacional. En 1992 regresa a Buenos Aires.\nHa realizado numerosas muestras individuales a nivel internacional y más de sesenta colectivas como por ejemplo\, en Argentina: Centro Cultural Recoleta; Fundación Jorge Luis Borges\, Bs. As.; CEC Centro de Expresiones Contemporáneas\, Rosario; Museo de Arte de Tigre; ECA de Mendoza; Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Salta\, Museo Caraffa de Córdoba y Museo Rosa Galisteo de Rodríguez\, Provincia de Santa Fe; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Palais de Glace\, Bs. As. y muestra itinerante por Museo de Tandil\, Museo de Olavarría y Museo de Bahía Blanca; Museo Nacional de Bellas Artes\, Bs. As.; Bienal de Arte Sacro\, Museo de Bellas Artes de Tandil; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Centro Cultural Parque España\, Rosario; Centro Cultural Nordeste\, Universidad del Nordeste\, Resistencia; Fondo Nacional de las Artes\, Bs. As.; C.A.Y.C.\, Bs. As.; Museo Nacional de Bellas Artes\, Bs. As; Museo Eduardo Sívori\, Bs. As. y en distintas ciudades del mundo como: en Pinacoteca Barao de Santos\, Bienal de Porto Alegre\, Brasil; Museum Jan var der Togt\, Amsterdam & Nijkerk\, Salentein Kunst\, Holanda; Kumho Museum of Art\, Seoul\, Corea; University of Essex\, UECLAA\, UK; Kerns Art Center\, Eugene\, Oregon; Santa Cruz State University\, California; Monterrey Península Museum of Art\, Monterrey; Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán\, México; Galleria Civica d’arte Contemporánea\, Marsala\, Italia; Galería Barbara Frigerio\, Milán\, Italia; Richmond Art Center\, California; University of Oregon\, Eugene\, Oregon; University of California\, Los Angeles; San Francisco Arts Institute; San Francisco Arts Commission Gallery; y The Mexican Museum\, San Francisco\, entre otras.\nHa participado de prestigiosas ferias internacionales como Pinta Londres\, Arte Lisboa; Arte Santander; Scope Miami\, Miami International Art Fair; ArteAmericas Miami; Art Chicago; Chicago Contemporary and Classic Art Fair; Ch.ACO Santiago de Chile\, MiART Milan Arte Contemporáneo\, y ArteBA en Buenos Aires.\nSus obras figuran en importantes colecciones privadas y museos nacionales e internacionales como: University of Essex Collection of Latinamerican Art\, (UECLAA) U.K.; MoLAA\, Museum of Latin American Art\, Long Beach\, CA; Jack Blanton Museum of Art\, The University of Texas at Austin; Judah Magnes Museum\, Berkeley\, California; Galleria Civica d´arte Contemporanea F. Pizzo\, Palazzo Spano Burgio\, Marsala\, Italia; Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; Colección Universidad Di Tella\, Buenos Aires; Colección UADE\, Buenos Aires; Museo Castagnino-MACRO de arte contemporáneo\, Rosario; Colección Museo Killka\, Mendoza\, entre otras.\nAlgunas de sus series como Las Multitudes\, El Alfabeto Perdido\, las pinturas en esmalte blanco y negro de la serie Fondo de Ojo\, los Animales Mitológicos y sus recientes Virutas\, lo ubican como un artista de sello propio. Su obra constituye una búsqueda filosófica y política\, además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. El nomadismo\, las migraciones son algunos de los conceptos con los que trabaja desde hace tiempo.\nEn el año 2005 se publicó el libro WAISSMAN (un artista peregrino) por Rodrigo Alonso y recientemente WAISSMAN\, un documental de Eduardo Montes Bradley para PBS (Estados Unidos) que se presentó también en el Malba\, Buenos Aires (2010).\nVive y trabaja en Buenos Aires donde desarrolla una intensa labor docente. Forma parte del equipo curatorial de Proyecto PAC – Prácticas Artísticas Contemporáneas\, un programa anual de encuentros de análisis\, crítica y producción de arte\, junto a Eduardo Stupía\, Gabriel Valansi\, Rodrigo Alonso\, Rafael Cippolini y Valeria González. \nInauguración: Jueves 17 de Julio  ::  19:30 hs.\nClausura:  Miércoles 20 de Agosto\nLugar: Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa (Av. Poeta Lugones 411)\nValor de las Entradas: Entrada general $10. | Combinable $12 (entrada Museo Caraffa y Museo Evita Palacio Ferreyra) | Menores de 12 años\, jubilados\, pensionados y estudiantes sin cargo | Grupo mayor de 20 personas $ 8 | Miércoles s/cargo.
