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SUMMARY:Emancipadxs. Estereotipos\, luchas y conquistas
DESCRIPTION:La muestra organizada por la Biblioteca Nacional difunde\, a través de los materiales de su acervo\, parte de la historia de lucha de las mujeres argentinas recorriendo el camino de sus fatigas y conquistas y poniendo de manifiesto los estereotipos a los que se vieron sometidas. \nEste recorrido se inicia en el ámbito del hogar\, sobre el que paradójicamente las mujeres no tenían potestad legal\, continúa con el ingreso al mercado laboral y a la participación sindical\, el acceso a la universidad\, el demorado derecho al voto\, las voces contestatarias de la cultura ante los modelos impuestos\, hasta llegar a los reclamos y logros más recientes de los distintos colectivos que reconfiguran la sociedad desde lo personal. \nLa Biblioteca Nacional cuenta con las primeras publicaciones redactadas y/o dirigidas por mujeres\, que datan del siglo XIX\, como La Aljaba\, La Camelia o Álbum de señoritas\, entre otras. También con las tesis con las cuales se graduaron las primeras universitarias argentinas como Cecilia Grierson\, Elvira Rawson\, Elvira López y Alicia Moreau. \nLas obras de mujeres de la cultura que tempranamente alzaron su voz para oponerse a los estereotipos dominantes -entre las que cabe mencionar a Alfonsina Storni\, Victoria Ocampo\, Alejandra Pizarnik\, María Elena Walsh\, María Luisa Bemberg y Angélica Gorodischer- también tienen su lugar aquí. Por último\, los movimientos colectivos que con su lucha provocaron cambios decisivos en la sociedad argentina\, como Madres y Abuelas de Plaza Mayo o #NiUnaMenos\, entre otros\, están representados en esta muestra\, así como algunas de sus protagonistas. \n  \nEmancipadxs\nEstereotipos\, luchas y conquistas\nDesde el 6 de junio de 2019 al 30 de abril de 2020 \nBiblioteca Nacional\nMuseo del libro\nAv. Gral. Las Heras 2555\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:“Benicio Núñez\, El Fausto Criollo”
DESCRIPTION:Exhibición “Benicio Núñez\, El Fausto Criollo” en la Casa Nacional del Bicentenario. \n¿Qué es? \nLa exhibición reúne las 21 ilustraciones originales con las que el artista argentino Benicio Núñez versionó “El Fausto criollo”\, de Estanislao del Campo. Un recorrido por la particular lectura del clásico nacional\, en la imaginativas y coloridas tintas de uno de los tantos artistas argentinos a redescubrir. La muestra se completa con un video que conjuga el trabajo de Núñez y Del Campo\, realizado en 1985 por la Fundación Alon para las Artes\, organizadores del proyecto. \n¿Por qué ir? \nEs una oportunidad única para conocer la obra de este gran artista que supo alcanzar un grado de afinidad e intimidad con la chispeante versión criolla del Fausto. Sus ilustraciones se alejan\, al igual que el poema\, de la literalidad de los acontecimientos representados\, y es a través de la parodia que ambos –autor e ilustrador– llevan a nuestras pampas un drama universal y lo presentan en clave gauchesca. \n¿Cuándo? Del miércoles 17 de julio al 12 de enero de 2020. Martes a domingos\, de 11 a 20 h \n¿Dónde? Riobamba 985\, CABA \n\nInformación del evento\n\n\nHasta el 12 de enero de 2020\nMartes 11:00 a 20:00 | Miércoles 11:00 a 20:00 | Jueves 11:00 a 20:00 | Viernes 11:00 a 20:00 | Sábado 11:00 a 20:00 | Domingo 11:00 a 20:00 | Feriados 11:00 a 20:00\nActividad gratuita
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SUMMARY:Alfredo Londaibere. Yo soy santo
DESCRIPTION:Para Alfredo Londaibere (Buenos Aires\, 1955-2017) la pintura podía concentrar toda la capacidad expresiva de un artista y toda la verdad sobre el arte. El Museo de Arte Moderno celebra su obra con una exposición retrospectiva con curaduría de Jimena Ferreiro. La pintura para Londaibere representó su medio\, su lenguaje y su campo de acción\, que exploró desde múltiples perspectivas a través de sus diferentes roles como artista\, docente y curador. También se convirtió en una herramienta para la experimentación de diversas técnicas con las que revisitó los géneros tradicionales\, y se transformó en una vía para alcanzar un estado espiritual que se hizo cada vez más explícito en su obra. Su espiritualidad se expresó en un modo de hacer metódico\, intimista y solitario que delimitó un programa estético gobernado por la intuición\, el goce y la contemplación que configuró un ethos de trabajo austero y disciplinado\, que lo fue alejando de las rutinas de la sociabilidad