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SUMMARY:Miguel Ronsino «a la sombra de los pinos imaginarios»
DESCRIPTION:«Quebrar o galho»\, expresión de uso muy corriente en el Brasil\, se interpreta como resolver o sortear una dificultad\, desatendiendo o violando la ley que rige el asunto; es una metáfora que parte de la botánica y que literalmente se traduce a nuestra lengua como «quebrar el gajo». La expresión nos envía a una fronda tupida adonde para poder internarnos debemos ir rompiendo el follaje que impide avanzar. Frente a los cuadros enormes de Miguel Ronsino -que hacían parecer su taller aún más pequeño de lo que es- vino de inmediato a mi mente el recuerdo de aquella expresión\, pues mirando estas obras frondosas pensé en que en ellas son muchos los gajos que hay que romper para poder penetrarlas. \nLa potencia de los abigarrados planteos del artista resultan de una materia directa incontenible\, que Ronsino no quiere o no puede regular. El cuadro resulta entonces un territorio propicio que recibe y acumula las innumerables acciones gestuales que se descargan en la superficie como una ambigua oscilación entre materia y representación. O dicho de otro modo\, la materia no es minimizada sino que tiene el mismo protagonismo que la representación. \nEs necesario tener en cuenta que el término «materia directa» apenas deja entrever lo que verdaderamente significa; ante todo\, propone una aventura colmada de encuentros inesperados\, pues el artista trabaja con mínimos esquemas móviles y formas que se reiteran obsesivamente\, que solo le permiten atisbos de cómo será la obra terminada de la que tan solo conoce un germen; de presentimiento en presentimiento\, asiste al diálogo intenso y dinámico entre su mano\, su mirada y la materia que irá configurando la imagen buscada. Nada de estos «paisajes» (y lo pongo entre comillas) nos recuerda la belleza\, el equilibrio y la suavidad de laderas ondulantes\, que tantas \nveces han celebrado los artistas del paisaje como evocación del Paraíso Perdido. En esos inquietantes «paraísos» de Ronsino nos encontramos con una topografía delirante surgida de su imaginación\, donde nada tiene el privilegio de ser centro pues el argumento se disemina por la superficie en todas las direcciones presentando imágenes que nos hacen participar del sentimiento de lo «ominoso» (la experiencia donde lo familiar se vuelve extraño y a veces peligroso) expandiendo el significado de los contenidos. Llenas de contrastes violentos de color\, a veces haciendo contrapunto con gamas inesperadas\, sus pinturas ponen en obra visiones alucinadas de quien perdido en su propia maraña\, llena de luz y sombras\, avanza quebrando el ramaje\, internándose en una naturaleza que aparece como irreductible a las leyes de la razón\, pues no se trata de visiones reales sino de paisajes lleno de símbolos; una singular puesta actual que a veces nos recuerda los fantásticos paisajes de la Edad Media. \nEn las obras de Ronsino\, solo por algunos huecos que hay que encontrar en los siempre densos primeros planos\, podemos llegar a respirar espacios que permiten reconocer transfiguraciones y metamorfosis – que haciéndose y deshaciéndose como la propia materia pictórica- se imponen como sorpresivos trayectos que conducen a figuras fantasmales\, resultado de hibridaciones alquímicas como cifras «animistas» de sus visiones. Cada fragmento se funde o vive a expensas del que está al lado\, muchas veces bajo las obsesivas miradas de exóticos pájaros cuyos ojos redondos y fríos están fijos e inmutables en la pura contingencia del paisaje. \nRaúl Santana. \nBuenos Aires\, julio de 2012 \n\n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo Raúl Lossa\, 9 de Julio 66\, Alberti\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CONTRALUZ
DESCRIPTION:La exposición reúne 40 fotografías inéditas de la serie “Contraluz” y una antología de sus 30 años de trabajo\, que suman un total de 350 obras de diferentes formatos y técnicas.\nEste artista ha jugado un papel esencial en la definición de los estilos e imagen de algunos de los más importantes creadores madrileños: Pedro Almodovar\, Alaska\, Sybilla\, Alex de la Iglesia\, Jesús del Pozo.\nÉsta es la primera ocasión que el trabajo de Juan Gatti va a poder contemplarse y estudiarse de una manera autónoma de dos formas distintas: una retrospectiva de su trabajo aplicado al trabajo de otros creadores y en segundo lugar a través de Contraluz\, su proyecto personal en el que por primera vez muestra un trabajo artístico absolutamente personal como obra no aplicada a otro trabajo ajeno.\nJuan Gatti ha recibido en España el Premio Nacional de Diseño 2004 y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2010. \nLa exposición \nContraluz supone la primera gran muestra de este artista argentino que desde 1980 fija su residencia en Madrid y deja así atrás una extensa trayectoria de su trabajo durante la década del setenta en la Argentina\, donde se lo recuerda especialmente por sus tapas de Rock.\nA lo largo de esas tres décadas y hasta la actualidad\, Juan Gatti ha sido y es una de las figuras clave en la configuración de la imagen de la cultura en España a través de los diversos ámbitos de la creación artística en los que ha participado: la música\, el cine\, la moda y\, sobre todo\, el diseño gráfico y la fotografía.\nEl montaje que se puede ver en la sala está concebido de forma dual: una parte introductoria al trabajo de los últimos treinta años en todas sus disciplinas posibles y una segunda parte dedicada a Contraluz\, un trabajo personal que\, por primera vez en su trayectoria\, se concibe exento de la aplicación a otro medio.\nLa parte antológica tiene como objetivo hacer un repaso por el rico universo del diseñador a través de los diferentes campos en los que ha trabajado\, desde la fotografía de moda\, la fotografía editorial\, el diseño aplicado a objetos\, el diseño gráfico\, el diseño de carteles para cine\, las piezas de títulos de crédito de cine\, la dirección de arte de las revistas de moda y otro tipo de ámbitos donde se ha desarrollado el trabajo creativo de este autor. Se podrán ver imágenes de las campañas como las que realizó para Sybilla\, Jesús del Pozo\, Zara\, Loewe y Purificación García y los carteles que ha desarrollado\, a partir de 1988\, para las películas de Pedro Almodóvar: Mujeres al borde de un ataque de nervios\, Átame\, Tacones lejanos\, Hablé con ella\, La mala educación\, Volver\, Los abrazos rotos y La piel que habito\, entre otras. \nLa otra parte\, que da título a la exposición\, Contraluz\, es su trabajo más personal\, que aparece de una manera compacta. Utilizando la estética del fotograma\, las imágenes aparecen nítidamente recortadas sobre un fondo negro configurando un universo unitario en el que la luz aparece y da sentido a las formas. Aquí\, la iconografía de Juan Gatti\, que normalmente ha estado asociada a la que propiamente él mismo ha usado en trabajos editoriales\, se amplía y los objetos logran tener la misma entidad que el propio ser humano pues a ambos es la luz la que les da sentido como forma visual.\nContraluz hay que entenderla como una obra absoluta compuesta por diferentes golpes visuales\, por diferentes imágenes que logran crear una galaxia propia que es la que conforma el universo visual de Juan Gatti.\nEsta obra se complementa y culmina con el trabajo audiovisual que se podrá ver en el Planetario con el título de “Contraluz\, Sound + Vision”. \nMuseo Sívori\, avenida Infanta Infanta Isabel 555\, frente al puente del Rosedal\, Parque Tres de Febrero.\nHorario de la muestra Contraluz: martes a viernes de 12 a 20. Sábados\, domingos y feriados de 10 a 20. Entrada: $1 (excepto los días miércoles y sábado que es gratuita).\nPlanetario “Galileo Galilei”\, avenida Sarmiento y Belisario Roldán.\nHorario de exhibición de Contraluz\, Sound + Vision: sábados y domingos a las 20. Entrada: $20.\nLa presencia de Juan Gatti en Buenos Aires se completa con la muestra Ciencias Naturales en el Centro Cultural de España de España en Buenos Aires\, Paraná 1159\, desde el 28 de noviembre hasta inicios del 2013. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Te quiero Buenos Aires
DESCRIPTION:Mariano Sapia nos atrae a su mundo como un imán. Es un mundo que evoluciona con cada paso de su vida. Hay relampagueos de una niñez suburbana\, de veraneos juveniles; de momentos en la implacable marcha agonizante de la sociedad argentina\, dramas puntuales\, crisis recurrentes\, tragedias esporádicas. Pero su propósito no es relatar un cuento. El artista explica: ‘La crónica en sí\, no me interesa. La torno ambigua\, le quito referencias específicas’. \n\nSapia nos invoca la Argentina pura\, las arrugas\, los berrinches\, los cartoneros y sus descartes\, pinta sin elaborar ninguna denuncia. Aunque es fácil caer en el panfleto\, ser predicador de alguna escuela o proselitista de algún credo sectorial\, Sapia es un observador que\, al momento de pintar\, se vuelve ciego a toda carga que pueda tener su materia prima. Lo que sucede con las paletas de sus cielos  es lo que sucede con él: lunas promisorias\, tormentas amenazantes\, nubes juguetonas; es raro encontrar un cielo despejado con un sol radiante. \n\nSus preocupaciones principales\, entonces\, son las del pintor: la composición\, el dibujo\, las tonalidades\, las texturas; encontrar aquel equilibrio que otorga validez a un cuadro. Sapia hace flotar sus vivencias frente a nuestros ojos\, es un paisajista de pincelada amplia que retrata momentos congelados\, donde la emoción no mancha la escenografía. La vida sucede en dos dimensiones\, no hay intención de proponer una tercera: el suyo es un mundo aplanado por el tiempo. Los individuos que pueblan la tela no son reconocibles\, son solo sugerencias de su género. \n\nSapia no busca sorprendernos\, solo intenta incorporarnos a su mundo de manera sutil. La tragedia pasó\, lo que queda es un trasfondo de drama reducido a un registro esbozado bajo cielos sugerentes y escenas prototípicas\, donde la luz recoge todos los elementos y los une. Puede ser que haya una trama de soledad\, hasta de angustia\, es la sensación del tiempo perdido que colma la obra de Sapia. Pero a la vez\, también hay una dosis de esperanza. El espectador siente que en algún momento la inundación se dispersara y volverá la normalidad. Es la esperanza de todo argentino. \n\nEl artista hace bailar la luz en sus cuadros. Es seductor\, quiere hacernos cómplices en su blanqueo de la dureza detrás del telón de gasa que nos separa de ciertas crueles realidades. Sus pinturas están diseñadas para encantarnos\, pero hay que tener cuidado con los mensajes subliminales: revuelcan los ánimos de los que contemplan su obra. Sapia quiere devolvernos a los inicios\, a una visión del mundo que penetra la mente sin ser censurada por el filtro del ojo prejuicioso. \n\n 
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LOCATION:Centro Cultural Borges\, Viamonte 525\, esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:JUAN JOSÉ CAMBRE. CROMÁTICA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) presentó su primera exposición temporaria del calendario 2013 Juan José Cambre. Cromática\, con una selección de 30 obras del reconocido artista argentino. La muestra estuvo abierta al público desde el 16 marzo al 12 de mayo de 2013. \nLa exposición dió cuenta del camino que la producción de Cambre ha transitado desde el año 2000 al 2013\, caracterizado por una continúa exploración de la riqueza del color junto a una renuncia a la figuración en piezas en las que el artista oculta su impronta\, producto de un proceso que emprendió en 1986\, cuando abandonó el óleo por el acrílico.
