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SUMMARY:Rafael Barradas Hombre flecha
DESCRIPTION:En el marco de la conmemoración del veinte aniversario del Museo\, Malba presenta una exposición antológica dedicada al gran artista uruguayo Rafael Barradas (Montevideo\, 1890-1929)\, un pionero de la vanguardia internacional. Organizada en colaboración con la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay\, la exhibición reúne más de 130 obras\, entre óleos\, acuarelas y obras sobre papel\, provenientes de la Colección del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV)\, junto a una selección de importantes préstamos de colecciones privadas y públicas de Montevideo y de Buenos Aires. \nLa muestra abarca uno de los períodos más fructíferos en la producción del artista\, de 1913 a 1923\, durante su estadía en Barcelona y Madrid. A lo largo de estos años\, Barradas presentó las bases de su concepción estética: el vibracionismo\, en el que el artista descompone las escenas geométricamente para plasmar el dinamismo de la ciudad moderna\, siguiendo las direcciones del cubismo y del futurismo. \n“A sus veintidós años\, Barradas llega al techo en su tierra natal y ambiciona conocer de primera mano el arte producido en el viejo continente a comienzos de siglo XX\, para incorporar a su poética recursos de la vanguardia que le permitieron desarrollar un lenguaje pictórico propio denominado vibracionismo”\, explica el curador Enrique Aguerre. “Es entre los años 1917 y 1921 donde haremos foco para establecer nuevos abordajes al movimiento vibracionista y sus desarrollos vinculados al teatro. Si bien Barradas experimenta soluciones formales de diferentes momentos de su carrera\, es en este período en el que su producción alcanza una relevancia central”\, destaca. \nCurador: Enrique Aguerre. Director del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Uruguay.
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SUMMARY:Simbiología. Muestra colectiva
DESCRIPTION:A partir de mañana\, 6 de octubre\, se podrá visitar en el Centro Cultural Kirchner esta exposición con obras de más de 140 artistas de todo el país. \nEl Ministerio de Cultura de la Nación inaugura mañana la muestra «SIMBiOLOGÍA. Prácticas artísticas en un planeta en emergencia»\, que reúne obras de más de 140 artistas de todo el país en once salas del Centro Cultural Kirchner.\nLa curaduría está a cargo de un equipo dirigido por Valeria González\, secretaria de Patrimonio Cultural\, e integrado por Mercedes Claus\, Florencia Curci y Pablo Méndez.\n“Simbiología” es una palabra inventada para desplazar los significados del arte (simbología) hacia la generación de relaciones con otros seres (simbiosis). La exposición reúne más de 170 obras de arte argentino contemporáneo que exploran nuevas vinculaciones y mixturas entre lo humano y lo no humano. Dicha exploración emerge en una época en que la crisis de habitabilidad del planeta suscita profundos cuestionamientos de los modelos dominantes de acción\, conocimiento y sentimiento. \nLa muestra -que ocupa once salas de los pisos 6 y 7 del Centro Cultural Kirchner- se desarrolla a través de seis ejes y cuatro proyectos especiales:\nEcología política se centra en los vínculos entre el arte y la ecología.\nCatástrofes y cuidados\, que alude a los desastres producidos por el extractivismo humano y también al modo en que la Tierra “responde” mediante cataclismos inesperados.\nEn Inter-agencias tienen lugar producciones en co autoría entre personas artistas y otros actantes\, o experiencias de devenir conjunto entre especies diferentes.\nAnimismo explora diversas cosmogonías del continente\, las simbiosis corporales entre lo humano y lo no humano y los moldes culturales entre presente y pasado\, arte y artesanía.