contemporánea. \n  \nAlfredo Londaibere\n(Buenos Aires\, 1955 – 2017)\nSe formó en el taller de Araceli Vázquez Málaga durante gran parte de los años 70\, donde estudió visión\, composición\, teoría del color\, historia del arte\, dibujo y pintura. Durante los 80 continuó su formación brevemente con Oscar Smoje. Producía obra sistemáticamente\, aunque no participaba prácticamente del circuito de exposiciones y salones de la época. En paralelo\, mantenía un vínculo fluido\, aunque no regular\, con el Grupo de Acción Gay\, con quien compartió lecturas sobre teoría social\, un activismo micropolítico y una sociabilidad que lo relacionó con Jorge Gumier Maier y Marcelo Pombo. Hacia el final de la década asistió a las clínicas de obras de Pablo Suárez\, Luis Wells y Kenneth Kemble en el Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (actual Recoleta). Un poco más integrado\, expuso sus primeros trabajos en bares y discotecas como Cemento y Bolivia. Desde la fundación de la galería de arte del Centro Cultural Recoleta formó parte del grupo de artistas vinculados a la gestión de Gumier. Allí presentó en 1989 su primera exposición individual Mapas y pinturas\, la cual consideró como una “retrospectiva”. Luego volvió a exponer en 1991\, con curaduría de Magdalena Jitrik\, y una última vez en 1992. \n  \nEn 1991 participó de la primera edición de la Beca Kuitca junto con Jitrik\, Graciela Hasper\, Tulio de Sagastizabal\, Daniel García\, Daniel Besoytaorube\, Sergio Bazán\, entre otros. Fue becado por la Fundación Antorchas en 1995 para asistir al taller de Barracas\, bajo la dirección de Luis Fernando Benedit y Pablo Suárez. Fue docente también en el área de artes plásticas del Centro Cultural Ricardo Rojas hasta su muerte\, y en su taller donde tuvo numerosos alumnos. En 1997 reemplazó a Gumier Maier como curador en el Rojas hasta 2002. \nExpuso en forma individual en la galería Mun (1993)\, Instituto de Cooperación Iberoamericana (1996)\, Alianza Francesa (1998)\, Belleza y Felicidad (2000 y 2002)\, Centro Cultural San Martín (2005)\, Centro Cultural Recoleta (2009)\, Jardín oculto (2011) y Galería Nora Fisch (2015)\, entre otras. \n  \nAlfredo Londaibere\nYo soy santo\nDesde el 26 de septiembre de 2019 al 23 de marzo de 2020 \nMAMBA – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\nAv. San Juan 350\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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SUMMARY:Cesar Paternosto. La mirada excentrica
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 8 de octubre a las 19 “César Paternosto: la mirada excéntrica”\, una muestra curada por el director del Museo\, Andrés Duprat\, que reúne 38 obras del pintor\, escultor e investigador César Paternosto (La Plata\, Argentina\, 1931)\, creadas en los años 60\, 70 y 2000\, varias de ellas\, exhibidas al público por primera vez. \n“En la producción de Paternosto –explica el curador–\, la abstracción significa; abunda en connotaciones físicas e ideales que solo una visión lateral permite descifrar. Se trata de una geometría que reclama un pasaje al orden oculto de las cosas”. \nLa experiencia visual que plantea la producción de Paternosto –agrega Duprat– interroga sobre la presencia de las formas en el mundo. Pero\, además\, “lleva a los límites la bidimensionalidad de la pintura\, apostando a la deconstrucción de las convenciones pictóricas con una propuesta singular: trabajar sobre los bordes del cuadro”. \nUno de los núcleos de la muestra reúne obras de los años 60\, que se destacan por el uso del color y las formas ondulantes\, ritmos curvos de bandas coloridas que se recortan contra el marco y parecen exceder los límites de la tela. Se exhibirán “shaped canvases” y telas estructuradas que\, si bien son autónomas\, coparticipan de una imagen solidaria\, en colores planos y homogéneos. \nEn 1969\, Paternosto propuso el concepto de la “visión oblicua”: revirtiendo las jerarquías de los elementos del cuadro\, el borde del bastidor concentra el interés. “A fines de los 60\, comencé una serie de pinturas que se convirtieron en una dirección frecuente en mi trabajo –explica el artista–. En ese momento\, se evidenció claramente para mí que\, poniendo el énfasis en ubicar lo pintado sobre los extremos exteriores del bastidor de la pintura\, y dejando la superficie frontal en blanco\, vacía de toda imagen\, cuestionaba el hábito ancestral de solamente experimentar las pinturas desde sus frentes. Esta situación me develó la posibilidad