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SUMMARY:Ser Mujeres en la ESMA II. Tiempo de Encuentros
DESCRIPTION:Esta muestra profundiza las indagaciones de Ser Mujeres en la ESMA I: testimonios para volver a mirar\, inaugurada en marzo de 2019. En aquella oportunidad\, el Museo Sitio de Memoria ESMA revisó su muestra permanente e incorporó una mirada de género\, ausente hasta entonces. Ese espacio propiciado por el Museo sirvió de encuentro para las sobrevivientes y permitió reflexionar desde una perspectiva feminista sobre las violaciones a los derechos humanos que padecieron durante su detención.\nSer Mujeres en la ESMA II: Tiempo de Encuentros busca profundizar sobre aspectos que no han tenido mucha visibilidad en nuestra sociedad: las consecuencias en la vida de las sobrevivientes\, después de salir del centro clandestino. ¿Cómo reconstruyeron los vínculos familiares y sus proyectos de vida?\, ¿cómo enfrentaron los estigmas de haber sufrido y haber padecido -casi en la totalidad de los casos- violencia sexual?\, ¿cómo las afectó el silencio y la falta de escucha?\, ¿cómo fue para ellas participar en los juicios? \nLa muestra temporaria se desarrolla sobre 4 espacios en exhibición:\nEn la sala 1 se aborda las violencia de género y sexual sufridas por las detenidas\, las estrategias de supervivencia durante la detención\, los vínculos de solidaridad y sororidad\, la maternidad y el cuidado de les hijes en la ESMA. Se proyectarán fragmentos de las entrevistas que se realizaron para esta muestra sobre las experiencias de militancia\, detención y cautiverio.\nEn la Sala 2 se proyectará una edición de testimonios en los que las sobrevivientes relatan cómo fue el momento de la salida del centro clandestino y su relación con la libertad.\nLa Sala 3 es escenario de una instalación artística que aborda de modo conceptual las experiencias de vida que siguieron al cautiverio: la libertad como un proceso y una construcción\, el peso de la estigmatización\, el exilio\, el vínculo con las denuncias y el camino de justicia\, la participación política y la relación con las luchas feministas.\nEl cuarto espacio es un ámbito para compartir diversas iniciativas de expresión artística\, académica y archivística que proponen otras perspectivas. Al intentar un ejercicio colectivo de memoria y reflexión feministas sobre las vidas de las sobrevivientes\, se abrieron diálogos y preguntas que antes no se habían formulado en el museo. Este espacio propone un primer acercamiento a esta multiplicidad de cuestiones que serán motivo de nuevas investigaciones y proyectos. \nEl camino hacia la muestra\nDurante los primeros meses del proyecto se realizó una sistematización de las declaraciones judiciales de 132 sobrevivientes para recuperar experiencias\, vivencias y trayectorias. Tras esa etapa de investigación\, que se complementó con otras fuentes como materiales académicos\, periodísticos y documentales\, se realizó una asamblea virtual de la que participaron 87 mujeres entre sobrevivientes de la ESMA\, hijas\, académicas\, investigadoras\, museólogas\, abogadas\, funcionarias de distintos ministerios\, operadoras judiciales\, especialistas en temas de derechos humanos y género\, activistas y artistas.\nFinalmente\, se convocó a una segunda asamblea en la que estuvieron presentes de manera presencial y virtual sobrevivientes y más de 50 jóvenes\, la mayoría estudiantes de escuelas secundarias. La idea fue propiciar un encuentro con las nuevas generaciones que hoy encarnan las luchas feministas y habilitan nuevas preguntas y significados sobre las experiencias y el pasado común.\nEl espacio que abre esta segunda muestra busca habilitar un encuentro amplio\, diverso\, plural entre quienes padecieron la violencia estatal en la ESMA y las generaciones feministas con experiencias de lucha.\nSi bien hasta el momento no hay testimonios que indiquen la presencia de mujeres trans detenidas en la ESMA\, la creciente visibilización de las violencias por razones de género\, el avance del proceso de memoria\, verdad y justicia y la apertura de nuevas preguntas y fuentes posibilitarán a futuro conocer si hubo personas trans-travesti detenidas-desaparecidas en la ESMA\, como ocurrió en otros centros clandestinos de la dictadura.\nLa muestra puede visitarse desde el 18 de marzo al 28 de julio\, de martes a domingos de 10 a 17 horas. \nSer Mujeres en la ESMA II\nTiempo de Encuentros\nDesde el 18 de marzo al 28 de julio de 2022\nMartes a domingos de 10 a 17 horas. \nMuseo Sitio de Memoria ESMA\nAv. Del Libertador 8151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:León Ferrari L’aimable cruauté
