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SUMMARY:A 18 Minutos del Sol
DESCRIPTION:La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia\, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.  En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo\, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino\, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia\, y toda la historia del arte de nuestro país\, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos\, para entender cómo es el mapa que creamos\, desde el sur\, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos. \nLa exhibición subraya los lazos populares\, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior\, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local\, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa\, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos. \nCuraduría: Javier Villa y Marcos Krämer \nArtistas participantes: Erik Arazi\, Nicolás Bacal\, Gonzalo Beccar Varela\, Antonio Berni\, Diego Bianchi\, Erica Bohm\, Martha Boto\, Manuel Brandazza\, Adriana Bustos\, Colectivo Cabezudxs\, Feliciano Centurión\, Mauricio Cerbellera\, Elda Cerrato\, Germaine Derbecq\, Sebastián Diaz Morales\, Diana Dowek\, Faivovich & Goldberg\, Beatriz Ferreyra\, Pauline Fondevila\, Lucio Fontana\, Raquel Forner\, Gertrudis Frischenschlager\, Daniel García\, Carlos Luis García Bes\, Maia Gattás Vargas\, Noemí Gerstein\, Sebastián Gordín\, Víctor Grippo\, Diego Gravinese\, Alberto Greco\, Silvia Gurfein\, Miguel Harte\, Alberto Heredia\, Alicia Herrero\, Alfredo Hlito\, Agustín Inchausti\, Enio Iommi\, Gyula Kosice\, Fernanda Laguna\, José Luis Landet\, Benito Laren\, Daniel Leber\, Lux Lindner\, Raúl Lozza\, Lea Lublin\, Víctor Magariños D.\, Liliana Maresca\, Juan Melé\, Sebastián Mercado\, Estanislao Mijalichen\, Mauro Millán\, Emiliano Miliyo\, Ad Minoliti\, Eduardo Molinari\, Eduardo Navarro\, Héctor G. Oesterheld\, Ogwa\, Martha Peluffo\, Alicia Penalba\, Andrés Pereira Paz\, Emilio Pettoruti\, Duilio Pierri\, Alberto Pilone\, Micaela Piñero\, Rogelio Polesello\, Marcelo Pombo\, Emilio Renart\, Francisca de los Reyes\, Ingrid Roddick\, Federico Roldán Vukonich\, Christian Román\, Hernán Salvo\, Damián Santa Cruz\, Rubén Santantonín\, Mario Scorzelli\, Francisco Solano López\, Xul Solar\, Cecilia Sosa\, Grete Stern\, Axel Strachnoy\, Diana Teira\, Julián Terán\, Colectivo Thañí/Viene del monte\, Andrés Toro\, Joaquín Torres García\, Rodrigo Túnica\, Adrián Unger\, Georges Vantongerloo\, Gregorio Vardánega\, Mariano dal Verme\, José Villalonga\, Adrián Villar Rojas\, Wüsüwül Wirka A Pana\, Osías Yanov\, Yente. \nA 18 Minutos del Sol\n100 Artistas Argentinos en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350. Buenos Aires\n\n03/06/2023 – 31/12/2023
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LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Conjeturas. Explorando el arte hoy"
DESCRIPTION:Desde el 26 de agosto y hasta noviembre próximo se presenta en Fundación Proa un conjunto de obras de destacados artistas contemporáneos argentinos. Con la curaduría del crítico e historiador Rodrigo Alonso\, reúne piezas de Andrés Aizicovich\, Sergio Avello\, Elena Dahn\, Iara Freiberg\, Mauro Giaconi\, Silvia Gurfein\, Alicia Herrero\, La Chola Poblete\, Analía Sabán\, Mariela Scafati\, Alan Martín Segal\, Juan Sorrentino\, Amparo Viau y Dolores Zinny & Juan Maidagan. \n“Conjeturas. Explorando el arte hoy” es una invitación a adentrarse en la especulación artística y el descubrimiento visual. Mediante una variedad de medios y estilos\, los trabajos que conforman la exhibición ofrecen una interpretación del presente\, explorando temas que van desde la identidad y la política hasta el medio ambiente\, la cultura y la tradición. “La exposición plantea interacciones entre los trabajos de diferentes artistas argentinos contemporáneos\, trazando un posible panorama. Se presentan obras de artistas argentinos radicados en el exterior – que crean en otros entornos culturales-  junto a artistas que producen en el contexto local. La apuesta ‘conjetural’ propone verificar hasta qué punto nos reconocemos en esta variedad de realizaciones”\, explica Alonso. \nDispuestas en el espacio expositivo\, las obras seleccionadas mantienen un diálogo fluido y