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SUMMARY:Samson Flexor: Traçados e Abstrações
DESCRIPTION:La exposición Samson Flexor: Traçados e Abstrações es una presentación de la producción del artista\, con énfasis en la abstracción geométrica\, con obras de 1948 a 1960. \nLos dibujos indican relaciones evidentes en el propio camino de Flexor y\, por ello\, el título de la exposición nació de la observación de este segmento que\, a través de muchas apariciones de su pensamiento\, multiplicó formas\, planos y espacios en diagramas que se proyectaron en muchos otros.\n \nLas líneas y las abstracciones resultantes constituyen la esencia misma de la estética abstracto-constructiva-expresiva del artista\, especialmente cuando dirigió el “Abstraction Ateliê” a partir de 1951. \nLos dibujos a lápiz grafito y tinta china nos muestran un recorte de la obra en el estudio\, permitiendo el contacto con lo que\, normalmente\, está a la sombra del público. \nSu observación nos lleva a darnos cuenta de que el arte es el resultado de un trabajo minucioso\, de la dedicación al ejercicio de hacer y\, sobre todo\, de una búsqueda constante de un lenguaje que se desarrolla en el tiempo.\n \nFinalmente\, cabe señalar que Samson Flexor: Traçados e Abstractações puede componer\, para los visitantes de la exposición\, un panorama de la obra del artista.  \nWalter Zanini lo definió como “una búsqueda del ordenamiento calculado de formas y colores\, con una atención incesante al movimiento que llega a su clímax en lienzos con múltiples polos de fuga\, con espacios que emergen y retroceden y que\, luego\, abordan de forma gestual pintura para desarrollar una figuración rigurosa y sistemática de su plástica”.                                                                                                                    Carmen S. G. Aranha – Curadora
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LOCATION:Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) – MAC Ibirapuera\, Pavilhão Ciccillo Matarazzo\, 3° piso Parque Ibirapuera\, São Paulo\, Brasil
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SUMMARY:Débora Arango. La vida con toda su fuerza admirable.
DESCRIPTION:En esta exposición\, que retrata la vida con toda su fuerza admirable\, como Arango la describiría\, las obras se agrupan en temas que atraviesan su trayectoria de manera transversal y que dan cuenta de las preocupaciones fundamentales en su vida y obra. Desnudos\, el placer\, la religión\, la mujer y la sociedad\, contexto político\, y el retrato fueron algunos de los temas que informaron su producción artística y su visión de la vida y el entorno. \nDébora Arango nació en Medellín a comienzos del siglo pasado. La pintora antioqueña trabajó y experimentó durante su polémica carrera con la acuarela\, el óleo y la cerámica. Fue alumna del maestro Eladio Vélez\, reconocido acuarelista de la ciudad\, y del muralista antioqueño Pedro Nel Gómez\, de quien heredó su pasión final por la pintura en gran formato y por la pintura al fresco\, técnicas que sin embargo nunca aplicó debido a las limitaciones a las que estaban sujetas las mujeres de su época. Es a Gómez a quien la pintora reconocerá como su gran maestro. \n\n\nCuraduría: Emiliano Valdés \nDel 02 de septiembre 2015 al 30 de septiembre del 2017
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LOCATION:Museo de Arte Moderno de Medellin\, Ciudad Del Río · Carrera 44 N° 19A-100\, Medellín\, Colombia
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SUMMARY:El esplendor del color y el goce de la vida de Ernesto Timoteo Soneira
DESCRIPTION:Los mundos de Ernesto Soneira. \nLas salas del subsuelo alojan la muestra antológica El esplendor del color y el goce de la vida de Ernesto Timoteo Soneira. Artista cordobés nacido en 1908. Estudió en la Academia Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta con el experimentado maestro Carlos Camilioni y con los nóveles\, pero no menos prominentes\, Antonio Pedone y Francisco Vidal. Mediante una beca del Gobierno de la Provincia de Córdoba realizó un perfeccionamiento en Europa en donde estudió con el mismo tutor  de Berni- Othon Friesz-. \nA lo largo de su obra\, transitó por una  galería de paisajes\,  desnudos -a menudo insertos en escenas pastorales y festivas-\, abordó el arte no figurativo y geométrico en donde utilizaba figuras –cuadrados y rectángulos\, triángulos y círculos– organizados\, frecuentemente\, en una composición predominantemente ortogonal y proporcional. La presente exposición recoge obras\, de una calidad excepcional\, representativas de las diversas etapas de creación de Soneira. La misma\, diseñada y curada por Guillermo Fantoni\,  se presenta en tres núcleos conductores: \n\nLa alegría de vivir: paisajes\, desnudos y escenas pastorales (incluye óleos sobre estos temas y un nutrido conjunto de dibujos a lápiz y tinta que constituyen apuntes del desnudo femenino y estudios preparatorios de escenas con figuras).\nEspacios para el placer: interiores y jardines\, figuras y naturalezas muertas (abarca los óleos sobre estos asuntos más una breve y sugestiva serie de acuarelas en la que predomina el tema de la naturaleza muerta).\nVocabularios universales y objetos cotidianos: abstracciones y mobiliarios (está compuesta de óleos abstractos conclusos y bocetos en témpera que muestran los estudios preparatorios de los mismos. También\, tres mesas\, una lámpara y dos piezas textiles que revelan la expansión de esa pintura concreta hacia la vida cotidiana a través del diseño de objetos).
