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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:RODIN\, CENTENARIO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje al escultor francés a un siglo de su muerte con la exhibición de un conjunto de esculturas y dibujos de la colección del Museo. Dos obras clave\, La Tierra y la Luna y El beso\, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin\, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó nuestro museo nacional. \nSalas 10 y 20\, Planta baja \nCurador/a: Mariana Marchesi
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LOCATION:Museo Nacional Bellas Artes\, Av. del Libertador 1473\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Josefina Robirosa\, Antológica 1956-1997
DESCRIPTION:“El cuadro se pinta solo. Al pintar hay un mapa interior que uno pone afuera. Claro que el cuadro es mejor cuanto mejor es ese mapa”. \nJosefina Robirosa -de ella es la cita- ciertamente tenía un atlas maravilloso en su interior\, un mapamundi que traspasó las fronteras de los estilos\, una cartografía que utilizó para pintar una trayectoria plena de riqueza y sentido\, un plano que la guió en sus numerosas búsquedas y que derivó en múltiples hallazgos. Muchos de ellos forman parte de “Antológica 1956-1997”\, la muestra que se exhibe en Casa Victoria Ocampo\, en Barrio Parque. Con esta contribución a la revisión y revalorización de la obra de Robirosa\, el Fondo Nacional de las Artes(FNA) abre el calendario de exposiciones artísticas temporarias 2018\, año de su 60º aniversario. \nDesde sus inicios en la pintura\, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo\, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora\, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90\, y durante ocho años\, formó parte del directorio de la entidad. En 2016\, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales. \nMercedes Casanegra\, curadora de la muestra\, comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que\, a mediados de los años 50\, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega. \nEn 1957\, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de ´Siete Pintores Abstractos´\, entre quienes se contaban Martha Peluffo\, Kazuya Sakai\, Rómulo Macció y Clorindo Testa. \nEn esa época\, Robirosa “practicaba una abstracción cálida\, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea\, inmediata\, en un tono contenido y sutil”\, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas\, que disponía\, a menudo\, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes\, que plasmó en témperas\, dibujos y monocopias”\, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas\, a otros seres animados\, al universo\, a las máquinas imaginarias. \nHacia 1967\, Robirosa empezó a experimentar en pintura con líneas\, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes\, una versión de arte óptico. “En esa vertiente\, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego\, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas\, figuras sintéticas\, aparición del cuerpo humano\, juegos de luz\, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen\, el cual surgió a través del dibujo”\, explica Casanegra. \nHacia mediados de la década de 70\, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”\, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”\, dijo en el momento del cambio. \nEste encuentro con la naturaleza\, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra\, pueden verse del 15 de marzo al 15 de mayo en la muestra de CVO.
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LOCATION:Casa Victoria Ocampo\, Rufino de Elizalde 2831\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:“Dinámicas Geométricas” de ROGELIO POLESELLO
DESCRIPTION:El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) abrió este viernes sus puertas a “Dinámicas Geométricas” de Rogelio Polesello\, uno de los artistas más importantes de la historia pictórica argentina. \nA través de sus obras el espectador transita “un largo recorrido que va desde los agitados años sesenta hasta nuestros días”\, detalló Ivana Quiroga\, coordinadora de Museos\, y explicó que este pintor y también escultor “utilizó diferentes técnicas\, disciplinas y lenguajes\, explorando los límites de la abstracción geométrica\, óptica y cinética”. \nRodrigo Alonso\, curador de la exposición\, ahondó en la profundidades del creador del arte óptico\, “logrando ser considerado uno de sus mayores exponentes en Latinoamérica”. “Trabajó desde un lugar lúdico\, colorido y con mucha participación del espectador” y “a lo largo de su carrera transitó por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico”. \nRespecto a las obras\, el curador describió que son pinturas y acrílicos y que el reconocimiento del artista fue en década del 60 “por la producción de unos acrílicos con lentes que hace que todo lo que se vea a través de ellos se distorsione en sus lienzos”. \n“Aquí es donde entra la participación del espectador porque se ve muy diferente a través de estos acrílicos”\, concluyó Alonso. \nLa muestra que inaugura este viernes y que se podrá ver hasta el 3 de junio\, reúne piezas de acrílico y pinturas que pertenecen a las últimas producciones de Polesello\, además de algunas piezas consideradas representativas de los años sesenta. \nComo es habitual\, el ingreso al MNBA Neuquén es abierto y gratuito\, en tanto que las visitas guiadas se realizan de martes a domingo\, puntualmente a las 19. \nINAUGURACIÓN Dinámicas Geométricas de Rogelio POLESELLO  \nViernes 23/3 – 20 hs en el Museo Nacional de Bellas Artes\, Neuquén \n Entrada libre y gratuita
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LOCATION:MNBA Neuquén\, Calle Mitre y Santa Cruz\, Patagonia\, Neuquén\, Argentina
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SUMMARY:Clara Carrié. Los designios del grabado.