\nEn Simbiontes\, los cuerpos recombinantes y las estéticas queer se piensan en relación con los manifiestos feministas de Donna Haraway y su inspiración en biologías contrahegemónicas.\nDerechos no humanos propone una reflexión sobre las consecuencias legales de la nueva ecología política\, que reconoce el bienestar como un entramado vital de actantes humanos y no humanos\, en contra del modelo extractivista de progreso heredado por la modernidad. \nArtistas participantes:\na77 (Gustavo Diéguez y Lucas Gilard) • Felipe Álvarez Parisi • Marcelo Alzetta • Ar Detroy (Leandro Perez\, Ariel Pumares\, Fernando Dopazo\, Ariel Casas\, Marcelo Acuña\, Marcelo Valiente\, Juan Manuel Salas\, Miguel Mitlag\, Charly Nijensohn) • Nicanor Aráoz • Marcela Astorga • Mercedes Azpilicueta • Elba Bairon • Luis Fernando Benedit • Érica Bohm • Sofía Bohtlingk • Virginia Buitrón • Mildred Burton • Adriana Bustos • Juan José Calarco • Casa Río Lab • Constanza Castagnet • Verónica Cerrota • Gabriel Chaile • Cooperativa Sub • Eduardo Costa & Raimundas Malašauskas • Jimena Croceri • Joaquín & Isabella Cófreces • Ariel Cusnir • Flavia Da Rin • Sebastián Díaz Morales • Toto Dirty • Matías Duville • Fermín Eguía • El pelele • Tomás Espina • Faivovich & Goldberg • Lorena Fernández • Claudia Fontes • Julián Galay • Margarita García Faure • Nicolás García Uriburu • Agustín Genoud • Carlos Ginzburg • Mónica Giron • Max Gómez Canle • Lucila Gradín • Víctor Grippo • Etcétera (Loreto Garin Guzmán y Federico Zukerfeld) • Mauro Guzmán • Miguel Harte • Annemarie Heinrich • Carlos Huffmann • Iconoclasistas (Julia Risler y Pablo Ares) • Bruno Juliano • Fernanda Laguna • Alma Laprida • Donjo León • Leonel Luna • Cecilia Azniv Lutufyan • m7red (Pío Torroja y Mauricio Corbalan) • Verónica Madanes • Marcela Magno • Liliana Maresca • Matilde Marín • Vicente Marotta • Sabrina Merayo Nuñez • Guadalupe Miles • Mónica Millán\, Adriana Bustos & Conamuri Paraguay y Movimiento Nacional Campesino • Ad Minoliti • Marta Minujín • Eduardo Molinari • Romina Orazi • Julia Padilla • Margarita Paksa • Ariadna Pastorini • Máximo Pedraza • Mariana Pellejero • Federico Manuel Peralta Ramos • Andrés Piña • Malena Pizani •Alfredo Portillos • Fabián Racca • Emilio Renart • res • Reynols (Miguel Tomasín\, Roberto Conlazo\, Alan Courtis y Patricio Conlazo) • Florencia Rodríguez Giles • Tomás Saraceno • Mariela Scafati • Rosana Schoijett • Marcia Schvartz • Paula Senderowicz • Sirenes errantes (Florencia Carrizo\, Melisa Chetto\, Marta de la Gente\, Julia Hadida\, Meme Liebana\, Alejo Petriz\, Silvia Estrin\, Martín Tchira y Bautista Viera\, Violeta Mansilla\, Nina Kovensky\, Osías Yanov) • Ester Solano • Juan Sorrentino • Grete Stern • Paula Surraco • Mariana Telleria • Francisco Vázquez Murillo • Adrián Villar Rojas • Xul Solar • Guido Yannitto • Osías Yanov •Mariela Yeregui • Leonello Zambón & IF – Investigaciones del Futuro. \nSimbiología\nMuestra colectiva\nDesde el 6 de octubre de 2021 al 30 de abril de 2022\nmiércoles a domingos\, de 14 a 20 h\nWeb:https://simbiologia.cck.gob.ar/ \nCCK\nSarmiento 151\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Carla Grunauer. Las oferentes