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Figuración y ensueño
DESCRIPTION:El artista regresa a la escena expositiva nacional con una muestra individual\, en la sala uno de la Galería de Arte Ascaso\, donde presenta a partir del próximo domingo unas veinticinco pinturas de mediano y gran formato en las que plasma una densa carga simbólica y retoma el detalle con una visión más optimista. \nFiguración y Ensueño. Pinturas de Carmelo Niño es el título que la curadora y destacada investigadora\, Bélgica Rodríguez escogió para esta exposición en franca alusión a la obra y trayectoria del reconocido maestro\, en el que recoge el espíritu de esta muestra y que podremos disfrutar durante los próximos dos meses\, en Caracas. \nParajes misteriosos cuajados de una infinita gama de tonalidades de verde acogen escenas\, personajes y objetos suspendidos en el espacio\, reafirman el carácter onírico de su obra. También los azules de la nocturnidad se reúnen en las piezas donde el cielo y el agua son telón de fondo de grupos familiares en escena. Perfiles y personajes ricamente ataviados\, y en otras\, desnudos que resultan una recreación de la obra de grandes maestros de arte universal\, y que Niño replantea como una versión personal\, y a la vez\, con una visión más contemporánea de la misma. \nReminiscencias infantiles y seres fantásticos\, producto de su imaginario\, se hacen una constante en sus telas\, así como difusas manchas que sugieren la presencia de personajes fantásticos y etéreos\, que aparecen juguetones en lugares insospechados. Carmelo Niño confiesa que su obra hay un permanente juego simbólico. \nLa figura del arlequín es una excusa para trabajar el color\, para llevar al lienzo\, lo medieval de las formas\, sean damas o caballeros. Para todo aquel que ha seguido el trabajo plástico de este destacado creador venezolano\, podrá advertir el insospechado cambio de su paleta y que la luz en esta propuesta se apodera de la obra\, lo cual se traduce en el logro de atmósferas más frescas y brillantes. \nEn Figuración y Ensueño se evidencia además\, un tratamiento más ligero y directo ante la obra. El artista se desprende de objetos y texturas que incorporaba en otros tiempos a la tela\, que ahora trabaja en plano\, obteniendo de la brocha y la pintura infinidad de matices y dimensiones de manera magistral. Niño revela que en sus trabajos recientes\, reunidos ahora en la Galería Ascaso\, consiguió abordar el lienzo de una manera más libre\, abierta y espontánea. Va directamente a las formas\, sin elementos distractivos\, interrupciones técnicas\, ni discursivas. \nEn los acrílicos ha encontrado su mejor aliado para trasmitir esas emociones que han fluctuado a lo largo de toda su carrera\, desde los pasteles más sutiles hasta las más sombrías pinceladas\, pasando por destellantes rojos\, sus favoritos a la hora de imprimir fuerza y vigor a sus personajes. ‘Disfruto planteando el color en mis cuadros\, descubrir los grados del color\, los estallidos del color’. El artista confiesa que este elemento lo conecta con la vida\, con un renacer\, con la evolución y la fe; valores esenciales y muy vigentes en estos tiempos de cambio. \n+ INFO
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LOCATION:Ascaso Gallery\, 2441 NW 2nd Ave.\, Miami\, Florida\, United States
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SUMMARY:El Universo de Aurelio Salas
DESCRIPTION:Retorno mágicamente a la década del setenta y por alguna razón\, que muchos relacionarán con aquellos cruentos momentos históricos\, no puedo recordar ningún día con sol. No tengo intención de enmarcar mis palabras con metáforas armadas para la situación que encajen bien en estos tiempos\, pero en mi memoria selectiva aparecen solo confusas y erráticas imágenes de mi barrio y mi niñez. No sucede lo mismo con Kimba\, Hijitus\, Astroboy\, El Hombre de acero o Batffin\, que eran los dibujitos animados que tanto disfrutaba mirando Canal 10 de Tucumán. Lo notable\, es que los recuerdo en colores cuando en realidad solamente existía tv en blanco y negro. \nLo que sí tengo claro es que cuando llegaba el día domingo\, corría a ver el periódico que estaba sobre la única mesa que teníamos en casa y lo más preciado reposaba allí: “el dibujito” de Aurelio Salas en la página literaria del diario La Gaceta. Todos los domingos aparecía una de sus obras en tinta china ilustrando poemas o cuentos de escritores y poetas argentinos. Yo\, que era un niño inquieto\, observaba con gran espíritu opinante cada línea\, cada trazo\, tratando en mi cabeza de dilucidar los secretos de «ese tipo que dibujaba tan raro». Más aún\, recortaba los «dibujitos» y los guardaba en el cuaderno Rivadavia de matemáticas para seguir haciendo mis propios análisis en horas de clase en la escuela Normal. \nCada domingo era un nuevo descubrimiento\, un nuevo escalón en el asombro. Tanto insistí en el tema\, que un lunes mi padre me dijo: “el viernes van a hacer un «no sé qué» en el museo Timoteo Navarro… y va a estar el tipo que dibuja en el diario. Vamos a ir”. Fue una semana angustiosa\, lo confieso. Me preparé como nunca. No rezongué cuando me peinaron con Glostora ni aun cuando me pusieron esos zapatos con trenzas que tanto aborrecía. Llegamos en el Gordini y aferrado (aterrado también) a mi padre entré al museo. Sentí que ingresaba al Coliseo donde luchaban los gladiadores. Recuerdo cada una de las luces y el piso de muchos colores. Solté la mano de papá y me dispuse a descubrir por mi propio instinto quién era Aurelio Salas. \nLa cantidad de gente me jugó en contra. Los nervios\, la muchedumbre que hablaba y los mozos con sus bandejas me noquearon contra una de las paredes. Se me iba… Salas se me iba… con una bocanada de oxígeno tomé valor y le pregunté a una señora que devoraba un sanguchito\, y ella señalándome un grupo de gente me dijo: allí está. \nEl corazón me apaleaba el pecho y logre pararme entre medio de las piernas de unos señores y lo descubrí… Al fin estábamos frente a frente\, sin máscaras\, sin disfraces. La multitud ya no importaba. Solo él y yo. Me pareció titánico\, tenía unos lentes enormes y una voz que daba recelo. Un vaso de vino tinto en la mano iba de aquí para allá y hablaba de pintura. Mientras\, yo pensaba en todo lo que tenía para decirle. Pero\, los nervios me terminaron de ganar la batalla y como si hubiese sonado el toque de retirada\, huí empujando piernas que querían impedir mi escapada. \nLuego\, tuve que inventar mil excusas para explicar a mi padre de por qué no había podido hablar con el «señor del diario» Fue una experiencia demoledora. Con el tiempo\, recuperado a medias de aquel encuentro\, comencé furtivamente a usar las lapiceras de tinta china que usaba mi padre para dibujar planos en Vialidad Provincial\, tratando de copiar al maestro. Así\, sin darme cuenta\, pasaron los años\, siempre mirando sus dibujos y pensando constantemente que «algún día hablaré con él». Eso nunca ocurrió. \nEn diversas oportunidades he tenido el honor de ser parte del rescate de su labor\, de curar sus exposiciones\, de elegir las imágenes de sus catálogos y tengo el privilegio divino de conocer de memoria casi la totalidad de la evolución de su obra magnífica e incomparable. Sobre la rotundidad en el manejo de la línea\, la densidad del claroscuro y la bohemia impenitente de este artista legendario\, se han referido grandes críticos\, especialistas y allegados al gran maestro del dibujo Sixto Aurelio Salas. \nSería una tautología de mi parte seguir vertiendo tinta sobre lo mismo. Como así también sería una falta de respeto y una cobardía no reconocer la influencia que su imagen ha dejado en mí como en tantos otros artistas que han bebido de su tintero. Solamente al sumergirse en su obra es posible dimensionar el impacto que causó en las generaciones que lo sucedieron y en sus contemporáneos. Él no se parece a nadie y todos tienen algo de él. Todos. Y hablo de los más grandes y famosos. Hablo de sus recursos y modismos. De los que no pudieron escapar aún de su universo y de los que se pavonean de «contemporáneos». \nConstantemente he escuchado decir que si hubiese viajado seguido a Buenos Aires\, Salas sería un artista muy famoso\, pero en su cabeza eso no tenía cabida. Él estaba totalmente abstraído en su obra y en el compromiso de desarrollarse como artista. Nadaba en otra dimensión\, en esa a la que no se puede acceder haciendo cursos\, ni clínicas\, ni se puede adquirir en fascículos\, como tampoco te la pueden enseñar en ninguna facultad de artes. La fantástica dimensión donde fluye la eternidad. La dimensión de los artistas. \nPablo Iván Ríos\nArtista Plástico\nTucumán – Argentina
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SUMMARY:Art Lima: Primera Feria Internacional de Arte de Lima
DESCRIPTION:ART LIMA es la primera Feria Internacional de Arte de Lima. En ella participan 37 galerías nacionales y extranjeras calificadas por un Comité de Selección\, en torno a las que se reúnen artistas plásticos y visuales\, coleccionistas\, curadores\, críticos\, periodistas de todo el mundo y público en general. En su primera edición participan 16 países: Alemania\, Argentina\, Bélgica\, Bolivia\, Brasil\, Colombia\, Costa Rica\, Chile\, Ecuador\, España\, Francia\, Holanda\, Perú\, Puerto Rico\, Venezuela y USA.\nART LIMA es una plataforma de intercambio entre propuestas de arte nacional e internacional. Esta Feria de Arte fomenta la producción\, promoción y comercialización de arte contemporáneo acercándolo al público a través de programas educativos y de coleccionismo. Esta Feria también se propone establecer y posicionar a las prácticas y actividades artísticas de Perú dentro del activo mercado internacional del arte contemporáneo.\nART LIMA propone entre sus actividades: \nSección Principal : Sección Principal. Conformada por los stands de galerías nacionales y extranjeras.\nExposición Internacional : Bajo el título Fuera de sitio el curador español residente en USA\, Octavio Zaya reúne el trabajo de 08 artistas representados por galerías internacionales y la mayoría de los cuales ya cuentan con proyección internacional\nExposición Nacional : Como contrapunto\, los curadores peruanos Jorge Villacorta y Carlo Trivelli nos presentan El territorio: los ámbitos / las moradas.\nSección Institucional y Empresarial :  El público podrá acercarse a stands de instituciones (privadas o públicas) y de empresas nacionales y extranjeras relacionadas con la cultura como ferias de arte\, museos\, centros culturales\, editoriales\, librerías\, etc\nPrograma Iniciando Colecciones. Para fomentar el coleccionismo de artistas peruanos en el mercado local e internacional \nPrimera Edition\n25.04 / 28.04 / 2013 \n+ INFO