de ʻlo lateral y ʻoblicuoʼ como modo de ver”. Esta estrategia de pintar los cantos –plasmada en algunas de las piezas que se exhibirán en la muestra– obliga al observador a desplazarse para lograr la imagen total. \nMuchas de las obras de la muestra –provenientes de la colección del artista\, y de colecciones públicas y privadas\, como el Bellas Artes\, el Museo Emilio Pettoruti\, el Museo de Arte Moderno y la colección Eduardo Costantini– se exhibirán al público por primera vez. \nNovedad de la exposición\, en la sala 40 del Museo se presentará una instalación de sitio específico inédita\, titulada “Deconstrucción pictórica”\, que es la consumación de la pintura-objeto del artista. Extremando sus postulados\, permitirá a los visitantes sumergirse en una de las creaciones de Paternosto a escala monumental: cada vista de la instalación propone tantos subcuadros como personas la recorran\, revirtiendo las jerarquías para que sea el espectador quien complete el sentido de la obra. Acompañará la pieza una serie de trabajos en papel realizados por el autor en las últimas décadas. \nTambién se exhibirá en la sala 38 una pieza de pintura acrílica sobre madera concebida específicamente para esta exposición\, “Continuidad tectónica”\, que pasará a integrar la colección del Bellas Artes. \nEn ocasión de esta muestra\, el Bellas Artes editará un catálogo bilingüe español-inglés que incluye el cuerpo de obra\, y textos de Duprat\, del director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza\, Guillermo Solana\, y de la historiadora del arte María José Herrera\, además de una cronología de Paternosto escrita por el artista\, con un recorrido detallado de su trayectoria. \nLuego de la inauguración\, el martes 8 de octubre a las 19\, “César Paternosto: la mirada excéntrica” podrá visitarse hasta el 2 de febrero de 2020 en las salas 37 a 40 del primer piso del Museo. \nHorarios:  martes a viernes\, de 11 a 20\, y los sábados y domingos\, de 10 a 20 (lunes: cerrado) \nAv. del Libertador 1473\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. \n\n\nDejamos aquí el catálogo de la exposición para su visualización o descarga. \nhttps://media.bellasartes.gob.ar/h/Publicaciones/paternosto.pdf \n\n\n+ INFO
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LOCATION:MNBA Argentina\, Mitre y Santa Cruz\, Neuquén\, Nuequén\, Argentina
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SUMMARY:Beatriz Moreiro. Habitantes del otro reino
DESCRIPTION:Sobre la exhibición\nHabitantes de otro reino?\, es una serie de dibujos y una instalación conformada por un fardo de eucaliptos poblados de hongos de acero inoxidable\, que recrean estas especies y que son habitués en la zona del Litoral.\nEl eucaliptus suplanta a los árboles originarios de la región\, que poco a poco\, se han ido extinguiendo por la depredación del hombre o del fuego. \nEn esos espacios\, antes monte o selva\, el hombre planta el eucaliptus para usar su madera y transformarla en postes de iluminación\, en muebles para el hogar y de esta manera preservar el monte natural. \nEn estos lugares\, habitados por árboles de distintas especies\, entre otros\, podemos encontrar una variedad de hongos que no son plantas\, es un mundo distinto constituído por una miríada de organismos esenciales para la vida en el planeta. \nTexto curatorial\nToda vez que los buscadores del oro han comenzado a destruir las selvas mediterráneas en nombre de la civilización\, y que sólo en un libro de este género podría sobrevivir un tenue soplo del misterio que ellas guardaron… \nRicardo Rojas El país de la selva (Advertencia preliminar) \nBeatriz Moreiro\, oriunda de Florida\, Buenos Aires\, se convirtió por elección y de manera progresiva en habitante de la tierra en una quinta al costado de la ruta que une las ciudades de Resistencia y Corrientes\, en la provincia del Chaco\, en contacto con el monte\, su flora y su fauna locales. \nEsta vez\, invitada por la galería Quadro de la Boca\, Buenos Aires\, donde las propuestas s? ite specific son bienvenidas\, eligió otra especie de su admiración\, los hongos\, cuya filiación al reino vegetal ha sido discutida por los expertos. Se trata de otros pobladores del monte – central razón para la artista- misteriosa e infinita especie que irrumpe al ras de la Tierra. Así\, a los hongos se los ha denominado\, a menudo\, como ‘habitantes de otro reino’. \nEn el singular espacio blanco de la galería\, la esquina en ochava de las calles Caffarena y Ministro