DESCRIPTION:Carla Grunauer. Las oferentes\nComo seres mitológicos que regresan para realizar un antiguo ritual\, los personajes del bestiario que Carla Grunauer (Tucumán\, 1982) reúne en esta primera exposición individual en un museo transmiten la presencia mágica de dioses arcaicos\, mitad humanos y mitad animales\, reencarnados en nuevas formas modernistas que les otorgan una extraña y sugerente luminosidad. \nTras una trayectoria centrada en el dibujo y la pintura\, Grunauer desarrolla un trabajo escultórico inédito\, con piezas en las que las formas biológicas parecen recrear el proceso vital de criaturas blandas en constante trance y metamorfosis. Junto con una serie de pinturas realizadas con fibra sobre tela de polietileno de las que parecen surgir partes de esqueletos o restos óseos\, la exposición reúne un conjunto de obras en las que la fragmentación y la transformación orgánica de los cuerpos componen una imagen potente de ofrenda y sacrificio. \nEl carácter solemne y religioso que aparece con la presencia de esculturas y frisos en el espacio contrasta con el humor y la vivacidad que les da a las obras la fosforescencia de su paleta de colores y la inclusión de objetos inesperados\, como nidos y tacones de zapatos. Así\, el panteón de criaturas que habita la exposición puede sorprendernos con el encuentro inesperado entre un pie gigante\, una cabeza aplastada y una lombriz que se contorsiona. \nA través de estas imágenes\, Grunauer amplía un imaginario centrado en el cuerpo y la experimentación con sus límites. Su interés por la variación constante y la transformación se plasma en las características fluidas de las formas\, acentuadas por el tono acuoso de las piezas. Entre el nido\, la oruga y el esqueleto\, Grunauer atrapa en sus obras el carácter continuo y multiforme de la vida\, que no dejará nunca de cambiar. \nCuraduría Lucrecia Palacios \nCarla Grunauer\n(Tucumán\, 1982) es artista plástica. Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Tucumán\, participó en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella\, en Buenos Aires\, en 2018. Entre sus últimas exposiciones\, se destacan: Cartas para un animal que sueña\, Espacio Tucumán\, Buenos Aires\, 2019 (exposición individual con curaduría de Belen Romero Gunset); El fuego de un brazalete\, Galería Piedras\, Buenos Aires\, 2018 (exposición individual con curaduría de Guadalupe Creche)\, y Una historia de la imaginación en Argentina\, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, 2019 (exposición colectiva con curaduría de Javier Villa). Vive y trabaja en Buenos Aires. \nCarla Grunauer\nLas oferentes\nDesde el 16 de octubre de 2021 al 7 de marzo de 2022 \nMAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Andrés Waissman. Arrabio Escarlata
DESCRIPTION:En Arrabio Escarlata\, Andrés Waissman presenta una serie de pinturas realizadas en los últimos años. En ellas\, Waissman despeja lo insensato y contradictorio de algunas formas amorfas de la naturaleza\, les detiene su fuerza y su tensión interna para alejarlas y redescubrir qué hay detrás: nuevas formas\, nuevos seres y nuevos paisajes\, aunque todos indefinidos\, en el momento preciso de su descubrimiento. \n  \nAndrés Waissman (Buenos Aires\, Argentina\, 1955)\nAndrés Waissman es considerado una figura emblemática del universo simbólico del arte contemporáneo latinoamericano. Sus pinturas utilizan la pura expresión en favor de la comunicación; no son meras crónicas ficticias\, sino un posicionamiento real en el mundo contemporáneo. En lugar de un universo que desaparece\, Waissman representa un mundo emergente\, situaciones cada vez más inevitables que exigen reflexión y mirada consciente. \nAlgunas de sus series como Multitudes\, Blanco & Negro\, Animales mitológicos\, Virutas y Albur\, lo colocan como un artista con su propia impronta. Su obra constituye una búsqueda filosófica y política además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. En esta línea de pensamiento conceptos como nomadismo y migración se vuelven centrales en su producción. \nAndrés Waissman se formó en diversos talleres y comenzó a exponer muy tempranamente a mediados de los 70\, realizando sus primeras muestras individuales en la Galería Lirolay en 1973 y 