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SUMMARY:LÍNEA Y VIBRACIÓN | JOSEFINA ROBIROSA
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino tiene el agrado de presentar la primera exhibición del año:  LÍNEA Y VIBRACIÓN |Josefina ROBIROSA (1932-2022\, Argentina)\, curada por Rodrigo ALONSO.  \nLa exhibición reúne obras de una etapa de su producción en diálogo con artistas mujeres presentes en la colección permanente de MACBA. \nSOBRE LA ARTISTA\nJOSEFINA ROBIROSA\nJosefina Robirosa (1932-2022\, Buenos aires) inicia su actividad artística siendo todavía muy joven\, en los años cincuenta\, cuando la escena de Buenos Aires es animada por diferentes versiones de la abstracción. Superados los rigores del arte concreto\, es la vertiente lírica la que se impone en estos tiempos\, una variante que enfatiza el subjetivismo y la sensibilidad. \nLas primeras obras de Robirosa consiguen atención de inmediato: en 1956 inaugura su primera exposición en la Galería Bonino (la más importante del circuito porteño)\, y al año siguiente\, integra la delegación que representa a la Argentina en la IV Bienal Internacional de Arte de San Pablo (junto a José Antonio Fernández Muro\, Sara Grilo y Miguel Ocampo). \nIntegró el grupo de artistas del Instituto Di Tella que revolucionó la percepción artística de la Argentina en los años ’60. Hacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo. Hacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa. \nSus obras son parte del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes\,  MACBA\, Arte Moderno\, Buenos Aires\, Genaro Pérez\, Córdoba y Tres Arroyos. También forman parte de la Colección ITT\, Nueva York\, Albright Knox\, Búfalo\, EE.UU\, Neiman Marcus y Chase\, Manhattan\, EE.UU y Thyssen\, Suiza. En 1997 el Museo Nacional de Bellas Artes organizó una retrospectiva de su pintura y en el 2001 fue el turno de la Sala Cronopio del Centro Cultural Recoleta. \nSOBRE EL CURADOR\nRODRIGO ALONSO\nProfesor y curador independiente. \nLicenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Argentina\, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media). \nProfesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA)\, Universidad del Salvador (USAL) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)\, Buenos Aires\, Argentina. Profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios\, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD)\, Barcelona\, España.  Profesor invitado en importantes universidades\, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. \nEscritor\, crítico y colaborador en libros\, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires\, 2002)\, Ansia y Devoción (Buenos Aires\, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York\, 2004). \nCurador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina\, y en prestigiosas instituciones europeas. \nVive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona.
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SUMMARY:A 18 Minutos del Sol
DESCRIPTION:La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia\, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.  En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo\, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino\, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia\, y toda la historia del arte de nuestro país\, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos\, para entender cómo es el mapa que creamos\, desde el sur\, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos. \nLa exhibición subraya los lazos populares\, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior\, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local\, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa\, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos. \nCuraduría: Javier Villa y Marcos Krämer \nArtistas participantes: Erik Arazi\, Nicolás Bacal\, Gonzalo Beccar Varela\, Antonio Berni\, Diego Bianchi\, Erica Bohm\, Martha Boto\, Manuel Brandazza\, Adriana Bustos\, Colectivo Cabezudxs\, Feliciano Centurión\, Mauricio Cerbellera\, Elda Cerrato\, Germaine Derbecq\, Sebastián Diaz Morales\, Diana Dowek\, Faivovich & Goldberg\, Beatriz Ferreyra\, Pauline Fondevila\, Lucio Fontana\, Raquel Forner\, Gertrudis Frischenschlager\, Daniel García\, Carlos Luis García Bes\, Maia Gattás Vargas\, Noemí Gerstein\, Sebastián Gordín\, Víctor Grippo\, Diego Gravinese\, Alberto Greco\, Silvia Gurfein\, Miguel Harte\, Alberto Heredia\, Alicia Herrero\, Alfredo Hlito\, Agustín Inchausti\, Enio Iommi\, Gyula Kosice\, Fernanda Laguna\, José Luis Landet\, Benito Laren\, Daniel Leber\, Lux Lindner\, Raúl Lozza\, Lea Lublin\, Víctor Magariños D.