transversal al tiempo que\, sin proponérselo (o sí)\, sintonizan con las complejidades de un mundo en permanente estado de conjetura. A lo largo del recorrido por las salas\, artistas y espectadores se encuentran invariablemente con cuestionamientos e incertidumbres\, sin certezas acerca del futuro. \nCon el auspicio de Tenaris – Ternium la exhibición “Conjeturas. Explorando el arte hoy” se completa con herramientas didácticas como videos de sala\, textos y un extenso programa público con actividades pedagógicas organizadas por el Departamento de Educación de Fundación Proa con el objetivo de profundizar en las temáticas propuestas en la exhibición\, y en la producción artística contemporánea. \n\n\n\n\nCréditos \nCurador\nRodrigo Alonso \nCoordinación general\nCecilia Jaime – Mayra Zolezzi \nOrganiza\nFundación Proa \nAuspician\nTenaris – Ternium \nDiseño de imagen\nMila Fiuza – Guillermo Goldschmidt \nDiseño expositivo\nPablo Zaefferer \nConservación\nTeresa Gowland \nIluminación\nJorge Pastorino \nVideos\nAnanda Rigoni Aller \nPrensa\nMarina Gambier – Ana Clara Giannini – Alba Rodríguez Arranz \nProgramas Públicos\nRosario García Martínez \nEducación\nNoemí Aira \nEducadoras\nSonia Gugolj – Melina Herrero – Pilar Victorio \nEquipo de montaje\nFlorencia Cassini – Javier Ferrante – Santiago Migliavacca – David Pinzón Müller – Leonardo Toresín – Nicolás Valverde – Paula Varetti \n\n\nArtistas \nAndrés Aizicovich\nSergio Avello\nElena Dahn\nIara Freiberg\nMauro Giaconi\nSilvia Gurfein\nAlicia Herrero\nLa Chola Poblete\nAnalía Sabán\nMariela Scafati\nAlan Martín Segal\nJuan Sorrentino\nAmparo Viau\nDolores Zinny & Juan Maidagán \nPrestadores\nLos artistas y Familia Avello\nSprüth Magers\, Berlín \nAgradecimientos\nVictoria Bassetti\nMacarena Boiani\nMagui Castaño\nCarla Colombo\nGalería Arróniz Arte Contemporáneo\, México\nGalería Nora Fisch\, Buenos Aires\nGalería Grasa\, Buenos Aires\nGalería Tanya Bonakdar\, Nueva York\nCamilo Guinot\nLola González\nDiana Grieco\nHerlitzka & Co.\, Buenos Aires\nBenjamín Lallier\nElías Leiro\nMatías Miranda\nEmiliano Miliyo\nSol Mollo\nLeopoldo Mones Cazón\nMuseo de Arte Moderno de Buenos Aires\nPasto Galería\, Buenos Aires\nRevolver Galería\, Buenos Aires\nSantiago Rey\nSMOL. Cámara de proyectos\nEric Sauerhering\nJordan Strafer\nFrancisco Tripodi\nTaller Yerua\nMateo van Thienen Lalys \n 
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LOCATION:FUNDACIÓN PROA\, Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Premio Adquisición 8M Ediciones 2021-2022-2023 en Casa Nacional del Bicentenario 23/09/2023 - 31/03/2024
DESCRIPTION:La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la exposición PREMIO ADQUISICIÓN 8M. Ediciones 2021-2022-2023\, con los trabajos premiados en las tres ediciones de este certamen: 48 nuevas obras de arte contemporáneo que han sido incorporadas al patrimonio nacional.Se exhiben pinturas\, esculturas\, fotografías\, videos\, cerámicas\, textiles e instalaciones que dan cuenta del trabajo de artistas argentinas provenientes de Mendoza\, Santa Fe\, Tucumán\, Misiones\, Corrientes\, Córdoba\, San Juan\, Salta\, Neuquén\, la Provincia de Buenos Aires y CABA\, en un recorrido sensible y material por temáticas y preocupaciones que las atraviesan de manera transversal: la sexualidad\, la identidad\, la maternidad\, las tareas de cuidado\, la educación\, la religión\, el cuerpo\, la violencia\, la poesía\, los miedos\, las ilusiones\, los vínculos\, las tradiciones. \nEl Premio Adquisición 8M\, destinado a artistas mujeres\, lesbianas\, travestis\, trans y no binarias/os\, es la primera convocatoria impulsada desde el Estado nacional\, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación\, con el apoyo del Ministerio de las Mujeres\, Géneros y Diversidad. Se enmarca en las múltiples acciones para conmemorar el Día Internacional de la Mujer Trabajadora y desarrollar políticas tendientes a revertir la desigualdad de género en todos los campos del arte y de la cultura. Se lleva adelante desde 2021\, con el objetivo principal de revertir la conformación patriarcal del patrimonio cultural nacional y la situación crítica de la paridad de género en las colecciones públicas. \nSe podrá visitar hasta el 31 de marzo de 2024 en el primer piso de la Casa de miércoles a domingo de 15 a 20hs en Riobamba 985. \nPor Valeria Roberta González\nSecretaria de Patrimonio Cultural\nMinisterio de Cultura de la Nación