DESCRIPTION:El Centre Pompidou presenta la primera exposición museográfica de la obra de León Ferrari en Francia. Autor de una obra proteica\, por momentos misteriosa y literal\, el rigor formal de León Ferrari (1920-2013) está a la altura de su poder subversivo. \n\n\n\nIngeniero de profesión\, dibuja como artista autodidacta desde 1946\, hasta que en 1952 se traslada con su familia a Italia y crea sus primeras esculturas de cerámica. Golpeado por la violencia de la época\, en particular la guerra de Vietnam\, Ferrari dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental. Su discurso anticolonial va unido a un feroz anticlericalismo\, pues responsabiliza al cristianismo de los fenómenos contemporáneos de tortura y exclusión. Al negarse a adoptar un enfoque puramente formal de su obra\, Ferrari nos advierte constantemente sobre el proceso por el que el arte embellece y trivializa la violencia\, un mecanismo que él denomina «aimable cruauté» (crueldad amable). \nhttps://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/OvW2k6Q \n\n\n\n\nCuando: 20 abr – 29 ago 2022\n11:00 – 21:00\, todos los días excepto martes \n\n\n\nSe recomienda encarecidamente reservar
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SUMMARY:Las formas del Arte
DESCRIPTION:MOCHUELO ART INAUGURA LAS FORMAS DEL ARTE \nLas Formas del Arte es la más reciente exposición de la Galería Mochuelo Art\, donde se integra el arte de los Maestros Jesús Soto\, Francisco Narváez\, Mateo Manaure\, Gaudi Esté\, Jorge Dager\, Jorge Salas\, José Campos Biscardi\, Eduardo Agelvis y la incorporación de dos nuevos artistas al staff de Mochuelo: Jorge Pallares y Oscar García Seguí. \nEn la exposición quisimos ir más allá de lo antes mostrado. Integramos la propuesta plástica de maestros en diversas épocas y corrientes y las llevamos a una lectura unísona y atractiva para el espectador. Hicimos que el Maestro Jesús Soto en su cinetismo se fusionara con los volúmenes de Francisco Narváez… y entablaran un diálogo fluido… y así sucedió con las columnas policromadas de Mateo Manaure y el maravilloso trabajo de la gran escultora latinoamericana Gaudi Esté.  \nLa exposición reúne más de 30 obras de diversos formatos tanto en pintura como escultura. Algunas incluso\, nunca han sido mostradas al público\, como el caso de las Plakas del Maestro Francisco Narváez. \nEn esta oportunidad\, el Maestro Campos Biscardi nos sorprendió a través de una obra muy particular que decidimos colocar en vitrina\, y se trata de la intervención de una silla de una manera muy especial\, haciendo alusión por supuesto\, a su leve motive El Ávila. La misma decidimos acompañarla con el libro Marisol and Andy Warhol take NY\, haciendo alusión a la exposición de ambos artistas desarrollaron en Miami.  \nEsta exposición que recién inauguramos\, contará con visitas guiadas\, conversatorios y talleres\, por lo que los invitamos a seguirnos por @mochueloart. Dice Soraya Gabaldón Dir de Mochuelo Art. \nLa exposición Las formas del Arte\, estará abierta hasta el 14 de Agosto de 2022 de Martes a Sábado de 10 am a 3 pm en Mochuelo Art ubicada en el Centro Comercial Concresa Piso 1 local 324 Caracas\, Vzla \n Para mayor información  \nSoraya Gabaldón \nDir Mochuelo Art \nTlf + 58 414 12 49 139 \n@mochueloart
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SUMMARY:II BIGAI - Museo Emilio Caraffa
DESCRIPTION:II Bienal Internacional de Grabado y Arte Impreso en Pequeño Formato. En el Museo Emilio Caraffa.\nOrganizado por la Universidad Nacional de Córdoba.\n«Interseccionalidades + Intersecciones» \nObras seleccionadas:\nCimiento y Complementariedad”\nFotolitografia en poliester \n  \nMuseo Emilio Caraffa. \nSala 1 \nMartes a domingos y feriados de 10 a 19 hs. \n 
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SUMMARY:Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato\, edición 2021.