Brin\, La Boca\, edificio centenario\, la artista proyectó una instalación mixta de elementos naturales y de dibujos. Los protagonistas en esta exposición de la artista chaqueña por adopción\, aparecen de dos maneras: el dibujo sobre papel y el grabado sobre metal. \nAsí\, en el gran escenario urbano y en el interior de la galería\, la artista proyectó una puesta en escena con elementos de su entorno natural. Creó en versión ?site specific\, ?un gran fardo de troncos de eucaliptos\, árbol que reemplaza a las especies autóctonas en extinción como los tipos diversos de quebracho. Estos fueron especialmente trasladados por barco desde Paso de los libres\, Corrientes. Rodeado por alambre\, ese gran objeto instalado en la parte inferior de la pared más visible de la galería\, evoca de manera simbólica al escenario donde los hongos surgen de manera natural en el monte chaqueño\, como también al cuidado acto simbólico de enfardar de la artista\, que marca también su acto de respeto hacia la naturaleza. Así\, los hongos de acero\, con sus líneas dibujadas y grabadas de manera sutil por la artista\, fueron dispuestos tal como lo suele dictar su propia biología en el entorno natural\, tanto sobre la madera como\, en su exceso\, trepando sobre la pared. \nAsí también\, como cierta elegida flora autóctona\, los hongos devinieron en tema de los dibujos de Beatriz Moreiro\, esta vez en gran tamaño. Y\, a través del trabajo experto de la artista con el grafito\, los hongos cobran en ellos un rol protagónico único que abarca casi la totalidad del soporte. Esto los vuelve magnificentes\, los agiganta. Se podría sugerir que ese cambio de escala sugiere de manera simbólica la valoración destacada de las ofrendas que el planeta Tierra le otorga al género humano\, y de la cuales la artista de manera sutil destaca. Por otra parte\, se vuelve necesario poner de relieve otro aspecto de estos dibujos\, y que les confiere también identidad. Aparece algo así como un rasgo interpretativo\, ya que en la observación atenta de estos diseños\, los hongos parecen por momentos metamorfosearse en flores\, producto tal vez\, de una imaginación fantástica. \n  \nBeatriz Moreiro\nHabitantes del otro reino\nDesde el 16 de octubre al 14 de diciembre de 2019 \nQuadro\nAgustín R. Caffarena 199\nCiudad Autónoma de Buenos Aires
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LOCATION:Quadro\, Agustín R. Caffarena 199\, Ciudad Autónoma de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"Rómulo Macció. Crónicas de New York"
DESCRIPTION:La exposición de pinturas «Rómulo Macció. Crónicas de New York» se inaugurará el jueves 17 octubre en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat\, en la ciudad de Buenos Aires\, con curaduría de Florencia Battiti y con la museografía de Juan José Cambre. \nSe trata de una selección de obras que el artista realizó en su taller de Manhattan hacia fines de los años 80 y principios de los 90\, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas\, que serán exhibidas por primera vez en Argentina. \nLa muestra podrá visitarse hasta el 23 de febrero\, de martes a domingos de 12 a 20\, en Olga Cossettini 141\, Puerto Madero (CABA)\, informaron los organizadores. \n«Macció (1931-2016) pintó ciudades\, como la suya\, Buenos Aires\, y también otras que visitó o frecuentó. Y Nueva York no podía dejar de ejercer su hechizo\, un conjuro repleto de esplendores y miserias. Allí\, entre idas y venidas\, vivió casi tres años»\, \n+ INFO
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LOCATION:Colección Fortabat\, Olga Cossettini 141\, Puerto Madero\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Liliana Porter: Azul y Negro
DESCRIPTION:Liliana Porter (n. Argentina\, 1941\, residente en Nueva York desde 1964) trabaja en distintos medios: grabado\, pintura\, dibujo\, fotografía\, video\, instalación\, teatro y arte público. Su última exposición\, “Azul y negro”\, continúa la exploración de casi sesenta años del concepto de continuidad por parte de la artista. Las obras de Porter abordan las relaciones entre ligereza y seriedad\, imaginado y real\, histórico y presente\, todo a través de un enfoque abierto a la materialidad y las referencias históricas (del arte). Pintura\, escultura\, instalación\, materiales y objetos encontrados se comunican\, chocan\, se respetan y responden entre sí para proporcionar enfoques significativos y perspicaces\, además de lúdicos\, a los problemas cotidianos y metafísicos de la vida.