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SUMMARY:Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires
DESCRIPTION:Hasta el 4 de febrero puede visitarse la primera muestra antológica que el Bellas Artes dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \nEl Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 28 de septiembre a las 19\, en el Pabellón de exposiciones temporarias\, “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires”\, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino\, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. \n“Esta exposición es producto de la exhaustiva investigación de un equipo interdisciplinario coordinado por las curadoras del proyecto ‒afirma el director del Museo\, Andrés Duprat‒. La labor de Malosetti Costa y Vanegas Carrasco\, comprometida con echar luz sobre los relatos y los sucesos que fundamentaron un incipiente arte moderno nacional\, ha hecho posible que el Bellas Artes presente al público esta retrospectiva de Sívori\, la primera que tiene lugar en nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a su figura en 1919”. \n“En esta muestra ‒explican las curadoras‒ nos hemos propuesto reunir la obra pictórica y gráfica de Eduardo Sívori (1847-1918)\, toda la que hemos hallado hasta ahora\, con el propósito de dar inicio a una catalogación razonada de la vasta producción de esta destacada figura\, a quien se conoce apenas por algunos grandes cuadros como ‘Le lever de la bonne’ (El despertar de la criada)\, con el cual suscitó el primer escándalo artístico en Buenos Aires\, en 1887”. \nSegún las especialistas\, Sívori fue quien desplegó una producción artística más amplia y sostenida entre los primeros modernos argentinos. Era el único que había viajado a Europa a comienzos de la década de 1870 y que\, al regresar\, compartió con sus jóvenes amigos las ideas acerca de la modernidad artística francesa y la pintura al aire libre. Constante y profesional\, envió obras a todos los salones parisinos durante su estadía en la capital de Francia y expuso en cada salón argentino\, desde su regreso a Buenos Aires hasta su muerte. \nDedicó su vida no solo a la creación de un arte nacional\, sino también a la enseñanza\, la conformación y el sostén de instituciones artísticas. Además de fundar la Sociedad Estímulo\, participó en la organización de las exposiciones del Ateneo\, y fue un actor clave en la creación del Museo Nacional de Bellas Artes\, la nacionalización de la Academia de Bellas Artes y la organización de los Salones Nacionales de Artistas desde 1911. Fue también pionero en la introducción del grabado al universo de las bellas artes y de su inclusión en los programas de enseñanza artística en el país. \n“Hemos dividido esta amplia exposición en cinco secciones con un orden que\, si bien no es estrictamente cronológico\, permite seguir el hilo de los intereses\, las líneas de reflexión\, los ideales estéticos\, las redes de afectos y la trascendencia de este pintor singular de la historia del arte en la Argentina”\, agregan Malosetti Costa y Vanegas. \nIntegran la muestra cerca de 200 obras\, fotografías\, documentos y objetos personales provenientes de colecciones públicas y privadas\, entre los que se cuentan pinturas\, dibujos\, acuarelas\, gouaches\, grabados y afiches creados por Sívori y algunos de sus discípulos. \n“Entre las piezas reunidas\, pueden verse los paisajes que realizó tempranamente\, las pinturas naturalistas y de crítica social del período parisino\, las numerosas representaciones de la pampa argentina y los retratos que dedicó a sus afectos”\, detalla Duprat. \n“Otra sección de esta muestra se propone destacar el modo en que Sívori ejerció de maestro de la generación siguiente\, así como su rol de pionero en la revitalización del arte nacional a través de la introducción de técnicas en ese momento ausentes en nuestro medio”\, completa el director del Museo. \n“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” podrá visitarse hasta el 4 de febrero de 2024 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo\, de martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20\, con entrada libre y gratuita.