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LOCATION:ESGE (Escuela Superior de Guerra del Ejército del Perú)\, Av. Escuela Militar s/n bajada de Agua Dulce\, Chorrillos\, Lima
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SUMMARY:Aguas abajo
DESCRIPTION:El miércoles 8 de Mayo\, Ricardo Wiesse inaugura en la Galería Forum una nueva exposición individual que como es su costumbre no dejará de sorprendernos. \nWiesse es uno de los más sobresalientes creadores de su generación\, con una trayectoria sin duda de las mas sólidas y coherentes de nuestras artes plásticas\, cada muestra suya sirve para acercarnos a la esencia de sus preocupación plástica\, como puede ser el desierto y su espacio\, el mar o el río. \nEl desierto de Ica\, las líneas\, que recuerdan el efecto del viento sobre la arena o las  ruinas de Pachacamac han sido para Ricardo un mero  pretexto para crear y hacer pintura\,  para él\, el  tema de asumir un paisaje  y hacerlo propio es esencial\, “ sabes que es tuyo y que te moviliza profundamente\, que te vincula con todas sus facetas y con todo lo que ello pueda significar.” \nPara esta muestra Wiesse ha preparado oleos de gran y mediano formato\, que son los que expondrá en esta ocasión\, excava descubriendo y encontrando nuevas metáforas donde las imágenes abstractas recogen acciones como el lecho del mar\, del  río\, con colores que expanden los registros conocidos del artista\, gran cambio en su trayectoria. \nSu actual exposición viene a mostrar una nueva meta que paulatinamente se venía apreciando en exposiciones anteriores\, donde introduce nuevos elementes a la propuesta que hiciera conocida y que hoy llega a una nueva vertiente. \nMuestra importante de un artista maduro\, que lejos de repetirse a si mismo reta el pasado para reiniciar de nuevo un camino basado en lo anteriormente aprehendido. \nUna Exposición de Ricardo Wiesse siempre concita expectativa y curiosidad\, sabiendo de seguro que al visitarla será mucho lo que al espectador le reporte. \nLa exposición\, de visita obligada\,  estará hasta el 26 de Mayo\, en el horario habitual de la Galería\, de lunes a viernes de 10 am a 8 pm Y sábados de 11 am a 2 pm y de 5 a 9 pm. \n+ INFO
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LOCATION:Galería Forum\, Larco 1150 – sótano\, Miraflores\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Mónica Rojas: Circunvalación del Olvido
DESCRIPTION:Fenómeno fundamental entre fines del Siglo XX e inicios del XXI\, la fotografía no es una simple corriente del arte contemporáneo. \nLa misma llega en realidad a abrazar la categoría general de la imagen\, las investigaciones experimentales posibles del universo virtual\, las formas alternativas de la comunicación en la era de los nuevos medios\, la historia del fin de los modernismos en el momento en el cual entra en crisis el estatuto de la obra de arte\, la problemática característica del documento\, en un contexto en el cual el arte no es más el único horizonte de la creación y además\, el montaje de las imagenes en la época en la cual se duda de la experiencia que nos ofrecen las representaciones. \nLa acción fotográfica consiste en un proceso más complejo del técnico elemental. La fotografía artística es el resultado de una proyectualidad visual y psíquica que se precisa aún antes del obturador con el cual el fotógrafo toma la decisión definitiva de ejecutar la imagen. \nHenos aquí en el acto de remodelar los confines entre la fotograña en sí misma y la pintura. Henos aquí en la propuesta de imagen de Mónica Rojas. \nCon la particularidad de poner en ejecución la captura de momentos de tiempos disyuntivos\, entre falsas pistas y lo onírico como brutal gentileza\, transpone y vela al unísono el disimulo y la desaparición de espacios y personajes que revitalizan lugares y voces sin narración alguna\, que como característica de las estéticas posmodernistas\, finaliza colocando en la falacia entre la representación y la recreación . Vestir ruinas pareciera ser su cometido\, otorgarles hábito y por lo tanto volver a habitarlas pareciera ser su objeto. \nLos trayectos de la relación entre olvido y memoria son múltiples e insondables del mismo modo que lo son las vias que las creencias atribuyen a los dioses. Carece de sentido preguntarse acerca del despojo espacial\, los escombros y el abandono de los espacios y construcciones ante los cuales nos pone\, más bien nos propone la insidiosa estaca acerca de su sobrevivencia\, de su permanencia en el tiempo y de aquello que aún habita sus cimientos. \nAtesoramiento de restos\, arequeología de lo vivido\, perdurabilidad de huellas y rastros y una notable voluntad de rechazar el olvido\, pareciera ser su meta\, sin pretensión de documentar sino de elevar a protogonistas aquellas marcas y grietas en los viejos muros desgarrados donde fue albergada alguna vivencia. \nMarcas y escisiones de supuestos mundos paralelos que conviven\, edificios abandonados y paisajes desgarrados pero con grietas florecidas. Construcciones- testimonios\, que parecieran especializarse en el hallazgo de brotes donde la mirada de Mónica Rojas sabe leer las imagenes de los cementos\, ladrillos\, pisos\, tierras\, despojos y deshechos\, y los cuerpos que insisten en seguir presentes en un espacio que simularía ya no querer de ellos\, entre la clandestinidad\, la historia y la perseverancia de sus propias emociones. \nEntre luces y sombras\, el hábito de penetrar el mundo material e imponerle la vida se dirige hacia el testimonio y su diálogo para con un paisaje constituido por el abandono y su recuperación\, donde la huella y trazo de lo vivenciado hacen a la excedencia del mero registro. \nInterpelación doble\, ya que nos da la posibilidad de una otra mirada sobre lugares y sitios localizables geográfica e históricamente abriendo al recuerdo y su presencia\, pero al mismo tiempo imaginar y trasladarnos en la experiencia\, paso y tránsito de otros\, que todavía hoy\, de alguna manera conviven entre nosotros. \nLa artista nos pone de lleno en el seno de la problemática de una estética contemporánea que diferencia el espacio del sitio y a éste del lugar. \nSi es cierto que lo humano no le habla a las cosas sino que nosotros somos hablados por ellas\, entonces podríamos comprender y comprendernos a través de estas imagenes en algo del lamento de ciertas ruinas vestidas\, sus emplazamientos y vestigios\, a los que muy paulatinamente podríamos extirparles una nueva vida que sigue queriendo de sí. \nUna manera implícita de estar dispuestos a la nueva tarea del por-venir. \nPor Claudio Ongaro Haelterman
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LOCATION:Museo Municipal Bellas Artes Timoteo Navarro\, 9 de Julio 44\, S. M. de Tucumán\, Tucumán\, Argentina
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SUMMARY:Arpegio de Colores
DESCRIPTION:Arpegio de Colores. Colectiva en el Art Hall Howard Johnson \nEl miércoles 15 de mayo el Art Hall del Hotel Howard Johnson La Cañada dió inicio a su primera exposición colectiva. El arte nos ofrece distintas rutas. En este caso esas rutas tienen cruces y un punto de encuentro llamado “Arpegio de Colores”. Fabiana Rossi\, Mariquita Quiroga\, María Jimena Cambas Vaca y Luciana Bonavía\, cada una con su impronta\, exponen sus producciones artísticas en el ya legitimado muro de arte del hotel. \nEl hall del hotel como un paisaje calmo\, placentero\, de disfrute…. y estos cuatro caminos con sus ritmos\, acentos\, climas… con su propia fuerza y carácter. \nLa obra de Fabiana Rossi invita a buscar “las palabras escondidas en la tierra y el misterio absoluto e infinito del cielo”.\n[Hombre que busca distraído las palabras escondidas en la tierra y el misterio absoluto e infinito del cielo\, Hombre que busca en un complejo archivo de mil palabras \, en oscuras profundidades y tal vez su respuesta se encuentre simple y pura en la Piedra\, la Tormenta\, la Nube y la mirada eterna hacia el Mañana.]\n// Fabiana Rossi \nMariquita Quiroga nos sitúa simultáneamente en un mundo de sueños y realidades\, de habitantes del futuro y del pasado… “más allá de la naturaleza”.\n[“Alicia: ¿Cuánto tiempo es para siempre?\nConejo Blanco: A veces\, solo un segundo”\nLewis Carol\nEncuentro a estos seres\, en un papel en blanco\, en manchas de humedad\, en las caras de amigos\, en las manchas de las plantas\, en las nubes\, en los sueños\, en las realidades… salen naturalmente\, se presentan y quedan intactas por un segundo.\nTengo la sensación cuando las miro que desean contarme un presagio\, del futuro o del pasado.\nAmaso la pasta de pigmentos creando un mundo de sintonías apropiadas al espacio del habitante que reclama su color.\nAhí mismo\, congelado en el tiempo\, te llama\, te busca\, te indica que mirar.]\n// Mariquita Quiroga \nMaría Jimena Cambas Vaca a través de su obra expresa: “…vengo de un espacio donde cotidianamente me reinvento a través del color. El último bastión donde uno se refugia. El último bastión de resistencia.”\n[“A veces\, no siempre\, sin querer queriendo el sol quema mas de lo expuesto.\nVengo de una tierra árida\,\nVengo de una tierra donde la lluvia se desea\,\nDonde las espinas en un tiempo fueron hojas\,\nVengo de un espacio donde cotidianamente me reinvento a través del color.\nEl último bastión donde uno se refugia.\nEl último bastión de resistencia.”]\n// Jimena Cambas Vaca \nCon “Ecos del Vacío” Luciana Bonavía mostrará un mundo informal y abstracto. Oscuridad\, silencio\, tensiones… el todo y la nada.