DESCRIPTION:En Sala 2\, el museo invita a una gran muestra homenaje de la artista Clara Estela Carrié Domínguez (Ushuaia 1901 – Buenos Aires 1985)\, quien tuvo vínculos familiares muy próximos con nuestra provincia. La exhibición de sus trabajos significa también la exhibición de su vida y pasiones\, su destreza técnica\, su mirada sobre los cuerpos y su representación. Se trata además de la puesta en valor de un riquísimo fondo de obras que salen a la luz\, producto de las tareas de rescate y estudio realizadas en nuestro museo.\nLa exposición dará cuenta de la labor de la artista en la disciplina del grabado y el dibujo\, rescatando gran parte de su producción conservada en el patrimonio del museo.\nLa artista Clara Carrié era hija de Félix Augusto Carrié y Romana Elisa Domínguez\, sanjuaninos que cumplieron importantes funciones públicas en la provincia y el exterior\, supieron sentar los lazos que la artista mantendría con San Juan y los artistas de la época.
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson\, Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste.\, Pcia. San Juan\, Argentina
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SUMMARY:TRANS / CIS
DESCRIPTION:  \nEn el concierto del arte contemporáneo peruano\, Jorge Eielson (1924-2006) y Emilio Rodríguez-Larraín (1928-2015) han pasado de ocupar lugares claves en un panorama a detentar posiciones francamente fundacionales en una historia. Contemplar el cambio en la fortuna crítica de ambos en el ámbito peruano desde 1979 a la fecha revela una transformación del gusto y un re-centramiento del arte actual en aras de la definición de una contemporaneidad propia\, al punto que al día de hoy la escena local de lo contemporáneo no podría imaginarse a sí misma sin la existencia de ambos: son figuras que ostentan procesos y trayectorias deslumbrantes. En el mundo de las consagraciones instantáneas que marcan la actualidad\, son dos individualidades creadoras que ejemplifican integridad y entrega\, audacia y sabiduría\, y de este modo resultan ejemplares entre los ya consagrados y se constituyen en verdaderos faros para los aspirantes. \nRevolver Galería ofrece al público un singular diálogo entre obras de ambos creadores en el espacio de su nuevo local en El Olivar de San Isidro. Desde la Bienal de Venecia de 1964\, en la que se destinó un área limitada para el montaje de los artistas que conformaban el envío peruano\, no se ha dado una presentación conjunta de obras de Eielson y Rodríguez-Larraín\, en profusión\, dentro de un mismo y acotado espacio expositivo. Ni siquiera en la III Bienal de Trujillo de 1987 estuvieron en esta proximidad. \nSus procesos creadores\, bien diferenciados entre sí\, se prestan\, sin embargo\, para evidenciar la riqueza inherente al nacimiento de lo contemporáneo en el Perú. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín se convirtieron en su larga estadía en Europa en peruanos esenciales que decantaron su comprensión de las distintas hebras de un patrimonio estético nacional\, en medio de intercambios con lo más radical del arte europeo de su tiempo\, a través de su amistad y condición casi de fellow-travellers\, o compañeros de ruta\, de los artistas europeos inconformistas de su tiempo. \nSi la propuesta de juntar obras de ambos resulta audaz es porque busca hacer del señalamiento de sus distancias estéticas el eje principal para construir el reconocimiento de una necesaria coexistencia complementaria\, piedra angular de la contemporaneidad artística peruana. Y no se trata de hacer el retrato de un punto de origen binario. Lejos de ello\, la muestra celebra lo proteico y contrastante tanto entre dos artistas de sensibilidades de una audacia irreprimible\, como dentro de los hoy inverosímiles procesos de creación que cada uno siguió. Tanto Eielson como Rodríguez-Larraín son de la estirpe de los creadores inclasificables que crean obra multiforme e inagotable\, podría decirse que siguiendo el comportamiento de la naturaleza. \nEn la práctica artística de ambos hubo lugar tanto para la creación material y las presencias objetuales\, como para planteamientos