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LOCATION:Museo Nacional de Bellas Artes\, Av. Del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Al rojo vivo
DESCRIPTION:Al rojo vivo no es una retrospectiva: es la apertura de “los archivos” que contienen el imaginario de una mujer pionera y multifacética\, que en esta exposición montada en tres salas vinculadas entre sí\, abre el cuerpo de su obra para presentarlo desde una mirada contemporánea\, invitando a un viaje con ideas convocantes\, sentido del humor\, sugestión y poesía. \nUn cosmos construído por el cruce de artes plásticas\, escénicas y visuales\, la música y el rock. Nuevas y viejas tecnologías al servicio de estas prácticas\, funcionan como herramientas junto a la iluminación y la banda sonora\, creando situaciones teatrales que Renata Schussheim utiliza para construir esta obra nueva. \nAlgunos hitos de su producción vinculada al rock y al arte colaborativo que realizó junto a Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura\, con fotos de Jorge Fisbein\, Eduardo Martí\, Gianni Mestichelli\, Martin Gurfein\, José Luis Perotta y Gabriel Rocca\, estarán exhibidos en distintos formatos y soportes. \nHabrá además vídeos\, dibujos\, animaciones\, gigantografías\, collages\, esculturas\, elementos corpóreos y dispositivos escenográficos\, vestuarios y figurines de toda su trayectoria. \n  \nSala Cronopios \nContiene obra plástica donde se exhiben imágenes proyectadas que conviven con dos mitos teatrales: la Reina Roja\, personaje de “Alicia”\, un espectáculo de Oscar Araiz inspirado en el cuento de Lewis Carroll; y la Reina de la Noche de la ópera de Mozart “La Flauta Mágica”\, con puesta de Sergio Renán. \nSala C  \nDedicada al teatro\, la ópera\, el musical y el ballet\, exhibe vestuarios y figurines que dieron vida a cientos de personajes de varios de los espectáculos en los que Renata participó. Una docena de trajes de distintos estilos\, realizados a lo largo de su trabajo\, forman un impactante ejército rojo. En el pasillo lateral veremos diseños de diferentes producciones. \nSala J  \nDedicada a la música\, particularmente el rock\, al trabajo que Renata realizó con Charly García\, Luis Alberto Spinetta y Federico Moura. Alberga una gigantografía del dibujo creado para la tapa del álbum “Música del alma”\, de García\, y una deconstrucción de esa obra que presenta extractos de la misma. También se verá un cortometraje documental inédito\, hecho con fragmentos de recitales\, entrevistas y videoclips. \n\nSOBRE LA ARTISTA Y LA CURADORA \n\nSobre la artista\, Renata Schussheim  \nEs una artista plástica que desarrolla su obra como dibujante\, pintora\, escultora\, directora de arte y diseñadora de vestuario\, considerada un ícono de la cultura en nuestro país y con reconocimiento internacional. \nDesde 1969 expone en forma individual en las galerías de arte más importantes de Argentina y muchos de sus trabajos han sido exhibidos en Ciudad de México\, Rio de Janeiro\, Sao Paulo\, París\, Lille\, Nápoles\, Torino y Ginebra. \nIlustra libros y realiza publicaciones en revistas de Buenos Aires y Nueva York. Ha sido invitada al Festival de Nantes donde presentó su instalación “Homenaje a Carlos Gardel” y al Festival de Teatro de Caracas con su exposición “Confidencial”. Otros trabajos de similar envergadura fueron “Travesía”\, “Nave” y “Epifanía”\, expuestos en el Centro Cultural Recoleta y en el Museo Nacional de Bellas Artes. \nTambién trabajó en muchas de las óperas dirigidas por el español Emilio Sagi en España\, Francia\, Portugal y Rusia. En 2023 fue declarada ¨Personalidad destacada en la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires¨. \nSobre la curadora\, Romina Del Prete  \nEs escenógrafa y licenciada en Artes del Teatro. Estudió pintura\, fotografía y guión. Cuenta con un Posgrado Internacional sobre Gestión y Política en Cultura y Comunicación. \nComo Diseñadora de producción y Directora de arte\, realiza proyectos de cine\, publicidad\, teatro\, tv\, contenido y espectáculos. \nHa trabajado en España\, Italia\, Perú\, Brasil\, Uruguay\, Chile\, Paraguay y Venezuela\, además de recorrer Argentina\, diseñando espacios y filmando. Como gestora produce y cura muestras e instalaciones en museos y centros culturales. Es docente titular de la carrera Dirección de arte\, en ENERC. Se dedica al dibujo como práctica artística. \nLa exposición «Al rojo vivo» de Renata Schussheim es organizada con el apoyo de Fundación Medifé.