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SUMMARY:Anselmo Piccoli. Rigurosa armonía
DESCRIPTION:El arte es una suerte de empresa epocal. No es la creación de una sola persona\, por más ingeniosa y creativa que sea. El artista es un trabajador del arte. Hay reglas que se deben seguir. Y hay responsabilidades. El artista es un ser ético\, las reconoce y las cumple. \nAnselmo Piccoli \n  \nComo muchos artistas de su generación\, Anselmo Piccoli realizó cambios profundos en su obra a lo largo de los años. En medio del fragor de una modernidad que cobraba cada vez más fuerza en nuestro país\, y ante la evidencia del anacronismo de los estilos pasados y de las academias\, emprendió un camino que lo llevó a aventurarse en los nuevos modos de representar\, y a replantearse su trabajo en diferentes momentos de su vida. Sin embargo\, si hay algo que no puede decirse es que su obra sea inconsistente. Bien por el contrario\, su consistencia se encuentra\, justamente\, en esas mudanzas\, animadas por la comprensión\, cada vez más clara\, de la rigurosidad que supone ser uno de los artífices de ese producto de la humanidad al que denominamos arte. \n  \nEl tránsito a lo largo de su trabajo pone de manifiesto no sólo una madurez plástica sino también intelectual. Para Piccoli\, el arte no puede ser sólo expresión\, escritura personal\, proposición hermética. Hay ciertos requisitos que debe cumplir y el más importante es\, sin dudas\, el estar arraigado en su tiempo y entorno social. Un tiempo y un entorno que necesitan de cierto orden\, de cierta racionalidad\, de equilibrios y armonías. Un tiempo y un entorno en el que el arte ocupa un lugar. \n  \n“Es necesario dejar en claro que es por calidad\, y no por eventual función ilustrativa\, que el arte contribuye a la transformación del mundo\, y contribuye a mejorar y crear nuevas relaciones entre el hombre y la realidad”. Con esta frase\, el artista rosarino anuncia una suerte de programa estético\, que lo aleja de la representación figurativa y lo aproxima al estudio de las formas y las estructuras que sustentan toda composición visual. Poniendo de manifiesto estas estructuras y formas\, el arte realiza un aporte a las personas\, entrena al ojo\, destaca lo constructivo sobre la anarquía\, apunta hacia la armonía como deseo y posibilidad. \n  \nEste programa toma fuerza a partir de la década de 1960\, cuando la geometría comienza a cobrar protagonismo en sus pinturas. Las líneas\, los planos y el color transforman a las superficies de las telas en espacios de investigación plástica\, dejando atrás al volumen perspectivo de la representación naturalista de su producción anterior. El pasaje\, aunque lento\, es decisivo\, porque está basado en una convicción que va más allá de planteos meramente estéticos. Se funda en una ética\, en un compromiso con la contemporaneidad que\, para el artista\, no puede ser desoído. \n  \nLa exposición Rigurosa armonía recoge un período de la producción de Anselmo Piccoli en el que la geometría ha alcanzado su más amplia plenitud. Es una etapa de madurez estética y teórica\, en la que se percibe la seriedad con que asume la creación\, separando esta tarea de toda relación con el ocio\, la pura expresión o la espontaneidad. Para Piccoli\, el arte es una empresa que implica una responsabilidad no sólo con el mundo del arte\, sino principalmente\, con el entorno epocal. \n  \nPor otra parte\, sus obras de estos años ponen de manifiesto hasta qué punto la simplicidad formal y las variaciones cromáticas son capaces de construir una experiencia estética compleja. En cada una de sus pinturas se establece un problema o un desafío a resolver estrictamente a través de los elementos del lenguaje plástico. Así\, la abstracción geométrica se demuestra como un campo de investigación en el que coinciden el desarrollo de un concepto y los procedimientos para materializarlo. “El pensamiento no es una cosa y a técnica otra – señala el artista –\, la técnica es el mecanismo imprescindible para expresar y desarrollar el pensamiento”. \n  \nLos primeros trabajos en esta línea ponen el acento en la ortogonalidad del plano pictórico. Las direcciones horizontales y verticales van construyendo una estructura sólida\, modulada por las intervenciones de un cromatismo suave. Éste suele ser el responsable del desenvolvimiento de un cierto ritmo que todavía no es protagónico. Obras como Color y forma\, Presencia de estructura y Relaciones equivalentes (todas de 1968)\, establecen desde sus títulos la centralidad que poseen los problemas plásticos en desmedro de los temas extrapictóricos. Sin embargo\, Piccoli no considera que la limitación a las herramientas básicas del lenguaje suponga una limitación de la creatividad. “Está comprobado que el arte que nace de la libertad es racional – asegura –\, es la coherencia de un programa. El arte que nace de la necesidad\, es anárquico\, exento de estructura”. \n  \nEn muy poco tiempo\, los ritmos comienzan a ocupar un lugar cada vez más preponderante. La introducción de las líneas curvas y los círculos aportan a la construcción de un movimiento formal que se complementa en las dinámicas impulsadas por los contrastes cromáticos. Si bien la estabilidad de la estructura general no desaparece – debido principalmente a la potencia de un centro organizador que nunca se abandona y a los equilibrios visuales constantes – las pinturas adquieren una movilidad evidente\, que se expresa también en los nombres que las identifican\, como Asimetría en la simetría (1975)\, Estructura en tensión (1975) y Ritmos (1976). \n  \nDe manera paralela\, Piccoli emprende una serie de homenajes a ciertos pintores a los que admira. En ella se vuelven a filtrar ciertos residuos figurativos\, pero sólo en la medida en que permiten poner de manifiesto las estructuras que subyacen a las representaciones clásicas. Como era de esperar\, la serie toma como punto de partida una investigación: “Mi serie de los homenajes no me exigieron concesiones – afirma – por la simple razón\, que no pretendí\, como dejé aclarado en su momento\, reubicar en el presente un pasado de la historia del arte; sería tarea imposible ya que las formas varían a través de las épocas. Mi actitud fue más modesta y cierta: busqué aclararme los procesos de realización de determinadas obras de grandes pintores del pasado\, penetrar en la estructura subyacente de la representación figurativa y tratar de descifrar la sugestión poética de ese clima misterioso de intensa repercusión en el espíritu del observador”. \n  \nEn los años siguientes\, Anselmo Piccoli refina sus recursos plásticos\, en un diálogo permanente con sus antecesores\, sus preocupaciones personales y el momento en el que vive. “El individuo no es nada más que una célula del cuerpo de la humanidad – observa. Su aporte\, por más importante que sea\, existe gracias al conjunto de aportes del pasado del cual él ha salido\, y de los contemporáneos\, del cual él representa una ínfima parte”. Formalmente\, el color adquiere un protagonismo cada vez más definido\, se torna intenso y dominante. Pero de manera simultánea\, desarrolla un conjunto de esculturas en las cuales son los materiales los que pasan a un primer plano. El juego de las formas se traslada al espacio sin perder de vista el fundamento estructural. Así\, la introducción del volumen no supone ningún desvío de su programa estético\, sino más bien todo lo contrario. \n  \nLos materiales suman un nuevo desafío a su producción pictórica de los últimos años. Las obras adquieren espesor debido a la adición de elementos rugosos que aportan texturas inéditas\, y al reemplazo de las líneas por perfiles de aluminio que se proyectan hacia el espacio real. Estos trabajos poseen una gran personalidad y se desprenden de los desarrollos de sus colegas interesados también en las inagotables posibilidades de la abstracción geométrica. \n  \nSin embargo\, fiel a sus ideales\, Anselmo Piccoli no ve en ellos el resultado de la expresión individual. Su preocupación sigue siendo la de aportar nuevos recursos a un arte que se inserta en su tiempo y en su entorno social a través de la potencia de sus formas. Dicho con sus palabras: “El símbolo del presente es anónimo\, parece existir por sí solo. A pesar de ello\, está imbuido de un inexplicable poder que radica en la magia de sus formas”. \n  \nLic. Rodrigo Alonso
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LOCATION:The Art Gallery\, Uruguay 967\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Carlos Cañás Del suelo y la distancia.