\n“… (Nada\, dónde estás tú en medio de esta nada?)\ny de la nada se sugirió su impulso\nque incumbía a todo lo inexistente. \nY desde ese mismo estado inatómico\nescapó como gimiendo por el desahogo\ncomo estirándose\ntodo lo infinitamente misterioso\nde nuestra respiración.”\n(“Guitarra Negra”\, V; Luis Alberto Spinetta)\nCon “Ecos del Vacío” renace el espacio de un mundo informal abstracto. Se muestra su interioridad y permite ver la oscuridad\, no como algo sublime que nos supera si no que nos invita a reconocernos en ella. La ausencia es liberada por el pensamiento de la espontaneidad y a partir del silencio se estructura lo entrañable de la obra.\nPrecipicios que alertan fuerzas y direcciones; cromas de materias que instalan sitios. El todo\, la nada y una incógnita… ¿dónde estás vos?\n// Luciana Bonavía \nAdemás el día de la inauguración Mariquita Quiroga y Luciana Bonavía realizarán un dibujo digital conjunto en vivo.\nSon cuatro rutas\, entre tantas otras\, en un mismo espacio. Rutas sensibles e intensas para transitar\, atravesar\, indagar y descubrir..\nTexto: Andrea Rugnone \nPerformance: “Cronología del Silencio”\nMariquita Quiroga & Luciana Bonavía\n[ dj: Cristian Efe] \nArt Hall Howard Johnson\nLa moderna arquitectura del Hotel Howard Johnson ubicado sobre la mística Cañada\, auténtico punto de referencia del centro histórico\, cultural\, económico y financiero de nuestra Ciudad\, dispone sus espacios comunes para que BIEDERMEIER exponga pinturas y esculturas de artistas cordobeses con características contemporáneas. \nArpegio de Colores\nFabiana Rossi\, Mariquita Quiroga\, Jimena Cambas Vaca y Luciana Bonavia\nDel 15 de mayo al 30 de junio de 2013 \nProducción Artística:\nBiedermeier Galería de Arte \nArt Hall Howard Johnson La Cañada\nFigueroa Alcorta 20 – Córdoba \nPrensa Carlos M Díaz \n\n\n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Art Hall del Hotel Howard Johnson La Cañada\, Figueroa Alcorta 20\, La Cañada\, Córdoba\, Argentina
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SUMMARY:ExtremoSUR
DESCRIPTION:ExtremoSUR propone un viaje de iniciación por los campos blancos del extremo sur del planeta\, lugares etéreos de silencio y soledad pero diversos y llenos de vida. En la muestra se exhibe a la Antártida como un espacio donde las sutilezas y los matices del blanco interpelan la propia construcción de la forma y el color. La belleza salvaje del continente\, antiguamente habitado por pioneros\, cazadores de focas y ballenas\, tierra de narraciones fantásticas\, mitológicas y científicas\, hoy se presenta como un espacio de paz y reflexión profunda. \nMarcela García\, ha sabido retratar los paisajes y las texturas de los páramos y de las nieves eternas del volcán Chimborazo de su Ecuador natal. Con esa experiencia ha recorrido un largo viaje hasta el llamado fin del mundo impulsada por la aventura\, por la búsqueda del misterio que constituye ese punto extremo. \nSegún Milagros Aguirre la muestra “se acerca a la introspección\, al silencio profundo\, desde donde Marcela García contempla el paisaje intocado. Lo hace a través del lente de su cámara y se deja seducir por las sensuales curvas de los hielos\, por los blancos y grises\, por el vértigo\, por el asombro que producen los matices y el reflejo del paisaje montañoso en las profundidades de las aguas trocado en un cuadro abstracto. Aquí el paisaje se convierte en obra de arte\, las líneas y la luz juegan en la composición de la forma para que de estos espacios gélidos cobren la vida anímica que contienen en sí. La muestra es un viaje de aprendizaje\, un viaje interior que es también\, una aventura\, porque de eso también se trata Extremo Sur”. \nMarcela García\nExtremoSUR\nInauguración: jueves 16 de mayo a las 18 hs\nCierre: domingo 9 de junio\nSala 12 \nCentro Cultural Recoleta\nJunín 1930\nBuenos Aires – Argentina \n 
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Lo exotérico del símbolo
DESCRIPTION:Para la artista plástica Elisa Legorreta Hernández un símbolo es la forma de expresar diversas realidades de la vida humana: ideas\, amores y desamores\, fracasos y triunfos\, historias reales e imaginarias\, bromas\, sueños\, lo natural y sobrenatural\, los recuerdos\, lo cotidiano y lo extraordinario\, es decir\, todo. \n¿Qué es un símbolo? La representación de una idea; un signo sin semejanza; pictografías con significado\, o posiblemente\, un medio de expresión al que se le atribuye un significado convencional. \nElisa Legorreta Hernández ha construido cada una de las 20 piezas que integran la muestra Lo exotérico del símbolo\, una reflexión en torno al símbolo “como un medio que permite la unión y comunicación entre las personas de diferentes épocas y razas\, un elemento que tiene una belleza tal que nos cautiva seamos de la cultura que seamos”\, detalló en entrevista con Conaculta la artista plástica. \nLa artista plástica cuenta con más de 30 años de trayectoria durante los cuales ha realizado más de 700 cuadros\, muebles y objetos pintados\, diseño de vitrales\, esculturas\, instalaciones\, objetos de arte\, murales e intervenciones fotográficas creadas para varios espacios públicos y privados de la ciudad de Monterrey\, Guadalajara\, Montreal\, Chicago\, Dallas\, Houston\, Miami\, Nueva York\, San Francisco\, Vail\, Santiago\, Sao Paulo y Zürich. \nAhora\, por quinta ocasión\, el trabajo de la también escultora –realizado entre 2011 y 2013– llega a la Ciudad de México para mostrar obras que destacan por dos elementos: un fuerte manejo del color y una técnica impecable en donde es notable el toque personal de la artista en encáustica con cera de abeja y pigmentos\, madera y encáustica\, grabado y repujado con relieve\, pintura sobre arena\, pigmentos con volumen y textiles. \nAsí el público encontrará en esta muestra diversas piezas que destacan por esos elementos y por expresar “la universalidad de los signos que permite unir a los seres humanos y mostrar cómo el arte también es una forma de asociación entre las personas mediante los signos que emplea”\, relató la artista quien complementa su labor artística como profesora. \nEntre las obras que se pueden ver en esta muestra se encuentran: Mano que expresa\, una pintura en color rojo que retrata el símbolo de paz hecho con la mano\, cuyo fondo es una serie de palabras negras que muestran el significado de paz en diferentes idiomas. \nContraste unido\, obra que plasma figuras de animales\, flores\, caras y figuras geométricas\, “arte figurativo como una forma de expresión antiquísima que toca la raíz sensible de cada persona y además muestra cómo se siguen usando las figuras para expresar la necesidad de comunicarse”\, refirió Elisa Legorreta Hernández. \nBúsqueda del valor\, pieza monocromática que aparenta ser un laberinto verde\, pero que en realidad es un laberinto de pigmento amarillo resultado de la mezcla de seis colores diferentes\, exclusivos de la artista. \nLa perfección de la vida es una obra tejida en lana que da forma a un círculo -detalló la artista- es el símbolo de perfección y de la vida “que remite a sus momentos fuertes\, sean buenos o no\, pero que nos llevan a un progreso ya que a pesar de todo la vida es siempre perfecta”. \nLas obras que se exhiben en Lo exotérico del símbolo se basan en una investigación teórica y están inspiradas en la historia de los símbolos\, principalmente de la cultura celta. Además de la iconografía de las letras griegas y latinas\, a las que se suma un poema de Pablo Neruda y una traducción en latín de la primera parte del Evangelio de San Juan. \n“Me interesé por el griego y latín porque creo que las palabras de ese idioma son gráficamente preciosas. También recurrí al diseño del calendario maya para reflejar en la pieza Tiempo plasmado la tendencia del hombre de siempre medir el tiempo\, de cuantificar su acontecer”\, destacó la también escritora. \nPara Elisa Legorreta Lo exotérico del símbolo es la oportunidad ideal para mostrar que el arte es belleza\, un producto agradable para el espectador\, quien al admirarlo será feliz y sentirá como las emociones lo invaden e invitan a conocer\, acercarse y comunicarse con otras personas. \n“Con esta muestra voy a reflejar cómo el arte contemporáneo es la esencia de la belleza\, elemento que para mí da vida a una obra. Con ella voy a ir más allá de lo convencional y trataré de que mis obras toquen los sentidos\, inteligencia y principalmente el espíritu de cada una de las personas que vengan a verla”\, añadió la artista. \nLa creadora expresó que con esta exposición espera despertar en el público su interés por el arte mexicano que no es exclusivo para un crítico de arte o un coleccionista\, sino que puede ser apreciado por cualquier persona\, “ya que el arte es accesible a todos porque es parte de nuestra naturaleza y esencia”. \nLo exotérico del símbolo podrá visitarse a partir de este viernes 17 de mayo y hasta el 14 de junio de 9:00 a 18:00 horas en el mezzanine de la Bolsa Mexicana de Valores\, Paseo de la Reforma 255\, colonia Cuauhtémoc. \nLo exotérico del símbolo\nDel 17 de mayo al 14 de junio de 2013 \nBolsa Mexicana de Valores\nPaseo de la Reforma 255\, Colonia Cuauhtémoc\nMéxico \nLCL\nMéxico / Distrito Federal\nPrensa Conaculta \n+ INFO
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LOCATION:Bolsa Mexicana de Valores\, Paseo de la Reforma 255\, Colonia Cuauhtémoc\, Ciudad de México\, Mexico
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SUMMARY:Anthony Arrobo - Tú y Yo