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LOCATION:Cracovia Galería Witkin\, 10 Newbury Street\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Antología” De Nader Barhumi
DESCRIPTION:“Antología” es la muestra del artista plástico Nader Barhumi expone piezas que destacan el juego visual entre elementos de culturas precolombinas y motivos que aluden al ornamento árabe\, en alusión a sus orígenes\, así como referencias a obras icónicas de la historia del arte occidental\, utilizando diferentes soportes y materiales como el aluminio\, la vitra y el papel\, con los que da rienda suelta a su eclecticismo y a las influencias que lo han acompañado a lo largo de su vida. La exhibición está abierta al público hasta el domingo 29 de diciembre. De martes a domingo de 11 a. m. a 8 p. m. El ingreso es libre. \nLa antología de las obras de Barhumi hace hincapié en las constantes que han guiado su trabajo dentro de un periodo de aproximadamente 25 años que\, además\, se encuentran en diferentes colecciones alrededor del mundo. Su trabajo\, inclasificable por definición\, es el resultado de una trayectoria personal y artística en la que lo pulsional\, la investigación y el descubrimiento son parte fundamental. \nLas piezas del artista revelan lo arcaico\, el inconsciente colectivo y lo esencial\, encontrando un espacio personal e intransferible para su expresión. Su obra nunca deja al espectador indiferente\, requiriendo que los visitantes tengan una mirada un tanto alejada de las tendencias mainstream del mercado del arte contemporáneo. \n\nSobre el artista. \nNader Barhumi (Lima\, 1960) estudió artes plásticas en la Pontificia Universidad Católica del Perú\, en la Universidad Complutense de Madrid\, en la Escola Massana de Barcelona y en la Byam Shaw School of Art de Londres\, donde obtuvo el título de la University of the Arts de esa ciudad. Durante los últimos 30 años ha realizado muestras individuales y colectivas en Lima\, Barcelona\, Londres\, Colonia\, Nueva York\, Miami\, Madrid. \nEn su quehacer artístico\, hace uso de la técnica literaria cut up\, desarrollada por el escritor\, pintor y músico Brion Gysin\, la que consiste en un ejercicio fortuito donde se prioriza el azar sobre el orden consciente. \nEn su obra\, lanza imaginariamente al aire formas y colores que se reagrupan en sutil armonía. “La fragmentación es fruto de mis orígenes\, eso y mucho más se refleja en mi obra\, al fin y al cabo\, la pintura refleja lo que uno es”\, menciona Nader Barhumi.
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LOCATION:Galería ICPNA\, Av. Angamos Oeste 160\, Miraflores\, Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Sergio De Loof: ¿Sentiste hablar de mí?
DESCRIPTION:¿Sentiste hablar de mí? es la respuesta de Sergio De Loof a la invitación del Museo Moderno a celebrar su impronta y su legado. Es una obra faraónica en la que se dan cita pasillos palaciegos\, obras de teatro\, una tienda que vende sus creaciones\, una biblioteca\, un carnaval. El recorrido hace hincapié en sus desfiles y vestimentas\, e incluye sus diarios\, una selección de materiales documentales inéditos\, sus intervenciones en la revista Wipe\, sus pinturas e instalaciones desde mediados de los ochenta hasta hoy. La exposición da cuenta de la creatividad enardecida y desbordante de Sergio De Loof\, con la que ha combinado hasta igualar el quehacer comunitario y la expresión individual\, la pobreza y el lujo\, el paladar aristocrático y el gusto popular. \nDe Loof había empezado a hacerse un nombre a fines de la década del ochenta. Junto con algunos amigos que conoció en su breve paso por la escuela de Bellas Artes\, fundó el bar Bolivia (1989). Poco tiempo después\, en una trayectoria rápida y vertiginosa\, estuvo detrás de El Dorado (1991)\, el Morocco (1993)\, Ave Porco (1994)\, entre otros. Todos estos espacios fueron legendarios. Inventaron una noche inédita para un Buenos Aires que intentaba dejar atrás las costumbres instaladas durante la dictadura. En ellos\, arte y nocturnidad se amalgamaban. Fueron boliches\, bares y también centros culturales. Su programación incluía cientos de desfiles\, exposiciones\, obras de teatro\, y era donde se daban cita\, en un contexto de libertad y experimentación\, los mundos hasta entonces antagónicos de los artistas e intelectuales\, los empresarios\, el universo fashion y la farándula. \nEn los años noventa\, De Loof concibió sus numerosos desfiles como reuniones colaborativas y comunitarias. Los entendía como pequeñas piezas que le debían mucho al teatro. Participaban de ellos sus amigos o conocidos\, cuerpos bien diferentes y alejados de aquellos de las supermodelos. Su intención era crear “un arte y una moda hermosa para pobres y feos”\, dando lugar en sus trabajos