DESCRIPTION:Nacido en 1928\, comenzó su camino artístico desde muy joven. Enérgico\, emprendedor\, pasional y a la vez reflexivo Carlos Cañás no cesa jamás de crear. A principios de la década del ‘50 comenzaba con sus primeros envíos a los salones y a exponer su obra con más asiduidad\, siendo reconocido y premiado en varias oportunidades hasta hoy. \nEn ésta ocasión\, y fiel a su espíritu siempre renovador presenta sus pinturas más recientes. \nHace algunos años atrás dijo en una entrevista: “siento mucho el color\, con todas las variantes\, por ahí aterrizó en tonos bajos\, pardos o en grises y de pronto en una exaltación polícroma. El uso del color está ligado al estado de ánimo o a una decisión totalmente deliberada de estar observando.” Y que mejor lugar\, el Museo que creara Benito Quinquela Martín\, para exponer las obras de éste gran artista. \nSabrina Díaz Potenza Curadora MBQM \nCarlos Cañás \nNació en Buenos Aires\, Argentina\, en 1928. Se formó en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes “Manuel Belgrano”\, “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto De La Cárcova”. \nComenzó sus envíos a salones en 1953. En 1961 viajó a Europa becado por el Fondo Nacional de las Artes y luego a Brasil\, invitado por la Embajada Argentina. En 1962 realizó su primera muestra individual y hasta la actualidad desarrolla su obra artística en forma ininterrumpida. Presentó más de 140 exposiciones individuales en Argentina y el exterior. Participó de numerosas muestras colectivas junto a destacados artistas. \nObtuvo importantes distinciones\, entre ellas destacándose el “Primer Premio del Salón Nacional de Córdoba” en 1966\, el “Primer Premio del Salón Nacional de Tucumán” en 1969 y el “Gran Premio de Honor del LXVI Salón Nacional de Artes Plásticas” en 1977. Sus obras se encuentran en colecciones de Argentina\, Chile\, Paraguay\, Uruguay\, Brasil\, EE.UU.\, Francia\, Italia\, España\, Japón e Israel.
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LOCATION:Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Don Pedro de Mendoza 1835\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:EGGO 2014
DESCRIPTION:En el Centro Cultural Recoleta\, Sala Cronopios\, Junín 1930\, Ciudad de Buenos Aires\, en  el stand número 35\, la Galería Centoira\, realiza una exposición de obras del Maestro Benicio Núñez\, nacido el 23 de agosto de 1924\, en Ia Provincia de Corrientes y fallecido en Buenos Aires a los 73 años de edad en 1997. \nLa muestra podrá ser visitada desde el jueves 2 a las 18 horas\, hasta al lunes 6 de octubre de 2014 y el horario es de 14 a 21 horas. \nIntegran la exposición 17 obras\, de distintos tamaños. \n  \nMaestro Benicio Oscar Nuñez \nPor el Dr Gabriel Pirato Mazza \nEn sus inicios en sus trabajos se adhirió como fundador\, al“grupo arte concreto invención”\, conjuntamente con grandes maestros\, que siguieron enmarcados en dicha veta especifica. Después\, derivo en un arte figurativo simbólico\, con aspectos y estilos naif. \nCabe destacar que entre sus maestros más relevantes\, está la figura del Arquitecto Tomás Maldonado. \nEn el Maestro Benicio Núñez\, es difícil no encontrar similitudes\, semejanzas y aires vinculantes entre sus trabajos. \nLas obras elegidas lo muestran en forma palpable. \nNo debemos olvidar que hay trabajos del maestro Núñez\, diseminados en toda América y Europa\, dado que en su larga estada en Italia\, produjo una serie de trabajos que coleccionistas de Italia\, Francia\, Alemania\, España\, Suiza\, Gran Bretaña\, Austria\, etc\, conservan entre sus elegidas. \nTuvo numerosos premios a lo largo de su vida\, incluyendo un honroso tercer premio en la Segunda Bienal Internacional de San Pablo Brasil (1952). \nTambién integró la memorable exposición “50 años de la Pintura Argentina”\, que recorrió por dos años\, Chile\, Perú\,  Ecuador\, Colombia y Venezuela. \nIntegró una exposición itinerante en los Estados Unidos de América. \nEsta muestra\, quiere expresar\, diversas misturas de la forma y el relato que produce la lectura de cada una de sus obras. \nNo podemos eludir nunca\, la imaginación que en cada una de sus obras\, luce sin falta\, porque la fantasía\, la visión\, el ensueño y la imaginación del maestro\, luce permanentemente. \nSu obra es constante\, invariable y entera. En realidad es más: perenne. \nLa fluidez de sus trazos y a la vez\, puntualmente encuadrados\, finamente definidos\, la hacen irreproducible y única. Por tal motivo\, se puede concluir\, que cada obra\, es imposibles de imitar . \nHay en todos sus trabajos\, -indefectiblemente-\, una intención y objetivo innato\, de mostrar diversos aspectos de la vida\, reflejados en sus personajes\, vestidos\, en el sentido atávico y recurrente\, con formas\, runas y perfiles\, que le dan acento modular\, que armonizan con su idea primigenia. \nLo mismo sucede\, -como en esta presentación-\,  con plantas\, animales\, cosas y objetos\, que adquieren una identidad tan especial como exclusiva. \nTodas las formas que utiliza nuestro maestro\, encerradas en cada obra\,  unas veces personales\, otras\,  a veces simplistas\, -a primera vista-\, luego complejas\,  liadas y envueltas\, entretejidas por rasgos de sencillez y humanidad. \nCada obra tiene una lectura única. \nCada dibujo\, cada color que lo impregna\, posee la luz del alma\, del espíritu y de la energía de los sentidos. \nA medida que se penetra en cada uno de sus trabajos\, se comprende la profundidad de sus creaciones\, apasionadas y muchas veces exaltadas\, por la condición humana. \nLo de Benicio\, es tal cual\, siempre revivió en su pincel y en sus colores\, su imaginación y ensueño\, para hacerlo realidad en cada hoja fría e inhóspita del papel\, para vestirlo después\, de manera emotiva y conmovedora. \nSala Cronopios-Stand 35. Galería Centoira \nBuenos Aires\, Octubre 2014 \n…………………. \nMás Info: \nwww.maestrobenicionunez.com \ncontacto@maestrobenicionunez.com \n 