1977\, respectivamente. \nEn 1974 vivió en Barcelona y trabajó en el taller de Augusto Torres y en 1978 con Antonio Seguí en París. En 1984 se radicó en San Francisco\, Estados Unidos y desarrolló una importante carrera internacional exponiendo en diferentes galerías y museos de Los Ángeles\, San Francisco\, Nueva York\, Portland\, Dallas\, Miami y diversas ciudades de Europa. En 1992 regresó a Buenos Aires\, donde retomó la enseñanza. \nEn 2005 se publicó el libro Waissman (un artista peregrino) con textos de Rodrigo Alonso\, Jordi Aladro\, Fabiana Barreda\, Florencia Gró y María Paula Zacharías. En 2010 se presentó en MALBA el documental Waissman\, de Eduardo Montes Bradley para PBS de Estados Unidos. En 2020 editó su reciente publicación Blanco & Negro – Encapotado – Emboscada. \nSu trabajo fue expuesto en numerosas exhibiciones individuales como Miro la esquelética rama (Museo MACA\, Junín\, Buenos Aires) Emboscada (MUNAR\, Buenos Aires\, Argentina\, 2018)\, Encapotado (Gachi Prieto Galería\, Buenos Aires\, Argentina\, 2016) Abgrund (Museo Emilio Caraffa\, Córdoba\, Argentina\, 2014)\, Multitudes (Townsend Center for the Humanities\, University of Berkeley\, California\, Estados Unidos\, 2015)\, Fondo de Ojo (Centro Cultural Recoleta\, 2015)\, entre las más recientes. \nSu obra forma parte de importantes colecciones privadas e institucionales como: University of Essex Collection of Latin American Art (Essex\, Reino Unido); Museum of Latin American Art (California\, Estados Unidos); Jack Blanton Museum of Art\, The University of Texas (Estados Unidos); The Magnes Collection of Jewish Art and Life (Berkeley\, California\, Estados Unidos); Galleria Civica d’arte Contemporanea F. Pizzo\, Palazzo Spano Burgio (Marsala\, Italia); MUNTREF (Buenos Aires\, Argentina); Museo Castagnino-MACRO (Rosario\, Santa Fe\, Argentina); Museo de Arte Contemporáneo de Mendoza (Mendoza\, Argentina); Colección Universidad Di Tella (Buenos Aires\, Argentina); Colección UADE (Buenos Aires\, Argentina); Colección Museo Killka (Mendoza\, Argentina); Colección Madres de Plaza de Mayo (Buenos Aires\, Argentina)\, entre otras.\nVive y trabaja en Buenos Aires donde desarrolla una intensa labor docente. \n  \nAndrés Waissman\nArrabio Escarlata\nDesde el 27 de octubre al 11 de diciembre de 2021\nHorarios de atención: martes a viernes de 14.30hs a 19hs\,\nturnos de media hora con cita previa. \nGachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano\nUriarte 1373\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Gorriarena\, color y materia
DESCRIPTION:Diseñada por su compañera de vida\, Silvia Vezco\, y con texto curatorial de Fernando Farina\, la muestra propone un recorrido por distintos períodos de la producción de Gorriarena: pinturas sobre tela y papel en gran formato en las que se advierte su habitual potencia expresiva\, complementadas por una selección de textos del artista sobre las artes plásticas\, la Argentina y la época que le tocó vivir.\n“La pintura es forma\, materia\, color\, espacio. No creo en los que pintan discursos. Si una obra no está lograda pictóricamente […] \, no me interesa”\, declara uno de esos textos\, del que la muestra toma su título.\nAsí como descreía de los discursos en la pintura\, Gorriarena rechazaba la belleza banal y el buen gusto de lo decorativo. “Gorriarena no está aquí para decorar el mundo\, sino para develarlo”\, señalaba el crítico Miguel Briante a principios de los 90\, comentando una muestra antológica de Carlos Gorriarena en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En coincidencia con esa mirada de Briante\, el propio artista solía repetir: «Un cuadro debe romper la pared»\, metáfora con la que cuestionaba cualquier noción ornamental de la pintura.