DESCRIPTION:En el marco del programa Agenda Abierta*\, quedo inaugurada el 23 de junio a las 18hs la muestra colectiva de los Ganadores XXX Salón Nacional de Pequeño Formato*\, edición 2021. Muestra en la *sala de exposiciones del Honorable Concejo Deliberante* (Juan Bautista Alberdi 4880\, *Caseros*). \nLuego de dos años se pudo organizar este tradicional certamen\, fruto de la articulación entre la *Subsecretaría de Cultura y SAPI (Sociedad de Artistas Plástico Independientes)*. Esta exhibición está conformada por dibujos\, pinturas y grabados de quienes resultaron ganadores. Ellos son Angélica Alexander\, Silvina Baz\, Carlos Pereyra\, Alejandro Lois y Julián Cheula. Participarán estudiantes de la *Carrera de Violoncello de la EMMU.* \nPodés visitar la muestra *desde el 23 de junio hasta el miércoles 3 de agosto* de lunes a viernes de *9 a 18 hs.*
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LOCATION:Honorable Concejo Deliberante\, Juan Bautista Alberdi 4880\, Caseros\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:El Ladrillo - Patrick Hamilton
DESCRIPTION:El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires | Fundación Aldo Rubino y la Asociación Amigos del MACBA tienen el agrado de presentar El Ladrillo\, selección de obras de Patrick Hamilton (Bélgica\, 1974) realizadas en los últimos 5 años e inspiradas en el estudio y análisis del libro/informe homónimo que a mediados de los años 70s sirvió como base para la política económica de corte neoliberal impuesta en Chile por la dictadura de Augusto Pinochet. En las obras propuestas existen referencias a la historia social y económica\, a la memoria colectiva y a los movimientos artísticos como el constructivismo ruso\, el neoplasticismo\, el arte conceptual latinoamericano de los años setenta y ochenta\, el minimalismo y el arte povera. “Como parte de un acto de coherencia con un discurso de crítica política y económica\, trabajo con materiales sencillos\, elementos propios del sector de la construcción y la albañilería como serruchos\, guantes de trabajo\, espátulas ladrillos y lijas\, para crear —de manera poética— composiciones simples y económicas” Hamilton. La exhibición cuenta con el apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile\, la Galería Casado Santapau y la Galería Patricia Ready.
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LOCATION:MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires\, Av. San Juan 328\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Homenaje a Ides Kihlen
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 5 de julio\, a las 19\, “Homenaje a Ides Kihlen”\, una exposición que celebra a la artista argentina\, a 105 años de su nacimiento\, en un recorrido por cinco décadas de su trayectoria. \nCon curaduría de María Florencia Galesio\, investigadora del Bellas Artes\, la exposición –que podrá visitarse en la sala 42 del segundo piso hasta el 7 de agosto– incluye una selección de 25 piezas de Kihlen\, desde las creaciones automáticas que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta los trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nNacida en Santa Fe el 10 de julio de 1917\, Kihlen inició su formación a los 14 años en la Escuela de Artes Decorativas de Buenos Aires\, dirigida por Pío Collivadino. Fue también alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. En París\, se formó con André Lhote. A partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro. \nPero recién a comienzos del siglo XXI\, a sus 85 años\, sus pinturas salieron a la luz pública. En 2002\, realizó su primera muestra individual\, una retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Desde entonces\, ha exhibido su trabajo en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. \n—- \nEl Museo Nacional de Bellas Artes celebra a la artista Ides Kihlen\, a 105 años de su nacimiento\, con una muestra que recorre cinco décadas de trayectoria\, desde sus creaciones automáticas\, que cruzan de modo constante sus indagaciones sobre pintura y música\, hasta sus trabajos más recientes de la serie “Pandemia”\, en la que predominan el blanco y el negro. \nDueña de una carrera tan extensa como secreta\, durante ocho décadas Kihlen trabajó en su taller\, indiferente a las modas\, a los movimientos y\, sobre todo\, al sistema del arte. Su interés se centraba en la creación misma\, sin preocuparse por cumplir