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SUMMARY:Miguel Carlos Victorica: Un príncipe en la República de la Boca.
DESCRIPTION:Atractiva propuesta\, que invita a visitar un recorrido por las obras del reconocido artista como también dibujos\, documentos y objetos personales que se presentan por primera vez al público. \nHuellas muy significativas de su mundo íntimo\, objetos y documentación\, generosamente donados al Museo por el Dr. Oscar Cavarra\, que nos aproximan tanto a datos de alto valor documental\, como a pintorescas anotaciones domésticas. Objetos que formaron parte de sus naturalezas muertas\, libros de cabecera e imágenes de santos que reflejan el fervor religioso de Miguel Carlos Victorica. \nAsí como los sumarios apuntes realizados a lápiz o carbón\, configuran un conjunto de “instantáneas” capaces de graficar la biografía del artista\, y las íntimas pulsiones a partir de las cuales construía su tan particular modo de ver el mundo\, es decir\, su obra. \nVictorica fue un artista de gran oficio\, que comenzó a recibir lecciones de pintura a edad muy temprana. Más adelante estudió en la Academia de la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, donde tuvo como mentores a De la Cárcova\, Sívori\, Della Valle\, Giudice\, entre otros. Gracias a una beca\, continuó sus estudios en Europa y allí completó su formación\, alternando las lecciones en el taller de Desiré Lucas con visitas a los grandes museos. \nComo explica Victor G. Fernández\, Director del Museo\, “Una vez de regreso a la Argentina iba a seguir sus propios caminos. Ya no habría huellas para continuar sino horizontes por explorar”. Su producción\, siempre figurativa\, se ajustará a los géneros tradicionales: retratos\, paisajes\, naturalezas muertas\, desnudos y temas religiosos. Su originalidad radicará menos en el “qué” pinta\, que en el “cómo” lo pinta. No habrá soluciones o recetas uniformes; era su inspiración\, pero siempre acompañada por su oficio\, que le permitía abordar con igual eficacia los rumbos que sus búsquedas le dictaban. \n\n\n\n\n\nMiguel Carlos Victorica \nNace en Buenos Aires el 4 de enero de 1884. Tempranamente\, inicia sus estudios artísticos e ingresa a la escuela de la Asociación Estímulo de Bellas Artes\, donde tiene por maestros a Ángel Della Valle\, Eduardo Sívori\, Reinaldo Giudici\, y Ernesto de la Cárcova\, entre otros. En 1911 viaja a París y obtiene una beca del Gobierno para continuar allí sus estudios. A su vuelta\, en 1922 instala su taller en la Vuelta de Rocha y se dedica a la vida de artista bohemio en el barrio de la Boca. En 1931 realiza su primera exposición individual en la Asociación Amigos del Arte. \nObtiene varios premios\, entre ellos\, le otorgan el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional en 1941. Sus obras son enviadas a la Bienal de Venecia en 1952. Es homenajeado en la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos y obtiene tres años antes de su muerte\, el Gran Premio de Honor en el Salón Anual de Santa Fe. Fallece en Buenos Aires a los 71 años de edad y es velado en el Museo de Bellas Artes Quinquela Martín. \n\n\n\n\n\nMiguel Carlos Victorica\nUn príncipe en la República de La Boca \nLugar: Museo Benito Quinquela Martín\, Av. Pedro de Mendoza 1843.\nFecha: hasta el 7 de diciembre.\nHorario: mar a vier\, 10 a 18; sáb y dom\, 11 a 18.  Inaugura: 13hs\nEntrada: Bono contribución $10.-
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LOCATION:MUSEO DE BELLAS ARTES BENITO QUINQUELA MARTÍN\, Av. Pedro de Mendoza 1835 - La Boca\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:1/100 Manzanas en una ciudad\, del Arq. Clorindo Testa\, pinturas
DESCRIPTION:El Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino invita a la inauguración de : 1/100 Manzanas en una ciudad\, del Arq. Clorindo Testa\, pinturas. La muestra se realizó con la curadoría  de Juan Fontana \nSobre su inicio como pintor\, Clorindo Testa expresó: \n«yo sé cuál fue mi primer cuadro. No el primer dibujo sino la primera obra que realmente estaba hecha con la intención (…) de ser un cuadro de un pintor. Hasta ese momento habían sido dibujos de arquitecto\, los arquitectos dibujan\, los chicos dibujan… El momento del cuadro fue en 1951. Un cuadro que es el cuarto de una pensión en Sevilla\, cuando estaba viajando por Italia. Ese fue un cuadro donde no representaba la realidad\, sino que ya había otra intención adentro. Vos podés decir que ese es mi primer cuadro\, aunque hubiera dibujado miles de cosas antes. » \nParalelamente a su actividad como arquitecto\, como pintor desde 1952 realizó infinidad de muestras individuales y colectivas\, en diversos museos y galerías. \nInauguración de la muestra 1/100 Manzanas en una ciudad\, el viernes 17 de octubre a las 19:30 hs. con entrada libre y gratuita \nClorindo Manuel José Testa (Nápoles\, 10 de diciembre de 1923 – Buenos Aires\, 11 de abril de 2013)1 fue el arquitecto argentino que ha logrado mayor consideración2 en la segunda mitad del siglo XX. Entre sus obras más importantes de la historia de la arquitectura argentina\, se encuentran el ex Banco de Londres y la Biblioteca Nacional. Fue además un artista plástico de trayectoria permanente\, con premios y participaciones en bienales y museos. \nMuseo Castagnino- Av. Pellegrini 2202\, Rosario