conceptuales-proyectuales y las presencias efímeras y deleznables. Pero\, mientras que es frecuente que el azar\, la desmesura y la exactitud geométrica se den cita paradójicamente en la sensibilidad visionaria de Rodríguez-Larraín\, en la de Eielson la materialidad y el color se tensan y amalgaman en un cuerpo sexuado y generan un efluvio gozoso que alude\, además\, a la incertidumbre como principio de la ciencia. \nRodríguez-Larraín y Eielson encontraron una razón de ser en el arte más allá de las convenciones y a través de sus obras se muestran innovadores en las profundidades del espíritu\, trabajadores incansables en una renovación cultural que aún está por venir. \nPor Jorge Villacorta
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LOCATION:Galeria Revolver\, Pasaje de José Olaya 110\, cercado de Lima\, Lima\, Perú
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SUMMARY:GUSTAVO VÉLEZ. Origen
DESCRIPTION:El día 19 de abril a las 7:30 pm la galería de Arte Enlace Arte Contemporáneo inaugurará la exposición individual de esculturas del artista colombiano Gustavo Vélez\, en Av. Camino Real 1123 de San Isidro. \nGustavo Vélez\, Medellín\, Colombia\, 1975; Estudió en la Academia Lorenzo de Medici en Florencia\, Italia y concluyó su formación en los talleres de Pietrasanta\, lugar que frecuenta desde hace más de 20 años y en el cual tiene actualmente su estudio de escultura. \nLa muestra consta de alrededor de 15 esculturas trabajadas en mármol carrara\, gris y negro\, bronce y aluminio\, de mediano y gran formato. En el trabajo de Gustavo Vélez\, sobre todo en la serie actual de obras\, se pueden apreciar conjeturas en torno a propiedades geométricas\, su progresión\, el pliegue\, en especial la geometría del cubo\, su superfoliado. Son intuiciones del espacio desarrolladas plásticamente. Vemos un ejercicio de (auto)didáctica esquemática en el desarrollo de prácticas de proporcionalidad\, esquemas con órdenes determinadas de construcción y desarrollo. \n«Busco la armonía en las líneas para que la dureza y la pesadez de los materiales tengan un toque de delicadeza y transparencia. Creo que el desafío es lograr que la escultura se vuelva ligera y que flote en el espacio como una provocación del infinito”. \n“Cuando estoy frente a un bloque de mármol\, quiero disolver ese cubo y convertirlo en movimiento\, girarlo sobre un eje. Geometría\, dentro de Geometría”. Gustavo Vélez \nEn Japón\, ha realizado muestras en galerías de Tokio\, Utsunomiya\, Iwaki y Yokohama. Su última exposición en Japón fue en 2015 en la Galería Seiho de Tokio. Vélez ha realizado exposiciones en reconocidas galerías y museos de China como el Museo de la Ciudad Imperial de Beijing. También ha participado en las ferias Art Shanghai\, KIAF de Corea y Art Stage de Singapur. En el 2009 realizó la escultura monumental “Flying”\, Mármol Blanco Coreano que se ubicó en el Parque de Esculturas Art Valley de Seúl. \nEn Europa\, Gustavo Vélez ha participado en ferias de arte en Londres\, Madrid\, Barcelona y Mónaco. Además\, cuenta con una trayectoria ya consolidada como artista presente en Pietrasanta\, Toscana Italiana a la que llegó en 1996 y en la que concentra la mayor parte de la creación de sus obras en mármol y bronce. En el 2013 fue elegido para la muestra individual de escultura que se realiza en esta localidad italiana\, en la emblemática Piazza del Duomo y la Chiesa di Sant`Agostino con esculturas de bronce\, acero y mármol que llegaban hasta los siete metros de altura y ocho toneladas de peso. \nEn el continente Americano ha participado en ferias y muestras en Estados Unidos\, Ecuador\, México\, Venezuela\, Panamá\, Colombia y Perú. Sus esculturas\, pudieron ser observadas durante el 2011 y 2012 en el Museo Arqueológico y Contemporáneo de Guayaquil\, el Museo de Arte Moderno de Cuenca y el Museo de Arte Moderno de Quito\, en Ecuador. Así como en el Museo de Arte del Tolima\, en Colombia. \nLa muestra GUSTAVO VÉLEZ podrá ser visitada en La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO hasta el día 1 DE JUNIO en el horario de lunes a sábados de 11.00 am a 8:00 pm; la entrada es libre y gratuita.