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SUMMARY:Madalena Schwartz. Las metamorfosis
DESCRIPTION:Malba presenta la exposición Las metamorfosis\, dedicada al ensayo fotográfico en el que Madalena Schwartz (Budapest\, 1921 – San Pablo\, 1993) retrató a las travestis y transformistas que frecuentaban la escena alternativa de San Pablo durante la primera mitad de la década de 1970\, en plena dictadura militar. Se trata de la primera colaboración de Malba con el Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil\, en cuya sede de San Pablo se presentó la muestra entre febrero y septiembre de 2021. \nEn diálogo con las imágenes de Schwartz\, la muestra ofrece además un breve panorama de la fotografía latinoamericana dedicada a la vida trans de esos años con obras de distintos autores y colectivos de Argentina\, Chile\, Bolivia y otros países de la región. En total\, la exposición reúne 112 fotografías de Schwartz y más de 70 piezas históricas como periódicos\, documentos\, películas e imágenes que dan cuenta del contexto en el que la fotógrafa realizó su obra. La curaduría es de Gonzalo Aguilar\, miembro del Comité Artístico de Malba y profesor de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires\, y Samuel Titan Jr.\, Coordinador Ejecutivo del Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil y docente de Teoría Literaria en la Universidad de San Pablo. \nComo punto de partida\, la muestra presenta la trayectoria singular de Schwartz\, una de las grandes exponentes de la fotografía brasileña\, cuyo acervo está bajo el cuidado del IMS. Nacida en 1921 en Budapest\, Schwartz emigró a los doce años a Argentina. En Buenos Aires\, la joven húngara se casó y tuvo dos hijos. En 1960\, a punto de cumplir cuarenta años\, se mudó con su familia a San Pablo\, donde abrió una lavandería en el centro de la ciudad. \nSu vida cambiaría cuando\, a mediados de la década de 1960\, uno de sus hijos ganó una cámara fotográfica en un concurso televisivo. Schwartz se interesó inmediatamente por el artefacto\, realizó cursos en el legendario Foto Cine Club Bandeirante y\, casi a los cincuenta años\, inició una nueva y sorpresiva carrera que la transformaría en una figura expresiva única. \nEsta exposición se concentra en un conjunto específico de imágenes de Schwartz\, parcialmente publicado en el libro Crisálidas (2012). En él\, la fotógrafa documenta los universos travesti y transformista del centro de San Pablo en los años setenta. Son personajes que ella conoció en su vida cotidiana\, en el trayecto entre la lavandería y el edificio Copan (un enorme rascacielos residencial diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer)\, donde vivía con su familia y tenía su estudio. \nAmante del teatro\, Schwartz inició una serie de retratos con personalidades de ese mundo y de la televisión: los integrantes del grupo Dzi Croquettes\, el cantante Ney Matogrosso\, la actriz Elke Maravilha y el performer argentino Patricio Bisso (vecino suyo del Copan)\, entre otros. Continuando la misma línea\, se dedicó también a fotografiar a personas menos conocidas que se ganaban la vida en salones de peluquería o en clubes nocturnos. Gran parte de esos retratos eran realizados en un estudio improvisado en su propia casa\, en un ambiente de intercambio y complicidad. \nAdemás de las fotos de Schwartz\, la muestra presenta ejemplares de los periódicos de vanguardia Lampião da Esquina y Chana com Chana (voces de la comunidad gay y lésbica de la época)\, afiches de films como La reina diabla (1974) y El beso de la mujer araña (1985)\, clips televisivos y fotos de archivos personales\, entre otros ítems que documentan ese universo de crítica a los patrones conservadores vigentes. También se destaca un mapa del centro de San Pablo en la década de 1970\, concebido especialmente para la muestra\, que incluye los puntos alternativos de la ciudad en el período. \nSobre el escenario político en que Schwartz produjo sus imágenes\, dicen los curadores\, Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.: “No se trataba de un momento histórico cualquiera\, sino de los años de plomo de la dictadura militar brasileña bajo el gobierno del general Emílio Garrastazu Médici. Años opresivos y violentos\, pero también paradójicamente fértiles: expulsada del ámbito político-partidario\, la protesta se hacía sentir por otros canales\, estéticos\, comportamentales\, eróticos. Madalena captó en sus fotografías esa tremenda explosión de color y energía utópica”. \nMadalena Schwartz\nBudapest\, 1921 – San