a las disidencias corporales y sexuales. En sus pasarelas\, los modelos bailaban y actuaban con las ropas que Sergio componía con retazos\, prendas de segunda mano\, papel y revistas. Hizo uso de técnicas como el ñandutí\, el bordado\, el patchwork\, el reciclaje. A través de ellas\, De Loof valorizaba también una cultura artesanal que\, en el marco de la convertibilidad y la denominada globalización\, estaba llamada a desaparecer. Por eso\, en sus vestimentas hay tanta belleza como nostalgia\, tanto festejo como despedida. \nSiempre en el límite entre el arte\, la moda\, el diseño y el escándalo\, con un pie adentro y otro fuera de cualquier sistema\, De Loof puso en jaque con irreverencia crítica y humor corrosivo lo que entendemos por arte. \nAgradecemos la generosa colaboración del Complejo Teatral de Buenos Aires\, del Teatro Argentino de La Plata y del Museo de la Ciudad\, para la ambientación de la exposición\, y al Museo del Cine por la digitalización de las piezas audiovisuales.\nLa Fundación IDA colaboró en la restauración y el préstamo del archivo de Sergio De Loof utilizados en la exposición. \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/sergio-de-loof-sentiste-hablar-de-mi/
LOCATION:MAMBA | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires\, Av. San Juan 350\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CONFINES INTERIORES
DESCRIPTION:El Centro Cultural de Sierra de la Ventana exhibirá en su sala la muestra “CONFINES INTERIORES”\, de la artista plástica Mabel Stivaletta.\nLa artista estará presentando su obra el sábado 30 a las 19.00 hs\, invitamos a la comunidad a participar del evento.\nLa muestra estará abierta al público de martes a viernes de 9.00 a 13.00 hs y de 15 a 20hs\, sábado y domingos de 15 a 20hs. \nPara mayor información del artista y su obra: https://fadla.org/artistas/mabel-rosario-stivaletta/ \nDirección de Comunicación                                                                                                                                                                      Agencia de Desarrollo                                                                                                                                                                                            Tornquist Municipio \n+ INFO
URL:https://fadla.org/calendario/confines-interiores/
LOCATION:Centro Cultural  TORNQUIST\, Sarmiento 53\, Sierra de la Ventana\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:6 ARTISTAS 1 DISTRITO
DESCRIPTION:6 ARTISTAS 1 DISTRITO\n⠀\nSeis obras singulares entran en comunicación para dar lugar a una muestra que compone a través de la tensión generada por las diferencias. Distintos lenguajes y maneras de crear\, que van de la abstracción figurativa al expresionismo abstracto\, se conjugan en esta.\n⠀\nTe invitamos a recorrer la muestra que reúne a seis consagrados artistas pertenecientes al Distrito de las Artes que pasaron individualmente por Espacio Lezama Arte.\n⠀\n6 Artistas 1 Distrito\nAlejandro Avakian • Andrés Bestard Maggio • Mariana Capurro • Alicia Díaz Rinaldi • Liliana Fernández Infanzón • Marcelo Toledo\n⠀\n📅 Hasta el 10 de marzo\n🕙 Lunes a viernes en el Hall del Palacio Lezama\n📌 Av. Martín García 346\, La Boca \n+ INFO
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LOCATION:Espacio Lezama Arte\, Av. Martín García 346 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:José Fioravanti 1896-1977. Clasicismo y Modernidad
DESCRIPTION:El 4 de diciembre la Casa Museo Magda Frank – Fioravanti inaugura una exposición sobre la obra del célebre escultor argentino José Fioravanti en la Casa de la Cultura. \nFioravanti inició su carrera en 1919 con un premio del Salón Nacional y pronto ocupó un papel estelar en los escenarios de Argentina y Europa\, donde recibió el elogio de la crítica y la aceptación del ambiente artístico e intelectual. Su trabajo fue expuesto en espacios culturales emblemáticos\, como el Museo del Jeu de Paume de París y el Museo Nacional de Bellas Artes\, y obtuvo un Premio del Concurso de Artes Visuales del FNA en el año 1971. \nInfluenciado por el arte de la Antigüedad y por los franceses Rodin y Maillol\, Fioravanti contribuyó a construir en territorio argentino la identidad de una nación cosmopolita en el período que ingresaron al país las grandes masas migratorias. Con sus hábiles manos trasladó a la piedra personajes heroicos y pasajes centrales de nuestra historia\, como en el conjunto de piezas que integran el Monumento Nacional a la Bandera. Precursor además del arte Pop\, es autor del famoso Monumento al Lobo Marino de Mar del Plata\, entre otras destacadas obras. \nLa muestra se podrá visitar gratis hasta el 8 de marzo en la Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA.