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LOCATION:Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino\, Av. Pellegrini 2202\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:Páez Vilaró\, Sin fin
DESCRIPTION:Páez Vilaró\, Sin fin – Tigre homenajea al artista de las dos orillas\,  abre sus puertas al público en el emblemático Museo de Arte Tigre y podrá ser visitada entre el 1 de noviembre y el 14 de diciembre. \nEl Municipio de Tigre rinde un merecido homenaje a uno de sus vecinos más queridos. Distinción que surge de un abrazo de dos orillas\, en el afecto que se prodigaron desde que se conocieron: Carlos Páez Vilaró y Sergio Massa. \nLa muestra incluye la recreación de sus murales realizados por artistas locales\, fotos históricas\, filmes\, objetos del atelier “Bengala” de Tigre y una recreación de su complejo arquitectónico “Casapueblo”. La exposición documental y testimonial celebra la vida del artista\, el amigo\, el padre\, en síntesis\, del inquieto personaje que fue Carlos Páez Vilaró. \nAl bucear en su trayectoria\, en sus legados y en sus expresiones artísticas\, se evidencia  que la línea\, una línea “Sin Fin” es la secreta protagonista de sus obras. \nLa muestra pensada para que la disfrute toda la familia\, contará con un taller de arte\, espacio especialmente ambientado y equipado por Colorín para que los niños visitantes  puedan recrear las obras del gran maestro\, guiados por artistas talleristas de la Agencia de Cultura de Tigre. Estará abierta al público desde el 1 de noviembre hasta el 14 de diciembre\, de 14 a 17 horas y los sábados\, domingos y feriados de 12 a 19 horas (cierre de accesos 18:30).  \nLos talleres para niños se realizan los sábados\, domingos y feriados de 14 a 17 horas y en vacaciones de verano de miércoles a domingos y feriados de 14 a 17 horas. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/paez-vilaro-sin-fin/
LOCATION:Museo de Arte Tigre\, Paseo Victorica 972\, Tigre\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:ALFREDO JAAR. ESTUDIOS SOBRE LA FELICIDAD
DESCRIPTION:La exposición que presentamos reúne la casi totalidad de la producción temprana de Alfredo Jaar realizada en Chile entre 1973 y 1981\, y se completa con algunas obras que refieren a Chile y que fueron llevadas a cabo en Nueva York. Estos trabajos\, exhibidos por primera vez en Buenos Aires\, plantean su singular modalidad de abordar el hecho artístico y de construir una poética propia\, pero\, fundamentalmente\, presentan algunas de las estrategias que aún hoy forman parte de su práctica artística: las intervenciones en el espacio público\, la reflexión sobre el modo en que la información es manipulada por los poderes hegemónicos y la reposición poética de las imágenes que son suprimidas por el régimen dominante de la información. \nCuando Chile “se apagó”\, al decir de Patricio Fernández\, Jaar tenía diecisiete años. Así\, sus primeros ejercicios como artista se vinculan con el intento por elaborar\, resistir\, disentir\, en definitiva\, lidiar -poéticamente- con una realidad brutalmente impuesta. De este intento dan cuenta las obras que conforman esta exposición\, que toma su nombre del primer proyecto de largo aliento que el artista realizó en Chile entre 1979 y 1981. \nEstudios sobre la Felicidad es una obra que\, en plena dictadura\, se apropió del espacio público para instalar en la ciudadanía una pregunta aparentemente ingenua pero que\, en ese contexto\, encerraba una profunda dimensión política: “¿Es usted feliz?”. A través de una serie de encuestas\, Jaar solicitaba a los transeúntes que votaran por sí o por no. Los resultados\, dispuestos en paneles y volcados a través de material audiovisual\, conforman un proyecto que conjuga las estrategias propias del arte conceptual pero que\, a la vez\, excede los marcos del arte para convertirse en un espacio de libertad -de expresión\, de ejercer el derecho a votar- e incluso\, un espacio de reflexión personal y existencial que\, al ser desplegado en la vía pública\, activa significativamente su dimensión social. \nHaber dejado Chile para radicarse en Nueva York no implicó para Jaar dejar de ocuparse de Chile\, sino más bien lo contrario. Así\, varias de las obras incluidas en esta exposición y producidas entre 1983 y 2012 dan cuenta de un arco extenso de tiempo en el que\, obstinadamente\, Jaar se empeñó en articular un proyecto que deja ver a las claras lo que todos intuimos o sospechamos desde siempre: el gobierno de Estados Unidos estuvo directamente implicado en los golpes de Estado que varios países latinoamericanos sufrieron cuando intentaban emprender procesos revolucionarios. \nPor supuesto que no es necesario preguntarse el por qué de una exposición de Alfredo Jaar en el Parque de la Memoria. Pero si lo fuera\, una