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LOCATION:Centro Cultural Recoleta\, Junín 1930\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Premio Nacional de Pintura del Banco Central. 15 años En Centro Cultural Kirchner
DESCRIPTION:El Centro Cultural Kirchner y el Banco Central de la República Argentina (BCRA) presentan el Premio Nacional de Pintura Banco Central. 15 años. La exposición reúne 41 obras pertenecientes al acervo del Banco Central de la República Argentina (BCRA) obtenidas a través del Premio Nacional de Pintura. El certamen comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino e incentivar la participación de artistas locales y aumentar la colección pictórica a través de una política de adquisición de obras. \nCon curaduría de Rodrigo Alonso\, las obras seleccionadas configuran un corpus representativo de la historia reciente de la pintura local\, así como de la actualidad de la pintura en el panorama contemporáneo. En la colección dialogan obras de artistas históricxs como Josefina Robirosa y Liliana Porter con piezas de nuevas generaciones de artistas que investigan lo pictórico desde el presente y que exploran las amplias posibilidades que se despliegan entre la figuración y la abstracción\, dando cuenta así de la diversidad de la escena artística argentina. \nLa exhibición está integrada por obras adquiridas durante los quince años de existencia del concurso\, bajo las categorías de Gran Premio Homenaje\, Primer Premio\, Primera Mención Jóvenes Artistas\, Premio Jóvenes Artistas y Primer Premio Jóvenes Artistas. De este modo\, el Premio Nacional de Pintura Banco Central de la República Argentina\, se configura como un certamen imprescindible para el incentivo del arte contemporáneo argentino y la promoción del acceso a la producción visual de nuestro país. \n\nArtistas en exhibición\nCarlos Alonso\, Julia Andreasevich\, Valentina Ansaldi\, Delfina Bourse\, Celina Eceiza\, Diana Dowek\, Alfredo Dufour\, Sara Facio\, Guadalupe Fernández Santamaría\, León Ferrari\, Alfredo Frías\, Jorge González Perrin\, Agustín González Goytía\, Silvia Gurfein\, María Gimena Herrera\, Magdalena Jitrik\, Gyula Kosice\, Silvana Lacarra\, Alfredo Londaibere\, Valeria Maggi\, Gustavo Marrone\, Ad Minolitti\, Luis Felipe Noé\, Paula Otegui\, Margarita Paksa\, Diego Perrotta\, Liliana Porter\, Alfredo Prior\, Alejandro Puente\, Agustina Quiles\, Josefina Robirosa\, Tulio de Sagastizábal\, Hernán Salamanco\, Jorge Sarsale\, Marcia Schvartz\, Agustín Sirai\, Elsa Soibelman\, Clorindo Testa\, Diego Vergara\, Luis Wells\, Ana Won. \n\n\nLa exhibición se puede visitar a partir de su inauguración\, el 4 de octubre a las 18 h\, y hasta el 19 de noviembre\, de miércoles a domingos de 14 a 20 h. No se requiere reserva previa de entradas. \nSobre el Premio de Pintura del Banco Central\nEl Premio Nacional de Pintura del Banco Central comenzó en 2007 con el objetivo de promover y difundir el arte contemporáneo argentino\, incentivar la participación de artistas locales y aumentar el acervo pictórico del Banco Central a través de la adquisición de obras. \nA través de una muestra itinerante de la colección premiada\, las obras del acervo pictórico del Banco Central han recorrido la mayoría de las provincias estimulando el contacto con la comunidad y democratizando el acceso a la cultura visual. \nEn 2018 la iniciativa recibió la distinción “Mecenazgo en el siglo XXI” de pptArt por la promoción sostenida del arte visual argentino desde 2007\, galardón que reconoce a las instituciones que participan activamente en el desarrollo de las artes y la sociedad en más de 28 países. También\, en 2017\, fue declarada de interés por el Ministerio de Cultura de la Nación y en 2010 obtuvo el Premio Eikon en la categoría Campaña Patrocinio o Sponsoring Cultural. \nEl centenar de obras que conforman el acervo pictórico del Banco Central son patrimonio de todas y todos los argentinos y representan el entramado de cultura e identidad del país. \nRodrigo Alonso es licenciado en Artes\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico\, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 publicó una recopilación de sus principales textos titulada Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina. \nComo curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes ciudades del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum\, Fundación Proa\, Buenos Aires\, 2018); Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo\, Buenos Aires\, 2017); Pop\, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa\, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer\, Curitiba; GAMEC\, Bérgamo; Museo de Arte Moderno\, Río de Janeiro\, 2012-2013\, con Paulo Herkenhoff); Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda\, México\, 2013\, con Sarah Cook); Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral\, Chile\, 2013); Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein\, Fráncfort\, 2010). En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado y asesor de fundaciones artísticas internacionales.