DESCRIPTION:Tú y Yo da cabida a las dos líneas de investigación desarrolladas paralelamente por Anthony Arrobo en los últimos tres años y la contradicción aparente que suponen entre sí. \nArrobo se ha posicionado en la escena local e internacional con obras de una sobriedad impactante\, en donde la sencillez del gesto converge con la pureza formal. \nEn Do not touch (2010)\, su primera muestra individual\, reflexiona mediante  juegos estéticos sobre el sentido que la Historia del Arte ha concedido a ciertos  materiales “tradicionales”. En obras como Red Curtain\, telón de teatro hecho íntegramente de láminas de pintura roja\, aborda la relación –tradicionalmente pasiva– del espectador con el género pictórico. De igual manera ocurre en Nudes\, en la que telas hechas de pintura blanca visten parcialmente un conjunto de bastidores\, dejando desnudas ciertas partes de la madera\, en clara alusión al desnudo como género protagónico en la Historia del Arte que fijó los ideales de belleza. \nNudes replantea el lugar de la pintura como medio y\, de la misma forma que Red Curtain\,White Fabrics o Ghosts\, cuestiona el comportamiento convencional del material\, desplazándolo de su rol de medio para convertirlo en el objeto en sí. Estas estrategias remiten al impulso modernista de explorar los medios que definen la práctica artística desde un acercamiento a cierta estética formalista de los cincuentas y sesentas\, a su vez que generan una aproximación actual del recurso del trompe d’oeil\, caractéristico de la pintura tradicional. \nEste recurso se encuentra también en Twins donde persiste la intención de jugar con los materiales y componentes de aquello que la tradición definió como “obra de arte”. La pieza\, consistente de dos esferas gemelas de grafito\, remite a la búsqueda de la mímesis como compromiso y justificación del arte\, a través del rol fundamental que tuvo el dibujo\, antes de la aparición de las nuevas tecnologías. \nEn estas obras el espectador es seducido no solo por el trastoque de la función tradicional del material\, sino por la apelación del rol convencional de la obra frente a la Historia del Arte e\, inclusive\, del papel que ha desempeñado el espectador en esa Historia. \nComo en Twins\, en la serie Papers el medio es redefinido\, ahora con minas de grafito que se convierten en soporte y protagonista de la obra. \nA partir de coquetos guiños al formalismo y a determinadas manifestaciones artísticas como el posminimalismo\, Arrobo usa convenciones visuales preexistentes de la conciencia estética culta. En su segunda muestra individual\, titulada Liliput (2011)\, estas referencias empiezan a desvanecerse. Las obras que la componen apuntan a la capacidad metafórica de los gestos. Layersland es un mundo de pequeñas torres de colores\, en el que Arrobo traslada el lugar natural del acto pictórico al margen del papel\, en un acto “menor” a través del cual\, según Lupe Álvarez\, curadora de la muestra\, el autor proponía con sutileza “el repliegue hacia lo primordial\, la necesidad de desandar el espacio sobrecodificado para ir hacia ese campo sin ‘ley’”. \nHeartbeats es una fotografía donde aparecen en el firmamento 112\,320 estrellas correspondientes al número de latidos del corazón del artista durante un día; ésta es\, quizá\, la obra que mejor muestra el quiebre entre su primera producción y una obra en la que el artista se coloca a sí mismo como sujeto de experimentación. \nSe revela\, entonces\, una carga poética mucho más íntima pues\, alejándose de la preocupación por lo objetual de sus búsquedas primigenias\, Arrobo se posiciona como centro. Tal es el caso de la reciente pieza Radio\, un dibujo sobre pared\, en la que el artista traza la medida de su radio. Una alusión minimal al hombre de Vitrubio de Da Vinci\, que se aparta del propósito de universalidad que intentaba aquél para privilegiar el gesto íntimo desde lo biográfico. \nEn obras como Horizonte Invisible\, recrea un horizonte utilizando la sombra de un hilo nylon pintado de blanco\, del cual\, a cierta distancia\, solo es perceptible su sombra. Aquí\, el artista vuelve a hablar del dibujo y la pintura como medio\, de la línea como aquello que fija\, marca\, divide\, y que es\, además\, esqueleto de la pintura y del lugar del espectador\, pero esta vez desde un sutil gesto que ha renunciado a aquella  grandiosidad de sus primeros trabajos. Por su parte\, Confeti\, forma parte de la bienvenida de la exposición Tú y Yo\, donde Anthony Arrobo recibe a los espectadores con un estallido de diminutos papeles de colores\, en los que\, como ofrenda efímera\, dedica poemas de amor impresos en ellos. \nDe estas últimas obras es posible intuir el anuncio entusiasta del lugar de las nuevas exploraciones del artista.
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LOCATION:Fundación Teatro Odeón\, Carrera 5 # 12C - 85\, Bogotá\, Bogotá\, Colombia
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SUMMARY:Fotografía experimental
DESCRIPTION:Quiero invitarlos al taller de fotografía experimental que se realizara del 20 al 25 de Mayo en la instalaciones del Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de la ciudad de Santa Marta. Esta vez contaremos con la presencia del maestro Matt O´Brien quien viene de San Francisco a mostrarnos los últimos avances de la fotografía digital. \nSera un proceso de inmersion de 5 dias que incluira sesiones teoricas y practicas; entre ellas dos salidas de campo una a la ciudad y otra a un entorno rural para realizar sesiones de experimentacion. \nMatt O´Brien es un fotografo norteamericano especializado en el arte del retrato y el paisajismo. Su trabajo ha sido expuesto y esta en colecciones de varias instituciones como la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos\, el Museo de Fotografía de California\, el Museo de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte Moderno de Cartagena\, Colombia. Entre los premios que ha recibido están el Mother Jones International Fund for Documentary Photography Award\, El Community Heritage Grant from the California Council for the Humanities y la beca Fulbright. \nEsperamos contar con su asistencia; \nMaría Cristina Agudelo \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/fotografia-experimental/
LOCATION:Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo\, Avenida Libertador sin número Mamatoco Quinta de San Pedro Alejandrino\, Santa Marta\, Santa Marta\, Colombia
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SUMMARY:Veladas surrealistas
DESCRIPTION:Entre el 29 de mayo y el 7 de junio se realizarán cuatro jornadas en que personalidades relacionadas al movimiento surrealista chileno\, participarán en instancias de diálogo e intercambio a través de sus propias miradas\, tal como lo hicieran en su momento\, artistas como André Breton\, Jean Arp o René Magritte. \nLa idea de realizar estas veladas surge de una alianza de trabajo entre la DIBAM\, la Biblioteca Nacional de Chile y el Museo Nacional de Bellas Artes a partir de la exposición Papeles Surrealistas. Dibujos y pinturas del surrealismo en las Colecciones del MNBA y la mesa redonda que acompañaría la muestra. Soledad Novoa\, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes\, explica que debido a que la exposición tiene un enfoque histórico es significativo poder contar con la presencia de testigos privilegiados y protagonistas de algunas de las acciones asociadas al surrealismo y a una serie de «espacios de libertad creativa» que se generaron en Santiago a fines de los años 60. De ahí la invitación a Ludwig Zeller y Susana Wald\, actualmente residentes en México\, quienes viajarán para participar en las actividades. \nPara Daniela Correa\, Jefa del Departamento de Cultura y Comunicaciones de la Biblioteca Nacional\, el movimiento surrealista chileno ha sido incorporado a las celebraciones de los 200 años de la Biblioteca por sus características tanto artísticas como literarias y ha permitido el trabajo en conjunto con el MNBA. Ludwig Zeller y Susana Wald conversarán con Alfredo Lewin en el ciclo Libro Abierto y revivirán el espíritu surrealista con una tarde de lectura poética junto al artista Samuel Ibarra\, en actividades que se realizarán en sus dependencias. \n«Veladas Surrealistas no sólo nos permite hacer un guiño al movimiento y al surrealismo chileno encarnado por el grupo La Mandrágora\, sino también transmitir al público que esta serie de actividades están vinculadas entre sí\, dando cuenta de un estado de ánimo\, un pulso\, una disposición que no da cosas por sentadas sino que busca la participación y la discusión» explica Soledad Novoa. \nPROGRAMA:\nMIÉRCOLES 29 de mayo: Presentación del catálogo de la exposición y Mesa Redonda Papeles Surrealistas \nParticipantes: Ludwig Zeller\, Susana Wald\, Luis de Mussy\, Grupo Derrame (Enrique de Santiago y Rodrigo Hernández Piceros) y Soledad Novoa. \n18:30 – 21:30 | Salón José Miguel Blanco | MNBA \nMIÉRCOLES 5 de junio: Libro abierto; entrevista pública con Alfredo Lewin \nParticipantes: Ludwig Zeller y Susana Wald. \n19.30 | Sala América | Biblioteca Nacional \nJUEVES 6 de junio: Lectura poética Ludwig Zeller \nParticipantes: Ludwig Zeller y Samuel Ibarra. \n19.30 | Sala América | Biblioteca Nacional \nVIERNES 7 de junio: Lanzamiento del libro «El espectro de René Magritte»\, poemas de Enrique Gómez-Correa y dibujos de René Magritte. Publicado por Mandrágora Ediciones. \nParticipantes: Ludwig Zeller\, Cristián Warnken\, Oscar Ríos\, Xavier Gómez y Marcelo Mendoza. \nOriginalmente programado en el Salón José Miguel Blanco se cambió a la Sala América de la Biblioteca Nacional\, a las 18:00 horas \nTodas las actividades son gratuitas y abiertas al público. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/veladas-surrealistas/
LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Parque Forestal s/n\, Santiago\, Santiago\, Chile
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SUMMARY:Epifanías en claves diversas
DESCRIPTION:EPIFANÍAS EN CLAVES DIVERSAS\ndibujos\, tintas\, gouaches y acuarelas \nInaugura Miércoles 29 a las 19hs. \nSusana Raffo nos presenta una serie de Dibujos en pequeño formato: tintas\, gouaches\, acuarelas  y técnicas combinadas\, realizados en los últimos años. El fluido tratamiento de las texturas y materiales\, junto a una sólida composición formal generan imágenes de tónica surreal y una atmósfera que nos hace pensar a través de las sensaciones. \n\n..los personales dibujos de Susana Raffo\, de impecable realización\, nos muestra una imagen muy singular de hermética  poesía y fervorosa imaginación.                                                                      \n\nEntrada libre y gratuita.