de las tantas respuestas posibles podría buscarse en el carácter “aspiracional” y en la vocación política del arte de Jaar\, un arte que\, al igual que el Parque de la Memoria\, anhela movilizar certidumbres\, deshabituar pensamientos y que\, a pesar del desafío que implica\, asume día tras día la difícil tarea de articular poética y política\, ética y estética. \nFlorencia Battiti\, curadora Parque de la Memoria – Monumentos a las Víctimas del Terrorismo de Estado \nAlfredo Jaar. Punto Ciego \nDentro de este espacio se expone el film de una imagen que apenas sucede. Durante gran parte del día solo veremos un plasma vacío\, con cierto gránulo\, silencio. El escenario de un acontecimiento casi imperceptible. En ciertos momentos se percibe un espacio interior\, inmóvil\, determinado por tres planos que se juntan\, tres líneas unidas en un punto: un ángulo\, la esquina de un vacío. Un punto de fuga\, el punto ciego de la historia. \nLa imagen corresponde a un espacio que existe en algún lugar del Parque de la Memoria\, que sostiene un vínculo con el espacio exterior y que es\, por lo tanto\, sensible a los cambios de la luz del día. El tiempo es real\, lo que vemos es lo que en ese instante está sucediendo. La imagen se impregna de verdad. \nPunto Ciego representa un movimiento reductivo\, radical en su renuncia absoluta a todo efecto seductor. La no-imagen nos empuja dentro de nosotros mismos. Conforma una estructura meditativa. Es\, podríamos pensar\, una respuesta reactiva ante el frenesí por los archivos que invade las expresiones del arte contemporáneo. En lugar de alinear documentos en una operación fetichizante que en ocasiones despolitiza (el empaste de registros que no permite ver\, no permite escuchar\, no permite pensar). Jaar busca aproximarnos a una política de la percepción. La no-imagen\, esa ausencia\, el texto que antes de entrar nos informa y nos predispone: un mecanismo acotado que luego nos deja quietos\, solos. \nToda la obra de Alfredo Jaar podría pensarse como una investigación intensa en torno al poder de las imágenes. Su construcción y su instrumentalización. Los dispositivos que conforman su capacidad de conmover\, que la vuelven ineludible y que activan su fuerza transformadora. Imágenes que en el acto de percepción se vuelven inolvidables. El poder de una imagen de impregnar el acto de verla con una particular emoción que deja una marca\, un recuerdo específico. No el que proviene del espectáculo de la violencia ni de su estetización ni de la acumulación de documentos\, sino el que proviene tanto del tiempo en el que navegamos en nuestros recuerdos del momento al que la obra remite\, como del tiempo real\, verdadero\, con el que se conecta: el tiempo presente en el que transcurre nuestra percepción. \nAndrea Giunta\, Universidad de Buenos Aires \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/alfredo-jaar-estudios-sobre-la-felicidad/
LOCATION:Parque de la Memoria\, Av. Costanera Rafael Obligado 6745\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:IV BIENAL ARTE CONTEMPORÁNEO DEL FIN DEL MUNDO: "Contrastes & Utopías".
DESCRIPTION:IV Edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Fin del Mundo: «Contrastes & Utopías». \nEntre el 12 de diciembre de 2014 y el 22 de febrero de 2015\, más de 150 artistas\, de 35 países de los 5 continentes\, serán los protagonistas de la Bienal Argentina\, a la que se integrará un nuevo Festival de Música Popular Contemporánea. \n\n\nSu sede central será Mar del Plata\, pero tendrá intervenciones especiales en Valparaíso y Punta Arenas\, entre febrero y marzo del 2015\, transformándola en binacional al incorporar a Chile como parte de este fin del mundo regional. \nLa Dirección Artística es de Massimo Scaringella (Italia)\, también a cargo de la dirección del Comité de diez curadores/selectores internacionales. Cuenta también con la colaboración especial del reconocido intelectual chileno Justo Pastor Mellado. \nDesde julio pasado\, la Bienal del Fin del Mundo fue elegida\, en Berlín\, Miembro Pleno de la International Biennial Association (IBA)\, prestigiosa institución con sede en Corea del Sur que nuclea a las principales bienales del mundo. \nEsta 4ta Edición tendrá a Italia como país invitado de honor. Participarán además: Albania\, Australia\, Bélgica\, Bolivia\, Brasil\, Chile\, China\, Costa de Marfil\, Cuba\, Estados Unidos\, España\, Finlandia\, Guatemala\, Macedonia\, Holanda\, India\, Israel\, Méjico\, Perú\, Rusia\, Suiza\, Taiwan\, Turquía\, Uruguay y Venezuela\, entre otros.\nLa propuesta reúne a los artistas: Joan Jonas (EEUU)\, Tracy Moffat (Australia)\, Liliana Porter (Arg)\, Karen Cytter (Israel)\, Regina Galindo (Guatemala)\, Matteo Basilé (Italia)\, Juan Doffo (Arg)\, Toshihiko Kato (Japón)\, Andrés Denegri (Arg) y Marinella Senatore (Italia)\, entre otros. \nLa Bienal explora temas culturales\, ambientales y ecológicos con el objeto de generar espacios interdisciplinarios de reflexión e investigación de los problemas contemporáneos\, propone aportes desde sus diversas temáticas bajo el lema «Pensar en el fin del mundo\, qué otro mundo es posible»\, y forma parte del Proyecto «Polo Austral de las Artes\, la Ciencias\, el Turismo y la Ecología». \n«…La particularidad que distingue a la Bienal del Fin del Mundo es su formato nómade\, que posee una significativa dimensión