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LOCATION:Museo Evita-Palacio Ferreyra\, Hipólito Yrigoyen 511\, Córdoba\, Córdoba\, X5004AHD\, Argentina
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SUMMARY:PATRIA Y PATRIMONIO
DESCRIPTION:Este viernes 22 el MUBA\, Museo de Bellas Artes René Brusau\, presentará la muestra “Patria y Patrimonio”. La inauguración tendrá lugar a las 20\,30 en Sala 1 de planta baja del  museo sito en Casa de las Culturas\, Marcelo T. de Alvear y Mitre. La muestra se efectúa en el marco conmemorativo de los 200 años de la independencia argentina\, y se expondrán pinturas de la colección patrimonial del museo. Permanecerá habilitada hasta el sábado 5 de noviembre con acceso libre y gratuito\, de martes a sábados de 9 a 13 y de 17 a 21. \nLa muestra resume la colección pictórica que el Museo de Bellas Artes René Brusau protege desde su creación\, hace 34 años. Patria proviene del latín y significa “padre”\, y Patrimonio\, también del latín\, “lo recibido por el padre”.\nEl director del Museo\, Jorge Tirner\, reflexiona en el marco del bicentenario y afirma que esta muestra se une a “la Patria que es un símbolo que nos ubica\, nos revela y nos distingue. Acá estamos\, estos somos y así somos. El Patrimonio es lo que la Patria nos ha dado\, para que cuidemos y disfrutemos\, y sigamos transmitiéndosela a los hijos que la Patria sigue y seguirá pariendo”.\nPor ello\, mantiene que “nuestros próceres dieron su vida para que hoy festejemos la libertad. Libertad que nos mueve a tomar decisiones por nosotros mismos\, a decidir sobre nuestro futuro y como queremos construirlo. Recorrimos estos primeros 200 años construyendo eso que nos hace únicos. Por eso el MUBA propone exhibir su muestra bajo este concepto\, celebrando todos juntos lo que hemos heredado. Porque el patrimonio que el MUBA protege es de todos\, es nuestro tesoro”.