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LOCATION:Centro Cultural Kirchner\, Sarmiento 151\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Memoria Una exposición retrospectiva de Boris Lurie
DESCRIPTION:La muestra se exhibirá en dos sedes: el Museo Judío de Buenos Aires ubicado en Libertad 769 y en el Centro Cultural Borges. La Boris Lurie Art Foundation (BLAF) imprimió un catálogo bilingüe que se presentará en el marco de las exposiciones. En ambas sedes la entrada es gratuita. \nEl título de la exposición\, Memoria\, abre la mirada hacia nuestra propia historia. Este artista nos deja el legado de su lucha por la verdad y la justicia. Su arma fue mostrar y no ocultar\, con la esperanza que estos actos de horror y violencia no se vuelvan a repetir jamás. \nInauguración: miércoles 11 de octubre\, 18 h\nCierre: 26 de noviembre \nSobre Boris Lurie (1924 – 2008) \nNació en Leningrado\, en el seno de una familia judía. Con el crecimiento del Estalinismo\, su familia se mudó a Riga\, capital de Letonia. Tras la ocupación nazi en 1941\, la familia fue dividida por género y reubicada en dos guetos diferentes. Su abuela\, su madre\, su hermana y su novia fueron víctimas de la masacre de los bosques de Rumbula junto a 36.000 mujeres y niños. Boris y su padre fueron trasladados a los campos de Lenta\, Salapils y Stutthof en Alemania donde\, obligados a realizar trabajos forzados\, lograron sobrevivir. En 1945\, las tropas americanas concretaron su liberación. Su conocimiento del alemán y el inglés le permitió traducir documentos para las tropas aliadas\, lo que le valió el visado para emigrar a Estados Unidos en 1946. Junto a su padre se instalaron en Nueva York\, ciudad donde su otra hermana vivía desde antes del Holocausto. Ese mismo año comenzó su carrera como artista. El arte para él fue su vida\, su terapia y un modo de protestar contra el racismo\, el antisemitismo y la hipocresía social que encontró en los Estados Unidos durante la guerra fría. El trauma del Holocausto lo llevó a canalizar su duelo a través del arte. \nJunto a los artistas Sam Goodman y Stanley Fischer fundaron el “NO! Art Movement”\, un movimiento artístico de vanguardia cuyo período más activo fue entre 1959 y 1964. Esta corriente fue creada con el objetivo de abordar temas como el imperialismo\, la sociedad de consumo\, el sexismo\, el mercado del arte\, la vulgaridad y la depravación. El Movimiento NO! Art buscaba la autoexpresión de las personas que condujera a la acción social\, así como visibilizar los mecanismos de poder y criticar la creciente cultura del consumismo y el entretenimiento. Algunas de las obras de este período se caracterizan por la fusión del erotismo comercial con el holocausto dejando al desnudo la frivolidad del ambiente de la época y la ignorancia histórica. Esta es una de las razones por las cuales sus trabajos se encontraron con la indignación y el rechazo de los críticos\, coleccionistas y los actores del mercado del arte establecido. \nSe sumaron a este movimiento artistas como Rocco Armento\, Isser Aranovici\, Yayoi Kusama\, Enrico Baj\, Herb Brown\, Allan D´Arcangelo\, Erró\, Dorothy Guillespie\, Esther Morgestern Gilman\, Allan Krapow\, Jean-Jacques Lebel\, Suzanne Long\, Michelle Stuart\, Aldo Tambellini y su gran amigo Wolf Vostell\, entre otros. Si bien el NO! Art muestra similitudes con el Pop Art\, el grupo disentía y condenaba al «Arte Pop» porque lo percibían como banal\, como un arte de moda que buscaba aturdir en vez de hablar de temas importantes. El Movimiento se reflejó originalmente en la Galería de Gertrude Stein de Nueva York\, y se manifestó en otras numerosas salas y museos de Estados Unidos\, Europa e Israel.