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LOCATION:Casa de la Cultura\, Rufino de Elizalde 2831 - Barrio Parque\, CABA\, Buenos Aires\, C1425\, Argentina
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SUMMARY:No me le afloje la Cola a la Vaca. Víctor Quiroga
DESCRIPTION:El próximo viernes 6 de Diciembre a las 20:30 hs se inaugurará en la sala principal del Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro (9 de julio 44) “No me afloje la cola a la vaca”\, una exposición retrospectiva del artista tucumano Víctor “Tito” Quiroga. La misma permanecerá en exhibición hasta Marzo del 2020; y podrá ser visitada de martes a viernes\, de 9 a 12:30 y de 16:30 a 20:30 hs; sábados y domingos de 16:30 a 20:30 hs. y feriados de 17:30 a 20:30hs. Entrada libre y gratuita. \nQuiroga es uno de los máximos exponentes de la pintura tucumana de las últimas décadas. Sus obras narran sobre los mitos y leyendas populares de Argentina y de la propia identidad tucumana. De tenor costumbristas\, están enmarcadas en un “realismo mágico” entre lo rural y lo universal\, donde se ven sucesos cotidianos o paisajes a veces conocidos\, a veces oníricos\, de esencia romántica\, irónica\, intimista\, social y ancestral; donde la vida diaria es atravesada por mitos y leyendas de las culturas originarias locales. \nEl artista cuenta algo de lo que sucede en sus obras\, piezas de color efusivo\, sin miedo a exagerar la forma ni la cromática. Aparecen diferentes escenas de la vida\, como un personaje que jugaba a la pelota o unos amigos tomando vino. Pero quizá lo más llamativo de su pintura son los prodigiosos cielos que cubren esas escenas que destilan cultura popular por donde se las mire. \nSegún Esteban Blanco\, en la obra del artista a veces nos encontramos con un arte que nos parece extrañamente familiar\, casi una memoria archivada\, pero para el cuál no tenemos apoyo en la experiencia: “la pintura de Víctor Quiroga nos provee precisamente este sentido de deja-vu sensual. Estas escenas de sueños\, pobladas de personajes escapados a Thomas Hart Benton\, se revelan a una luz fantasmagórica en la que flotan animales mágicos – algunos amenazantes y sugestivos –\, en otras\, una claridad cegadora baña personajes y objetos con la misma tonalidad espectral pero del otro lado del registro cromático. \n“Un rumor de cielo surca caminos de aire. En la noche. En el alba. Gestos de machetes deambulan en el pupo del cañaveral. Fauces perrunas. Ciegos. Sordos. Mudos. Rostros de la indiferencia arropan las garras de la droga. Rojos. Negros. Desvisten el sufrimiento en la inercia del cuerpo. De la mente. Siglo del árbol caído. Cerro de nubes. Ráfagas de baile en el patio de tierra del año nuevo. Vaca suspendida de tiempo… \n…Sueño de niño en la calle del techo del mundo. Manos de la vergüenza. Del llanto. Cubren la indignación de la Libertad. Un horizonte se bifurca en ese murmullo de cielo que desarropa la vida. Algo de esto vive en las sombras y en el alma de los pinceles de Víctor Quiroga.” Huellas del Horizonte\,                                        por Roberto Espinosa. \n  \nHasta marzo 2020 en el Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes «Timoteo Navarro»\, 9 de Julio Nº 36\, San Miguel de Tucumán\, Tucumán\, Argentina
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SUMMARY:Festival Internacional de Videoarte
DESCRIPTION:Más de 50 obras de aproximadamente 100 artistas participarán del Festival que se propone incentivar a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea. \nEl Festival\, que reúne anualmente una perspectiva actualizada de la escena audiovisual contemporánea internacional\, exhibirá este año en su «Selección Oficial» 54 obras de 97 artistas. Las obras participantes fueron seleccionadas por el jurado sobre 2285 videos presentados por más de 2000 artistas de 99 países de los 5 continentes. \nFIVA\, cuenta con el apoyo de Mecenazgo\, un programa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires que permite conseguir financiamiento para el desarrollo de proyectos artísticos y culturales. \nEn la Argentina es la primera vez que se desarrolla con continuidad un festival de este estilo\, de nivel global\, ubicándolo en el calendario anual de festivales internacionales. De esta manera\, FIVA se propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea\, beneficiando de este modo la producción de los realizadores. \nEl encuentro\, realizado por Soledad Sánchez\, Marcela Andino y Hernán Raggi\, contará este año con un prestigioso jurado integrado por María Pallier (España)\, Gustavo Romano (Argentina) y José-Carlos Mariátegui (Perú)\, personalidades destacadas del ámbito artístico nacional e internacional. \nEntre los artistas argentinos seleccionados que participan del Festival se encuentran Narcisa Hirsch\, Lucía Sbardella\, el cordobés Federico Robles\, Carrie Bencardino\, Luis Sara\, Pablo Magne\, entre otros. También fueron seleccionados artistas de Tailandia\, Francia\, España\, Alemania\, Italia\, Reino Unido\, Pakistán\, Brasil\, Perú\, México\, entre 100 países participantes. \nEl domingo 15 de diciembre a partir de las 20 horas FIVA anunciará y entregará los premios a los ganadores. \n“Proponemos sostener la difusión de prácticas artistas contemporáneas en el formato de experimentación audiovisual\, en algún momento se daba por muerto al videoarte y sin embargo acá está\, más vital que nunca”\, explicaron los organizadores. Este año el Festival superó ampliamente la convocatoria de las 8 ediciones anteriores. Se presentaron más de 2000 propuestas artísticas. \nEl festival cuenta una extensa programación de proyecciones en concurso\, una selección fuera de concurso y suma obras de artistas de la Patagonia en el marco de la participación de la Secretaria de Cultura de Santa Cruz\, invitados especialmente por el Festival. \n  \nFestival Internacional de Videoarte\nDesde el 12 de diciembre al 15 de diciembre de 2019\nEntrada gratuita \nEl Cultural San Martín\nSarmiento 1551 \n 