regional e internacional\, integrando países y ciudades del polo austral y generando valiosas experiencias de desarrollo en el terreno de la intervención social a través de residencias y exhibiciones en distintas disciplinas todas ellas de gran calidad\, produciendo una importante fortificación de las escenas culturales locales…» \nUn nuevo concepto geográfico\nLas versiones anteriores de la Bienal tuvieron a Ushuaia como ciudad anfitriona. La propuesta de renovar el lugar para desarrollar esta exposición internacional\, responde a su crecimiento y consolidación\, abarcando así en forma amplia la región mas austral del planeta e incorporando a Chile como parte insoslayable de ese «fin del mundo»\nHabiendo acordado con la Municipalidad de General Pueyrredón la instalación de su sede permanente principal en Mar del Plata\, realizará también importantes acciones en forma de sedes anexas en el Museo Río Seco y en el Faro San Isidro\, ambos de Punta Arenas y en el reconocido Parque Cultural de Valparaíso con exposiciones\, residencias\, talleres\, performances\, charlas y conferencias. \nParafraseando las palabras del Papa Francisco\, la Bienal confirma su concepto de «fin del mundo» regional e integra y vincula a su propuesta a las dos ciudades con puertos de mar más importantes del cono sur de América. \nAdemás de su Proyecto Central «Contrastes y Utopias»\, la Bienal plantea los siguientes proyectos especiales\, a cargo de importantes curadores: \n• PROSPECTIVA ITALIANA\, curado por Massimo Scaringella\n• AL LIMITE DEL CIELO QUIERO POSAR LA OFERTA DEL BLANCO\, curado por Vittoria Biasi\n• VISIÓN ELECTRÓNICA: Curado por Alessandro Demma\n• GIMNASIA DE LA VISIÓN\, Curado por Paolo Angelosanto\n• BORDERS\, RUPTURAS FORMALESY CONCEPTUALES: curado por Micol Di Veroli\n• EL RITMO DEL ARTE SE ENCUENTRA EN UN LUGAR INTERMEDIO\, curado por Fortunata Calabró\n• RIGOR SENCILLO\, LA PRESENCIA POBRE EN EL ARTE BRASILEÑO ACTUAL\, curado por Daniel Rangel\n• NI TAMBOR\, NI TAMBORINES\, curador Rafael Raddi\n• COMICS\, QUÉ PASIÓN!\, curado por Maurizio Escudero\n• PABELLÓN ESPECIAL DEL TÍBET\, curado por Ruggero Maggi \nACTIVIDADES COLATERALES OFICIALES\n• «MOTOR VEHICLE SUNDOWN» (Performance para autos en la vía pública)\, de George BRECHT\, con la Dirección Artística de Martin Virgili\n• «ESPACIO MAR DEL PLATA»\, (enero 2015)\, Importante presentación de Artistas de Mar del Plata formando parte y en articulación con la muestra internacional de la Bienal del Fin del Mundo\, Curado por Loredana Manca \nLUGARES DE EXPOSICIÓN Y DE INTERVENCIÓN ARTÍSTICA\nHall Central del Palacio Municipal\nEspacio Cultural UNZUÉ\nTorre Tanque\nPlaza del Agua\nVilla Mitre\nCasa del Puente\nHall del Museo MAR\nCentro Cultural Soriano\nTorreón del Monje\nEscuela Pascuala Mugaburu \nEntrada libre y gratuita en todos los lugares donde se exponen las obras de la Bienal \nPATROCINANTES\nPresidencia de la Nación Argentina\, Ministerio de Cultura de la Nación\, Ministerio de Desarrollo Social de la Nación\, Ministerio de Turismo de la Nación\, INPROTUR\, INAMU (Instituto Nacional de la Música)\, Gobierno de la Provincia de Buenos Aires\, Municipalidad de General Pueyrredon \nAUSPICIOS INSTITUCIONALES\nMinisterio de Relaciones Exteriores de Italia – «Cultura Italiana en Sudamérica»\, Ministerio de Bienes y Actividades Culturales y de Turismo\, Ministerio de Cultura/Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (Chile)\, Istituto Nazionale della Musica (ITALIA)Fundación MEMORIAL del Parlamento Latinoamericano (San Pablo\, BRASIL)\, \, Instituto Italiano de Cultura en Buenos Aires\, \, University of Delaware (USA)\, CAS Office of the Dean (USA)\, Office of the Provost (USA)\, Department of Art Office of Undergraduate Research (USA)\, Centro Cultural Coreano de Buenos Aires\, Yokohama College of Art and Design (Japón)\, World Art and Culture Exchange (Tai)\, \, Embajada de Italia en la Argentina\, Embajada de Italia en Chile\, Consulado de Italia en Mar del Plata\, Academia de Bellas Artes de Roma\, IGAV (Instituto Garuzzo para el Arte Contemporáneo\, TORINO\, ICCo (Brasil)\, Venice International University (VIU di VENEZIA)\, Federculture\, Museo de Ciencias Naturales de Mar del Plata. \nOrganiza: FUNDACIÓN BIENAL DEL FIN DEL MUNDO \n\n+ INFO
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LOCATION:Hall del Museo MAR\, Av. Félix U. Camet 800\, Mar del Plata\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007"
DESCRIPTION:La muestra «Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007» le propone al público patagónico una impactante retrospectiva\, la más grande realizada en el país desde su muerte\, y que además de la exhibición de sus trabajos recrea su último taller y proyecta un video con el aporte de varias personalidades de la cultura sobre su vida y obra. \nLa exposición «Pérez Celis. Medio siglo de pintura 1957-2007» se podrá visitar durante todo el verano\, con entrada gratuita\, en el Museo Nacional Bellas Artes de Neuquén\, ubicado en calle Mitre y Santa Cruz\, Parque Central\, Neuquén Capital. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/perez-celis-medio-siglo-de-pintura-1957-2007/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes Neuquén\, Mitre y Santa Cruz\, Parque Central\, Neuquén Capital\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:“Digo la Cordillera”  El viaje como obra