URL:https://fadla.org/calendario/epifanias-en-claves-diversas/
LOCATION:Galería del lRestó\, Montevideo 938\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Roberto Tabbush Pinturas
DESCRIPTION:La muestra de pinturas de Tabbush se presenta hasta el 26 de junio en Via Costa\, Martínez. \n\n\n\n\nLa muestra de Roberto Tabbush presenta una serie de paisajes en donde sedimentan los viajes y experiencias transitadas por el artista uruguayo. Sus observaciones de barcos y muelles están cruzadas por la herencia del inglés Turner en donde la luz y sus contrastes velan lo figurativo en un paisaje que oscila entre el sueño y la realidad. Tabbush indaga en las exploraciones cromáticas a partir del uso del óleo\, la acuarela y el pastel. Así construye sus paisajes en donde pareciera que predomina una abstracción de la que emergen figuras. Sus trabajos más recientes\, óleos de gran formato\, se destacan por el sentido expresivo del color\, la aparición de la figura humana y los paisajes selváticos. \nInauguración: miércoles 5 de junio 2013 a las 19 hs
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LOCATION:VIA COSTA – Centro de Arte y Diseño\, Eduardo Costa 1560\, Martínez\, Bs. As.\, Argentina
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SUMMARY:RELATOS LATINOAMERICANOS en el MAC
DESCRIPTION:Desde el 7 de junio a las 20\, llega la muestra itinerante de Malba «Relatos Latinoamericanos» al Museo de Arte Contemporáneo de Salta. \nA partir de una selección de Marcelo E. Pacheco\, curador en jefe de Malba\, la muestra reúne 53 obras representativas del período que va desde las primeras vanguardias del siglo XX hasta los años 2000. Se incluyen piezas claves para la historia del arte latinoamericano de artistas como Pedro Figari\, Antonio Berni\, Joaquín Torres-García\, Xul Solar\, Emilio Pettoruti\, Hélio Oiticica\, Alfredo Guttero\, Miguel Covarrubias\, Juan Batlle Planas\, Emiliano Di Calvacanti\, León Ferrari\, Oscar Bony y Guillermo Kuitca\, entre otros grandes nombres. Esta exposición se da en el marco del programa Malba federal\, cuyo objetivo es estrechar lazos entre lo público y lo privado y potenciar las relaciones institucionales. \nLa arquitecta Claudia Lamas\, directora del MAC\, afirma: “ Para la actual dirección del MAC es de vital importancia el contexto en el cual el museo acciona\, y esto significa pensar especialmente en los ciudadanos de Salta. Nos sentimos orgullosos de poder acercarles producciones artísticas de trascendencia nacional e internacional como es la Colección de Malba. Agradecemos especialmente la confianza en nuestra institución al Gobierno de la Provincia de Salta\, que por intermedio del Ministerio de Cultura y Turismo y el Ministerio de Educación\, con su apoyo posibilita ser el museo que aloje esta exposición\, permitiéndonos ser parte de un hecho histórico para las artes y la cultura de la provincia.” \nRelatos latinoamericanos se presentó de enero a marzo en el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y de marzo a mayo en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan. El MAC de Salta es la tercera sede de la itinerancia. \nLa exposición está organizada de manera cronológica. El recorrido se inicia a fines del siglo XIX y llega hasta el arte contemporáneo anclando en diversos momentos de corrimiento dentro del siglo XX en América latina. El primer sector se centra específicamente en la noción de vanguardia y en las diferentes modernidades que se construyeron en Argentina\, Brasil y México. El segundo abarca obras de los años 30 y 40\, con la aparición del eje Arte y política y los surrealismos en sus diferentes variantes. El tercer núcleo incluye piezas de los años 40-50\, especialmente relacionadas con las propuestas del arte no figurativo\, los artistas concretos y neo-concretos y el informalismo. El último período corresponde al arte contemporáneo\, a partir de una lectura y una redefinición de esta noción: ya no se trata solamente de la aparición de nuevos ismos\, nuevos movimientos\, nuevas tendencias\, sino de un cambio en el funcionamiento de la naturaleza de la producción artística desde los años 60 en adelante.\n… \nMuseo de Arte Contemporáneo -Facundo de Zuviría 90\, Salta \nTel. (+54 0387) 4370498 | info@macsaltamuseo.org | www.macsaltamuseo.org \nHorarios: lunes cerrado. Martes a sábado de 9:00 a 20:00 \nDomingo: de 16:00 a 20:00 \nBono contribución $ 2 \n+ sobre el Museo de Arte Contemporáneo de Salta: El Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MAC) fue inaugurado el 26 de junio de 2004\, con el objeto de difundir\, educar\, investigar y exhibir la producción artística contemporánea. Es centro de las acciones relativas a las artes visuales contemporáneas y un núcleo para atender las alternativas de exposición\, difusión y docencia. El mac trabaja activamente en la formación de una colección de arte contemporáneo y en la construcción de un cronograma anual de exhibiciones que acerquen al público las últimas producciones de la escena actual de nuestro país.\nPropone talleres teóricos y prácticos dirigidos a niños\, adolescentes y adultos en el área de la fotografía\, la pintura\, el diseño\, la historia del arte\, video\, observación y comprensión de la obra de arte. En el 2007 fue galardonado como Museo del Año\, premio otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA).  Actualmente cuenta con un servicio de biblioteca especializada y tiene en formación un archivo audiovisual de productores y gestores de arte contemporáneo. El MAC cuenta con una colección de más de 400 obras de importantes artistas a nivel local y nacional. La misma está compuesta por pinturas\, dibujos\, fotografías\, esculturas\, grabados e instalaciones\, que se han incorporado a través de diferentes modos de adquisición.
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo\, Av. Grau 1511 - Barranco\, Lima\, Peru
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SUMMARY:GITANJALI Y EL MAR ADENTRO: VIAJES PARALELO
DESCRIPTION:Se inauguró en la Cámara de Diputados la muestra de arte «Gitanjali y el mar adentro: viajes paralelos» \nLA OBRA DE LA ARTISTA INDIA NIBEDITA SEN ESTÁ INSPIRADA EN LA POESÍA DE R. TAGORE \nLa muestra pictórica «Gitanjali y el mar adentro: viajes paralelos»\, de la artista india Nibedita Sen\, se expuso en el Salón de los Pasos Perdidos de la Cámara de Diputados de la Nación. Las pinturas que forman parte de esta muestra están inspiradas en la obra del poeta Rabindranath Tagore\, quién recibió el premio Nobel de Literatura en el año 1913.    \n“Tagore amaba la Argentina\, su travesía por este país emana poesía\, amor y empatía. La obra de la artista Nibedita Sen es un tributo a la literatura de Tagore\, y por eso agradezco a la Cámara de Diputados de la Argentina por ser anfitriona de esta muestra”\, afirmó el embajador de la República de la India\, Amarendra Khatua.  \nParticiparon de la inauguración  de la exposición el presidente de la Cámara de Diputados\, Julián Domínguez; el embajador de la República de la India\, Amarendra Khatua y la autora de la obra\, Nibedita Sen. También asistieron los diputados Guillermo Carmona\, presidente de la comisión de Relaciones Exteriores\, y María del Carmen Nebreda\, presidenta del Grupo Parlamentario de Amistad con la República de la India; y los embajadores de los Emiratos Árabes Unidos\, Egipto\, Noruega\, Filipinas\, Vietnam\, Argelia\, China\, Guatemala\, Turquía\, Líbanos\, Corea. 
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LOCATION:Salón Pasos Perdidos – Palacio del Congreso Nacional\, Av. Rivadavia 1264\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Liliana Porter El hombre con el hacha y otras situaciones breves
DESCRIPTION:El hombre con el hacha y otras situaciones breves es la primera exposición individual de Liliana Porter (Buenos Aires\, 1941) en el museo. Se trata de una instalación site-specific creada especialmente por la artista para la sala 3 de Malba. \nLa obra de Liliana Porter incluye grabados\, dibujos\, instalaciones\, objetos\, proyectos de arte público\, fotografía\, film y video. “Los temas recurrentes parten de reflexiones acerca de la representación\, del concepto del tiempo y de ese espacio ambiguo entre lo que llamamos real y las imágenes. En los últimos años\, casi sin darme cuenta\, ha ingresado a mis obras un variado elenco de protagonistas que son objetos ‘inanimados’: pequeñas figuras\, adornos\, cosas encontradas en mercados de pulgas. Ellos actúan dentro un espacio monocromo y vacío\, en un tiempo no lineal\, más abarcador”\, explica la artista. \nLa instalación en Malba se desarrolla sobre un conjunto de tarimas planas\, de diversos tamaños\, en las que algunos personajes de su familiar elenco están abocados a tareas específicas: construir y destrozar\, esparcir y recoger\, ir y regresar\, limpiar\, barrer\, levantarse\, caerse\, derramar y tejer\, entre otras actividades. En un extremo se encuentra el hombre diminuto con el hacha; un posible comienzo si se atiende al título\, que le da al personaje un protagonismo paradójico considerando sus escasos cinco centímetros. \n“Para que el hombre del hacha destruya\, Porter\, en la dirección inversa del tiempo\, compone pieza a pieza los pedazos\, reconstruye. El suyo es un tiempo más flexible y más incierto\, en el que es posible destruir y a la vez componer\, optar por una alternativa sin perder las otras\, alumbrar a un hombre con un hacha y también a un jardinero que riega sus plantas en medio del desastre”\, reflexiona Graciela Speranza en el ensayo del catálogo que acompaña la exposición. \nCon sus diálogos insólitos\, sus reconstrucciones y sus trabajos forzados\, Liliana Porter altera la cronología de la historia. “Su historia del tiempo se ha vuelto todavía más sinuosa en El hombre con el hacha y otras situaciones breves\, su instalación más ambiciosa hasta la fecha\, retrospectiva sui generis de la obra anterior\, suma poética\, que convoca y a la vez destruye su micromundo\, en el aquí y ahora de un tiempo y un espacio esta vez a gran escala”\, analiza Speranza. \nEn ocasión de la exposición\, Malba editó un nuevo catálogo de Liliana Porter\, con el ensayo A contratiempo de la escritora y crítica Graciela Speranza y un registro fotográfico exhaustivo de la instalación. En 2003\, el museo co-editó junto al Centro Cultural Recoleta el catálogo de su retrospectiva Liliana Porter. Fotografía y Ficción (noviembre 2003 – febrero 2004)\, como parte de su programa de coedición de publicaciones con otras instituciones.