con los mandatos y las estrategias que suponen la construcción de una carrera artística. Su pulsión por crear la impulsó a soslayar la idea de atesorar y conservar su propia producción\, por lo que incluso llegó a destruir sus telas o a reutilizarlas como soporte de nuevas piezas\, como si la pintura fuera pura expansión\, puro porvenir\, un eterno work in progress. \nHasta fines del siglo pasado\, su obra constituyó uno de los secretos mejor guardados de la escena de las artes visuales en la Argentina. Fue recién en el inicio del siglo XXI cuando sus pinturas abandonaron su taller y salieron a la luz pública. En 2002\, el Museo Nacional de Arte Decorativo organizó una gran retrospectiva que\, a la vez\, fue su primera muestra individual. Ides tenía 85 años. \nA partir de entonces\, su producción comenzó a circular y a suscitar gran interés\, lo que la llevó a exhibir en galerías y ferias de arte nacionales y del exterior. Rápidamente las instituciones públicas se hicieron eco de su trabajo\, y fue invitada a participar de exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata (MACLA)\, el Museo Caraffa de Córdoba y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. \nHoy\, el Museo Nacional de Bellas Artes se suma a esa historia de reconocimientos con esta muestra\, que da cuenta de su enorme labor y de la originalidad y libertad de la poética de Ides Kihlen en el campo de las artes visuales. \nAndrés Duprat \nDirector \nMuseo Nacional de Bellas Artes \n—- \nIdes Kihlen nació en Santa Fe el 10 de julio de 1917. El río Paraná\, en su paso por Corrientes y Chaco\, formó parte de su geografía infantil. El contexto familiar ‒un padre aficionado a las artes plásticas y una madre entusiasta del piano‒ acompañó desde pequeña la inclinación de Ides hacia la pintura y la música. \nYa en Buenos Aires\, y con 14 años\, ingresó en la Escuela de Artes Decorativas\, dirigida en aquel momento por Pío Collivadino. Desde entonces\, no dejó de perfeccionarse. Fue alumna de Vicente Puig\, y frecuentó los talleres de Emilio Pettoruti y Juan Batlle Planas. Durante una estadía en Europa\, conoció las colecciones de los grandes museos y\, en París\, asistió al taller del reconocido maestro André Lhote. \nA partir de 1961\, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova\, donde tuvo como profesor a Kenneth Kemble\, uno de los artistas del grupo informalista. En los años 80\, continuó sus prácticas de taller con Adolfo Nigro\, a quien decidió mostrar por primera vez sus trabajos. Completó su formación profundizando el estudio de la historia del arte para comprender los contextos de producción. \nTodo este bagaje constituyó el germen de una obra original desplegada a lo largo de más de 90 años de carrera\, fuera del circuito de galerías y museos. Su espíritu inquieto se intuye al entrar en el taller. Allí se advierten los rastros de su incesante labor: pinceles\, pomos de pintura\, tijeras\, papeles cortados y trapos cubren el espacio circundante. Un piano\, atriles\, tableros y una mesa ratona\, sobre la que trabaja cuando no lo hace directamente sobre el piso\, forman el ámbito donde emprende a diario la tarea de pintar. En la intimidad de ese lugar “cuasi sagrado”\, y de manera incansable\, ha seguido una rutina que alterna momentos dedicados a la pintura con otros destinados a la música\, en los que suele interpretar al piano sus propias composiciones. \nLa producción de Kihlen atravesó una primera etapa dominada por el lenguaje figurativo\, que comenzó a dejar atrás en la década de 1960. “La figuración se me fue como diluyendo”\, explica la artista. Ese giro implicó un proceso que llega hasta la actualidad\, en el que exploró los caminos de la abstracción\, siempre dentro de una práctica personal. \nEste primer período de cambios se caracterizó por imágenes con las que insinúa formas rectangulares sobre fondos texturados. Al mismo tiempo\, comenzó a incorporar manchas\, líneas\, círculos y triángulos\, elementos que continúan habitando sus composiciones\, en ocasiones como resultado de tratamientos automáticos. Luego irrumpen los números y las letras trabajados sobre fondos a manera de pizarras\, que intercala con líneas y formas de color. \nHacia el final del siglo XX y el comienzo del nuevo milenio\, se hicieron presentes los fondos negros interrumpidos por un juego de arabescos de líneas blancas que interactúan libremente con