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LOCATION:El Cultural San Martín\, Sarmiento 1551\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:DIAGO: EL PASADO DE ESTE PRESENTE AFROCUBANO
DESCRIPTION:Los prejuicios raciales y la discriminación que ha sufrido la población negra históricamente constituyen el leitmotiv de Diago: The Pasts of this Afro-Cuban Present\, la más reciente muestra del artista cubano Juan Roberto Diago\, expuesta en el Lowe Art Museum\, de Miami\, hasta el 19 de enero de 2020. \nEl propio título da cuenta de la persistencia del racismo en la Cuba contemporánea. Los rostros de enormes ojos carentes de bocas que refleja Diago en su obra denuncian una marginación sutil\, subrepticia\, a veces oculta\, que permanece aún latente en la sociedad cubana. “Son figuras que están mirándote de frente\, retándote\, sin boca porque no pueden hablar\, porque a través del tiempo se nos quitó la palabra pero no el pensamiento”\, ha explicado el artista. \nLas obras\, trabajadas con técnicas mixtas\, comprenden un recorrido por el quehacer artístico de Diago durante más de veinte años. La trayectoria del creador ha estado marcada por una lucha sostenida contra la exclusión y el racismo hacia los hombres y mujeres negras\, y por su reivindicación en el entorno sociocultural cubano. \n“Antes porque éramos esclavos\, esclavizados por un amo\, por un sistema de producción de esa época\, y hoy esclavizados por los problemas que generó todo ese inicio\, que se mantiene. Seguimos siendo una población preterida\, lo mismo en Cuba que en Estados Unidos”\, declaró en el contexto inaugural de la exposición a inicios de noviembre.
URL:https://fadla.org/calendario/diago-el-pasado-de-este-presente-afrocubano/
LOCATION:Lowe Art Museum\, 1301 Stanford Dr\, Miami\, FL\, Miami\, Estados Unidos
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SUMMARY:Festival Internacional de Videoarte
DESCRIPTION:Más de 50 obras de aproximadamente 100 artistas participarán del Festival que se propone incentivar a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea. \nEl Festival\, que reúne anualmente una perspectiva actualizada de la escena audiovisual contemporánea internacional\, exhibirá este año en su «Selección Oficial» 54 obras de 97 artistas. Las obras participantes fueron seleccionadas por el jurado sobre 2285 videos presentados por más de 2000 artistas de 99 países de los 5 continentes. \nFIVA\, cuenta con el apoyo de Mecenazgo\, un programa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires que permite conseguir financiamiento para el desarrollo de proyectos artísticos y culturales. \nEn la Argentina es la primera vez que se desarrolla con continuidad un festival de este estilo\, de nivel global\, ubicándolo en el calendario anual de festivales internacionales. De esta manera\, FIVA se propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea\, beneficiando de este modo la producción de los realizadores. \nEl encuentro\, realizado por Soledad Sánchez\, Marcela Andino y Hernán Raggi\, contará este año con un prestigioso jurado integrado por María Pallier (España)\, Gustavo Romano (Argentina) y José-Carlos Mariátegui (Perú)\, personalidades destacadas del ámbito artístico nacional e internacional. \nEntre los artistas argentinos seleccionados que participan del Festival se encuentran Narcisa Hirsch\, Lucía Sbardella\, el cordobés Federico Robles\, Carrie Bencardino\, Luis Sara\, Pablo Magne\, entre otros. También fueron seleccionados artistas de Tailandia\, Francia\, España\, Alemania\, Italia\, Reino Unido\, Pakistán\, Brasil\, Perú\, México\, entre 100 países participantes. \nEl domingo 15 de diciembre a partir de las 20 horas FIVA anunciará y entregará los premios a los ganadores. \n“Proponemos sostener la difusión de prácticas artistas contemporáneas en el formato de experimentación audiovisual\, en algún momento se daba por muerto al videoarte y sin embargo acá está\, más vital que nunca”\, explicaron los organizadores. Este año el Festival superó ampliamente la convocatoria de las 8 ediciones anteriores. Se presentaron más de 2000 propuestas artísticas. \nEl festival cuenta una extensa programación de proyecciones en concurso\, una selección fuera de concurso y suma obras de artistas de la Patagonia en el marco de la participación de la Secretaria de Cultura de Santa Cruz\, invitados especialmente por el Festival. \n  \nFestival Internacional de Videoarte\nDesde el 12 de diciembre al 15 de diciembre de 2019\nEntrada gratuita \nEl Cultural San Martín\nSarmiento 1551
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LOCATION:El Cultural San Martín\, Sarmiento 1551\, CABA\, Argentina
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