Pablo\, 1993\nEn 1934\, luego de la muerte de su madre\, viajó junto a su hermano a la Argentina\, quien se encontraba radicado en el país. En 1960\, casada y con dos hijos\, se mudó a San Pablo\, Brasil\, donde vivió hasta su muerte. Comenzó a trabajar con la fotografía tardíamente\, a punto de cumplir los cincuenta años. Fue miembro del Foto Cine Club Bandeirante y de la denominada Escuela Paulista\, junto a otros fotógrafos como Marcel Giró\, José Yalenti​ y Gaspar Gasparian. Schwartz inició una serie de retratos de protagonistas del mundo del teatro y la televisión\, algunos muy conocidos como el cantante Ney Matogrosso\, y otros que se ganaban la vida en los clubes nocturnos del centro de la ciudad\, donde ella vivía. También retrató a artistas plásticos\, músicos e intelectuales brasileños\, como Sérgio Buarque de Holanda y su hijo Chico Buarque\, Clarice Lispector\, Jorge Amado y Carlos Drummond de Andrade. \n  \nMadalena Schwartz\nLas metamorfosis\nDesde el 4 de noviembre de 2021 al 14 de marzo de 2022\nInaugura: 4 de noviembre\, 19:00.\nCuradores: Gonzalo Aguilar y Samuel Titan Jr.\nSala 3\, nivel 1 \nFundación Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires\nAv. Figueroa Alcorta 3415\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Sinestesia Aguda
DESCRIPTION:Una muestra para experimentar con todos los sentidos.\nAndrea Fried – Nicolás Bernaudo \n\n\n¿Qué es? \nUna experiencia interactiva en la que distintos lenguajes de las artes plásticas y visuales se potencian entre sí para ofrecer al espectador la posibilidad de experimentar un “estado sinestésico”. \nSe ofrece así al visitante una experiencia plagada de estímulos visuales\, auditivos y táctiles\, que activa la sensibilidad e invita a establecer relaciones causales entre cada uno de los momentos que la componen. \nEs una muestra para experimentar con todos los sentidos\, e invitar a otros a compartirla. \nInformación del evento \nDel 2 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022. \nDe martes a domingos de 13 a 19 hs. \n¿Dónde? \nEn el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902\, CABA). \nActividad gratuita \nRequiere inscripción previa completando este formulario.
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SUMMARY:Dante x Alonso
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes\, junto con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, abre al público desde el 4 de diciembre la muestra “Dante x Alonso”\, que reúne 45 trabajos en papel del maestro argentino Carlos Alonso (Mendoza\, 1929)\, inspirados en la obra del gran poeta florentino\, conmemorando el 700.° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nCon curaduría del director del Bellas Artes\, Andrés Duprat\, las piezas que integran “Dante x Alonso” son dibujos\, collages\, grabados\, acuarelas y tintas que el artista dedicó al escritor en dos períodos distantes de su trayectoria: las primeras\, de los años 60 –muchas de ellas creadas en Italia\, en 1968– son mayormente retratos en pequeño formato\, mientras que el segundo conjunto seleccionado está fechado entre 2000 y 2009. \n“Estas obras –concluye el curador– conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días”. \nLos trabajos exhibidos en la muestra provienen de la colección personal del artista\, del Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel\, ubicado en la provincia de Mendoza\, y de colecciones particulares. \n“Dante x Alonso” podrá verse hasta el 13 de marzo de 2022 en la sala 33 del primer piso del Bellas Artes. Durante 2022\, está previsto\, además\, que la exposición itinere por museos de las provincias del país. \nAcompañando la muestra\, el Museo editará un catálogo español-italiano\, que incluye el texto curatorial de Duprat\, el cuerpo de obra\, el prólogo a la primera edición de obras de Alonso sobre la “Divina Comedia” escrito por Ernesto Sabato\, fragmentos de una entrevista al artista realizada por Diana Wechsler y José Emilio Burucúa\, y una cronología sobre Alonso. Próximamente\, la publicación estará a la venta en la Tienda Bellas Artes\, y también podrá leerse en línea o descargarse en versión digital ingresando en la web del Museo: www.bellasartes.gob.ar \nDante x Alonso \nLa exposición Dante x Alonso\, organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes y el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires\, reúne una serie de trabajos del maestro argentino inspirados en la obra del gran poeta florentino. Esta iniciativa se enmarca en la conmemoración del 700° aniversario