DESCRIPTION:Digo La cordillera. El viaje como obra\, marca el cierre del ciclo de itinerancia de la exposición luego de haber visitado los museos más importantes de Argentina. Por primera vez llega al Museo Franklin Rawson un conjunto de 90 obras del reconocido artista plástico Carlos Gómez Centurión. La muestra\, conformada por pinturas\, dibujos\, vídeo y objetos\, resume más de diez años de trabajo del destacado pintor sanjuanino. El proyecto consta de cinco viajes\, entre los que se incluyen; no sólo la expedición al Mercedario\, sino además las expediciones al norte (yungas y puna jujeñas)\, al sur (Chaltén) y Mendoza  (Las leñas). \n  \nUn viaje de más de diez años\nLa cordillera y el viaje atraviesan la obra que viene desarrollando Carlos Gómez Centurión desde hace más de diez años. En el cruce del motivo y la acción pone en juego desafíos e interrogantes\, aventuras y búsquedas. Se mezcla una pasión\, con una pregunta acerca del arte. Porque no hay certezas\, es solo un camino donde las obras van dando cuenta de los pasajes.\nEn un sentido\, pareciera que fuera la misma cordillera la que lo seduce y obliga a recorrerla. Es que se le presenta potente\, inabarcable\, enigmática. Acaso lo invita a develar sus secretos\, a que sea él quien se convierta en su interlocutor\, quien la diga de alguna manera.\nPero si descubrirla en su totalidad es imposible\, también lo es representarla. De allí que decir la cordillera es en realidad una serie de intentos\, de aproximaciones\, que a lo largo del tiempo van mutando. Por eso no es casual que Gómez Centurión aun busque las más diversas formas de abordarla.\nLa pluma\, el lápiz\, el pincel fueron herramientas fundamentales\, pero él nunca se mostró conforme: necesitó caminarla\, tocarla\, sufrirla\, tratar de impregnar las telas con sal o embeberlas de las superficies rojizas de los cerros. Y también quiso invitar a otros a que vivan la experiencia\, a que la digan de otra manera\, con fotos\, con películas\, con palabras…\nLa relación de Gómez Centurión con la cordillera no siempre fue amigable -se trata más bien de un amor donde están en juego muchas pasiones-\, y los resultados nunca fueron una postal\, sino una especie de conjunto de esbozos\, como ensayos; obras que son procesos y que se continúan unas a las otras\, pero que aportan siempre algo distinto.\nAsimismo hay en sus pinturas un macro y un micromundo. Cada una tiene detalles que están entre la figuración y la abstracción\, entre el registro y el invento\, y para verlas hay que sumergirse en ella\, alejarse y volver a entrar\, porque en ese ir y venir\, aparecen otros universos.\nEl viaje le imprime algo adicional a esta búsqueda. Hay en él algo épico: subir a la montaña\, con todos los riesgos que implica\, aceptarlos y seguir a pesar del tremendo esfuerzo\, de las dificultades. Pero además el propio viaje -la acción de pintar en la montaña- es una obra. Y acaso lo que siempre se termina mostrando no son más que retazos de ella.\nLa referencia a la historia también está presente\, seguramente porque es inevitable retomar el camino de los pintores viajeros\, y la “fisionomía” resuena (esa creencia de que el artista puede decir algo que no puede registrar una cámara). Un misterio. Todos sabemos o al menos sospechamos que eso sucede pero no tiene explicación.\nTenemos la sensación de que quienes hicieron ese camino antes saben algo más que nunca revelaron. La idea romántica invade y aparece continuamente. Porque la obra no es un viaje que concluyó sino que es una pregunta que transcurre a lo largo del viaje\, de tantos años\, de muchas geografías.\nY hay otro mundo que se abre: el de las energías\, de los colores\, las sensaciones\, las formas\, los olores\, que quedan guardados en algún lugar (como impregnando la memoria\, pero no necesariamente la retina) y que comienzan a pelear por aparecer en las telas.\nLas obras ya no copian un referente sino que son otra historia. Una mezcla de sentimientos\, de percepciones\, de vivencias que quedaron en la memoria y reaparecen con o sin su voluntad.\nA veces los cielos y las aguas se revuelven y se confunden con la cordillera\, en otros casos la roca o la selva pasan a ser protagonistas\, y siempre pervive cierta belleza y una desbordante inquietud. \nFernando Farina \n  \nBiografía\nCarlos Gómez Centurión nace en San Juan\, Argentina. Vive en Buenos Aires entre 1970 y 1982. En 1988 reside en la Citè Internationale des Arts en París donde realiza su primera exposición individual. Actualmente vive y trabaja en San Juan\, Argentina. Durante la década del 90 y hasta inicios de la actual\, su trabajo se concentró fuertemente en el universo de la mitología americana. Fue miembro fundador del grupo El Mito Real. \nCarlos Gómez Centurión tiene una vasta trayectoria\, ha realizado diversas exposiciones en ciudades argentinas como Buenos Aires\, Rosario\, Córdoba\, Tandil\, Tucumán\, Salta\, Ushuaia\, Mendoza\, San Juan\, San Luis y\, en el exterior;  París\, Santiago de Chile\, Guayaquil\, Quito\, entre otras. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/digo-la-cordillera-el-viaje-como-obra/
LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson.\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste\, San Juan\, San Juan\, Argentina
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