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LOCATION:Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, Jirón Breña 281 Breña\, Lima\, Lima\, Peru
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SUMMARY:Rogelio Yrurtia. Canto al trabajo
DESCRIPTION:Curada por Andrea Elías directora del Museo Casa de Yrurtia\, (Ministerio de Cultura de la Nación)\, presenta obras y documentos del monumento Canto al trabajo\, uno de los grupos escultóricos más sobresalientes del arte argentino\, inaugurado en 1907 en la plazoleta ubicada en Paseo Colón e Independencia\, de la ciudad de Buenos Aires. \nYrurtia recibió el encargo del monumento de la municipalidad de Buenos Aires en 1907\, y a partir de ese momento su propuesta original fue modificándose y creciendo en cantidad de figuras a lo largo de los años que le llevó la realización en su taller parisino. Canto al Trabajo\, fundido en los talleres de Alexis Rudier en París\, se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1922. El grupo se expone allí hasta 1927 fecha en la que se lo instala en la Plaza Dorrego (San Telmo)\, lugar en el que permanece una década. \nLas esculturas en bronce que se presentan son estudios para el monumento y forman parte de la colección del Museo Casa de Yrurtia.  La fundición\, realizada a partir de los yesos que conserva la institución\, fue encargada por Lía Correa Morales -esposa del escultor- durante su gestión como directora. \nLa muestra incluye retratos y material de archivo del museo\, y del Instituto Tarea de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). Podrá visitarse hasta el 29 de julio.
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LOCATION:MAT Museo Arte Tigre\, Av. Victorica 972\, Tigre\, Provincia de Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:Tropicália y Éden\, de Hélio Oiticica
DESCRIPTION:TROPICÁLIA Y ÉDEN\nEstas dos obras\, consideradas entre las más importantes del artista brasileño Hélio Oiticica\, son instalaciones penetrables que invitan al público a sumergirse en el universo del carioca a través de experiencias sensoriales. \nEl espectador forma parte\, recorre con los pies descalzos un espacio habitado por aves\, plantas tropicales\, agua\, piedras y alfombras de revistas\, y así se va conectando con el espíritu de la búsqueda de Oiticica: un arte que nos desafía a asumir un rol más activo. \nTropicália es un laberinto sin salida\, un mapa que funciona como una crítica al estereotipo de Brasil como paraíso tropical y que pone en escena la estética de las favelas como símbolo nacional. Su alcance fue tal que a fines de la década del ’60 influyó en el surgimiento del Tropicalismo\, un movimiento cultural brasileño de intención renovadora. \nEn Éden hay espacios diseñados para que el público pueda relajarse y conectarse con un estado de ocio que Oiticica consideraba indispensable para lograr una libertad interior tal que lo llevara hacia la creatividad. La obra da un paso más allá en la abstracción y se desprende\, entonces\, de las imágenes para poder reflexionar. \nTropicália y Éden llegan a Buenos Aires tras un exitoso paso por Nueva York y Londres\, entre otras ciudades\, en 2017. \n«Tropicália\, con su multitud de imágenes tropicales\, es una especie de condensación de varios lugares reales. Tropicália es un tipo de mapa: es un mapa de Río y es un mapa de mi imaginación. Es un mapa en el cual uno entra. En Tropicália creé una especie de escena tropical\, con plantas\, guacamayos\, arena\, piedras\, guijarros\, grava … La sensación terrible que sentí allí dentro fue como si estuviera siendo devorado por mi propio trabajo\, como si fuera un gran animal. Interpreté esto como si una transformación estuviese siendo procesada en mi trabajo y pensamiento. El problema de la imagen se presenta aquí objetivamente\, y si bien el mismo es universal yo lo propongo como típicamente nacional\, tropical y brasileño. Quise acentuar este nuevo lenguaje con elementos brasileños en un intento extremadamente ambicioso de crear un lenguaje que fuera nuestro\, erigiéndose frente a la imagética internacional del Pop Art en la que una buena parte de nuestros artistas estaban sumergidos. \nEn Éden traduje mis experiencias personales en algo abierto. Al fin\, esas cabinas son todas parecidas. Todas están basadas en una sensación de ocio\, son un lugar donde acostarse\, donde pensar. La arena\, la paja\, en las que uno se acuesta o permanece de pie\, son nada más que accesorios para algo que siempre se relaciona con una condensación de percepciones; se trata de estar en una situación donde uno puede liberar dentro de sí algunas cosas esenciales. Éden es un «campus» experimental\, una especie de aldea donde todas las experiencias humanas son permitidas. Es un lugar mítico para las sensaciones\, para las acciones y para la construcción del cosmos interior de cada uno – por eso\, se dan proposiciones abiertas e incluso materiales brutos y crudos para que el participante lleve a cabo acciones con ellos. Nunca estuve tan contento como con el proyecto de Éden. Me sentí completamente libre de todo\, incluso de mí mismo.» \nHélio Oiticica\n\nDel 04.05 al 01.07 | Salón Mayor. Entrada libre y gratuita.\n\n\n\nMartes a jueves de 14 a 19 h\nViernes\, sábados\, domingos y feriados de 10 a 21 h\n\n\n+ INFO
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LOCATION:Usina del Arte\, Agustín Caffarena 1 - La Boca\, CABA\, Buenos Aires\, Argentina
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