\, Liliana Maresca\, Juan Melé\, Sebastián Mercado\, Estanislao Mijalichen\, Mauro Millán\, Emiliano Miliyo\, Ad Minoliti\, Eduardo Molinari\, Eduardo Navarro\, Héctor G. Oesterheld\, Ogwa\, Martha Peluffo\, Alicia Penalba\, Andrés Pereira Paz\, Emilio Pettoruti\, Duilio Pierri\, Alberto Pilone\, Micaela Piñero\, Rogelio Polesello\, Marcelo Pombo\, Emilio Renart\, Francisca de los Reyes\, Ingrid Roddick\, Federico Roldán Vukonich\, Christian Román\, Hernán Salvo\, Damián Santa Cruz\, Rubén Santantonín\, Mario Scorzelli\, Francisco Solano López\, Xul Solar\, Cecilia Sosa\, Grete Stern\, Axel Strachnoy\, Diana Teira\, Julián Terán\, Colectivo Thañí/Viene del monte\, Andrés Toro\, Joaquín Torres García\, Rodrigo Túnica\, Adrián Unger\, Georges Vantongerloo\, Gregorio Vardánega\, Mariano dal Verme\, José Villalonga\, Adrián Villar Rojas\, Wüsüwül Wirka A Pana\, Osías Yanov\, Yente. \nA 18 Minutos del Sol\n100 Artistas Argentinos en el MAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350. Buenos Aires\n\n03/06/2023 – 31/12/2023
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LOCATION:MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES\, Av. San Juan 350. San Telmo.\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Ides Kihlen
DESCRIPTION:Hasta el 6 de agosto\, el Paseo de las Artes Duhau exhibe más de 40 pinturas de la longeva y activa artista santafesina. “Pinta por el solo placer de hacer la obra”\, dice la historiadora de arte Andrea Giunta \nLas pinturas más recientes de la longeva artista Ides Kihlen\, quien a sus 106 años sigue pintando cada mañana de manera prolífica\, y que ha trabajado secreta y silenciosamente durante décadas\, a espaldas de las modas\, las escuelas o los movimientos artísticos locales\, se exhiben en el Paseo de las Artes Duhau\, la galería ubicada en el subsuelo de este antiguo palacio del barrio porteño de Recoleta que se puede visitar las 24 horas del día. \nSi bien en los últimos años Kihlen ha recibido numerosos homenajes –incluida una gran exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes–\, su historia no deja de sorprender: en el año 1999\, un galerista entró a la casa de Ides interesado en comprar una obra que había heredado la familia –de otro artista–\, y de casualidad vio detrás de una puerta entreabierta las pinturas de esta santafesina nacida en 1917\, así que se ofreció a llevarlas a la feria arteBA\, donde al año siguiente se vendieron todas con gran éxito. \nDesde entonces\, esta mujer nacida el 10 de julio de 1917 –que además toca el piano– ha escrito las líneas de una de las carreras más atípicas e interesantes en la historia del arte local: luego de la primera exposición de su vida\, a los 84 años\, no ha dejado de exhibir en diferentes museos\, espacios y galerías de todo el mundo\, pero su pasión no tiene nada que ver con entregas\, encargos ni ventas de obras; lo suyo es pintar cada mañana\, desde bien temprano\, tal como lo hace desde que tiene 6. \n”Ella pinta todas las mañanas\, se levanta bien temprano y empieza. Después se tira a dormir un rato. Luego se levanta\, va a la cocina y se queda ahí sentada\, sola. Le digo ‘Mamá\, ¿qué hacés? ¿Estás aburrida?’\, y ella me responde ‘No\, estoy pensando qué es lo que voy a pintar’”\, cuenta Ingrid\, la hija de Ides\, durante la recorrida por la flamante exposición. Son más de 40 obras\, en diferentes tamaños\, que se pueden ver a lo largo del Paseo de las Artes –ubicado en este clásico palacio francés de la Belle Époque de Buenos Aires–\, un derrotero visual que permite acercarse a la producción más reciente\, realizada entre 2022 y 2023\, de esta pintora hija de padre sueco y madre suiza\, quien fuera alumna de Juan Batlle Planas\, Benito Quinquela Martín y Emilio Pettoruti\, luego de estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Escuela