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LOCATION:Museo de Bellas Artes René Brusau\, Marcelo T. de Alvear 90\, Casa de las Culturas\, tercer piso\, Chaco\, Chaco\, Argentina
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SUMMARY:El gran circo
DESCRIPTION:La Galería ENLACE ARTE CONTEMPORÁNEO\, AV. CAMINO REAL 1123 – San Isidro\, presentará EL GRAN CIRCO\, exposición individual en Lima del renombrado maestro argentino SERGIO CAMPOREALE\, quien estará presente durante la inauguración de su muestra\, la misma que se llevará a cabo el próximo jueves 22 de septiembre a las 7:30 pm Sergio Camporeale\, Buenos Aires 1937\, es un artista visual argentino de larga e importante carrera internacional; se especializó profundamente en el trabajo en acuarela y grabado y por supuesto la pintura\, las cuales ha desarrollado de una manera exquisita. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en el año 1961; Desde esa fecha ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Buenos Aires\, París\, Tokio\, Lisboa\, Nueva York\, Singapur\, Miami\, Panamá\, Lima y Bérgamo. En 1976 se estableció en París su compañera por espacio de dos décadas. En la galería parisina de Francony presenta su serie Retratos de Familia y Recibe el premio Halib Gargour en 1991. En 1998 expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá. Regresó a Buenos Aires en la década del 2000. En 2011 participó en la exhibición Artistas Latinoamericanos de Ascendencia Italiana en Washington DC. Sus obras se encuentran en colecciones de museos de Suiza\, Francia\, Estados Unidos\, Venezuela\, Colombia\, Argentina y Perú. La muestra que presenta en Galería Enlace\, está conformada por un conjunto muy original y llamativo de 22 trabajos de pequeño formato sobre MDF\, trabajados en acrílico y técnica mixta\, agrupados por semejanzas temáticas\, de una exquisitez técnica y material\, elocuentes y cargados de ironía y humor.; lo mismo que presenta un grupo de pinturas sobre tela de formatos mayores. Es una visión satírica\, sarcástica de la condición que el ser humano\, urbano en especial\, configuró sobre la tierra y sus relaciones\, y que muestra y tal vez intenta explicársela conminando al espectador a interactuar y dialogar por medio de su lenguaje e imágenes\, su interpretación visual\, pictórica. “Cada pintura es una adivinanza sin solución\, allí es donde busco la complicidad del espectador para crear otra realidad\, para desentrañar qué es lo que está pasando en la obra con sus escenas inconexas y los personajes desvariados\, y convertir esto en poesía.” afirma Sergio Camporeale. “Sergio Camporeale ha sabido crear paulatinamente un mundo\, un gran teatro o circo en donde transitan una variedad cantidad de actores y personajes que\, referenciados en una diversidad de escenarios muestran o aluden a sus condiciones\, propósitos y voluntades del hombre\, articulados del asombro a la impasividad\, de lo curioso a lo grotesco y hasta deforme y monstruoso; máscaras que ocultan\, pero que permiten aflorar las profundas pulsiones y pasiones\, seguramente las reales motivaciones\, en ese sentido nietzscheano en donde apariencia es igual a realidad. Nietzsche rechaza la verdad como realidad en nombre de la verdad como apariencia. El tajante cambio que realiza entre lo real y lo aparente en la esfera de la realidad\, ordenará que sea la voluntad la que conforme el vacío ontológico dejado por el ser\, o más bien la falta del mismo\, llegando a ser la voluntad\, delirante y egocéntrica muchas veces\, misma la que determine el criterio de verdad y de los valores.” Roberto Ascóniga\, Curador \nLa muestra “EL Gran Circo” de Sergio Camporeale podrá ser visitada por el público en la Galería Enlace hasta el día 29 de OCTUBRE\, de lunes a sábado de 11.00 am a 8:00 pm.\, la galería está ubicada en Avenida Camino Real 1123\, San Isidro. El ingreso es libre.
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SUMMARY:Avatares de la forma. Anselmo Piccoli\, de la figuración a la abstracción.
DESCRIPTION:Una exposición retrospectiva curada por Cristina Rossi que aborda las rupturas y continuidades en la obra y pensamiento de este artista rosarino. \n«Un cuadro es presencia\,\nes una realidad construida\npor nuestros sentidos.»\nAnselmo Piccoli \nDesde los años 30 hasta el final del siglo XX\, la trayectoria de Anselmo Piccoli atravesó un período central para el arte moderno. Sus trabajos tempranos pintaron el entorno rosarino y su gente\, a partir de una figuración testimonial que intentaba contribuir al cambio social\, según las enseñanzas de Antonio Berni en la Mutualidad. \nPiccoli colaboró con su maestro en la pintura de gran formato «Hombre herido» Si bien este tipo de pintura de carácter social era resistida en el circuito institucional\, lograron que ingresara en el XIV Salón Otoño\, aunque una vez exhibida recibió duras críticas. \nDesde sus primeros dibujos sobre modelo vivo\, en los años 40 profundizó el trabajo sobre los géneros de la tradición pictórica dentro de una figuración de cuño realista que\, poco a poco\, se fue sintetizando. \nEstablecido en Buenos Aires desde octubre de 1943\, continuó los pasos de su maestro no solo en pintura\, sino también en el activismo político y gremial. \nFiltrada por la estructuración cezanneana\, las formas de sus paisajes\, bodegones y