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LOCATION:Centro Cultural Borges\, Viamonte 525\, esquina San Martin\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Sinfonía de signos" de Josefina Di Candia"
DESCRIPTION:En Rosario\n\n\n«Sinfonía de signos» de Josefina Di Candia»\n\n\nEl próximo viernes 13 de octubre\, a las 19\, en la Casa del Artista Plástico de Rosario\, Sto. Cabral y Av. Belgrano\, se inaugura la muestra “Sinfonía de Signos” de Josefina Di Candia\, en la Sala Raúl Gómez;\nLa curaduría es de Daniela Zattara.\n\n\nEn la sala “Raúl Gómez” de la Casa del Artista Plástico de Rosario\, se inaugura la muestra “Sinfonía de signos” de la artista plástica porteña Josefina Di Candia\, en la Sala “Raúl Gómez”. En el Texto de Sala se puede leer: “En el lienzo las geometrías se entrelazan en una danza abstracta de color. Josefina Di Candia\, fiel a sus indagaciones sobre la abstracción lírica\, convierte sus obras en un viaje estelar donde la textura se funde con la emoción\, creando un abrazo inusual entre la ruda arpillera y el dócil pañolensi. La tela se le ofrece y se adapta sin imponerse; mientras el color óptico\, concéntrico\, le da una dinámica personal. La dicotomía entre entrada y salida de los colores y sus áreas se convierte en un juego caleidoscópico. Las curvas orgánicas y el cuadriculado en constante movimiento representan su vitalidad\, el instante de energía\, el gesto perpetuo en un espacio sin límites. Sus obras cobran vida\, palpitan\, y siguen su propia canción.\n\n\nEn esta sinfonía de signos\, ella convierte la geometría en música y el color en libertad\, creando una experiencia visual y haciéndonos partícipe del inicio de esta nueva serie”.\n\n\nPor su parte\, la artista plástica Josefina Di Candia escribió sobre su muestra: “El azar no peca de frivolidad\, ni superficialidad\, no desea hacerse ver. Tiene la virtud de un hilo delgado y sutil\, pero eterno\, que se une con el misterio de lo oculto y lo intimo. No quiere aparentar\, ni ser\, porque ya es en su manifestación irracional; es la magia de lo impredecible\, de lo que no podemos controlar\, ni demostrar autoría\, ni lucirnos con su hallazgo\, ya que no depende de nosotros\, se aparece irrumpiendo en la vida con la sutileza de un mazazo y ahí está sin más.\n\n\nEl despojo de vanidades es su campo de acción\, ahí viene… olvidándose del ego burgués de una sociedad. El invento humano devora al mismo que lo invento. El azar es una desconocida fuerza\, renovadora de inconsciencia del no saber\, misterioso y de fuerza fatal\, porque es el que decide todo el juego de la existencia.\n\n\nEl azar no tiene dudas\, nos sorprende con su presencia y se conecta con el centro de nuestra existencia\, negocia con Dios en un no/sentido”\n\n\nBio Josefina Di Candia\n\n\nLicenciada Nacional en Artes Visuales. Artista multidisciplinaria. Como artista plástica participó en diversas muestras colectivas e individuales\, tanto en Argentina como en el exterior\, obteniendo reconocidas distinciones por su obra. Expuso en el Museo de Salta\, M. Sivori. Galería Shchukin\, París y NY\, Banco Nación\, Salón de los pasos perdidos\, Congreso de la Nación\, Salón M. Belgrano\, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones. En su actividad docente se destaca la creación de los talleres de artes plásticas del Museo Nacional de Arte Decorativo desde 1992\, continuando su actividad docente a la fecha como también\, docente de la Universidad Nacional de las Artes desde el 2006. Fue partícipe y docente en la fundación del taller de Guillermo Roux. UMSA\, dirección de arte. Se desempeña como curadora. Escribe críticas/ textos sobre distintos artistas (España y en Argentina)\n\n\nContacto www.josefinadicandia.com / @josefina_di_candia_arte