formas de colores. Utiliza también tiras de papeles pintadas de blanco y negro\, como el teclado de un piano o la piel de un tigre\, que modulan la superficie de sus obras. Desde este momento\, su obra puede organizarse en las series “Negra”\, “Blanca”\, “Del Tigre” y “Roja”. En los últimos años\, esos fondos se iluminaron hasta alcanzar el blanco \nParalelamente\, creció su afán de experimentación con la materia y las texturas\, que la llevó a incursionar con más fuerza en las posibilidades expresivas del collage. La artista también recurre a hilos y papeles de colores. Distribuidos rítmicamente sobre el espacio del soporte\, generan movimientos que parecen acompañar la música interna de la pintora en el acto de crear. En ocasiones\, frente y fondo juegan con la superposición de los papeles yuxtapuestos y se exaltan mutuamente por acción del color\, donde además lo táctil cobra valor. \nEl predominio de los fondos blancos cede en algunas piezas ante el rojo vibrante\, que dialoga con zonas trabajadas con collage. En otras obras\, la gestualidad de la línea dinamiza los fondos\, que asumen un fuerte protagonismo. Para la serie que dedica a las “Partituras”\, presenta una suerte de sinestesia: la artista acude a partituras impresas y a notaciones musicales interrumpidas por un colorido collage. \nAnte la producción de Kihlen\, es posible pensar en su proximidad a la abstracción de artistas como Paul Klee\, Vasily Kandinsky y Joan Miró. Sin embargo\, su derrotero vital la condujo por un canal independiente y autónomo. \nIdes reivindica lo artesanal en el trabajo del collage\, en el deleite por el color\, la materia y la textura. Sobre su obra sobrevuelan la intuición y el juego como aceleración de la creatividad\, realzados por acentos poéticos. \nMaría Florencia Galesio \nCuradora \n 
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SUMMARY:HERNÁN SOSA "Paisajes interiores"
DESCRIPTION:Es un creador asediado por las artes. No exageramos si decimos que\, más bien\, es acosado sin descanso por sus temas y sus personajes. Solo tiene que buscar las formas\, los colores\, el lenguaje. Y\, por supuesto\, elegir el soporte en el que sus criaturas empiecen a existir en este mundo. Por eso\, el artista Hernán Sosa (Lima\, 1965) pinta\, trabaja esculturas\, escribe poemas\, cuentos y también escribe letras de canciones.Con todo ese hervor creativo\, Sosa ha creado un universo artístico múltiple\, diverso. \nY ese es el universo que Hernán Sosa muestra en ‘Paisajes interiores’\, una exposición de más de cuarenta piezas que exhibe en la galería Índigo\, en San Isidro. Allí presenta\, como un ofertorio\, lo que su imaginación ha creado: óleos\, acuarelas\, acrílicos\, esculturas\, trabajos de distintas épocas y técnicas. \nSi bien el arte también es un medio para revelar el alma\, las entrañas del artista\, ‘Paisajes interiores’ tiene que ver\, más bien\, sin dejar de lado lo íntimo\, con los alrededores cotidianos de Sosa. \n“Esta muestra es un poco de lo que yo veo todos los días en mi taller. O sea\, el producto de mis obras\, tenerlas a mí alrededor\, la cantidad de ellas\, porque son muchas\, se convierte en el paisaje que yo veo todos los días. Este paisaje no lo conoce mucha gente y ahora quiero que vean”\, explica el artista. \nHernán Sosa tiene una trayectoria reconocida. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Carlos Baca Flor\, en Arequipa. Se inició con la acuarela y se convirtió en uno de los más altos exponentes de la acuarela arequipeña. Y ha ganado no pocos concursos\, entre ellos el primer puesto en acuarela del Peruano Británico\, el primer puesto en óleo en el concurso de pintura de la Southern Perú Copper Corporation\, el primer puesto en el concurso Banco de Lima en la Alianza Francesa\, Artista Ilustre en la Municipalidad de Arequipa\, entre otros. \n\nHa expuesto en Ecuador\, Santo Domingo\, Puerto Rico\, México\, EE. UU. y Holanda. Y recientemente en el Museo Metropolitano de Monterrey en México y en el MIFA Gallery en la ciudad de Miami\, EE. UU.\n\n\n\n‘Paisajes interiores’. Muestra. Se exhibe en la galería Índigo: av. El Bosque 263\, San Isidro. Visita: lunes a sábado: de 10:30 a.m. a 7:30 p.m. Domingo de 11 a.m. a 7 p.m.
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LOCATION:Galería Índigo\, Av. El Bosque 263 - San Isidro\, Lima\, Perú
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