retratos de los años 50 se fueron sintetizando y\, poco a poco\, la composición se organizó mediante una retícula formal y cromática. \nEntre la década del 50 y la primera mitad del 60\, la obra de Piccoli recorrió un lento pero sostenido proceso de cambio. \nFue un tiempo de incesante trabajo en dibujo a partir de modelos y de estudios sobre la naturaleza\, en los que la luz comenzó a determinar el ordenamiento. \nPiccoli ha señalado que hacia 1958 tomó conciencia de que la pintura consistía en “dar vida con el color a un plano”\, respetando al objeto en su apariencia exterior y utilizando la luz en función de la estructura. Ese proceso de síntesis anticipaba las primeras manifestaciones de la abstracción de base geométrica. \nTras este proceso de decantación de la forma\, hacia finales de los 60 se produjo un viraje radical en el modo de interpretar la realidad que dio comienzo a su abstracción de base constructiva\, dentro de la cual encontró inflexiones para construir una poética rica en matices. La síntesis formal\, la estructura reticular y la primacía de la luz desembocaron en una concepción geométrica de la realidad que se plasmó en los planteos constructivos. \nMientras que las presentaciones de Piccoli en los salones de 1967 sorprendieron con sus primeras obras abstractas\, en 1969 presentó con éxito una primera exposición de abstracciones geométricas. Convencido de que era el único lenguaje capaz de interpretar a la sociedad de ese momento\, Piccoli expresó: «Desde que un sector importante de artistas renunció a representar los fenómenos aparenciales de la naturaleza\, el artista ha encontrado una relación más profunda con la naturaleza porque ha penetrado en sus leyes.» \nEn 1989 sufrió un infarto que no solo modificó su rutina de trabajo\, sino que también dejó huellas en el tratamiento del color de sus pinturas del período inmediato. Durante la convalecencia trabajó una serie de obras que revelan el abismo abierto por la proximidad de la muerte. Sin embargo\, tras ese período oscuro\, intenso y profundo –aunque breve– muchas composiciones de pequeño formato tuvieron interpretaciones en tamaños mayores con variantes que incluyeron texturas logradas con materiales diversos: virutas de madera y metal\, cartones corrugados o preformados\, varillas de aluminio y maderas. \nLa fortuna crítica de los artistas puede seguirse a través de la notoriedad alcanzada en el circuito institucionalizado o mediante su proyección hacia la posteridad. Si bien Piccoli logró los máximos premios que otorga el circuito de consagración\, el último núcleo de esta exposición integra obras de Norberto Puzzolo\, Eduardo Médici\, Marcelo Pombo y Santiago Villanueva\, que se apoyaron en algún aspecto de la obra\, el pensamiento o las acciones de Piccoli. Son obras de arte contemporáneo que\, a partir de la producción de un artista moderno\, extienden su trayectoria en el tiempo. \n«Avatares de la forma» recorre estas transformaciones desde una mirada retrospectiva\, que también incluye su proyección en el tiempo a través de algunos artistas contemporáneos que propusieron una reflexión en el presente a partir de algún aspecto de la trayectoria de este artista moderno. \nAnselmo Piccoli nació en la ciudad de Rosario\, provincia de Santa Fe\, en 1915. En su formación temprana fue clave el aprendizaje del dibujo a partir del modelo así como la práctica de la pintura mural. En 1935 realizó\, junto a su maestro Berni\, la obra de gran formato El hombre herido. Documento fotográfico\, pintada con soplete de aire comprimido y laca. En 1942 integró laAgrupación de Plásticos Independientes y\, luego\, se instaló en Burzaco. Poco a poco\, su figuración se fue sintetizando y\, en 1969\, realizó la primera exposición de arte no figurativo. Sus obras participaron en más de un centenar de exposiciones colectivas e individuales en la Argentina\, Alemania\, España y México\, lograron las más significativas distinciones\, como el Premio Gobierno de Santa Fe otorgado por el Salón Anual de Santa Fe (l980)\, el Primer Premio del Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano (1983) o el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Plásticas (1984) y\, actualmente\, forman parte del acervo de museos y colecciones privadas. Falleció en Buenos Aires el 12 de julio de 1992. \nMás info: http://www.bibliele.com/anselmo-piccoli/ \nCristina Rossi es Doctora en Historia y Teoría del Arte (UBA). Profesora e Investigadora de Arte Latinoamericano de la UBA y UNTREF. Coordina el equipo de investigación del proyecto Modernity\, Avant-Garde and Neo-Avant-Gardes in the Americas: Journals and archives at Espigas Foundation (1920s- 1950s)\, de Fundación Espigas-UNSAM apoyado por la Getty Foundation. Es autora de Jóvenes y modernos de los años 50 (2012) y de Raúl Mazzoni\, Experiencias bi-espaciales (2015)\, co-autora de Manuel Aguiar. Memoria y vigencia (2015)\,Luis Gowland Moreno. Una constante búsqueda de lo expresivo (2014) y de La abstracción en la argentina siglos XX y XXI (2011)\, autora y compiladora de Víctor Magariños D. Presencias reales (2011) y de Antonio Berni. Lecturas en tiempo presente (2010)\, entre sus últimas publicaciones. Participa en libros y revistas nacionales e internacionales. Es miembro del CAIA y de la AACA-AICA. Se desempeña como curadora independiente.