Ernesto de la Cárcova. \n  \n”Mamá hace por los menos una obra por día. No tengo idea cuántas obras llevas hechas\, porque por ejemplo ella toda su primera etapa\, que tenía unos cuadros divinos\, los rompió\, los quemó\, prácticamente los destruyó a todos. Pero deben ser miles. Yo suelo envolver sus cuadros cuando los termina. El otro día vio uno envuelto en papel transparente\, de seda\, y enseguida lo desenvolvió y se puso a pintarlo encima. ‘Le faltaban cosas. Lo que estoy haciendo ahora’\, me dijo cuando la encontré”\, contó sonriente su hija Ingrid. \nDesde aquella primera exposición\, en el año 2000\, la artista que cumplirá 107 años en julio próximo ha exhibido en Argentina\, Brasil\, Madrid\, Estados Unidos\, y sus obras fueron adquiridas por colecciones de Nueva York\, Venezuela\, Guatemala\, México\, Costa Rica\, París\, Londres\, España\, Italia\, Suecia\, entre otros lugares. ”Ides es la expresión superlativa de lo que es un artista\, pinta más allá de que se exponga\, venda\, pinta todos los días\, lo demás sucede o no sucede. Es la personalidad de artista que trabaja\, trabaja\, al margen de lo que opinen. Pinta por el solo placer de hacer la obra. Lo único que quiere es pintar. Y económicamente no ha necesitado vender su obra para poder comer”\, señala la historiadora de arte Andrea Giunta\, quien se encuentra trabajando en un libro dedicado a la longeva pintora\, pronto a publicarse. \nLa muestra en el Paseo de las Artes –que se puede visitar en avenida Alvear 1661 con entrada gratuita\, las 24 horas del día– recorre los últimos dos años de su prolífica producción\, a través de 42 pinturas y collages sobre acrílico\, en su mayoría “Sin título”\, pero en las que es posible adivinar las series que fueron guiando: algunos recortes sobre la tela\, en otras manchas y líneas que se deslizan de arriba hacia abajo\, colores predominantes a veces en rojos y otras en ocre\, grises o negros\, una paleta de colores donde reinan por momentos las figuras geométricas de lo más variadas. \n”No sé si hay algo que se pueda sistematizar definitivamente sobre su obra. Sí es claro que el rojo es un color importante en su paleta. Ella usa el collage\, usa los contrastes\, no es una artista del claroscuro. El fondo puede ser gris pero siempre está ahí la presencia del color\, y otras veces no tanto. También ella tiene una propuesta de correspondencia entre notas y colores\, entre sonidos y colores. Se pueden ver los ritmos visuales presentes en su trabajo pero no es necesariamente una transposición de la música en la obra”\, detalla Giunta sobre la mujer que además de pintar toca el piano siempre que puede. \nEl gran motor de Ides es\, en definitiva\, la creación artística: “Pio Collivadino fue mi mejor maestro y con Battle Planas estudié muchos años. Me encantaba cómo enseñaba. Cada uno tenía su modo de pintar. Pettoruti también fue mi profesor aunque todavía él no era conocido”\, había contado a Télam esta pintora\, en una entrevista realizada en este mismo espacio de arte en 2013\, con motivo de otra exposición. ”Yo le hacía caso a los maestros siempre. Era una buena alumna”\, repetía con calidez la artista que estudió tres meses en París\, en 1957\, en los talleres del cubista André Lothe\, y que desde pequeña se hizo llamar Ides\, aunque su nombre real no lo quiso dar a conocer ya que es sueco y no tiene traducción directa al español. \nLa creación de la artista es una labor continua de más de ocho décadas aunque sea recién en los últimos años que haya logrado visibilidad entre el público\, que pudo conocer sus diversas producciones como por ejemplo la “Serie del Tigre”\, con tiras que simulan las teclas del piano; la “Serie Blanca”\, donde los fondos se iluminan y toman protagonismo; o la “Serie Negra”\, en la que hay un juego de colores contrastantes muy potentes sobre fondos oscuros”. ”Yo pinto todo el día”\, había dicho la artista durante aquella entrevista que la concluyó agregando: “Ahora voy a casa\, tengo la tela en el piso\, me pongo el delantal todo sucio y empiezo a pintar”. \n*La muestra Ides Kihlen se puede visitar hasta el 6 de agosto en el Paseo de las Artes Duhau (Avenida Alvear 1661)\, el espacio cultural de Palacio Duhau – Park Hyatt. \nPor Mercedes Ezquiaga \nFuente: Télam S.E.