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LOCATION:MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:SANTIAGO TAVELLA: Vivir el plano
DESCRIPTION:Desde el 3 de julio a las 18 se presenta la muestra «Vivir el plano»\, de Santiago Tavella en la sala 12 del Centro Cultural Recoleta. «Vivir el plano»\, curada por Verónica Cordeiro\, vuelca la mirada hacia algunos elementos fundamentales del lenguaje técnico utilizado en el diseño arquitectónico: el plano\, corte y alzados producidos por los arquitectos en la proyección de una edificación. \nTavella aborda la temática aquitectónica desde el plano; construye una investigación estética que dialoga con la línea\, la forma\, el color\, el documento histórico y viajes en el tiempo: entre su propia historia y subjetividad y la historia oficial de la arquitectura moderna canonizada por escritores como William J. R. Curtis en La arquitectura moderna desde 1900 —guía clásica de la arquitectura del siglo XX en todas las facultades\, incluida la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República del Uruguay\, donde el artista realiza toda su formación\, quedando en deuda apenas con el proyecto final. \n\n\n\n\n\n+ INFO
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LOCATION:CCR – Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Cuatro muestras en el Centro Cultural General San Martín
DESCRIPTION:Desde el 5 de julio a las 19\, se inauguran cuatro exposiciones en el Centro Cultural San Martín. En primer lugar\, Atlas de lo fragmentado\, curada por Mariano Soto\, se enmarca en la tercera edición del ciclo «Expansiva» en donde\, en esta ocasión\, participan los artistas Sandro Pereira\, Martín Legón y Marcela Sinclair. El concepto conductor de Expansiva\, propone obras site specific que tienen como leimotiv pensar la arquitectura formal y habitable del edificio de Mario Roberto Álvarez. La monumentalidad y la presentación de las obras a la calle misma\, buscan impactar en el peatón\, operando como un eco fantasmal que avanza sobre la vereda\, volcando distraídamente un manojo de preguntas con múltiples respuestas. \nPor otro lado\, Karina Peisajovich presenta la intervención lumínica Lejos del sol en el Patio Cubierto del CSM. Esta es la segunda obra de este ciclo de intervenciones que\, en este caso\, pone el foco en lo humano desde su ausencia\, a través del carácter interactivo-involuntario de la obra de la artista. La fría belleza del Sci-fi futurista entra en juego con la concepción modernista del edificio del CSM. \nEcos del interior es la muestra fotográfica que presenta Martín Weber y que\, al mismo tiempo\, inaugura un nuevo espacio expositivo del CSM cuya característica primordial será su carácter público\, de impacto en el entorno y la gente a través de la fotografía de artistas argentinos contemporáneos. En el caso de Weber y Ecos del interior\, la muestra deviene de un trabajo “de campo” desarrollado por el artista a lo largo de siete años\, en los que recorrió el país obteniendo como resultado una serie de retratos compuestos como una cita clásica\, de estética serena\, pero enriquecidos con los signos vitales de la cultura popular contemporánea y la familiaridad empática de sus protagonistas. \nFinalmente\, otro espacio inaugural en el CSM\, son los Espacios alternativos\, destinados a visibilizar la producción artística tanto de artistas emergentes como de otros que circulan en distintos circuitos expositivos. El ciclo está enfocado en las técnicas de pintura\, dibujo y grabado. En esta primera edición participan Eugenia Descalzo\, Emiliano Bonfanti y Walter Pelorosso. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/cuatro-muestras-en-el-centro-cultural-general-san-martin/
LOCATION:Centro Cultural General San Martín\, Sarmiento 1551\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Lasser\, Destellos de los invisible
DESCRIPTION:La muestra reúne la última producción de Juan Carlos Lasser y refleja una búsqueda en la que el artista utilizó el uso del óleo hasta llegar a manifestarlo con transparencias y profundidades\, al modo casi de la acuarela\, exponiendo la nobleza y versatilidad de ese material que siempre fue su principal elección para operar sobre diversos soportes. Se trata\, justamente\, del punto de arribo de un creador que\, sensible tanto a la fuerza implacable de la naturaleza como a la capacidad humana de crear y destruir\, con su profunda intuición de la belleza y a través de su mirada\, construyó y plasmó misteriosos mundos entrecruzados\, dejándonos el legado de su experiencia trascendente. \nLasser ha sido un creador genuino y de camino independiente\, capaz de un cromatismo que toma riesgos en el uso extendido de la paleta y que sólo su oficio pudo controlar. Su camino por la abstracción expresiva lo llevó a vigorizar las estructuras en la composición de su obra\, de modo tal de que éstas fueran capaces de sostener y orientar la fortaleza de su color y su uso de las transparencias orientó la obra hacia expresiones delicadas y poéticas. \nLa pintura de Lasser se presenta como una variación infinita a partir de un núcleo inicial. Emerge sugerente y pasional desde un caos original\, que lentamente se va expandiendo por toda la superficie pictórica a través de innumerables motivos. Como en un coral\, se conjugan las diferentes líneas melódicas en una armonía final. La observación de la naturaleza y del paisaje fueron sus motivos inspiradores\, no en su literalidad absoluta\, sino por medio de la recreación de lo visto y lo sentido frente al motivo. Sus realizaciones emergen a través de una mirada fragmentaria’\, asegura la Mgter. Silvia Marrube\, investigadora del Museo Sívori. Y añade: ‘Sus telas van desde la monocromía\, como las trabajadas en azules o rojos hasta los extremos de los valores del blanco y el negro. Una paleta personal\, que no responde al color local de un determinado paisaje\, sino que resulta una metáfora del medio en que se produce. También las texturas generan climas\, desde las densas y expresivas\, hasta aquellas donde la dilución del óleo llega a la transparencia de la tela permitiendo la aparición del dibujo\, sustento primero de la composición. El artista también experimentó con nuevos soportes y materiales\, como esmaltes industriales\, lacas y lanas de vidrio\, que enriquecieron aún más la expresividad de su pintura’.
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LOCATION:Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel\, 555\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:“Visiones del Entorno” de Antonio Bonilla.
DESCRIPTION:Desde hoy y hasta el 4 de octubre podrá visitarse en el lugar conocido como “La Senda de las Artes”\, del Palacio Legislativo\, la exposición “Visiones del Entorno”\, del Pintor salvadoreño\, Antonio Bonilla. \nLa exposición fue inaugurada esta mañana por el diputado Sigfrido Reyes\, presidente de la Asamblea Legislativa. La muestra incluye obras propias del expresionismo\, surrealismo\, realismo mágico y feísmo. \nEl artista Mario Castrillo\, crítico de arte\, fue el encargado de trazar la semblanza de Bonilla\, de quien afirmó que “su fantasía burlesca seduce sin excepción\, su temática aborda lo sensual y sexual a la vez se expresa y dice lo que siente\, lo que piensa\, sin ambages\, aborda temas de situaciones extremas en nuestro país\, aborda también la violencia social\, problemas generados por el consumismo\, le interesa mucho las pasiones humanas\, sus personajes principales los toma de la realidad nacional\, y se incorpora a sí mismo en sus obras. En fin\, Antonio Bonilla está situado en un pedestal de honor entre los más grandes artistas nacionales”. \nEn tanto que el diputado presidente\, destacó el carácter autodidacta de Bonilla\, “que tiene más de 60 exposiciones en su carrera\, en diversos países del mundo\, tiene la característica de ser un hombre muy comprometido con las causas sociales y con las causas políticas de nuestro país\, en el mejor sentido de la palabra”. \nAntonio Bonilla es un pintor y muralista salvadoreño que ha participado en 45 exposiciones colectivas desde 1972 hasta el 2008\, tanto en territorio salvadoreño como internacionalmente; su obra aparece publicada en libros\, revistas\, periódicos\, especializados en el arte y ha participado en cortometrajes\, largometrajes y documentales.
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LOCATION:“La Senda de las Artes”\, del Palacio Legislativo\, Centro de Gobierno "José Simeón Cañas"\, San Salvador\, San Salvador\, CP 1101\, El Salvador
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SUMMARY:Alfonso Mena\, Seducción
DESCRIPTION:La exposición se fundamenta en las exploraciones del tema del lenguaje\, su descomposición y reorientación a partir de la pintura abstracta \nEl Museo de Arte Moderno exhibe Alfonso Mena. Seducción\, una muestra que tiene como fundamento la exploración del lenguaje\, su descomposición y reorientación. Las palabras\, lejos de permanecer estáticas\, están en continua transformación. En la obra de Mena la seducción entraña el dominio simbólico de las formas y el extravío de la verdad: una seducción cargada de éxtasis y pasión. \nMena busca persuadir y conmover al espectador mediante el uso de herramientas lingüísticas y técnicas que\, en plena era digital\, podrían aparecer anacrónicas: la encáustica\, el plomo\, la resina o el grafito. Su pintura está tapiada de velos que permiten entrever la materia oculta y una multiplicidad de planos que se entrelazan a partir de sus reflejos. Al igual que Paul Klee\, Mena hace visibles las fuerzas invisibles. \nSu trabajo es la manifestación de un principio autónomo e irreductible\, la realidad interior; de ahí la fuerza centrífuga de sus imágenes. La abstracción de Mena admite la inclusión de figuras y palabras; la realidad se convierte en una imagen mental cargada de intención. \nSeducción busca la construcción de los lugares y los imaginarios en la obra del artista\, mediante el dominio extenso entre imagen\, lenguaje y memoria: imagen\, como proyección mental y material; lenguaje\, como el carácter gestual del objeto\, y memoria\, como construcción a partir del reflejo del mundo sensible. \nEl artista enlaza la imagen y la palabra para construir un artificio de la memoria\, en que la imagen no es pasiva\, sino activa. \nLa exposición busca reflejarla y perimetrarla mediante la evocación de un zoótropo\, aquel ingenioso tambor con ranuras que producía la ilusión de movimiento al hacer girar unos dibujos estampados en su cara interior. El lenguaje es parte integral de este trabajo\, con el que el autor configura un alfabeto propio para configurar un universo subjetivo. La memoria es un laberinto de pensamientos y vocablos que buscan hacer eco con la circularidad del recinto que la alberga. \n“Decía Plinio El Viejo en su Historia natural que la primera imagen es la proyección de una sombra. Una muchacha enamorada de un joven que dejaría la ciudad trazó con unas líneas el contorno de su amante sobre la pared a la luz de una vela. La muchacha\, al dibujar la sombra de su amado con un carbón\, consiguió cercar y retener la imagen del amante que se va. La separación\, el alejamiento y la ausencia fueron los orígenes de la pintura. La sombra real se marcha con el viajero en tanto que su contorno\, fijado en la pared\, eterniza su presencia en los límites de una imagen\, explica Miguel Ángel Rosas\, curador del Museo de Arte Moderno. \n“El mito del origen de la representación artística se centra\, así\, en el motivo de la proyección. Cuando una imagen se proyecta sobre la pared cambia su soporte y cambia su materialidad. La sombra y la luz\, prototipos de ella\, no son más que prototipos de la semejanza. El arte abstracto de Alfonso Mena tiene movimiento y tiende al desplazamiento de los cuerpos en el espacio. La imagen como proyección primigenia produce un impulso interior\, y es en esa apertura donde reside la dimensión misma del objeto. El primer núcleo de la exposición pretende pasar de un medio a otro\, de un soporte fijo a otro en movimiento. Según la tradición aristotélica de la representación que busca mover\, conmover\, tocar\, afectar\, seducir. \n“El lenguaje de Alfonso Mena es táctil pues la materia crea esa posibilidad. Texturas\, veladuras y atmósferas que evocan un tipo de mirada: un plano desde el cual Mena nos aproxima a su universo plástico\, al orden mental exclusivo del artista. Se resiste a la objetividad del lenguaje\, a sus secretos develados\, con la creación de un alfabeto propio y dinámico cargado\, sobre todo\, de intimidad y distancia. \n“Mena pone en evidencia la imposibilidad misma del archivo mediante un proceso de visibilidad e invisibilidad de las prácticas del arte. Los dibujos fuera de los gabinetes muestran lo que se escapa a esos procesos de clasificación; es la ruptura con el pasado y su ansia clasificatoria por la atemporalidad de la obra de arte. En estos tres gabinetes Mena intenta seducir a través de su propia definición de los significados de las palabras y el arte en un afán por capturar el tiempo”\, remató Miguel Ángel Rosas.