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LOCATION:Sede Castagnino\, Av. Pellegrini 2202\, Rosario\, Argentina
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SUMMARY:Alberto González Vivo - Simplemente formas
DESCRIPTION:«Alberto González Vivo trabaja sobre la energía vital\, la impresión que los estímulos producen en sus sentidos es fuente de inspiración para su obra que se inicia en la profunda percepción y continúa en un arduo trabajo de elaboración de obsesivos y minuciosos bocetos. Su obra oscila entre la abstracción geométrica y el op art y está influida por las investigaciones realizadas sobre la producción de los artistas Luis Tomasello\, Julio Le Parc\, Víctor Vasarely\, Martha Boto Eduardo Moisset de Espanés\, artista de la geometría generativa y creador del Centro de Investigaciones Plástico Matemáticas en Argentina.\nEl uso de la luz combinado con las formas geométricas y el atinado color aportan equilibrio a sus trabajos creando\, a la vez\, efectos de gran magnetismo. Círculos y cuadrados de diferentes dimensiones habitan con amplia libertad los espacios ingrávidos exhibiéndose para deleite de los observadores. El universo pictórico de este artista explora en profundidad el poder del color y de las formas. Su lenguaje plástico manifiesta mucho más de lo que el artista siente y piensa y permite al espectador atravesar la experiencia del placer intelectual y sensorial.»\nGrace Bayala  Curadora de Arte
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LOCATION:DAIN | Usina Cultural\, Nicaragua 4899\, CABA
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SUMMARY:Dos miradas del constructivo Julia Farjat - Claudia Fernández Farjat
DESCRIPTION:ACTIVIDADES\n\n\n\nCharla con las artistas viernes 14 de octubre 18 hs \n  \n\n\n\nArtistas participantes \nJulia Farjat \nCursó estudios de escultura con los maestros Leo Tavella\, Alberto Balietti\, Julián Agosta y otros conocidos artistas plásticos.\nA partir de 1972 comienza a especializarse en Escultura y desarrolla una intensa actividad en esta disciplina\, trabajando con diferentes materiales cerámica y el modelado\, talla directa en mármol\, granito\, madera y hierro soldado. \n  \nClaudia Fernández Farjat \n\nEn mi obra rige la ley de frontalidad que admite una tercera dimensión real con un orden ortogonal con respecto a la base. Trabajo con los opuestos\, uno al lado del otro\, lo femenino y lo masculino en un acto seminal como unión de complementos\, dando lugar a la búsqueda de equilibrios para que la tierra pueda ser habitada jerarquizando a la naturaleza. Una organización de planos y estructuras que se vinculan entre sí y pueden asociarse a los bloques pétreos levantados por contacto\, representando al urbanismo civil y religioso del mundo. \n\n  \nInaugura: 18hs  – Lun a Dom de 10 a 18 hs. – \nEntrada: libre y gratuita
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LOCATION:ESPACIO DE ARTE BANCO CIUDAD\, Esmeralda 660\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Más allá de la piel
DESCRIPTION:Marina Dogliotti\, Inés Vega y Betina Sor exhibirán en el Mumbat a partir del 8 de octubre obras de poética surrealista sobre la mujer. \nAbordando una temática de lo femenino las obras de arte de las tres artistas se presentan con un enfoque y una mirada especial\, ya que nos permitirán atravesar nuestras propias tinieblas e intimidades. Betina\, Inés y Marina exhiben que las mujeres han podido sortear los obstáculos\, narrándonos a través de su propuesta la historia femenina\, que es la historia de la aspiración a la libertad. \nUna muestra que nos ofrecerá la posibilidad de percibir sensibilidad\, a través de detalles y armonías\, sensualidad y pasión en un imaginario surrealista. Pero asimismo\, exhiben la historia de una epopeya de sacrificios\, sufrimientos y desesperación\, de esperas y esperanzas\, temor y orgullo de emprender el gran salto\, desde donde devendrá otro en alas de otra mujer. Detalles y simbologías que nos evidenciarán el mundo de la complejidad femenina. \n+ INFO
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SUMMARY:DANIEL ZELAYA Muestra antológica