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LOCATION:LA CASA DEL ARTISTA PLASTICO\, Ava. Belgrano y Sto. Cabral\, Rosario\, Santa Fe\, Argentina
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SUMMARY:Clorindo Testa El monstruo de Testa
DESCRIPTION:La muestra consiste en la intervención de la explanada de la Colección AMALITA con «Apparatusgommatus testianorum»\, obra que fue creada en 2009 con desechos que arrojo el mar. Presentada ese año en la Ciudad de Buenos Aires en Arte BA\, viajó luego para su emplazamiento en el instituto de investigación Ecocentro de la Provincia de Chubut. \nEl homenaje se completa con otras obras del artista colgadas en la Colección Permanente. La exhibición se realizó en colaboración con la Fundación Clorindo Testa. \nLa exhibición se podrá visitar desde el 3 de noviembre de 2023 hasta febrero de 2024\, de jueves a domingos de 12.00 a 20.00h en Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat\, Olga Cossettini 141\, Puerto Madero\, CABA \nValor de la entrada: \nTarifa normal: $1000.\nTarifa reducida para menores de 12 años\, jubilados\, estudiantes y docentes con acreditación: $500.\nJueves tarifa normal $500 y sin cargo para menores de 12 años\, jubilados\, estudiantes y docentes con acreditación.\nMenores de 6 años sin cargo.\nPersonas con discapacidad sin cargo.
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LOCATION:COLECCIÓN DE ARTE AMALIA LACROZE DE FORTABAT\, Olga Cossettini 141\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:"Arte Sagrado" JORGE DAGER
DESCRIPTION:Mochuelo Art presenta la Exposición » Arte Sagrado ” del reconocido artista Jorge Dager\, invitación a adentrarnos en un universo artístico donde lo divino y lo contemporáneo convergen bajo la maestría del artista Jorge Dager\, reconocido maestro del hiperrealismo\, que nos presenta una visión única del imaginario sacro cristiano\, guiándonos a través de un viaje sensorial y emocional\, que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio.\n\nCada obra se erige como un testimonio de la maestría técnica y la profunda conexión espiritual del artista con los temas que aborda\, donde la destreza única y personal de Dager\, captura la esencia misma de la devoción y la espiritualidad\, inmortalizando momentos de trascendencia\, en lienzos que respiran la esencia misma de la vida.\n\nDesde la elección meticulosa de los colores hasta la precisión casi fotográfica de cada pincelada\, el artista demuestra una habilidad innata para crear composiciones que trascienden lo meramente visual\, al invocar una profunda reflexión sobre la relación entre lo divino y lo terrenal\, entre la fe y la contemporaneidad.\nAquí\, lo que distingue a Jorge Dager\, es su capacidad para llevar lo sagrado al siglo XXI con una sensibilidad aguda y consciente.\n\nEn su interpretación del imaginario religioso\, encontramos un diálogo entre lo simbólico y lo actual\, entre las tradiciones ancestrales y las realidades contemporáneas\, siendo sus obras un puente entre el pasado y el presente; una invitación a contemplar la espiritualidad desde una perspectiva conmovedora y actual.\n«Arte Sagrado» es más que una exposición; es una experiencia que nos invita a sumergirnos en lo más profundo de nuestro ser\, a cuestionar y reflexionar sobre nuestra propia relación con lo sagrado en el mundo moderno. Es un viaje\, donde el artista nos recuerda que la espiritualidad\, es un hilo conductor que trasciende culturas\, épocas y realidades.\n\n\n\nMochuelo Art\nC.C.Concresa Piso 1 Local 324 Ccas Vzla\n@mochueloart Tlf +58 414 1249139\n\n\n\nLa exposición estará disponible al público de Martes a Sábado de 10 am a 4 pm durante los meses de Nov y Dic.
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LOCATION:Mochuelo Art\, C.C. Concresa\, Piso 1\, Local 324\, Caracas\, Venezuela
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