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SUMMARY:EscenaLab 4.0 Arte\, tecnología y futuro Relanzamiento en el Rojas
DESCRIPTION:El Centro Cultural Rojas dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales\, Cultura y Comunicación de la UBA\, relanza el programa EscenaLab en clave 4.0. y transforma su programación desde una óptica de nuevas tecnologías y sus vínculos con el arte visual\, arte sonoro\, instalaciones interactivas y experiencias inmersivas. El primer encuentro\, tiene el foco puesto en el arte digital y la inteligencia artificial. Consta del conversatorio «IA flecha al corazón del Arte Digital«\, donde en un panel\, expertos/as reflexionan e intercambian ideas sobre el impacto de esta tecnología en el proceso de creación artística. Participan de la charla Celina Pla – productora y gestora cultural de arte digital electrónico -\, Rodrigo Alonso – curador\, crítico y escritor de arte y nuevos medios -\, Fabiana Barreda -performer\, instalacionista y artista multimedia- y Diego Alberti – artista que desarrolla su obra mediante computadoras-. Asimismo\, se inaugura e/pxl\, el espacio de arte digital permanente en el entre piso del Rojas\, con una muestra\, curada por Guillermo wili Peloche\, que presenta la obra de Lolo Armendáriz. Además\, en búsqueda del cruce interdisciplinario de las artes\, y con la intención de fomentar la participación de las mujeres en la escena del arte y las nuevas tecnologías\, se presenta en cooperación con el programa Amplify D.A.I. \, Artlab\, Fundación Williams y el British Council un DJ SET a cargo de Jennitza\, música\, clarinetista\, live performer\, investigadora y docente. \nLas actividades de la nueva programación de EscenaLab 4.0. tienen previsto su desarrollo durante todo el segundo semestre\, ofreciendo cursos\, masterclass\, laboratorios de experimentación\, y eventos presenciales con artistas\, curadores/as\, investigadores/as\, y referentes del arte y la tecnología.
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LOCATION:Centro Cultural Ricardo Rojas\, Av. Corrientes 2038\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:El margen de las horas - Nicolás Menza
DESCRIPTION:DIBUJOS – PINTURAS – TÉCNICAS MIXTAS – LITOGRAFÍAS \nEL MARGEN DE LA HORAS; el concepto curatorial del grupo de obras que reúne esta muestra\, en las diversas técnicas dejan testimonio de como el ritual espiritual\, metafísico y emocional del proceso creativo\, las horas\, sus márgenes atraviesan sutilmente de forma intuitiva inconsciente el territorio expresivo y otras con un sesgo de conciencia para el momento de la celebración del rito\, desde donde el camino interior a través del lenguaje visual el deseo se desborda\, se excita penetra y modifica el territorio del cuerpo del lenguaje pictórico\, en su desarrollo; tanto en las formas como su relación con los espacios habitando la composición poética; a veces de manera subliminal imperceptible\, otras cargada de significados nuevos\, que develan su misterio lentamente en cada nueva exploración donde el carácter psicológico tensa el espacio relacional entre la luz\, los valores \, el color.
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LOCATION:Universidad Nacional de La Matanza Sede Posgrado\, Moreno 1623\, CABA\, Argentina
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