DESCRIPTION:Continuando con las propuestas para celebrar el 90º Aniversario del Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, la Secretaría de Cultura de la Provincia y la Asociación Amigos del Museo invitan a la inauguración de la muestra antológica del destacado artista Daniel Zelaya. La selección reúne emblemáticas pinturas de la última etapa de su producción\, realizadas entre 1997 y 2010\, luego de su regreso a Entre Ríos. El encuentro está previsto para el viernes 14 de octubre a las 20 hs y será con entrada libre y gratuita.\nPequeños juguetes de hojalata\, autómatas\, personajes que interactúan en un universo de objetos icónicos\, varas con líneas rojas y blancas -semejantes a las usadas en seguridad vial- y papeles al viento son algunas de las constantes en el imaginario de las imponentes pinturas del artista Daniel Zelaya que serán exhibidas en las salas centrales del Museo Provincial de Bellas Artes a partir del Viernes 14 de octubre. \nReconocido a nivel internacional como pintor\, grabador y diseñador gráfico\, Zelaya utilizaba la técnica con gran habilidad tanto en óleo\, acrílico\, acuarela como en las diferentes formas del grabado. \nEl extenso recorrido de su trayectoria se inició en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires para continuar en París y Alemania\, donde desarrolló gran parte de su vida y su carrera como artista hasta 1983\, cuando regresa a Argentina para instalarse definitivamente en la ciudad de Colón\, Entre Ríos. \nZelaya realizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en Argentina\, Brasil\, Chile\,Colombia\, España\, Alemania\, México\, Italia\, Estados Unidos\, Francia\, Bruselas\, Suiza\, Oslo\,Canadá; Puerto Rico; Polonia; Londres; Tokio; Finlandia\, entre otros\, obteniendo múltiples distinciones y un gran reconocimiento a nivel mundial. \nLa muestra -ofrecida por la Asociación de Amigos del Museo Provincial de Bellas Artes junto a la familia del artista- en adhesión al 90º Aniversario del Museo\, exhibirá 16 magníficas piezas realizadas en Entre Ríos entre 1997 y 2010\, lo que permitirá a los visitantes aproximarse a su poética plástica\, absolutamente auténtica y personal. Las texturas\, colores\, ritmos y matices propios de la obra de Zelaya crean una atmósfera de apariencia festiva\, a veces crítica y otras veces serena\, pero siempre intensa y profunda. \nEsta propuesta busca poner en valor y compartir la obra de uno de nuestros artistas más destacados\, que ha trascendido largamente las fronteras de nuestra provincia\, acercando sus obras a las nuevas generaciones. \nLa inauguración\, que contará con la presencia de quien fuera su esposa y colega\, la reconocida escultora Gloria Priotti\, tendrá lugar el próximo viernes 14 de octubre a las 20 hs en el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, ubicado en calle Buenos Aires 355 de la ciudad de Paraná.\nLa muestra podrá visitarse con entrada libre y gratuita hasta el domingo 20 de noviembre. \nSobre Daniel Zelaya \nDaniel Zelaya nació en Buenos Aires en 1938. Inició sus estudios visuales en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Entre 1967 recibió una beca del Gobierno Francés\, por lo que residió hasta 1968 en París.Tres años más tarde\, integró el Grupo Grabas (Gráficos de Buenos Aires)\, realizando una intensa labor en obra seriada a través de numerosas exposiciones y viajes por América y Europa. \nDe 1975 hasta 1983 reside en Berlín (Alemania Occidental). En 1977/78 colabora en un proyecto de remodelación de la Universidad Técnica de Berlín. Paralelamente realiza afiches de actividades culturales para la Künstlerhaus Bethanien en Berlín y para el Teather am Turm en Frankfurt. \nEn 1982\, dentro del marco del Festival Horizonte ’82 de Berlin\, realiza una escenografía para ambientación de tango y co-participa en la creación y redacción del libro “Tango\, Melancholie der Vorstadt”\, editado en la misma ciudad. \nUn año después\, regresa definitivamente a la Argentina instalándose en Colón\, Provincia de Entre Ríos.En 1989 dicta en el Museo de Arte de Moderno La