del fallecimiento de Dante Alighieri (1265-1321). \nHace siete siglos un exiliado de las luchas internas que afectaban al reino de Florencia terminaba de escribir en dialecto toscano —la base del italiano moderno— el mayor poema teológico de la cristiandad. \nLa Comedia diseñaba el esquema clásico donde las comarcas del trasmundo aguardan a los muertos. Merced al poema\, Infierno\, Purgatorio y Paraíso se volverían los tópicos que demarcarían penas y compensaciones a los pecadores. \nEl canto al amor profano —Paolo y Francesca\, amantes trágicos\, condenados a estar juntos en el Infierno\, y la búsqueda de Beatriz\, la amada muerta\, a la que Dante encuentra en la cima del Paraíso— y la vindicta de los injustos de su época\, a los que coloca en la infernal montaña invertida\, son momentos que serán tematizados por las artes a lo largo de los siglos. El artista Carlos Alonso (Mendoza\, 1929) se basó en el último de esos ejes para realizar una crítica de nuestra época. \nEn marzo de 1968\, Carlos Alonso viajó a Florencia\, y residió allí durante seis meses con el propósito de llevar a cabo una experiencia inmersiva en el universo de Dante que le permitiera realizar una serie de trabajos inspirados en su figura y su obra. \nSu indagación se centró en replicar la vivencia del poeta reponiendo su figura en la vida cotidiana. La pregunta acerca de qué vería Dante hoy\, cuál sería su mirada sobre el mundo contemporáneo\, lo llevó a la realización de más de 250 obras\, entre dibujos y collages\, con las que se inscribió en la larga y prestigiosa lista de artistas que se interesaron e inspiraron en el gran poema universal\, como Sandro Botticelli\, Gustave Doré\, Auguste Rodin\, Edgar Degas\, Giorgio de Chirico\, Eugène Delacroix y Salvador Dalí. \nAlonso coloca a Dante\, al igual que sucede en la Divina Comedia\, como testigo de situaciones críticas\, cruzadas por la estética pop y la efervescencia que en esos años se vivía en Europa —por el Mayo francés—\, plena de reclamos\, consignas y protestas. Realizadas en pequeño formato\, las obras presentan múltiples versiones del retrato del poeta florentino replicado por medio de diversas técnicas\, así como escenas inspiradas en diferentes pasajes del poema\, traídos al presente como prueba de que esos horrores siguen ocurriendo bajo nuevas apariencias y formatos. \nSi bien la idea original de Alonso contemplaba que estos trabajos ilustraran una nueva edición en español de la Divina Comedia\, el proyecto no pudo ser concretado. \nCuando el artista regresó a la Argentina\, la empresa Olivetti adquirió varios de esos trabajos. Fueron divididos en las series El Dante y La divina comedia e impresos en publicaciones numeradas de edición limitada\, con prólogo del escritor Ernesto Sabato. \nCon esas obras\, Alonso realizó en 1969 una exposición en Art Gallery de Buenos Aires. El montaje de la muestra era singular\, ya que se trataba de una gran instalación en forma de un laberinto que recorría el Infierno y el Purgatorio\, hasta llegar al Paraíso. En 1971\, el artista mostró las series en la galería Giulia de Roma y\, en 1972\, en la galería Eidos de Milán. \nEl interés por Dante y la Divina Comedia siguió acompañando al artista a través de los años. En 2004 inició una serie de obras sobre papel que denominó Carlos Alonso en el infierno\, varias de las cuales forman parte de esta exposición\, y en 2008 realizó un grupo de obras tridimensionales en torno al rostro del poeta. \nEn la serie Carlos Alonso en el infierno vuelve a reinterpretar distintos momentos del poema para señalar lo ominoso\, lo siniestro\, la violencia y los prejuicios que nos habitan. Algunas de estas piezas presentan escenas apocalípticas\, multitudinarias y complejas\, al estilo del Bosco\, en las que en ocasiones está presente el propio Dante. \nPero hay sin duda mayor énfasis en su crítica al presente. Pues entre aquel momento inicial\, pleno de esperanza emancipatoria\, y el nuevo contexto de crisis\, ha sucedido la tragedia de la dictadura en la Argentina\, de la que Alonso fue víctima y por la cual\, como Dante\, conoció el exilio\, que sin duda tensó y resignificó su visión de los infiernos contemporáneos. De ese modo\, sus obras conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción\, Carlos Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica\, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días. \nAndrés Duprat \nCurador de la exposición. Director del Museo Nacional de Bellas Artes
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