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LOCATION:Museo Arte Moderno\, Paseo de la Reforma y Gandhi S/N\, Bosque de Chapultepec\, Ciudad de México\, Mexico
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SUMMARY:FADLA Solidaria "Punto de encuentro con el Arte"
DESCRIPTION:Evento Cultural FADLA Solidaria \nEl día jueves 12 de Setiembre del presente año\, a las 19:30 horas\, se realizó el Evento FADLA Solidaria en el Salón Imperial del Club Español. \nEl objetivo principal de esta actividad fue promover el intercambio cultural y el mutuo entendimiento entre las comunidades que nos acompañaron. \nHaciendo uso de la palabra\, durante la ceremonia de inauguración del evento cultural\, el Director Artístico\, Néstor Sarmiento\, comentó sobre la necesidad de reforzar nuestras culturas a través de la difusión del arte en sus diferentes expresiones. \nPor su parte\, el Presidente de la Fundación Arte de las Américas\, Roberto Lagar\, expresó su profundo agradecimiento a las delegaciones que asistieron\, a los artistas que participaron y al público en general. \nSe presentaron diversos números artísticos\, incluyendo una interesante exposición de pinturas a cargo de los artistas\, miembros de nuestra Institución. \nEntre los grupos que participaron podemos mencionar a La Colectividad Helénica de Sócrates dirigida por el Profesor Mario Koutsovitis\, el grupo Matices del Perú y la Asociación Cultural Fina Estampa bajo la dirección del Profesor Marco Chafio Prada. \nAdemás\, se incluyó\, en el programa\, la presentación de la violinista hondureña Karina Guevara\, un show musical de tango de los bailarines profesionales Flor Pittaluga y Manu Nantes\, la interpretación vocal de la artista peruana Rosa Barcellos y el grupo peruano Los negros de Miércoles. \nHungría\, Eslovenia\, Perú\, Armenia\, Dinamarca\, Tailandia\, entre otras delegaciones\, desfilaron con sus trajes típicos. \nEl Dúo de tenores M&M nos ofreció\, como parte de su repertorio\, una selección de sus mejores temas. \nFue un honor\, para la Fundación\, haber contado con la participación de grandes talentos provenientes de diferentes nacionalidades y la colaboración de la Presidenta de la ADEA\, la Sra. Darja Zorko Mencin\, la prestigiosa empresa Quiñonez Travel Group\, Santos BMW\, Callmedsa\, la Asociación de Magistrados y Funcionarios de la Justicia\, la Asociación de Estímulos de Bellas Artes\, la Asociación Civil de amigos Diplomáticos\, la Asociación de Damas Bolivianas\, la Señora Lucy Mattos y a la Señora Orfa Pérez\, Coordinadora de las Damas peruanas en Buenos Aires. \nAsimismo\, la Fundación\, agradece la presencia del Sr. Embajador de la ONU en Argentina Arq. Nicolás Incollá Garay\, al Sr. Embajador de la República de Polonia Sr. Jacek Barnzaki y las representaciones diplomáticas de E.U.\, México\, Bolivia\, Eslovenia\, Perú\, Armenia\, Dinamarca\, Tailandia\, Polonia\, Honduras\, Chile\, Paraguay\, Brasil\, Eslovenia\, Hungría\, entre otras. \nLa Fundación Arte de las Américas agradece y felicita\, muy especialmente\, por su destacada labor en el campo de las artes visuales a los siguientes artistas: \nJosefina Di Candia\nNicolás Menza\nNéstor Sarmiento\nJulio Medeiros\nAndrés Bestard\nOsvaldo Pellegrini \n+ INFO
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LOCATION:Salón Imperial del Club Español.\, Bernardo de Irigoyen 172/78\, CABA\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:La Gran Kermesse.
DESCRIPTION:Ayer se inauguró la muestra Individual del artista argentino Sergio Camporeale en Enlace Arte Contemporáneo \nEnlace Arte Contemporáneo anuncia la inauguración de la exposición La Gran Kermesse\, individual del Maestro argentino Sergio Camporeale\, a realizarse el martes 17 de setiembre a las 7:30 pm en Avenida Pardo y Aliaga 676\, San Isidro. Durante el evento se contará con la presencia del artista. \nSergio Camporeale (Buenos Aires\, Argentina – 1937). Egresa de la Escuela de Bellas Artes de su ciudad en 1961. Ha expuesto en importantes galerías y centros culturales de Latinoamérica y Europa. Radicó en París por alrededor de dieciocho años y cuenta con importantes premios internacionales. Su obra se encuentra representada en importantes colecciones\, entre ellas: Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires\, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano\, Fundación Ralli\, Punta del Este\, Uruguay; Museo de Arte Contemporáneo\, Caracas\, Venezuela; Museo de Arte Moderno\, Bogotá\, Colombia; Museum of Modern Art of Latin America\, Washington\, Estados Unidos; Museo José Luis Cuevas\, México D.F.\, México; Centre National d’Art Georges Pompidou\, Paris\, Francia; Museo de Arte Moderno de Trujillo\, La Libertad\, Perú. \nEn palabras de Roberto Ascóniga\, Curador de la muestra: “Sergio Camporeale ha sabido crear paulatinamente un mundo\, un gran teatro en donde transitan una numerosa variedad de actores y personajes que\, referenciados en una diversidad de escenarios muestran o aluden a sus condiciones\, propósitos y voluntades (las del hombre)\, articulados del asombro a la impasividad\, de lo curioso a lo grotesco y hasta deforme y monstruoso; máscaras que ocultan\, pero que permiten aflorar la profundas pulsiones y pasiones\, seguramente las reales motivaciones\, en ese sentido nietszcheano en donde apariencia es igual a realidad La de Camporeale no es una obra definitivamente resuelta sino abierta a la experiencia y expectativas del observador de manera tal que la comprensión surja de esta misma contemplación más que de pensar sobre ella\, y puesto que hay un momento en que las cosas no responden a la lógica\, surge y subyace algo más vasto que escapa a la explicación de las palabras”. \nCamporeale es un inquieto observador de la realidad\, extrae personajes\, posturas\, gestos\, escenarios\, recreando secuencias fantásticas que representan múltiples lecturas. Para él su obra se define como “abierta”\, ya que es cada espectador quien se introduce en ella\, recompone lo que se cuenta y finalmente crea su propia historia. Si bien su obra anterior se centra en el gran teatro de la vida\, lleno de personajes enmascarados y situaciones trilladas; ahora “La gran kermesse”\, selección de 22 lienzos de mediano y gran formato\, alude a una suerte de festival cargado de juego y entretenimiento\, casi siempre organizado para recaudar fondos\, a favor de qué\, eso es lo que el visitante deberá descubrir al recorrer la muestra. \nEsta exposición podrá ser visitada en galería Enlace Arte Contemporáneo hasta el día 16 de octubre de 2013\, de lunes a sábado de 11:00 am. a 8:00 pm. El ingreso es libre. \nEnlace Arte Contemporáneo\nAv. Pardo y Aliaga 676 – San Isidro\, Lima – Perú\nTelfs: (51 1) 222 5714 – Nextel: 142*8661\nWeb: www.enlaceart.com \nPrensa Silvana Vargas-Machuca. Enlace Arte Contemporáneo
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SUMMARY:SUEÑOS Y GENIOS
DESCRIPTION:El Museo de Arte Español Enrique Larreta\, dependiente de la Dirección General de Museos\, anuncia la inauguración de la muestra «Cristina Santander. Sueños y Genios»\, que se realizará el miércoles 25 de septiembre a las 19 hs. en la sede del museo\, Juramento 2291.\nJunto a la exposición se presentará el espectáculo teatral homónimo\, en cuya propuesta confluyen la plástica\, la danza\, el teatro\, la música y la poesía para formar una sensación única de disfrute para el espectador. \nEl vestuario\, escenografía\, maquillaje\, iluminación e imágenes están inspirados en las obras de Velázquez\, Dalí\, Picasso y Goya y la recreación personal que la artista plástica Cristina Santander hace de tales obras.\nEl público es convocado a experimentar la esencia del arte español en todas sus manifestaciones en una visión contemporánea. \n+ INFO
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SUMMARY:Alberto Gonzalez Vivo - Formas\, Pinturas
DESCRIPTION:Alberto González Vivo trabaja sobre la energía vital\, la impresión que los estímulos producen en sus sentidos es fuente de inspiración para su obra que se inicia en la profunda percepción y continúa en un arduo trabajo de elaboración de obsesivos y minuciosos bocetos. Su obra oscila entre la abstracción geométrica y el op art\, está influida por las investigaciones realizadas sobre la producción de los artistas Luis Tomasello\, Julio Le Parc\, Victor Vasarely\, Martha Boto y Eduardo Moisset de Espanés. Artista de la geometría generativa y creador del Centro de Investigaciones Plástico Matemáticas en Argentina. \nEl uso de la luz combinado con las formas geométricas y el atinado color aportan equilibrio a sus trabajos creando \, a la vez \, efectos de gran magnetismo. Círculos y cuadrados de diferentes dimensiones habitan con amplia libertad los espacios ingrávidos exhibiéndose para deleite de los observadores. El universo pictórico de este artista explora en profundidad el poder del color y de las formas. Su lenguaje plástIco manifiesta mucho más de lo que el artista siente y piensa y permite al espectador atravesar la experiencia del placer intelectual y sensorial. \nGrace Bayala
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SUMMARY:RAQUEL FORNER. Presagios e invenciones de la modernidad.
DESCRIPTION:En el año 2013 presentamos en el MUNTREF Museo de Artes Visuales\, Sede Caseros I\, la exposición “Raquel Forner: presagios e invenciones de la modernidad”\, un recorrido por la trayectoria artística e intelectual de la pintora\, escultora y profesora de dibujo que sería una artista clave en el arte argentino del siglo XX. El diálogo entre sus obras con su biblioteca y su archivo (compuesto por escritos\, recortes de prensa\, catálogos y fotografías)\, daba cuenta del carácter de Forner como una artista militante de la modernidad. Raquel nació\, vivió y murió en la ciudad de Buenos Aires (1902-1988).\n\n\n\nActualmente\, en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo\, Sede Hotel de Inmigrantes\, podés ver su obra “La torre de Babel” que integra la muestra “Después de Babel. Traducciones rioplatenses”.\n\n¿Conocías a esta artista? ¡Vení al MUNTREF y descubrila!
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