Tertulia de Cali (Colombia) un curso sobre técnica de pintura al temple y otro sobre técnica de grabado. En 1996 es invitado\, por The Tamarind Institute\, de Alburquerque\, New México (USA) para realizar una litografía que integra una edición de homenaje a Pablo Neruda. En 2008 colabora invitado por la fundación Arena (España) en la ilustración del libro “Icaro iconografía de un vuelo”. \nFallece en Colón en 2012. Tres años después\, el Municipio de Colón lo distingue otorgándole su nombre a una sala del Museo Histórico Regional de Colón su nombre. \nRealizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas en más ciudades de màs de 19 paises. Recibió múltiples distinciones y premios. \nSus obras figuran en: Museo Nacional de Bellas Artes – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – Museo Municipal de Arte E. Sívori – Museo de Arte Moderno de Nueva York – Gabinete de Estampa de la Biblioteca de París – Graphotek West Berlín – Artotek West Berlín – Theater am Turm\, Frankfurt – Museo de Arte Contemporáneo\, Caracas– Museo de Arte Moderno de Bogotá – Museo de Arte Moderno La Tertulia\, Cali – Biblioteca Arango\, Bogotá – Colección Benson & Hedges – Colección Chase Manhattan Bank\, Buenos Aires –Fundación Antorchas – Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro – Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Entre Ríos – Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y en colecciones privadas de América y Europa. \n+ INFO
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LOCATION:Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez\, Buenos Aires 355\, Paraná\, Entre Ríos\, Argentina
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SUMMARY:RAMIRO LLONA. GRANDES FORMATOS (1998-2016)
DESCRIPTION:La muestra Ramiro Llona.  Grandes formatos (1998-2016): El lugar de la pintura  que  el MAC Lima presenta\, reúne una selección de veintidós obras realizadas posteriormente a  su muestra Retrospectiva (1973-1998) llevada a cabo en el Museo de Arte de Lima\, la cual significaría el punto de quiebre entre una etapa de veinticinco años de producción y el inicio de un nuevo período caracterizado por la exploración de sus formatos que han ido creciendo hacia tamaños colosales y demandaría mayores retos en torno a sus procesos técnicos y en el desarrollo de su lenguaje. \nRamiro Llona formado en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú\, proviene desde las canteras de la difusión del expresionismo y el expresionismo abstracto.  Sin embargo\, gracias a espíritu inquieto  y libre\, su actitud exigente\, su interés por los artífices de la historia del arte y su deseo de acercarse a la escena internacional misma\, le ha permitido trastocarlos y transformarlos de manera constante. \nSu permanencia en Nueva York  (1977-2002) y su acercamiento a los expresionistas americanos y sus viajes a Europa y parte de Sudamérica\, generaron una gran simbiosis en su forma de entender la pintura\, tanto en su proceso como en su lenguaje\, haciendo de su pintura lo que actualmente es: una síntesis en el que se conjugan aportes del expresionismo\, el abstraccionismo y la geometría\, el minimalismo y el simbolismo\, permitiéndole construir un universo interior (paisajes interiores) marcado por su constancia y continuidad. \n+ INFO
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LOCATION:Museo de Arte Contemporáneo – Lima\, Av. Grau 1511\, Barranco\, Lima\, Perú
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SUMMARY:Alicia Penalba - Escultora
DESCRIPTION:Primera exposición antológica en un museo argentino de la artista Alicia Penalba\, compuesta por una selección de sus esculturas abstractas. Se incluyen cuarenta piezas de diferentes series y períodos: totémicas\, aladas\, monumentales y petits\, realizadas durante más de treinta años de trayectoria\, desde su radicación en París en 1948 hasta su fallecimiento repentino en 1982. Además\, se exhiben en la explanada del museo cuatro esculturas (una alada y tres tótems) concebidas por la artista especialmente para el espacio público. Las obras provienen de importantes colecciones privadas y públicas de nuestro país. \nDurante los años 50 y principios de los 60\, Alicia Penalba concibió diferentes series de obra: verticales o totémicas\, por elementos separados\, caracolas\, aladas\, dobles y formas voladoras. Con estas tipologías experimentó en múltiples repeticiones\, ritmos\, variaciones y cambios de escala; buscó contrastes entre texturas\, brillos y opacidades\, lo rústico y lo refinado. También alternó con la materia pesada de la arcilla fundida en bronce o en cemento -que desmaterializó mediante el uso de las resinas poliéster y de las transparencias del vidrio Securit-\, y jugó con el resplandor del dorado pulido\, el acero inoxidable y la alpaca. \nResultado de la colaboración con el Archivo Alicia Penalba -que además aportó datos claves para la investigación curatorial-\, la exhibición incluye dos vitrinas con porcelanas\, joyas\, tapices\, fotos y documentos\, que dan cuenta de su pensamiento y sus procesos de producción. Esta documentación también fue fuente del film documental realizado especialmente para la ocasión por El Pampero Cine. En el film se dan a conocer las obras de carácter monumental realizadas por Penalba en espacios públicos como la Universidad de Saint-Gall\, Suiza (1963); el Hakone Art Museum\, Japón (1969); la MGIC Investment Corporation Milwakee\, USA (1978) y la Société Roche Neuilly\, Francia\, entre otros. Estos trabajos posicionan a Penalba en un lugar destacado de la historia del arte no figurativo argentino\, por ser de las pocas mujeres en realizar obra escultórica de escala monumental. \nAlicia Penalba. Escultora continúa también la serie de proyectos de sala 3 que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que por diferentes motivos no han sido suficientemente reconocidas en su época\, o cuyo trabajo aún no ha cobrado su real dimensión en la historiografía del arte contemporáneo. En el marco de la muestra y en colaboración con el Archivo Alicia Penalba\, MALBA presentará la primera publicación de referencia sobre su obra\, que será coeditada con Ediciones RM. \n14.10.2016 — 19.02.2017\nCuradora: Victoria Giraudo\nSala 3. Nivel 1 + Explanada
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LOCATION:MALBA\, Av. Figueroa Alcorta 3415\, CABA\, Argentina
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SUMMARY:Miguel D’Arienzo. Margarita está linda la mar
DESCRIPTION:D’ Arienzo se libera y experimenta como un alquimista\, bajo los efectos del calor\, la transformación de la materia y los pigmentos. Logra manifestaciones espontáneas y genuinas frente a las propias órdenes de la naturaleza. Estallidos de color\, manchas y chorreados. Cuando se manifiesta en los grandes formatos\, con la incorporación de arena\, la pintura de D’ Arienzo se torna abstracta\, acercándose a una pintura de acción. Aparecen referencias a artistas plásticos universales\, como Diego Velázquez\, Paul klee y nuestro Antonio Berni. La pintura y el dibujo interactúan armoniosamente. Éste último\, con total autonomía\, concede acentos expresivos en las composiciones con una línea energética y deliberada que se aleja de las enseñanzas académicas recibidas. \nSu capacidad para determinar el diseño de la muestra y los distintos formatos es una evidencia de su hacer para la participación activa del público. Así\, con las instalaciones El teatro de títeres y Margarita llevando un elefante no hace más que acercar e incluir a los espectadores en la obra con el deseo de anular las distancias que los separan.Como una huida hacia otra realidad\, Rubén Darío y Miguel D’Arienzo deciden\, por medio de la inocencia\, la frescura y la fantasía\, conectarse con su propia infancia. Precisamente para reencontrarse con su más íntimo ser\, aquel niño interior que se manifiesta en un constante ir y venir a través de sus prácticas artísticas. \nLorena Oporto\nÁrea de Investigación y Archivo de Arte Argentino de Museo Sívori \n+ INFO
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LOCATION:Museo Eduardo Sívori\, Av. Infanta Isabel 555\, CABA\, Argentina
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